音乐之都维也纳

马后炮

说起维也纳，让我想起的不是奥地利的首都，而是遍布中国大中城市里的“维也纳酒店”。不知道这些名为“维也纳”的酒店到底与维也纳有没有关系，就上网查了一下，下面是百度的权威解释。

维也纳酒店

维也纳酒店与奥地利维也纳没有直接关系。该酒店品牌是中国本土创立的中档商务酒店连锁品牌，并非源自奥地利的维也纳市。‌‌

维也纳酒店（Vienna Hotel Group）创立于1993年，总部位于深圳，是以中高端商务酒店为主营业务的连锁酒店集团，旗下拥有维纳斯皇家、维也纳国际、维也纳、3好酒店四大品牌，定位为“中国精品连锁酒店领袖品牌”，产品核心价值涵盖舒适典雅、顶尖美食、品质豪华、安全环保、音乐艺术、引领健康。截至2023年在全国开业超1400家分店，总规模达1800余家，拥有超过2000万注册会员，并以每年新开60-80家分店的速度发展。品牌在发展过程中形成了独特的艺术美学和产品体系，例如采用欧式古典设计元素，但其定位和运营完全基于中国市场。

从以上介绍来看，维也纳酒店和奥地利首都维也纳没有半毛钱的关系，这就不得不让人想起，曾有几何，国内不管是住宅小区还是家用电器、酒店名称，都取一些洋名来装点自己，给人一种好象是“高大上”的感觉。比如我现在居住的小区就叫圣地亚哥等，感兴趣的人也可以去搜寻一下自己的记忆，你还知道哪些中国本土的建筑、产品取洋名字的。

除了“维也纳酒店”给我留下了深刻印象外，就是一年一度的维也纳新年音乐会，这可真正发生在奥地利维也纳，的的确确与维也纳有关系了。

维也纳新年音乐会

维也纳新年音乐会（Neujahrskonzert der Wiener Philharmoniker）是于每年的当地时间1月1日上午在奥地利维也纳音乐之友协会的金色大厅举办，由维也纳爱乐乐团演出的音乐会。

维也纳的音乐会可以追溯工程19世纪。1847年12月31日，一场音乐会正在维也纳郊外一个露天舞台举行。当时莱比锡一家报纸描述道：“指挥是一个卷发，肤色黝黑的人。他的嘴唇微向上翘，给人一种富有天才的印象。他举起小提琴，随着琴头的摇动，明快流畅的音乐便从一个规模虽小但素质很高的乐队中飘荡出来”。这个肤色黝黑，“类似摩尔人”的指挥，便是老约翰·施特劳斯——辉煌的施特劳斯家族的创始者。

1873年4月22日，为了庆祝维也纳金色大厅里球型建筑的落成，小约翰·施特劳斯指挥维也纳爱乐乐团演出了他的作品《维也纳的气质圆舞曲》（Op.354）。据记载，施特劳斯是边演奏小提琴边指挥。当时的报道写道：“乐团尽职尽责，全心全力地演奏，使演出获得了‘施特劳斯式’的成功”。同年11月4日，在维也纳召开了世界博览会，小约翰·施特劳斯指挥维也纳爱乐乐团演奏了他家族的许多作品，其中包括著名的《蓝色多瑙河圆舞曲》。

1939年12月31日，维也纳金色大厅首次举办新年音乐会。1941年，改在每年1月1日上午举行。1946年，新年音乐会正式命名为“维也纳新年音乐会”。1959年，奥地利广播公司从开始对音乐会进行电视实况转播。 演出的曲目通常是约翰·施特劳斯和他的父兄以及他们同时代其他作曲家的圆舞曲、波尔卡、进行曲、轻歌剧序曲等。
1987年，中央电视台第一次引进音乐会的录像实况。1989年起，中央电视台用卫星同步直播维也纳新年音乐会的实况。但是中央电视台（CCTV）并非每年都转播维也纳新年音乐会。根据可查记录，CCTV从1997年起开始现场转播该音乐会，但转播并非连续无间断进行。‌例如，2005年CCTV首次派摄制组赴维也纳进行转播，此后每年元旦期间通常安排转播小组工作，形成惯例。‌然而，近年转播情况显示，CCTV（或中央广播电视总台）在2021年、2023年、2024年和2025年均进行了现场转播。‌

正是对维也纳有如此粗浅的认识，萌生了我要去维也纳一看究竟的想法。2025年我获得了申根签证，奥地利也是申根成员国，这样到访奥地利走近维也纳也就变得非常容易了。

奥地利共和国

奥地利共和国（德语：Republik Österreich，英语：The Republic of Austria），简称“奥地利”（Austria），是中欧南部的内陆国。东邻匈牙利和斯洛伐克，南接斯洛文尼亚和意大利，西连瑞士和列支敦士登，北与德国和捷克接壤，国土面积83882平方公里。全国划为9个州，首都为维也纳。截至2025年1月，奥地利人口918.2万。

公元996年，史书中第一次提及“奥地利”。12世纪中叶在巴本堡家族统治时期形成公国，成为独立国家。1278年开始了哈布斯堡王朝长达640年的统治。18世纪初，领土空前扩大。1815年维也纳会议后成立了以奥为首的德意志邦联，1866年，奥在普奥战争中战败，邦联解散。1867年与匈牙利签约，成立奥匈帝国。1918年第一次世界大战结束后，帝国解体，成立共和国。1938年3月被德国吞并。二战后被苏、美、英、法四国占领。1945年４月成立第二共和国。1955年5月，四个占领国同奥签订《重建独立和民主的奥地利国家条约》，宣布尊重奥的主权和独立。10月占领军撤出，奥重获独立。10月26日，奥国民议会通过《永久中立法》，宣布不参加任何军事同盟，不允许在其领土上设立外国军事基地。自1965年起，10月26日被定为奥国庆日。

维也纳

维也纳（德语：Wien，英语：Vienna）是奥地利共和国的首都，奥地利9个联邦省之一和最大城市。位于奥地利东北部阿尔卑斯山麓，多瑙河的南岸， 东西宽29.4千米，南北长22.8千米，市区面积414.87平方千米，由23个区组成。 2024年7月人口约为201.87万人。官方语言为奥地利标准德语。

维也纳三面环山，位于多瑙河畔，主要地形为丘陵和平原， 气候属于过渡型气候，天气温和。 维也纳在旧石器时代有人类活动，大约于公元五百年前建城，曾为多朝首都，1137年为奥地利公国首邑，15世纪以后成为神圣罗马帝国的首都和欧洲的经济中心。1867年成为奥匈帝国的首都，维也纳仍是欧洲的文化和帝国的政治中心。2020年维也纳成为欧盟第五大城市。 市政厅位于环形大道西侧 。

维也纳是奥地利最重要的制造业、银行业和保险业中心。主产业为食品、电子器材、化学药品等。第一产业以农业为主，主要产业为种植业和养殖业，第二产业主要有钢铁、机械制造等，第三产业以服务业为主。

维也纳是全球最适宜居住的城市之一， “全球宜居指数报告”，维也纳在10份榜单中8次摘得桂冠。是多元文化艺术之城 和世界音乐之都。浓缩了古希腊罗马时期以来的艺术， 有着维也纳历史中心、美泉宫2处世界文化遗产。

8世纪，维也纳成为欧洲古典音乐中心，养育了舒伯特、海顿、莫扎特、贝多芬等著名音乐家。维也纳在玛丽亚·铁列西娅母子当政期间通过改革推动艺术繁荣，逐渐发展为音乐之都。许多著名古典音乐作品诞生于此，市内拥有国家歌剧院、金色大厅等音乐设施，每年在金色大厅举行新年音乐会。

5月10日开启了奥地利自由行，上午7:35从伦敦希思罗机场起飞，经过2小时15分钟的飞行，于当地时间10:50（伦敦时间9:50）抵达维也纳国际机场，开启了4天的维也纳之旅。

出了机场后，根据事先做好的攻略，很顺利地到达了预订好的维也纳阿兹姆酒店，这家酒店距离中央车站只需步行5分钟。酒店的订单上明确提示在15点以后才能办理入住手续，所以我们便在酒店附近找了一家中餐馆吃了午餐，乘坐公交车去游玩。

美泉宫与美景宫的区别

在维也纳有两座著名的巴洛克风格宫殿美泉宫和美景宫，它们在历史背景、建筑特色、内部装潢及当前功能上存在显著差异。‌

美泉宫是奥地利哈布斯堡正室的避暑离宫，位于维也纳西南部。美泉宫得名于一眼泉水，这里原是一片开阔的绿地。传说1612年，马蒂亚斯皇帝狩猎至此，在此处发现一口漂亮的涌泉，饮用泉水清爽甘冽，遂命名此泉为“美丽泉”，此后“美泉”成为这一地区的名称。（德语：Schönen Brunnen）。

美泉宫‌始建于17世纪末，是巴洛克艺术建筑的典范，曾是神圣罗马帝国、奥地利帝国、奥匈帝国和哈布斯堡王朝家族的皇宫，现为著名旅游景点，1996年列入世界文化遗产名录。美泉宫‌规模宏大，以奢华建筑和法式花园著称，总面积达2.6万平方米。美泉宫‌内部装潢极尽奢华，侧重展示皇室生活场景，拥有1441间房间，其中44间为洛可可风格，45间对外开放。外观以标志性的“美泉黄”为主色调，设计对称庄重。宫殿内设中国式房间（紫檀、黑檀、象牙装饰）和日本式房间（泥金涂漆），陈列中国青瓷、明朝万历彩瓷等东方艺术品。皇家花园为法式林园，包含海神泉、凯旋门、罗马废墟等景观，可俯瞰维也纳全景。总的来说美泉宫主要是一种沉浸式皇家体验，可参观茜茜公主的梳妆台、皇帝的书房，后花园面积广阔，法式园林适合拍照。

美景宫‌由军事元帅欧根亲王于1700年兴建，作为其夏宫，1752年被哈布斯堡王朝购回。它并非皇室宫殿，而是亲王私人宅邸的演变，现为奥地利国家美术博物馆，以艺术收藏闻名‌。美景宫‌分为上宫和下宫两座建筑，依地势而建，整体规模小于美泉宫。上宫外墙浮雕精美，外观更显气派；花园以对称梯阶和喷泉为特色，融合法式设计元素。‌美景宫‌内部装潢相对朴素，核心功能为美术馆。上宫收藏克里姆特名作《吻》等19-20世纪艺术品，下宫聚焦中世纪与巴洛克艺术，艺术价值高于建筑本身。‌

