2025浦东美术馆与梵高、莫奈们共赴一场世纪艺术之约

风儿（谢绝赠花）

近日，冒着高温去看了上海浦东美术馆的“奥赛博物馆珍藏展”。这是最近魔都最火爆的展没有之一吧。

奥赛博物馆坐落于法国巴黎市中心的塞纳河左岸，由原奥赛火车站改而成，于1986年正式对外开放，现已成为享誉全球的艺术殿堂，馆内收藏的画以印象派和后印象派闻名于世，其馆藏规模与艺术价值，堪称全球之最。

这场展览是奥赛博物馆在中国大陆规模最大、作品最全、时间跨度最广的一次真迹展，共展出100余件19世纪中叶至20世纪初的法国绘画与雕塑杰作。展览阵容堪称“印象派天团”：梵高、莫奈、米勒、高更、马奈、德加、雷诺阿、塞尚……

这个展真的很值得一看。哪怕不懂艺术、不了解每一幅画背后的历史，也依然会被梵高的《自画像》、莫奈的《干草堆》、米勒的《拾穗者》……这些画震到心里。我们可能不懂画技，但看一眼那种笔触和颜色，也会明白为什么这些画可以流传百年。那种“人类居然能画出这种东西，居然可以细腻如此”的感叹，就已经够了。

为什么叫缔造现代？有没有朋友感到好奇？因为展览作品的时间节点，正是“现代艺术的起点”。展品时间范围：1848年到1914年（法国第二共和国开始到第一次世界大战前）。这一时期，法国艺术界发生了巨大变革：古典学院派逐渐让位于现实主义，印象派、新印象派、后印象派相继崛起。对“现代性”的关注成为主题：城市生活、工业化、普通人、主观情感等进入画面。此次展览中的后印象派大师梵高、印象派开创者莫奈、现实主义巨匠米勒、现代主义之父塞尚、象征主义先锋高更、印象派之父马奈、“新绘画”探索者德加、印象派核心人物雷诺阿、点彩画派领军者修拉、纳比派代表博纳尔等皆在其列。所以这些画家和他们的作品，缔造了“现代艺术”的诞生与雏形，是“现代”的奠基者。

站在这些历史真迹面前，那些画布上的笔触、色彩与情感仿佛都活了过来。库尔贝笔下的厚重、马奈光影中隐含的现代性宣言、莫奈捕捉的瞬息光色、高更原始而炽热的生命呐喊、梵高扭曲笔触下喷发的情感……

卡巴内尔《维纳斯的诞生》。这是一幅学院派的画，当年在官方沙龙展出时，被到场观看的拿破仑三世以4万法郎直接收藏。

《玩斗鸡的希腊年轻人》是法国学院派画家让·莱昂·热罗姆于1846年创作的油画，其创作继承了古典技法与浪漫主义风格的交融，画面以两名古希腊青年斗鸡竞技为题材，通过动态构图与服饰细节展现古典场景的张力。画家延续学院派对历史题材的考据传统，精准还原人物服饰纹理及人体结构，该作于1847年法国沙龙展获三等奖。

保罗・博德里 《马德莱娜・布罗昂》。画中女子面容精致柔和，嘴角噙着一抹微笑，眉眼弯弯，似在与画外人温柔对视，妩媚俏皮又不失端庄。最让人印象深刻的是画家对服饰的刻画，特别是黄金胸针和袖口的蕾丝。作家用细腻的笔触，将织物的质感、珠宝的光泽，以及女子的神韵完美融合。

画中人马德莱娜・布罗昂是当时一名著名的演员，这幅画像由她遗赠给奥赛博物馆，使我们今天有机会得见她的风采。

莱昂・博纳《帕斯卡夫人》，这是一幅让人印象深刻的顶天立地的大画。画中人帕斯卡夫人是一位金融家遗孀，也是当时著名的女演员，与当时诸多文豪如小仲马、福楼拜和莫泊桑交情匪浅。这幅作品尺寸巨大，在博纳的创作理念中，画作规格与人物地位息息相关。这幅画在沙龙展上一露面，就引起极大瞩目，左拉称之为“壮丽无比”。

埃内斯特 •迪埃 《于利斯 • 比坦》。画面中，画家身着黑衣，头戴贝雷帽，盖着灰色格纹毯，专注作画。背景是开阔的海景，远处隐约有岛屿轮廓，我们看不到他的画布，但是从他手持的颜料丰富的调色板，可以猜测他的画作色彩明亮，令人愉悦。

方丹-拉图尔《迪堡一家》，这是方丹为岳母一家画的合影。看家具布置，金色画框、红色扶手椅、画面边缘露出的瓶花，似乎是温馨的家庭场景。然而画中的人都一身黑衣，面容不见一丝笑意，四人的眼神没有交汇，几乎没有互动。一丝诡异，这不能算是一幅让人愉快的画作。

古斯塔夫·库尔贝《受伤的男人（自画像）》。画家低垂眼帘，斜靠在大树上，一把佩剑竖在一旁。也许是他在暗示与当时强大的保守势力搏斗后的休整，或是为爱情而伤。

米勒《拾穗者》，是我这次最期待的作品之一，有幸看到她的“真容”了。这是米勒在1857年创作的一幅油画，描绘了秋天收获粮食后，人们在地里捡拾剩余的麦穗。油画整体沉重而安静，画面里的三位农妇弯腰在地里拾麦穗：她们动作低伏、几乎贴地，显得沉重而艰辛，而画面的背景可以看到欢庆丰收的景象，这是用来对比前景的贫苦。米勒用极强的对比描绘了什么叫做“同一片土地，不同命运”，那令人喜悦的丰收不属于她们，贫穷的悲哀则更显突兀，为此，这幅画在当时上流社会是有争议的。然而，时间给出了答案，当历史的尘埃被抹去以后，什么才是高尚无暇的。米勒的《拾穗者》至今被巴黎奥赛博物馆视为“镇馆之宝”，它告诉我们并非只有高超的画技才能被人铭记，而那些剥离了傲慢与偏见，以赤诚之心看待整个世界的热忱，才是人类文明最宝贵的财富。

勒帕热的《干草》。这件作品第三次来上海展出，第一次是1970年代末的“法国十九世纪农村风景画”，第二次是2012年。它和米勒的《拾穗者》一样，让我们领略到了法国的写实主义艺术，尤其是对这种农民精神的刻画，入木三分。

马奈《埃米尔·左拉》。小说家左拉的黑色上衣衬出他的严肃性，而背后墙上的布置藏着那个时期巴黎艺术新风尚的秘密——浮世绘小画。

马奈《女人和扇子》。这幅画是马奈的代表作之一，描绘了一位穿着华丽的女性，她手持一把扇子，眼神中流露出一种神秘而优雅的气质。画面的背景简洁，主要聚焦于女性形象和扇子的细节，展现了马奈对光影和色彩的精湛掌控‌。

马奈《酒馆女招待》。创作期间，马奈常在蒙马特咖啡馆速写，反复调整构图以展现19世纪巴黎的咖啡馆场景。画面以近景截取视角呈现，女招待作为视觉中心直视观者，与目光投向舞台歌手的顾客形成空间联动。人物形象被切割强化瞬间真实感，明快色调与短促笔触结合烟斗、酒杯等元素，烘托出烟雾缭绕的喧闹氛围。通过舍弃传统轮廓线、分层着色处理光影，折射印象派对现实片段的捕捉。

马奈《海滩上》。这幅画是马奈和家人在一个沿海小镇居住的时候，让妻子和哥哥为他在海边做模特，所以这张画上就呈现出了无数的沙子和油彩汇合的样子。 在这幅画中，他妻子穿着防晒防风的衣服，戴着穆斯林式的面纱，还有一席很有层次感的衣裙，尽情地看着她的书。 马奈的哥哥注视着大海，倒在沙滩上， 以后背对着观众，他们仿佛沉浸在自己的世界之中。

莫奈《夏末的干草堆》。这是与睡莲齐名的系列作品中的一件。这些“干草堆”事实上是巨大的玉米堆。而翻译成“干草堆”或“干草垛”是对法语“Meules”的误译。莫奈描绘它们是“屹立在悬崖前的独居的金字塔”。尽管谷堆的外观古朴，实际上是一个相对较新的现象。只有在19世纪后半叶，当麦田产量足够富足时，它们才出现，100年后，联合收割机登场，这种谷堆就消失了。而这些吉维尼小镇周边的谷堆因为莫奈而被永远地留在了绘画史中。

莫奈《贝勒岛荒野海岸的岩石》。画中礁石密布，预示着凶险的大西洋航程，但对画家来说，却是画意十足的景观。莫奈曾说：“岩石、绝妙的洞穴是危险和残忍的，同时也蔚为壮观。”