美泉宫和美景宫哪个更值得一游？喜欢历史与皇家生活‌就选美泉宫，沉浸式体验皇室氛围。热爱艺术与拍照‌就选美景宫，欣赏名画和艺术藏品，拍照自由。如果时间充裕，建议两个都去，感受不同的维也纳风情。我选择了整个宫殿都去，只是各有侧重。美泉宫不进房间，以奢华建筑、皇家花园、法式林园及海神泉、凯旋门作为游玩重点；美景宫则把欣赏艺术品作为重点。下面就分别对这两个宫殿进行叙述。

美泉宫

当地时间13点我们乘车来到了位于奥地利维也纳西南部美泉宫（Schloss Schönbrunn）。如果只参观皇家花园、法式园林及海神泉、凯旋门，不进入美泉宫内部参观，是不收门票的。

美泉宫 人头狮身雕塑 人头狮身雕塑

在美泉宫前广场打卡拍照后，从大门进入美泉宫大院。

美泉宫正门

美泉宫正门前的游客

根据事先安排没有进入宫内参观，就从西侧面转到美泉宫背面的后花园游览。
进入美泉宫后花园后，眼前一片开阔，远远望去，凯旋门耸立在高山之上。两侧是占地2平方公里的后花园，有超过30万棵树的园林。经过特别修剪、造型别致的几何图形花坛和草坪根据季节不同组合成优美的图案，可媲美凡尔塞宫的皇家园林。林荫道旁的菩提树被剪成一面绿墙，道旁矗立着44尊古希腊神话故事中的人物雕像。

远眺凯旋门 美泉宫花园全景 花园里的马车 皇家园林一角

沿着碎石子铺成的道路面，走过一片片格局幽雅的花坛和草坪，欣赏了绿树墙里44座古希腊神话故事中的人物塑像，从皇家园林的高大树木下穿过，不知不觉走到了园林的尽头，便是一座“海神泉”（Neptunbrunnen），向东是皇宫名称由来但却不很起眼的“美泉”，美泉的正对面是一片人造的罗马废墟和一块方尖碑。

海神泉 海神泉回望美泉宫背面

来到海神泉众海神呆的平台，正对着就是美泉宫的背面，回头就是美泉宫的最高点凯旋门。

凯旋门倒映

从美泉宫大门一路爬坡，最终达到了美泉宫的最高点，也就是凯旋门所在的平台。

美泉宫凯旋门

站在美泉宫最高点，放眼望去，美泉宫与维也纳尽收眼底。

眺望维也纳

离开美泉宫回到酒店，天色渐晚。晚饭后又去了附近的美景宫，为第二天去熟悉熟悉线路。

5月11日在酒店用完早餐后，开启了今天的行程。今天主要是参观美景宫、维也纳金色音乐大厅、国家歌剧院和维也纳城市公园。

美景宫

徒步大约半个小时就来到了美景宫。有关美景宫的基本情况在前面做了介绍，这里就不再赘述。
美景宫由上、下美景宫组成，建筑风格宏伟华丽，现已成为奥地利国家美术馆的场所。游客们除了赏景之外，可以欣赏到许多著名的艺术作品。上美景宫用于对外展示，是世界最大克林姆特收藏馆，收藏有其包括《吻》在内的24幅绘画，还藏有莫奈、梵高、席勒等大师的作品。下美景宫则是欧根亲王的居住宫殿，怪诞厅、大理石节庆厅和黄金厅尽显奢华。
美景宫的历史也十分丰富，1781年上美景宫向公众开放，成为世界上最早的公共艺术博物馆之一。如今，美景宫已被列入联合国科教文组织世界遗产名录，是艺术爱好者和历史爱好者的必访之地。毫无疑问，我把参观的重点放在了上美景宫。
我们从南门进入美景宫大院。

美景宫南门

进入美景宫庭院，眼神通过草坪、花坛和幽兰的水池，雄伟的宫殿（应该是上美景宫）展现在眼前。

上美景宫

由于事先没有在官网上预约美景宫的门票，所以首先来到了售票处购票。美景宫的门票也分上下美景宫，而且票价也不相同。

上美景宫：全票：‌21欧元；优惠票：（26周岁及以下持有学生证、65周岁及以上）‌19.5欧元‌。我超过了65岁，出示护照买了优惠票，虽然只优惠了1.5欧元，也算享受到了优惠了。

博物馆的票分时段，不到时间是不能进入的。在距我进入博物馆的时段还有一个多小时，就在上下美景宫之间的花园游玩。

美景宫的花园是一片壮丽的巴洛克式园林景观，包括分层喷泉、雕塑、修剪整齐的草坪和对称的步道，花园的尽头就是下美景宫宫殿。‌

美景宫花园 美景宫花园

美景宫花园里有许多各种斯芬克斯雕像，他们都是狮身人面，每个面容姣好，仔细看时会发现它们长的都不一样。

斯芬克斯雕像 斯芬克斯雕像 斯芬克斯雕像

到点进入上美景宫，大厅比较简单，没有过多的装饰和摆设，最吸引眼球的就是金属材料雕塑的猫耳。

猫耳雕塑

大厅的天顶画还是比较特别的。

天顶画

下面介绍几幅美景宫藏画。

《吻》

世界著名油画《吻》（The Kiss），是美景宫美术馆的镇馆之宝，奥地利象征主义画家古斯塔夫·克里姆特（Gustav Klimt）的作品，克里姆特最著名的作品之一。

《吻》（The Kiss）

古斯塔夫.克里姆特（Gusrav Klimt 1862-1918年），奥地利表现主义画家，维也纳分享派的创始人，在近现代欧洲画坛独树一帜。

《吻》是一幅表现爱的抽象主题寓意的杰作，在开满鲜花的草地上，男人轻柔地抱起女人的头，富有激情地亲吻着女主人公的脸颊。男人身上的装饰都是方正色块，由黑白黄三色方块构成，象征了男人棱角分明，坚强的特质。女人身上是感性的圆形图案与流动的线条，代表了女性的柔媚和温柔圆润。女人一条手臂搂着男人的脖颈，一只手紧抓着男人的手，闭着眼睛尽情享受着幸福的感觉。她的表情是迷醉的、满足的，甚至似乎还有些害怕这幸福时刻的结束。在画面形式营造上调动了各种艺术手段，诸如线条和色块的组合，色彩中掺入金粉，使画面呈现出美妙温馨的梦幻场景。当时很少有画家会把这么亮的黄色（金箔）用在画里，不同的黄色按着几何图形拼凑在一起，很容易就抓住眼球。

《索尼亚·尼普斯像》

《索尼亚·尼普斯像》是克里姆特1898年创作的布面油画，画作规格为145cm×145cm。

《索尼亚·尼普斯像》

该作品是克里姆特采用象征主义、日本风和印象主义混合风格的首件肖像画，结合写实手法与诗意内涵，也是其首次描绘维也纳上层社会贵妇的肖像作品。画面以深色背景衬托端坐的女性形象，通过面部细节刻画与衣裙朦胧质感的对比，结合黑白分布及冷暖色调过渡，突出人物的身份气质，呈现出简洁的视觉效果。

《弗里扎·里德勒的肖像》

《弗里扎·里德勒的肖像》是克里姆特1906年年创作的布面油画，画作规格153 x 133厘米，是克里姆特花了很长时间来完成的。

《弗里扎·里德勒的肖像》

在这幅画中，克里姆特以专业、精确和性感的方式描绘了裙子的面料以及模特的脸和手，令人印象深刻。这种细致的现实主义与扶手椅的装饰图案和背景设计中近乎抽象的几何形状截然相反。克里姆特肖像画中经常表现出的超现实主义与装饰性抽象之间的对抗最终成为这位艺术大师最伟大的创新之一。这帮助他的艺术远远超出了传统的新艺术风格。

《卡默城堡的公园大道》

《卡默城堡的公园大道》（Avenue in the Park of Schloss Kammer）这幅风景画‌是克里姆特于1912年创作的，是其描绘卡默城堡系列作品之一，也是克里姆特风景画的典范。它将自然景观化为充满象征意义的装饰性图案，体现了艺术家对自然的主观感受和对“装饰性艺术”的追求，是连接自然主义与象征主义的桥梁。 《卡默城堡的公园大道》

画面聚焦于一条粗糙树木大道，尽头可见城堡入口，展现了艺术家对夏日避暑胜地景色的捕捉与表现。克里姆特运用了标志性的金色颜料和细密的笔触，将树叶的光影和树干的质感表现得迷幻而富有装饰性，整体构图对称，充满秩序感。

《向日葵农场花园》

《向日葵农场花园》这幅布面油画，由克林姆特创作于1905-1906年。画作规格为110 x 110 cm。

《向日葵农场花园》

画中，一簇簇小花在画布上方蓬勃生长，甚至比向日葵还要高，这独特的构图暗示了花园位于陡峭的斜坡之上。克林姆在花卉画作中运用了浓重的笔触和纯色，部分灵感来源于他在维也纳米特克画廊参观的梵高展览。他将这位荷兰艺术家的技巧融入自己的“印象派兼点彩派”画风中，成功创作出富有感染力和生命力的画作。

《拿破仑翻越阿尔卑斯山》

《拿破仑翻越阿尔卑斯山》（Napoleon at the Great St. Bernhard Pass）是法国新古典主义画家雅克-路易·大卫于1801年创作的这幅作品，描绘了拿破仑·波拿巴越过圣伯纳隘口的场景。‌
雅克-路易·大卫（Jacques- Louis David，1748-1825），法国大革命期间，他投身政治，后因加入雅各宾党而被捕入狱。1799年拿破仑执政后，启用他为首席宫廷画家。在此期间创作了许多为拿破仑歌功颂德的作品。