毕沙罗《冬日里村庄一角的红色屋顶》。采用正午阳光下的红白色彩对比与厚实的色块笔触，以朱红屋顶与灰白墙壁构成主色调，辅以普鲁士蓝阴影增强冷暖对比。地面采用黄褐、赭石与群青交织，通过补色明暗关系表现积雪融化的质感。

保罗·塞尚 《塞尚夫人肖像》。塞尚为妻子所画的肖像——目中无神，却有一种静穆之美。这是塞尚在研究了古典主义诸位大师之后的创作，给予了之后百年间的艺术家们诸多启示。

雷诺阿《钢琴前的女孩》。创作这件作品时，雷诺阿陷入了极度的焦虑之中。因为卢森堡博物馆预订了这件作品，他为此重绘了五六次，以期最完美的效果。当这幅作品被挑走后，雷诺阿认为这是五六个版本中最不成功的一件，如今，其他几个版本分别收藏于巴黎橘园美术馆和纽约大都会博物馆。雷诺阿这一时期的此类题材与画风特别受到巴黎上层社会的青睐，作品很畅销。

雷若阿《乔治·夏庞蒂埃先生的夫人》。雷诺阿在1870年代后期通过作家左拉的引荐结识了乔治·夏庞蒂埃。夏庞蒂埃夫人的沙龙是当时巴黎重要的艺术社交场所，雷诺阿为拓展艺术赞助人群体，主动为夏庞蒂埃家族创作肖像。这幅作品在巴黎沙龙展获得广泛关注，标志着雷诺阿从印象派实验性创作向古典技法的回归。尽管艺术评论界对其创作动机存在“迎合市场而非艺术追求”的争议，但不可否认的是，该作使雷诺阿获得了首批重要艺术委托，为其后续发展奠定了经济基础。

德加《佩列蒂埃街歌剧院的舞蹈教室》。这幅画看似是对舞蹈演员排练现场的随意一瞥，其实构图非常有含义。为什么要把不起眼的压腿杆涂成红色？因为这是全画的平衡线。有了这根线，三间排练厅里的演员被串联了起来，而主厅的大理石拱门和屋顶部的装饰平行线也都有了呼应。画作最前端有一把看似漫不经心放置的椅子，其实是画家的另一关键安排，这把椅子拢住了画中所有的人，形成一个完整的闭环。

德加《在咖啡馆》。德加跟马奈一样，还喜欢画巴黎小店里的底层人物，画家这幅画采用了截断法，右边那位抽着烟斗的男顾客没有全部进入画框，这样的即时感，跟今天的普通人用手机在大街上拍下的画面极相似。德加用画笔记录下的“街拍”反而更加精准地刻画了一位无精打采的女士陷入沉闷无聊之中，眼神穿过面前的杯碟，呆望着自己的人生。这不免使人想到意大利新现实主义电影中的常见镜头，而这种拍摄手法要比德加晚一百年。

梵高的画在三楼展览空间，一进去门口那张大照片别以为是背景板，但其实很有意义，那张照片就是梵高在阿尔勒住的房子。

梵高，他是我们再熟悉不过的画家。他的命运令人唏嘘，也让全世界为之悲悯。他的画作，早已渗入现代生活的各个角落：做成乐高的《星空》、挂在咖啡馆或酒店墙上的《向日葵》、印在明信片上的自画像……几乎每个人都在不经意间，与他擦肩而过。展览中，他的《自画像》中，梵高以强烈的色彩和独特的笔触表现了自己的形象和内心世界。他直视着你，头发和黄胡子扎出画面，眼神里有麦田的灼热、有割耳的癫狂，也有对艺术近乎偏执的虔诚。原来伟大的作品从不是风花雪月，而是用生命熬煮的颜料，在画布上炸开的光。

《梵高在阿尔勒的卧室》，法国奥赛美术馆珍藏的是该油画的第三版，描绘的是梵高1888年旅居南法阿尔勒的黄房子，这幅油画，有人说代表了他当时焦虑精神失常的一种封闭状态，但给我的感觉画面是明亮欢快的。那淡蓝色的墙壁实在是太舒服了，纯净的色彩给人一种宁静的愉悦。还有那木质地板，带有岁月痕迹的质感比想象中更令人感到松弛。画中墙壁上挂着的其中一幅是梵高的自画像，是他画来送给自己的母亲做生日礼物的。很多不太了解梵高的人总以为他性情古怪，是不是感情也比较冷漠或者缺爱？恰恰相反，其实他是一个对人怀着强烈情感的人，比如对自己的母亲、亲近的妹妹、知己般的弟弟等。梵高曾寄信描绘了这个房间给他当时的好友高更，希望他住进自己的房子里，但高更在这里待了2个月便走了。传闻是两人吵架分开的，梵高在这里割下了自己的左耳，并因精神失常住进了当地的医院，并在那里完成了第三版的《卧室》画作。