《拿破仑翻越阿尔卑斯山》

这幅画刻画了1800年第二次反法同盟战争期间（1798-1802），拿破仑率军登上险峻的阿尔卑斯山，为争取时间出其不意地抄近道翻越阿尔卑斯山进入意大利的情景。拿破仑军队进入意大利后，切断了反法同盟中奥地利军队的供给线，并在随后的马伦戈（Marrngo）战役中一举击败奥地利军队。画面中的人物上战马如同古代雕塑一般，轮廓清晰、构图均衡，表现出极强的英雄气概。这个系列大卫共绘制了5幅同一题材油画，2幅在凡尔赛宫，1幅在德国柏林的夏洛腾堡宫，1幅在法国吕埃马勒梅松马尔梅松城堡。美景宫所藏版本与凡尔赛宫原作最为接近。‌画作虽在细节上与史实有所出入，但其宏大的构图与英雄式的表现手法使之成为经典历史题材作品。

出了美景宫，徒步半个小时就来到了维也纳金色音乐大厅所在的街区，来碰碰运气看看能不能进去参观一下金色大厅。

维也纳金色大厅

维也纳音乐协会金色大厅，简称金色大厅，又称黄金厅、维也纳爱乐厅。由丹麦建筑师特奥菲尔·汉森设计，1867年始建，1869年竣工，位于维也纳贝森多夫大街12号维也纳音乐之友协会大楼中。是意大利文艺复兴式建筑，采用新古典主义风格，是维也纳最古老、最现代化的音乐厅，被公认为世界上音响效果最出色的音乐厅之一。

金色大厅是一个狭长矩形平面的演出场所。大厅长48.80米、宽19.10米、高17.75米，总占地面积932.08平方米。观众席分上下两层，共有座位1744个和站席300个。其屋顶是平顶镶板，两侧有楼厅和音乐女神的雕像，这些具有美学意义的装饰物使直接撞击到墙壁上的音乐有延长和舒缓的作用。木质地板和墙壁形成类似小提琴共鸣箱的声学效果，听众无论处于任何位置都能享受到高品质音乐，天花板和墙壁使用防静电干扰材料。按照传统，每年维也纳新年音乐会在此举行并通过电视转播。

维也纳金色音乐大厅的门票价格因演出类型、座位区域和购票时间而异，没有统一固定票价。以下是根据最新信息整理的门票详情：

‌ 常规音乐会票价‌：座位票价格区间较大，通常在 ‌40欧元至200欧元‌ 之间，具体取决于演出阵容和座位位置。例如，二楼侧面靠前位置的性价比高，约50欧元；而VIP区或著名乐团演出的票价可能更高。‌站票‌：是经济实惠的选择，通常在开演前90分钟发售，价格约为 ‌5欧元‌，但需现场排队抢位。‌特价票‌：有时会推出限时优惠，座位票曾出现低至19欧元的特价，但数量有限。‌旅游套餐票‌：部分一日游产品包含金色大厅门票。儿童票‌：通常实行‌大小同价‌，儿童需持票入场，且与成人同座。

购票方式有官方网站‌：最推荐的购票方式，信息实时准确，支持多语言，可提前选座。现场购票‌：售票处开放时间为‌周一至周五 9:00-20:00，周六 9:00-13:00‌（周日休息）。当天购买可能有现金折扣，尤其临近开演时可能有余票。‌第三方平台‌：如携程、去哪儿等旅游平台提供门票代订服务，但需注意选择正规机构，避免加价。‌旅行社代办‌：可委托正规旅行社办理，但需提前预约并确认票源。‌

‌ 演出时间‌：金色大厅并非每日开放参观，主要功能为演出场所。普通游客如无演出票，仅能参加‌每日下午1点的英语导览团‌（票价约6.5欧元），以了解建筑历史。‌

由于这次来奥地利旅行是临时起意，所以没有提前在网上预订金色大厅演出门票。对能否进入大厅是有思想准备的，唯一抱有侥幸心理的是参加每日下午1点的英语导览团，进入大厅感受感受感受这座世界公认的音乐殿堂的音乐氛围。但我忽略一个问题，2025年5月11日是周日，金色大厅休息不对外开放。

金色大厅正面

我站在金色大厅门口的街道上，遗憾地看着这幢建筑，无奈是拍了几张照片，便悻悻离开了。

奥地利国家歌剧院

距离金色大厅不远处就是奥地利国家歌剧院，心想既然进不去金色大厅，如果能进入国家歌剧院参观或看场歌剧也是一件非常开心的事，所以就导航前往歌剧院。徒步几分钟就到了歌剧院。

维也纳国家歌剧院

维也纳国家歌剧院是世界上最著名的歌剧院，也是世界四大歌剧院之一，素有“世界歌剧中心”之称，也是维也纳的主要象征。它坐落在维也纳老城环行大道上，原是皇家宫廷剧院，其前身是17世纪维也纳城堡广场木结构的包厢剧院。始建于1861 年，历时8年完工，由奥地利著名建筑师西克斯鲍和谬尔设计督造。整个剧院的面积有9000平方米，观众席共有六层，楼上楼下共有1642个座椅，背后还有567个站位，三层还有100多个包厢。剧场正中是舞台，总面积为1508平方米，包括三部分：前台、侧台和后台。舞台总高度为53米，深度为50米。舞台能自动回旋、升降、横里开阖。乐池也很宽大，可容纳110人的乐队。歌剧院拥有2个芭蕾舞练习厅和3个剧团练习厅、1个364 平方米的彩排舞台、10个独唱演员练习室、1个大型风琴室，还有几十个演员化妆室。一个电视电台转播室，剧场内各个位置都可收进荧光屏中。

维也纳国家歌剧院的门票价格因演出类型、座位位置和购票渠道而异，没有统一的固定价格。
普通票价范围‌：门票价格跨度较大，经济型站票（站位）是性价比最高的选择，价格约为‌25欧元‌。普通座位的票价通常从‌120欧元‌起，中等位置的票价多在‌200欧元‌左右，而VIP包厢或最佳座位的票价可高达‌800欧元‌。‌
‌ 特殊票种‌：剧院提供‌学生票‌，凭有效学生证可享受优惠，价格约为‌120欧元‌。‌
‌ 参观导览票‌：如果仅想参观歌剧院建筑而不观看演出，可以购买‌导览游门票‌。这类门票通常包含专业讲解，价格会低于演出票，但具体金额需以官方当日公布为准。‌
和金色音乐大厅一样，周日休息不对外开放，别说看演出了，就是进去参观一下建筑都成了奢望。

既然进不去剧院，就到剧院的回廊走走也算来过了。到了回廊，有很多人拿着图片、广告牌在招揽生意。由于语言不通，仅从图片和演奏的乐曲看，感觉他们是在推销金色大厅的门票，就和他们连说带比划的聊了起来。他们介绍了座位不同票价不同以及最终优惠价。我以为运气爆棚了，可是我让他们明确是维也纳金色音乐大厅时，他们却躲躲闪闪避尔不答。我突然也有所悟，从他们介绍的图片中看出，演奏的场所绝对不是金色音乐大厅，就抓紧摆脱了他们的纠缠。

维也纳城市公园

金色大厅进不去，国家歌剧院也进不去，就按计划去维也纳城市公园，那里有‌约翰·施特劳斯金色雕像‌，是这座“音乐之都”最具代表性的地标之一。

约翰·施特劳斯金色雕像‌

在拍摄雕像时，有一个要靠在雕像基座旁打盹，旁边还放了一杯咖啡。不管有多少人对着雕像拍照，好像根本和他没有关系，偶尔还睁开眼睛看看大家。真不知道是不是精神正常与否，不过那是人家的自由，谁也不能去让他躲躲。

约翰·施特劳斯金色雕像‌

这座镀金青铜雕像因其通体金光闪耀，被当地人亲切地称为“‌小金人‌”，用以纪念被誉为“圆舞曲之王”的作曲家小约翰·施特劳斯。雕像于‌1921年6月21日‌正式揭幕，在落成仪式上，维也纳爱乐乐团现场演奏了施特劳斯的不朽名作《蓝色多瑙河》，这一传统延续至今，每逢夏季常有乐团在此即兴演出，使雕像所在区域成为流动的露天音乐厅。

由于是周末，公园里人来人往，很是热闹。我们随大流在公园里漫无目的溜达着，时而坐下来休息时而住足观看一些杂耍，缓解一天的疲劳，傍晚时分回到酒店休息。

5月12日今天的行程主要是参观维也纳正义宫、维也纳黑死病纪念柱、安可钟、奥地利议会大厦、阿尔贝蒂娜博物馆。

维也纳正义宫

正义宫（Justizpalast）是奥地利首都维也纳的一座标志性司法建筑，也是欧洲最富艺术美感的法院之一，融合了庄严的法律象征与华丽的新文艺复兴建筑风格。它不仅是奥地利联邦最高法院、联邦行政法院及多个州级司法机构的办公地，还因其独特的历史与美学价值，成为游客悄然探访的“隐藏景点”。

这座仍在运作的最高法院‌免费向公众开放‌，只需通过安检即可进入参观。我们在该法院的网站上预约了12日上午8:30进入参观。早餐后，我们徒步来到了正义宫门口，按程序检查了护照和随身携带的物品。安检很严格，我携带的大疆pocket 3手持云台相机的手柄可以当作微型三脚架使用而被禁止带入，便斩存在安检处。

正义厅始建于1875年至1881年间，整体呈现新文艺复兴风格，外观对称庄重，采用古典柱式与严谨几何构图，彰显法律的理性与权威。

正义厅大门

步入正义宫，最引人注目的是气派的中央大厅和通往二楼的大理石阶梯。阳光透过半椭圆形玻璃穹顶洒落，照亮整座空间，营造出肃穆而神圣的氛围。位于楼梯中央平台高处的正义女神Justitia雕像，右手持金剑、左手按法典，面容严肃，被誉为“世界最美正义女神像”，神龛上方镶嵌着象征公平审判的红色天平秤和哈布斯堡王朝象征——双头鹰浮雕，体现其历史渊源。 正义厅大厅 正义女神、红色天平秤及双头鹰浮雕

大厅里的人不是太多，拍照留念的是游客，来去匆匆的要么是来法院办事的要么是法院的工作人员，他们进进出出于房间。由于法院正常运作，所以供游人参观的范围局限于大厅及二楼走廊。

二楼走廊

正义厅除了大厅和二楼走廊对外开放外，其他办公区域不对外开放，所以很快就参观游览完了，取上“被”保存的手持相机的三脚架手柄离开了高等法院，前往今天的第二站，黑死病纪念柱。

黑死病纪念柱

黑死病是14世纪中叶在欧洲大规模流行的烈性传染病，由鼠疫杆菌引起，主要通过跳蚤叮咬或接触感染者的体液传播，典型症状包括高热、淋巴结肿痛（腺鼠疫）、咳血（肺鼠疫）等，致死率极高，曾导致欧洲约30%-50%人口死亡。

1679年鼠疫导致维也纳约三分之二人口死亡，约1.2万人丧生。 利奥波特一世为纪念受难者，下令建造鼠疫柱。该纪念柱最初于1679年动工，为木制结构，1683年重做总体设计后改建为石材，由雕塑家保罗·斯特鲁德尔设计，于1693年完工，纪念柱高约21米，其建筑形制成为欧洲同类纪念柱的建造典范，也是欧洲最大的巴洛克式黑死病纪念柱。

黑死病纪念柱

黑死病纪念柱

鼠疫柱（又称三位一体柱、黑死病纪念柱）主体由白色石材雕刻而成。 其顶端为金光灿灿的圣三位一体像，象征着对上帝的感恩与祈求。 下方雕刻有九位天使立于云端，他们被视为神与人之间的使者。在艺术表现上，天使将象征鼠疫的瘦骨嶙峋的老妪（或女巫）推向地狱，寓意着人类终将战胜厄运与疾病。 纪念柱共有三层基座，三个立面分别装饰着代表哈布斯堡家族统治核心领地的盾徽：代表神圣罗马帝国的双头鹰、代表波西米亚王国的双尾狮以及代表匈牙利王国的红白条双十字盾徽。 每个盾徽旁的天使手持书卷，分别刻有“圣父创世者”、“圣灵净化者”、“圣子救世主”的拉丁文字样。基座的三面还刻有拉丁文誓言，内容包括赞美上帝、皇帝在1679年许下的感恩誓言以及祈求上帝永远护佑其家族与领地的誓词。该纪念柱最初于1679年疫情后树立了一根临时木柱，后由雕塑家保罗·斯特鲁德尔（Paul Strudel）等人重新设计，于1693年至1694年间完工并揭幕，成为永久性纪念建筑。如今为了加以保护，鼠疫柱已经被罩上了一张大网

柱身的主要雕塑是神圣罗马帝国皇帝利奥波德一世的跪姿像。 他摘下皇冠，半跪于地，右手抚胸，虔诚地向上帝祈祷，作为臣民的代祷者祈求保佑。

神圣罗马帝国皇帝利奥波德一世的跪姿像

从黑死病纪念柱前行三四分钟，穿过斯蒂芬广场，就来到了斯蒂芬大教堂。

斯蒂芬大教堂

维也纳斯蒂芬大教堂（Wiener Stephansdom）是全世界最著名的哥特式教堂之一，以其高耸入云的哥特式塔楼和东方色彩的屋顶图案闻名，有“维也纳精魂”之美誉，自古便被认为是维也纳的城市标帜。
　　座堂地处维也纳市中心，由1座主体楼和3座楼塔组成，以高达138米的锥形南塔最为壮观，其高度仅次于科隆教堂和乌尔姆教堂，居世界第三。镶嵌在屋顶上的青黄两色的瓦片也格外光彩夺目。

　　十四世纪开始，在鲁道夫四世公爵等哈布斯堡王室的倡导下，教堂的建设开始以哥特式风格为主；十五世纪，南塔的建造完成；十六世纪，北塔的尾期工作结束；十八世纪，斯特凡大教堂的高塔完工。除了1687年土耳其人兵临城下和1809年拿破仑大军再次破门而入之外，斯特凡大教堂的建设工作几乎一直都在进行。
　　斯蒂芬大教堂在二战中曾因遭受炮火袭击引起火灾，当时教堂的屋顶、铜钟、管风琴和大部份玻璃窗画毁于一旦，战后修复工作从1948年开始，全奥地利的九个联邦州分别负责修复大教堂的某一个部分，历经十年让教堂重现原貌，成为奥地利人民精诚团结的一段佳话。每逢节日，前来教堂祈祷膜拜的人络绎不绝。

圣史蒂芬大教堂

进入教堂本身是免费的，如果只是想简单打卡拍照，这个方式是最划算的，当然我就是采用这种方式了。如果要进入核心区域，那就得购票进入了。核心区域是指大教堂（含语音导览）、北塔（电梯来回、普默林大钟），南塔（需爬343级台阶）、地下墓穴、大教堂博物馆，通票人格25欧。也可以分开购票，具体查问相关资料。

走进大教堂内部，殿内建筑浩繁，装饰精美，正殿由两排哥特式的柱子划分为三部分，阳光从圣坛背后唯一的两块免遭摧残的玻璃窗画射进大厅，一缕缕五彩缤纷的光线为教堂增添了一丝神秘的气氛。 教堂大厅 圣坛

出了斯蒂芬大教堂，要在当地时间12点之前赶到安可钟，去观看安可钟整点展现的历史人物雕像表演。

安可钟

安可钟（Ankeruhr）是维也纳新艺术运动代表作，由画家Franz Matsch设计，1911-1914年建造，1914年8月22日安装于原安可保险公司（今Helvetia保险公司）天桥，现属维也纳地标性公共艺术装置。其建筑与机械融合的设计，使安可钟成为维也纳城市历史与艺术结合的象征，被多部旅游攻略列为格拉本大街核心打卡点，与圣斯蒂芬大教堂等景点并列推荐。

安可钟直径4米，所在天桥跨度10米、高7.5米，以整点机械表演闻名：每小时正点通过机械装置展现维也纳历史名人雕像并演奏对应音乐（如古罗马皇帝马尔库斯·奥列里乌斯配古典乐、约瑟夫·海顿配其交响曲）；中午12点十二组人物依次出场，并在10分钟内呈现，伴随相应音乐。

从斯蒂芬大教堂到安可钟所在的Helvetia保险公司天桥只有三百多米，步行五六分钟就到了。那里已经聚集了很多人，大家都仰着头看着安可钟，等待正午12时的表演。

安可钟

大约等了七八分钟，表演就开始了。先是和普通钟声一样响了60秒，然后从一点开始一直到12点，‌12位对维也纳或奥地利历史具有重要影响的人物‌伴随着悠扬的音乐依次展示，每人代表一个世纪，从古罗马时期到18世纪左右。

这12名历史人物尽管没有一份完全统一的官方名单，但‌最常被提及的12位人物通常包括‌：

马尔库斯·奥列里乌斯‌（Marcus Aurelius）、查理大帝‌（Charlemagne）、鲁道夫一世‌（Rudolf I）、阿尔布雷希特一世‌（Albrecht I，哈布斯堡家族重要成员）、西吉斯蒙德‌（Sigismund，神圣罗马皇帝）、腓特烈三世‌（Frederick III）、马克西米利安一世‌（Maximilian I）、欧根亲王‌（Prince Eugene of Savoy）、弗朗茨一世‌（Francis I）、玛丽亚·特蕾莎‌（Maria Theresa）、约瑟夫二世‌（Joseph II）、约瑟夫·海顿‌（Joseph Haydn）。

下面的视频完整地显现了他们的表演，由于时间要经历10分钟，这里加速10倍播放。

12名历史人物依次展现

离开安可钟，离预约参观奥地利国会大厦的时间已经很近了，所以又急急忙忙前往。安可钟距离国会大厦不到1.5公里，徒步二十多分钟就到了国会大厦。

奥地利国会大厦

国会大厦位于维也纳市区中心的环城大道旁，毗邻市政厅公园和霍夫宫，是奥地利国民议会与奥地利联邦议会所在地，有“欧洲最美国会大厦”之称。由丹麦建筑师特奥菲尔·汉森设计，建于1874年至1883年，采用希腊式风格，象征民主起源。原隶属于哈布斯堡王朝的奥地利国会，1918年成为奥地利共和国议会所在地，1945年部分被毁后重建。大厦前面是有名的雅典娜雕像，左手持有权杖，代表公正，右手托着胜利女神，她脚下的雕塑象征着当年奥匈帝国的四大河流：多瑙河、莱茵河、易北河和摩尔多瓦河。

门廊的斜坡上放置有古希腊和古罗马历史学家的雕像，以提醒政客时刻牢记身上的历史重任。正立面的7根科斯林圆柱气势恢宏，大厦正面三角檐上雕刻的是弗朗茨一世皇帝向17个民族颁发宪法的场景。

奥地利国会大厦

游客中心位于雅典娜雕像的后方，每天9:30开放，参观大厦需要购票，购票时须出示有效证件，购票后经过安检便可进入大厦。进入大厦后，先到服务台免费领取语音讲解器，讲解语言有英语和德语，没有中文但必须要选一种语言，否则无法进行分组，我只好选择了英语。选择完讲解器后，根据指示到英语区分组等候，每组大约三十人左右，佩戴不同颜色的参观证以示区分。

等候区里聚集了很多人，每人都佩戴了语音讲解器，由大厦的导览员给大家讲些什么，我是一句也没有听懂。大约等了二三十分钟，轮到我们这组人进场了。

我们在大厦配备的导览员带领走进大厦的大厅，首先映入眼帘的是雅典卫城上伊瑞克提翁神庙圆柱的青铜复制品，除此之外还有阿波罗，雅典娜，宙斯，赫拉、赫菲斯托斯等希腊神祇雕像的复制品，这里是名为“上前厅”（Upper Vestibule）的贵宾接待室，这里也是接待外国元首的地方。

柱廊大厅

先到了有名的“柱廊大厅”（Colonnaded Hall），大厅整体采取了卫城神庙的设计风格，约有半个足球场那么大。由24根科斯林圆柱支撑，每根有16吨重，地面由白色大理石铺设，宽敞大气。柱廊大厅是奥地利国会大厦的中心大厅，这里曾是议员辩论的地方，现在主要用于会客和展览，有时也用于举办音乐会。