不过在梵高《卧室》这个空间的两侧，一边放了高更的自画像，一边放了梵高的自画像。策展人让他俩时隔多年又在另一个时空相会。希望他们这次别再吵了。

保罗·高更《塔希提女人》。这是画家在塔希提岛（大溪地）期间创作此画，据说高更被岛上的环境和人所吸引，此幅画描绘了两个在塔希提岛如同天堂景象中的海滩女人。展示了当地岛民土处于一个理想化的、未被破坏的伊甸园之中。

第一次认识了点彩派的画，亮晶晶的，像彩色串珠，感觉很适合复制成毛茸茸的地毯。比起印象派，感觉点彩派更写实、更具体。

点彩画又称“分色主义”或“新印象派”，创始人为法国艺术家乔治·修拉和保罗·西涅克。这是19世纪末兴起的一种绘画技法，核心特点是通过“纯色小点”的密集排列，让观众的眼睛在视觉上混合颜色，从而形成完整的画面。上面梵高的自画像也是用点彩派的技法，描绘了自己身着翻领夹克、目光炯炯的样子。

乔治·修拉《模特背影》是点彩派艺术的代表作之一。展示了修拉对色彩和光线的精确控制，画面中的色点排列有序，形成了丰富的视觉效果。这幅作品不仅是对绘画技法的探索，也是对视觉感知的实验，对现代艺术和设计领域有着重要的启示作用。

西涅克《井边的女人》。属于点彩画派的作品。这幅画作展示了井边的女子形象，通过点彩技法展现了细腻的光影效果和丰富的色彩层次。西涅克是法国新印象派的重要人物之一，他的作品常常以自然景观和人物为主题，强调色彩和光线的变化‌。

吕斯《圣米歇尔堤岸与巴黎圣母院》。这幅画以点彩技法描绘了圣米歇尔码头和巴黎圣母院的壮丽景色。大教堂的暖色调垂直矗立，与冷色调的桥和堤岸形成鲜明对比，展现出画面的平衡与和谐。行人在画面中穿梭，仿佛成为了巴黎街头的一道风景线。这幅画不仅是风景的再现，更是对城市生活的生动描绘。吕斯以其独特的点彩技法，将这幅画作得生动而富有深度，让人仿佛置身于那繁华的巴黎街头。

瓦洛东《梳妆的女人》。瓦洛东擅长将日常场景转化为具有象征意味的画面。这幅画呈现了女子在梳妆台前的私密时刻，但通过简化的形式、克制的色彩和几何构图，赋予画面一种静谧而疏离的氛围。受浮世绘影响，他常以扁平化处理空间，强调轮廓线条。

博纳尔《白猫》。博纳尔作为“纳比派”最具代表性的艺术家之一，他说：“我不属于任何流派；我只想创造属于自己的艺术。”画家对猫倾注了极大的创作热情。体现出他对生活细节与梦幻感的敏锐捕捉——猫咪的动态线条。

博纳尔《欢愉》。泳池中的童年嬉戏，无不在欢快的笔触中回应其“游走于私密与装饰之间”的创作宣言。

除了殿堂级的绘画作品，雕塑也是本次展览不可错过的重要维度。展览呈现了二十余件雕塑佳作，包括现代雕塑奠基者罗丹的《维克多·雨果》，以及德加“芭蕾舞者”系列青铜像、高更塔希提时期的木雕作品等。下图罗丹 雕塑《维克多·雨果》。

下图高更的木雕作品，受塔希提土著文化影响，作品采用粗犷的雕刻手法和原始图腾元素。‌‌通过简化形体与夸张线条传递精神内涵，这个木雕作品融合了宗教神秘感与土著符号。‌‌

对我们普通观众而言，看“真迹”最大的意义，不是为了“考据”，而是为了更真实地接近画家的世界：画的大小、笔触的肌理、甚至是那一层层涂抹岁月留下的痕迹，这些，都是再高清的图片也传递不来的力量。

为还原奥赛博物馆的独特氛围，展览还在公共区域饰以奥赛标志性大钟，可以在此拍照打卡，在展厅之外延续沉浸感。

这个夏天，不出国门便可以享受一场艺术视觉盛宴，实在是一件美事。