柱廊大厅

联邦议事厅

联邦议事厅（The Federal Assembly Chamber）是奥匈帝国时期的原始议会厅，其设计灵感来源于古希腊剧场，座位呈半圆形分布，玻璃屋顶用手绘油画装饰，十分精致。正前方10座古罗马智慧统治者塑像及墙壁上镶嵌的金箔绘画，体现了人民向往和平，希望政治家带领人民，从战争走向和平的美好愿望。这里曾是君主制时各领主会晤的地方，现在这个大厅通常只用于联邦总统就职典礼、议会两院同时开会或其他国家级重大活动。

联邦议事厅 联邦议事厅

国民议会厅

继续前行便来到了国民议会厅（National Council Chamber），大厅的装饰同样仿造古希腊剧场，曾在二战中遭摧毁，重建后的国民议会厅配色更为丰富，主席台的墙上挂有奥地利的老鹰标徽，旁边装饰着希腊政客名流的雕像。这里是议员议事、辩论的地方。

国民议会厅

国民议会厅

联邦会议厅

联邦议会厅（The Federal Council Chamber ）是奥地利联邦议会（Bundesrat）的议事场所，大厅用大理石装饰，摆放有奥地利9个省会的徽章，以示九省共同参与法律的拟定和起草，象征着奥地利九个联邦州在国家立法中的共同参与。现用于举行国民会议。

联邦议会厅 联邦议会厅

参观议会大厦时应该注意一点，就是紧跟团队和导览，因为每进一个会议厅或门厅，都需要刷卡才能出入，而且只有导览有门禁卡，游客是不能随意出入的。

走廊与会议厅之间都需要门禁卡才能出入

离开国会大厦，穿过霍夫堡，步行约二十分钟便来到了阿尔贝蒂娜博物馆参观。

阿尔贝蒂娜博物馆

阿尔贝蒂娜博物馆（Albertina）是位于维也纳的一座艺术博物馆，其馆舍原为18世纪末建成的哈布斯堡王朝皇室官邸 。该博物馆以阿尔贝特·卡西米尔公爵的收藏为基础，拥有世界上重要的版画收藏，包括约6.5万幅素描和超过100万幅古典版画。博物馆建筑最初为Tarouca宫，1794年起成为公爵夫妇的居所并陈列其艺术收藏，1921年被正式命名为“阿尔贝蒂娜”。馆藏在二战期间受损，战后得以重建，并在1998年至2003年间进行了大规模翻新。2018年，阿尔贝蒂娜博物馆被列入‘全球七大城市奇观’。

阿尔贝蒂娜博物馆是世界上著名的博物馆，馆内共藏有6万多幅绘画作品和1万多件版画，这些藏品中包括有丢勒的《野兔》、《祈祷的双手》、鲁本斯对儿童研究题材的绘画以及席勒、塞尚、克里姆特、柯克施卡、毕加索和罗森伯格等艺术家的伟大作品。这里是高雅艺术与帝国风采的结合。这所享有国际声誉，拥有现代化装饰的美术艺术博物馆建立在霍夫堡宫殿的一端。从摄影到绘画，科技到雕刻，自然界到外太空，人类艺术史上的伟大作品几乎在这里都可以找到相关的印记。

下面展示几幅名家的画作：

《野兔》

《野兔》是丢勒的传世名画。几近完美的渲染手法，让它成为几个世纪以来水彩画的标杆之作。它不仅是“维也纳的非官方吉祥物”，也是阿尔贝蒂娜博物馆的镇馆之宝。但由于水彩画脆弱的特性，此画无法经常对外展出。每次经过最多3个月的展示后，《野兔》就需在黑暗、控制湿度的保管室内存放5年。最近一次展出是2020年，很有幸在2025年我见到了这幅画的真迹。

《野兔》

丢勒在1502年完成了这幅《野兔》。画作的确切目的我们不得而知。人们推测，可能是想在他的素描本中给他的学生们留下绘画范本，或是为日后委约画作的人展示他的绘画能力。在丢勒那个年代，动物多数与宗教人物或神话故事一起出现，单单描绘动物多数只是观察记录、随手素描或准备草稿之用。而他突破规则，在1502年创作了当时世界上罕见的动物水彩画。

几个世纪以来，《野兔》一直吸引着公众的视线。其中的原因，大概是这只小兔子看起来如此栩栩如生吧！就好像它在那个年代真的存在过，成为了丢勒的模特。仔细看会发现，甚至画室窗户的十字窗框也反映在了兔子的眼中。也正因如此，这幅画可以说是丢勒精湛画技的有力证明，他可能完全是按照独特的照片式记忆，再现了这只逼真的野兔。

《野兔》局部放大图：兔子眼中画室窗户的十字窗框

博物馆中还藏有丢勒的《祈祷的双手》、《犀牛》等作品也许是保管在室内的缘故，未曾看到。

《水仙女》

古斯塔夫·克里姆特(Gustav Klimt)的水仙女，布面油画尺寸: 82cm × 52cm，创作于1899年。克里姆特在讲述《吻》这幅画的时已经做了介绍，这里就不再赘述。

《水仙女》

克里姆特的《水仙女》（又称《蠹鱼》）蕴含多重含义，象征着女性形态的神秘与诱惑，并蕴含着危险与蜕变的元素。画中的人物没有传统的躯体和四肢，而是以头颅的形式出现在一缕缕发丝之中，营造出一种不安与暧昧的氛围，模糊了天使与动物、生命与死亡之间的界限。金银箔的运用更加增添了一种神秘、超凡脱俗的特质，凸显了原始女性气质以及潜意识深处令人不安的主题。

主要含义和象征意义：

暧昧的女性气质：水仙女既性感又充满威胁，体现了女性特质中相互冲突的一面——既诱人，又蕴含着潜在的破坏性。

僭越与蜕变：身体和四肢的缺失，头部消融于头发之中，暗示着传统形态的丧失，以及人与怪兽之间界限的模糊。

潜意识与原始本能：克里姆特受到新兴精神分析学派的影响，这些作品探索了女性性欲的奥秘以及潜意识中难以驾驭的力量。

未知之谜：作为来自深海的水仙女，她们体现了未知的奥秘、隐秘的事物，以及自然和人类心灵的神秘层面。

恋物癖与物化：对头发和面部的强调，将人物与传统的人体形态分离，可以被解读为一种极端的头发恋物癖，以及对性对象的创作，剥夺了其完整的人性。

神话的影响：这些人物令人联想起神话中的生物，例如美杜莎或伊甸园之蛇，但克里姆特以其独特而令人不安的视角挑战了这些原型。

艺术技巧：克里姆特标志性地在人物和周围元素上使用真金银箔，营造出一种闪耀、珍贵、超凡脱俗的效果，反射着深海生物的磷光。

扁平起伏的形态：仙女们房间打造的非三维、流畅的形态，使她们看起来既无形 又有实体，增强了她们的神秘莫测、难以捉摸的特质。

《睡莲》

奥斯卡-克劳德·莫奈（Oscar-Claude Monet，1840年11月14日－1926年12月5日），法国印象派画家，印象派创始人之一，出生于巴黎，被誉为“印象派领导者” 。

《睡莲》是莫奈于1897-1899年创作的油画，标志其定居吉维尼后对睡莲主题的开创性探索。作为睡莲系列首组作品之一，该系列现存约250幅画作，贯穿莫奈艺术生涯直至1926年逝世 。这幅便是其中的代表作之一该博物馆收藏了莫奈的睡莲。

莫奈在他位于吉维尼（Giverny）的花园里布满是睡莲的池溏，并雇佣了六名园丁来照看池塘。他们最重要的工作，就是每天擦拭睡莲叶子上的灰尘，因为池塘附近有很多没有修葺完善的道路。1907年，莫奈自掏腰包，给道路铺上了柏油。

《睡莲》

画面采用垂直构图，前景是色彩斑斓的睡莲与水生植物，中景是波光粼粼的池水，远景则是模糊的树木与天空。莫奈运用了标志性的厚涂笔触和点彩技法，将水、植物与天空的合影融为一体，消解了物体的边界。

《睡莲》系列标志着印象派从描绘外在世界转身探索内在感受的转变。它不仅是对自然的再现，更是一场纯粹的视觉与色彩也极致追求，是印象派艺术的巅峰之作。

《蒙特卡洛之路》

这是莫奈于1883年创作的布面油画，它捕捉了莫奈初到摩纳哥蒙特卡洛海岸时的第一印象，是印象主义运动全盛时期的一件杰作，再为私人收藏，但偶尔会在全球各大美术馆的特展中亮相，为艺术爱好者一睹真容。我有幸在维也纳目睹了这幅画的真容，下面分离出来。

《蒙特卡洛之路》

1883年，莫奈在摩纳哥的蒙特卡洛海岸进行户外写生是创作。他一生致力于捕捉光线与色彩在不同环境下的变化，这幅画正是他探索光影的成果之一。

画面描绘了山坡上的村庄与蜿蜒的道路，前景是随风摇曳的草地。莫奈运用了标志性的短促、松散的笔触，将粉色调与丰富的色彩叠加，生动再现了正午阳光下的异国风光。

这幅画是象征派“户外写生”理念的完美体现。它不追求细节的精确，而是通过色彩和笔触的组合，传达光线在物体表面流动的感觉，是莫奈探索光与色的典范之作。

《诺曼底农场》

《诺曼底农场》是法国画家保罗·塞尚的杰作，创作于1885至1886年间，尺寸为71 x 58厘米。这幅作品是塞尚早期创作的一部分，展现了他对自然景色的独特理解和表现力。他当时住在巴黎附近的一个小村庄，对那里的自然风光深感着迷。他曾在画中写道：“我想要画出这里的空气，这里的光，这里的生命。”

保罗·塞尚（Paul Cézanne，1839年1月19日—1906年10月22日），法国画家，出生于普罗旺斯埃克斯，早年就读于波旁学院并遵从父命学习法律，1861年进入巴黎瑞士学院后结识毕沙罗，开启绘画生涯。 其父为银行家，家庭经济条件优渥，使其能专注于艺术探索。

塞尚是一位伟大的先驱艺术家，他强调每一笔都必须创造一个新的世界。他认为自然是通过圆柱体、球体和圆锥体来处理的，一切都应该放置在一个视点上，尽可能使之与地平线齐平。他还是一位冥想专注方面的大师，绘画时注意力深度集中，甚至能够观看到事物的芬芳，将气味转化为视觉印象。他曾说过：“风景在我体内思考，它就是我的意识。”这句话不仅揭示了他对自然的深刻理解，也展现了他对艺术创作的独特见解。
塞尚的作品不仅包括肖像画和静物画，还创作了一系列著名的系列作品，如圣维克多山、普罗旺斯风景以及浴者和打牌者等。他的非具象创作方法和对形式的关注在当时受到了传统画派的批评，但他的作品在同行中却备受推崇，对20世纪新一代艺术家产生了深远影响。没有塞尚的作品，布拉克和毕加索的立体主义发展将难以想象。

《诺曼底农场》

画作描绘了法国诺曼底地区的一处乡村风光，充满了宁静与和谐。你可以感受到清晨的阳光洒在田野上，空气中弥漫着新鲜的气息。每一笔每一划都透露出塞尚对自然美的热爱和对光影的精湛把握。画面聚焦于农舍周围的自然环境，通过精细而自信的小笔触，将树木、枝干与草坪简化为几何形状，展现出后印象派对结构与秩序的追求。塞尚曾强调：“自然就是我的意识”，他试图用圆柱体、球体和圆锥体来解析风景，使每一笔都成为新世界的创造 。通过将小笔触精细而自信地并列放置，他笔下的树木、枝干和草坪越来越被简化为了几何形状。
《诺曼底农场》不仅是对田园景象的再现，更是对视觉真实性的哲学探索。它打破了传统透视法则，以色彩的冷暖变化塑造空间深度，影响了后来的立体主义发展，被誉为现代艺术的重要奠基之作 。

《森林》

法国新印象派大师乔治·修拉的油画《森林》，创作于1868～1887年，它最显著的特征就是采用了“点彩画法”，画家用无数细小的纯色色点并置，让观众的视觉在一定距离下自动混合，形成独特的光感和色彩效果，是点彩派的代表作之一。

乔治·修拉（Georges Seurat，1859年12月2日—1891年3月），法国画家，生于巴黎。早年进入巴黎高等美术学校学习，师从安格尔的学生亨利·莱曼研究古典绘画，系统研究卢浮宫历代大师作品。其艺术实践融合光学理论与色彩研究，开创点彩技法，成为新印象主义代表人物。

《森林》

画面描绘了阳光穿透树林的景象，树木的轮廓清晰，但树冠和地面则由红、黄、绿等各色小点密集构成。这种技法让画面在近看时充满破碎感，远观时则呈现出柔和、明亮的光感。

它是点彩画的典范之作，体现了修拉将绘画视为科学实验的理念。它不仅革新了绘画技法，也深刻影响了后来的现代艺术发展，是艺术史上的重要里程碑。

他认为，传统绘画在调色板上混合颜料会失去色彩的纯度和鲜艳度。因此，他选择将纯色的色点并置在画布上，让观众视觉在一定距离下自动完成混合，从而创造出更明亮、更纯净的色彩效果。这种近乎数学计算式的精确思考，是他对艺术的理性追求。

修拉的目标不是捕捉转瞬即逝的光影，而是通过严谨的色彩和构图，创造出一种超越时间的、永恒的静谧感。在这幅画中，他通过点彩的密度来控制明暗与质感：

高光区：用极低密度的色点，让底色大面积露出，模拟阳光穿透树叶的明亮通透感。

暗部区：用极高密度的色点几乎完全覆盖底色，塑造出厚重沉郁的体积感。

过渡区：通过点描述度的渐变，消解了物体的生硬轮廓，营生出柔和朦胧的“雾感”，实现了“近看是点，远看是画”的视觉奇观。

简单来说，修拉的《森林》是一场科学与艺术的结合实验，他试图用理性的法则去捕捉和构建一个既真实又永恒的视觉世界。

《四姐妹》

《四姐妹》（Die vier Schwestern）由瑞士象征主义画家费迪南德·霍德勒于1889年创作的水彩画。它以独特的“对角线构图”和象征主义风格而闻名，是霍德勒的代表作之一。

费迪南德·霍德勒（Ferdinand Hodler，1853年－1918年），瑞士画家，生于伯尔尼古兹朗，逝于日内瓦。其创作涵盖肖像、风景及历史题材，代表作品包括《失望的人们》《中选者》《夜》《节律》《马利尼昂的爱》《真理》《伊埃纳的志愿军出发》《一致》等。霍德勒19岁进入日内瓦美术学校，师从巴尔德勒米·麦恩，早期以荷尔拜因风格绘制肖像和劳动者题材。创作《夜》后转向象征主义，作品《失望的人们》呈现隐喻性病态意象。后期转向历史题材绘画，如《伊埃纳的志愿军出发》。晚年回归风景创作，以色彩处理见长。其人物造型常以精确孤立的形态分布于中性背景，运用装饰性线条轮廓，画面呈现程式化布局。霍德勒生前获欧洲艺术界认可，但因风格游离于印象派潮流之外，后世评价呈现两极分化。

四姐妹

这幅作品创作于1916年，是霍德勒晚年的代表作之一。此时的霍德勒已经形成了自己成熟的“平行主义”风格，他不再满足于对自然的写实描绘，而是通过提炼、概括的笔触，将人物与自然进行融合式的表达。同时，一战的阴霾笼罩着欧洲，霍德勒却在这幅作品中营造出一种宁静、和谐的氛围，或许是他对理想化自然与人性的向往。

人物形象‌：四位女性从裸露到逐渐被蓝色布料包裹，象征着从原始自然的人性，到被文明规训的过程，也暗含着生命从懵懂到成熟的不同阶段。
色彩与场景‌：暖黄色的大地与鲜亮的红花，代表着生命的蓬勃与热情；沉静的蓝色则象征着理性、文明与守护。人物在花田中前行，寓意着人类在自然与文明的交织中不断前行。
构图与姿态‌：人物整齐的队列、舒展的姿态，传递出一种秩序感与力量感，体现了霍德勒对人类精神世界中和谐、统一特质的推崇。

《苏珊娜·福尔门特肖像》

《苏珊娜·福尔门特肖像》是彼得·保罗·鲁本斯于1620年创作的素描作品。
鲁本斯是巴洛克画派早期的代表人物，他以反宗教改革的祭坛画、风景画、肖像画和神话及寓言题材的历史画而著名。
他的画作拥有巴洛克画派的显著特征，特别强调画面构图的动感效果，他喜欢为画面添加旋转的运动感的结构，并以此描绘令人震撼或是激动的场面。他对欧洲绘画产生了重大影响，包括德拉克罗瓦、康斯特勃尔等，都受到过他绘画风格的影响。他强调色彩的明暗对比和色调的运用，在此之外，他还会利用流动的线条来加强画面的运动感。
鲁本斯最初师从风景画家维尔哈希特和画家阿达姆•凡▪诺尔特，在他们门下学习了几年，打下了坚实的绘画基础，后来又成为了维尼乌斯的弟子，鲁本斯受益很大，这使得鲁本斯对意大利，特别是罗马充满了向往。
1600年鲁本斯到了意大利的威尼斯，在这里丁托列托的色彩和构图对鲁本斯的绘画产生了直接的影响，而他后来的成熟风格则深受提香的影响。

彼得·保罗·鲁本斯是佛兰德斯巴洛克艺术代表人物，他的素描以灵动多变的线条著称，注重表现形体的运动感与节奏感，这幅作品也体现了他古典素描的典型风格。

《苏珊娜·福尔门特肖像》

这是一幅素描肖像，画中是梳着柔和发髻的年轻女性，身着带蕾丝细节的浅色衣裙，浅色纯背景突出了人物的面部与发丝质感。

这幅画的线条表现力有这些鲜明特点：

‌ 灵动且富有韵律‌：线条并非刻板的轮廓线，而是随着人物面部肌肉、发丝走向自然起伏，比如发髻处的线条轻重变化，既勾勒出发丝的蓬松感，又带着流动的节奏感，让静态的人物肖像有了动态的生命力。
‌ 精准服务于形体塑造‌：在表现面部结构时，线条轻重、虚实对比恰到好处，比如颧骨、下颌线处的线条稍重，柔和过渡区域的线条轻淡，精准塑造出面部的立体感；衣领和颈部的线条则通过疏密变化，体现出布料的褶皱和柔软质感。
‌ 兼具写实与写意‌：在刻画眉眼、唇部等细节时，线条细腻精准，能清晰传递出人物的神态；而在背景和发丝边缘的处理上，线条又相对松散随性，弱化了细节，突出了人物主体，这种写实与写意的结合，是巴洛克艺术追求生动感的体现。
‌ 层次感丰富‌：通过线条的叠加、交叉，比如颈部蕾丝处的线条，既表现出蕾丝的精致纹理，又形成了前后层次，让画面的空间感和细节质感都得到了提升。

‌ 作品价值‌：作为鲁本斯的肖像素描代表作之一，它既展现了17世纪欧洲肖像艺术的写实功底，也体现了巴洛克艺术对人物生命力与细节质感的追求。

《裸女与鸟和笛子演奏者》

《裸女与鸟和笛子演奏者》是巴勃罗·毕加索于1967年创作的一幅油画作品‌，尺寸为130×162厘米，属于其晚期创作阶段的重要代表作之一 。这一时期的作品普遍表现出对生命短暂性的沉思，以及通过绘画对抗时间流逝的艺术追求。

巴勃罗·毕加索（西班牙语：Pablo Picasso，），画家、现代派绘画代表人之一，20世纪最伟大的艺术天才之一，20世纪当之无愧的艺术巨匠，他的一生，是不断突破、持续创新的一生。1881年，毕加索出生于西班牙的马拉加。1897年赴马德里的普拉多艺术馆进修。1900年前往巴黎工作并生活。1973年，毕加索于法国穆然去世，享年91岁。

毕加索有着惊人的艺术天赋，9岁就展现出远超同龄人的绘画功底，却从不满足于停留在舒适区。他的创作风格像一条奔腾不息的河流，从早期的蓝色时期、粉红色时期，到开创立体主义，再到后来的古典主义、超现实主义阶段，每一次转变都颠覆着人们对艺术的认知。他打破了传统绘画的透视规则，用拆解、重组的方式展现事物的多面性，《亚维农少女》就是这种创新的标志性作品，直接引发了立体主义运动，为现代艺术打开了全新的大门。
他的作品不仅是视觉上的冲击，更承载着深刻的思想与情感。《格尔尼卡》以扭曲、破碎的形象，控诉着战争的残酷，成为反战艺术的经典。而他一生创作的近8万件作品，涵盖油画、素描、雕塑、陶艺等多个领域，数量之多、题材之广，让人惊叹于他旺盛的创作力。
毕加索的影响早已超越艺术本身，他是第一个活着看到自己作品被卢浮宫收藏的画家，后世无数艺术家都曾从他的创作中汲取灵感。他用一生诠释了什么是真正的艺术自由，永远保持对世界的好奇与创作的热情，这种精神让他成为了一个时代的传奇，直到今天，他的作品依然在震撼着人们的心灵。

《裸女与鸟和笛子演奏者》

画面中，‌裸女、鸟儿与笛子演奏者三个核心元素构成了一种诗意的对话‌。裸体常被解读为自然、真实或灵感的象征；鸟儿则可能寓意灵魂、自由或讯息的传递；而笛子演奏者暗示着音乐、节奏与艺术创作本身。三者并置，营造出一种超现实却又充满内在逻辑的氛围，反映出毕加索晚年对艺术本质的回归与凝练 。
值得注意的是，这类主题在西方艺术史中具有延续性。例如，乔尔乔内的作品中也曾出现牧羊人与乐器的形象，被解释为诗人与缪斯之间的互动，象征着灵感从自然与神性中汲取的过程 。毕加索或许正是在这一传统之上，以更加抽象和个性化的方式，重构了“艺术诞生”的场景。

《坐着的女人》

《坐着的女人》是西班牙艺术家巴勃罗·毕加索的立体主义风格油画，画面呈现的是一位坐在椅子上的女性形象。

这幅画创作于立体主义成熟期，1907年毕加索完成《亚威农少女》后，立体主义正式成型，艺术家们开始尝试打破传统绘画的单一视角，通过多角度拼接来展现物体的内在结构，这幅画里人物被拆解为几何块面的处理，正是这种风格的典型体现。

20世纪初的欧洲，艺术界正处于剧烈变革中，印象派、野兽派等先锋艺术已经打破了古典绘画的规则，毕加索和布拉克等艺术家在这样的氛围中，开始探索更抽象的艺术表达，立体主义应运而生，这幅画也是当时艺术革新的产物。

毕加索当时正专注于对人体结构和空间关系的解构，他不再满足于用写实的方式描绘人物，而是通过扭曲、重组画面元素，来展现人物的多面性，这幅画中人物的面部、身体被分割成不同几何形态，就是他这种探索的直观呈现。

《坐着的女人》

这幅画有这些细节特点：
人物的面部、身体被拆解为多个不规则几何块面，比如面部的轮廓、颧骨、下颌线都以硬朗的折线呈现，没有传统绘画的柔和过渡；身体的胸腔、腹部、腿部也被分割成不同的平面，从不同视角的形态拼接在一起，打破了人体的写实结构，呈现出多维度的视觉效果。
色彩运用极具冲击力，人物主体的青绿、粉红、灰黑形成冷暖对比，既区分了身体的不同部位，也传递出一种疏离、冷峻的情绪；背景的蓝绿与明亮的黄色地面形成强烈反差，黄色的厚重笔触让画面底部充满张力，进一步烘托出独特的氛围。
画面的笔触粗犷且富有肌理感，比如人物的头发、衣物边缘，以及背景的色彩涂抹，都能看到明显的笔触痕迹，这种处理方式让画面脱离了平滑的写实质感，更具原始的艺术冲击力；椅子的木质结构用深色的硬朗线条勾勒，和人物的柔和块面形成质感对比。

画面没有传统绘画的透视空间，人物和椅子的关系被重新组合，椅子的扶手、椅腿和人物的身体块面相互穿插，没有明确的前后层次，而是将所有元素都置于一个平面化的空间中，以此突出立体主义对空间结构的探索。

《裸体与风景》

《裸体与风景》是毕加索1906年创作的油画，它诞生于毕加索艺术生涯的“玫瑰时期”末期，是其向立体主义过渡的关键作品之一。

《裸体与风景》

画中一位裸体女性在色彩斑斓的风景中伸展身体，但其形态已被高度风格化。毕加索运用了大胆的色块和扭曲的线条，将人物与背景融为一体，呈现出一种动态的、近乎解构的视觉效果。

这幅画标志着毕加索从传统写实向现代主义的转变，它预示了立体主义的到来，即通过几何形状来分析和重组物体，是20世纪艺术革命的重要里程碑。

《两个舞女者》

《两个舞女者》是法国印象派画家埃德加·德加（Edgar Degas）创作的芭蕾舞女主题作品，是他的经典系列作品之一。
作为印象派代表画家，德加擅长用色彩和光影表现瞬间动态，这幅作品延续了他对芭蕾舞女题材的专注，通过柔和色调与朦胧背景，凸显舞者轻盈气质，也体现了他对人物形态精准的观察力。
19世纪中后期的法国，芭蕾舞是上流社会热衷的娱乐形式，巴黎歌剧院的芭蕾舞团更是当时艺术界的标杆，德加常去歌剧院观摩排练和演出，这为他创作芭蕾舞女题材作品提供了丰富的素材。

德加在1870年代开始专注于芭蕾舞女的创作，这幅作品大概率创作于这个时期。当时印象派画家们追求捕捉生活中的瞬间与光影，德加则将这种理念融入到对舞者动态的刻画中，他不像传统画家那样只描绘舞者舞台上的完美姿态，更关注她们在后台、排练场的日常瞬间，这幅画里舞者放松又带着职业性的姿态，正是这种创作视角的体现。
德加本身对舞蹈的结构和人体的动态有着深入研究，他会在画室里摆放人体模型，反复研究不同动作的肌肉线条和肢体比例，这让他能精准地画出舞者身体的张力。同时他尝试用粉彩这种媒介，来表现色彩的柔和过渡和朦胧的氛围感，这幅作品的蓝绿色调和模糊背景，就是粉彩材质和印象派光影处理手法的结合。

《两个舞女者》

画中是两位身着蓝绿色芭蕾舞裙的舞者，一位手持折扇，姿态灵动，德加以细腻笔触捕捉了舞者肢体的优雅与动态美感。

《裸女和火烈鸟》

《裸女和火烈鸟》（Akte und Flamingos，1907）是法国画家，抽象艺术先驱罗伯特·德劳内（Robert Delaunay，1885-1941年）创作的作品。

在二十世纪初的法国现代绘画传奇中，出现过一个流派：奥尔弗斯立体派（orphischen Kubismus），又称为奥尔弗斯主义（Orphismus），它们的创立者是罗伯特·德劳内（Robert Delaunay，1885-1941）。虽然是立体主义，但有其特征：抽象的色彩应用，以形成和谐的构图；绘画如诗如歌，有节奏有旋律。

《裸女和火烈鸟》（未查到相关画作的解析）

《年轻的少女（伊丽莎白·梅特）》

肖像画《年轻的少女（伊丽莎白·梅特）》是法国印象派画家皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿创作于1879年。
皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿（Pierre-Auguste Renoir，1841-1919）是法国印象派的核心画家之一，以其描绘日常生活的欢乐场景、明亮色彩以及对女性形象的独特诠释而闻名，代表作包括《煎饼磨坊的舞会》《船上的午宴》等。

1879年正值印象派发展的关键时期，当时传统学院派绘画占据主流，印象派画家们则坚持在户外写生，捕捉自然光影的瞬间变化。雷诺阿擅长描绘女性与孩童形象，作品以温暖色调、生活化场景传递愉悦感，这幅画既体现了他对人物神态与服饰细节的精湛刻画，朦胧色彩与灵动笔触正是这种创作理念的体现。

当时印象派画家们经常举办独立展览，雷诺阿也积极参与，这幅作品的风格和技法也受到同派画家如莫奈、德加的影响，在注重光影的同时，也融入了对人物神态的细腻刻画。

《年轻的少女（伊丽莎白·梅特）》

画中是身着蓝色蕾丝领连衣裙、头戴蓝色蝴蝶结的少女，背景是暖黄色调，整体氛围柔和温馨。作为印象派代表作，它以细腻笔触、柔和色彩捕捉光影变化，蕾丝的精致与背景的朦胧形成对比，尽显少女的纯真优雅。

画中少女伊丽莎白·梅特是雷诺阿友人的女儿，雷诺阿常以身边亲友为模特，用画笔记录他们的生活状态，这幅作品也是他日常创作的一部分，体现了他对生活化场景的敏锐捕捉。

《草地上的圣母》

《草地上的圣母》（Madonna del Meadow）是意大利文艺复兴画家拉斐尔·桑西1505-1506年创作的木板油画，现藏于奥地利维也纳艺术史博物馆 。在阿尔贝蒂娜博物馆展出的《草地上的圣母》是一件临摹作品。下面真迹与临摹作品同时列出来做一比较。

《草地上的圣母》（临摹，阿尔贝蒂娜博物馆收藏）

《草地上的圣母》（真迹，维也纳艺术史博物馆收藏）

这幅画作采用等腰三角形构图，圣母身着深红色上衣位于金字塔顶端，耶稣站立握芦苇杖，施洗约翰单膝跪地持十字杖，形成动态平衡。圣母左脚侧向画面右侧修正视觉偏移，其垂视目光构成画面视觉焦点 。背景通过薄雾处理与晕涂法营造空间透视，冷色调远山与暖色近景形成对比，人物轮廓线处理既受达·芬奇《圣母子与圣安妮》影响，又展现独立艺术特征。作品突破宗教画程式化表现，圣母形象呈现生活化特征，十字架符号保留宗教寓意，整体构成真实生动的人间场景。为确立人物和谐布局，拉斐尔通过多幅速写稿反复调整姿态关系，最终实现极端和谐的视觉效果，体现文艺复兴时期人文思想对神圣题材的现实化诠释。

拉斐尔借助宗教主题表现现实与理想相结合的女性形象，以颂扬人性中的至善、至美。画面中的人物画得令人赞叹不已，圣母俯视着两个孩子，她的表情使人难以忘怀。但是，如果我们看一看拉斐尔为这幅画而作的那些速写稿，我们就开始省悟原来这还不是他最费心力的地方。在他心目中，这些地方当然要这样画，他反复尝试，所追求的是人物之间的合适的平衡和使整个画面达到极端和谐境地的合适的关系。在左角的速写稿中，他想让圣婴一面回头仰望着他的母亲，一面走开。他试画了母亲头部的几个不同姿势，以便跟圣婴的活动相呼应。然后，他决定让圣婴转个方向，仰望着母亲。他又试验另一种方式，这一次加上了小圣婴的脸转向画外，而不去看她。后来他又作了另一次尝试，而且显然急躁起来,用好几个不同的姿势试画圣婴的头部，在他的速写簿中这样的画页有好几张，他在画页上探索怎样平衡这三个人物最好。但是，如果我们回过头来再看最后的定稿,我们就会发现他最终确实把这幅画画得合适了。在画面上物物各得其所，而拉斐尔通过努力探索最终获得的姿态与和谐显得那么自然，那么不费力气，几乎未曾引起我们的重视,而恰恰是这种和谐使圣母更加美丽，使孩子们更加可爱。

5月13日，是我在维也纳的最后一天。下午就要离开维也纳去德国的慕尼黑。早餐后就前往维也纳艺术史博物馆参观。

维也纳艺术史博物馆

维也纳艺术史博物馆是奥地利著名美术馆，下辖8座分馆。主馆舍位于维也纳环城大道中心路段的玛丽亚·特蕾西亚广场，与霍夫堡皇宫相对，由统治欧洲近7个世纪的哈布斯堡家族出资兴建，现为世界第四大艺术博物馆。主馆舍于19世纪下半叶维也纳老城墙拆除后开始建造，馆藏包括古埃及文物、古希腊罗马雕塑、文艺复兴绘画及巴洛克艺术品，重要藏品涵盖卢本斯、伦勃朗、丢勒、拉斐尔、提香等画家作品。

正是由于维纳斯艺术史博物馆是世界第四大艺术博物馆，各种文物、雕塑、绘画及艺术品众多，馆藏非常丰富，不能在这篇游记里完全展示出来，准备专门做一期游记来介绍。下面仅对该馆的三件镇馆之宝《巴别塔》、《奥古斯都宝石》、《金盐罐》进行介绍。

《巴别塔》

《巴别塔》是尼德兰画家彼得·勃鲁盖尔1563年创作的橡木面板油画。作品以《圣经·创世纪》中人类建造通天塔遭上帝惩罚的典故为蓝本，通过宗教隐喻折射现实世界纷争。画作描绘人类试图建造通天塔却因语言混乱而失败的故事，体现人文主义思想与对人类傲慢的警示。

彼得·勃鲁盖尔（Bruegel Pieter，1525年－1569年），16世纪尼德兰画家，别号老勃鲁盖尔、农民的勃鲁盖尔、滑稽的勃鲁盖尔，出生于勃鲁盖尔村。作为尼德兰画派最后一位巨匠及欧洲第一位农民画家，其创作开创欧洲独立风景画先河，代表作品包括《农民婚礼》《雪中猎人》《盲人的寓言》《绞刑架下的舞蹈》等。他一生创作约40幅油画、60幅素描和80幅版画，作品散落于欧美博物馆及皇室藏家。

《巴别塔》

画家以宏大的构图来描绘通天塔，以云雾拦断显示通天塔之高，以风俗画手法描绘人与物、人与环境的关系。画家以细密画的技巧功力，描绘了众多有情节性的人物活动，借以揭示人战胜大自然的力量。为了表现通天高度的巴别塔，勃鲁盖尔以宏大的构图来处理这个富有幻想意味的场面。他不仅精心描绘了众多的人物，还在塔顶处用云彩拦腰截去一个顶部，并在云层上画了一个隐约可见的塔顶，以示塔已建到的可怕高度。通天塔模仿了罗马斗兽场的结构。塔身坐落在海边，右角临海滩处还有停靠的船只。远处是密集的房屋，它展现出一片豪阔畅心的平原风光。示拿人的建塔总监带领了一班卫士正前来督查停建的真相：吵个不休的工匠们都已散去，仅少数几个留守等候着总监的光临，其中一个向总监跪下，在说明事故的复杂性，但看来他的话也使总监和卫兵们无法听懂。在塔身的正前方，有一处“塌方”，局面显然是不堪收拾的。

画家凭细密画的技巧，在塔身每一层上都画着密集细小的建筑工人与车辆形象。画面中包含大量细节和隐喻内涵，每次观看都能发现新的隐藏故事。这座塔的每一层内部都是一个整体，彼此又挤得很紧。为了追求这种巨大与繁乱的绘画效果，勃鲁盖尔有意拉开了人物形象与塔身、大自然等的比例距离，从而显示出“工程”的伟大与艰巨，也更显示出人类的创造性力量。在揭示人战胜大自然的压力方面，画家强调的是狂想性色彩。这一幅圣经寓意画所具有的审美价值，就在于它巧妙地突出了“天意”与人在改造世界时的不可调和性，实质上乃是旧瓶新酒，歌颂人类的新生活的代价，但它面临的是充满着悲剧的代价。这是这位画家的人文主义思想的又一表现。

《巴别塔》具有丰富的文化寓意，画中的通天塔结构作为图标符号象征着人类的傲慢和自大。这一幅圣经寓意画巧妙地突出了天意与人在改造世界时的不可调和性。“巴别塔”是《圣经》中混乱和语言不通的代名词。画家借圣经故事影射其所处时代尼德兰人民反抗西班牙统治的政治现实，暗示统治者的骄傲自大终将走向灭亡。

《金盐罐》

《金盐罐》《Saliera》‌是文艺复兴时期意大利雕塑家本韦努托·切利尼于1540年至1543年间为法国国王弗朗索瓦一世打造的黄金艺术品，被誉为“雕塑界的蒙娜丽莎”。是意大利风格主义金匠艺术的代表作，也是切利尼唯一存世的黄金作品。
本韦努托·切利尼（Benvenuto Cellini，1500年11月3日－1571年2月13日），意大利佛罗伦萨人，文艺复兴时期金匠、雕塑家、画家、音乐家及战士。早年受父亲影响接触音乐，15岁成为金匠学徒。16岁因斗殴流亡锡耶纳，辗转多地研习技艺，19岁赴罗马发展。曾为教皇、法国国王弗朗索瓦一世等权贵制作艺术品。1540年代起专注雕塑创作，作品包括《帕修斯与美杜莎之首》等。生平多次卷入暴力冲突，以果敢性格著称，曾越狱脱险。晚年撰写自传，记录文艺复兴时期社会风貌与个人经历，被歌德誉为鲜活历史文献。

《金盐罐》 《金盐罐》

这件作品高26厘米，底座宽33.5厘米，由黄金、珐琅、象牙和乌木制成，是切利尼唯一幸存的金匠作品。盐罐以神话意象象征世界构成：
海神尼普顿‌（或波塞冬）执三叉戟，身旁小船盛放食盐，象征盐来自海洋；
地神盖娅‌（或忒勒斯）手持丰饶之角，旁立神庙状容器盛胡椒，象征香料源于大地。
两人脚部交织，底座刻有代表晨、昼、夜、暮及四方风神的雕像，寓意时间与自然的循环。
2003年，该作品从维也纳艺术史博物馆被盗，引发全球关注。2006年，窃贼自首，盐罐在奥地利一处森林中被完整寻回，2013年重新展出。这一离奇经历使其声名鹊起，传奇经历使其更负盛名 ，成为博物馆最具传奇色彩的镇馆之宝。

《奥古斯都宝石》

《奥古斯都宝石》（Gemma Augustea）‌是制作于公元9-12年的大型双层缟玛瑙浮雕宝石。其材质为缟玛瑙，属于半宝石，石材可能产自阿拉伯半岛。其高19厘米、长23厘米，利用天然黑白缟玛瑙层雕刻出套色效果。雕塑描绘奥古斯都大帝被罗马女神加冕的场景，是古罗马硬石雕刻技艺的巅峰之作，通过皇帝鲁道夫二世入藏该馆。17世纪由德国工匠镶金箔覆盖背面及四周，顶端保留忍冬纹挂柄。 ‌

《奥古斯都宝石》

《奥古斯都宝石》是一件现存最大的大型浮雕宝石（古典卡梅奥）之一 。其材质为双层缠丝玛瑙（Sardonyx），利用石料的天然色层进行雕刻，工艺精湛。
浮雕画面分上下两层，构图精美，叙事性强。上层画面描绘了罗马皇帝奥古斯都的加冕场景。奥古斯都头戴橡叶冠，手持权杖，端坐于画面中央。奥古斯都被罗马女神及诸神环绕，其中丰收与母神玛格纳·马特（Magna Mater）正在为其加冕。画面中还出现了其继子提比略（Tiberius）、养子日耳曼尼库斯（Germanicus）以及幼子德鲁苏斯（Drusus）等人物。有学术观点认为，画面原本包含提比略迎接日耳曼尼库斯凯旋的场景，但提比略的形象后来可能被有意移除。

下层画面则展现了罗马帝国的武功与统治。场景描绘了罗马军团在潘诺尼亚（Pannonia）和达尔马提亚（Dalmatia）战争胜利后的情景。左侧，罗马士兵在竖立胜利奖杯，下方是已被俘的潘诺尼亚人领袖品尼斯（Pinnes）以及拟人化的“潘诺尼亚”女神。右侧，达尔马提亚人领袖巴托（Bato）和拟人化的“达尔马提亚”被俘，并受到色雷斯代表本狄斯（Bendis）和希腊代表涅俄普托勒摩斯（Neoptolemos）的粗暴对待。整体而言，这件浮雕宝石通过精湛的浅浮雕技艺和严谨的构图，融合了神权与王权的意象。上半部分以“神恩加冕”主题宣扬奥古斯都统治的神圣合法性，下半部分则以具体的战争胜利场景展示帝国的强大武力，共同构建了罗马帝国“无远弗届”的世界帝国形象。

这篇文章从起草到现在快一年了，今天总算完稿了。也算了去我的一桩心愿。

二O二六年四月十二日于英国温莎