<p class="ql-block"> 旧金山的晨雾，像一层轻柔的薄纱，尚未完全从林肯公园的山头褪去。穿过两旁栽满桉树、略显清幽的公园道路，一座恢弘的白色新古典主义建筑豁然出现在视野尽头—那就是荣誉殿堂博物馆。</p><p class="ql-block"> 博物馆于1924年建成，是旧金山规模最大的公共艺术机构。馆内收藏约10万件以欧洲艺术为主的文物，年代最早可追溯至6000年前，包含绘画、雕塑、瓷器、古家具、古装饰品等。</p> <p class="ql-block"> 蓝色的太平洋从海岬上缓缓涌入圣弗兰西斯科海湾，博物馆凭海临风，视野开阔。 荣誉殿堂博物馆的建筑完整复制了法国巴黎国立荣誉军团博物馆，旨在纪念 3,600 名在一战法国战场上失去生命的加利福尼亚人。</p> <p class="ql-block"> 荣誉军团博物馆由糖业大亨阿道夫•斯普雷克尔（1857-1924）出资修建，并作为礼物赠与他的妻子 阿尔玛•德•斯普雷克尔斯(1881-1968）。阿尔玛成功的劝说丈夫又兴建了笛洋美术馆并将其捐赠给旧金山市。</p> <p class="ql-block"> 阿道夫•斯普莱克斯在博物馆开馆前六个月去世，但他捐赠时说的话，人们依然铭记在心：“我和我的妻子把它献给我们的城市，献上的不仅仅是它的美丽，还是纪念那些在伟大的战争中为国家献出生命的勇敢的人们；同时把它作为我们艺术和历史珍藏的殿堂，促进我们城市的公民，特别是下一代的文化和教育”。</p> <p class="ql-block"> 二战中，为了获得更多艺术品和资金支持，阿尔玛前往欧洲，并成功向法国政府和罗马尼亚女王玛丽一世请求捐赠美术作品。后来因她对艺术和慈善事业的贡献，被誉为旧金山的“伟大祖母”的女孩。</p><p class="ql-block"> 她的老师以她为模特，创作的雕塑如今依然矗立在旧金山市中心联合广场杜威纪念碑的顶端。艾尔玛小姐手持花环和三叉戟，长裙飘飘，骄傲挺拔，仿佛有神谕一般早早地就站立在这里俯瞰瞭望，象征着胜利与欢乐，也护佑着脚下这座城市。</p> <p class="ql-block"> 被这位伟大的女性把自己的巨大财富没有留下给家族，而是捐赠给公众深深地折服。其实，所有的激情和荣誉，历史都会真诚地保存。因为，岁月，就是历经沧海桑田而依然清明的眼睛。</p> <p class="ql-block"> 您一进入大门，就看到罗丹的著名《沉思者》雕塑。这座雕塑以传统独特的姿势和深沉的表情而闻名，男子坐在岩石上，头微微下垂，下巴支在双拳之上，沉浸在深思之中。这个形象往往被视为智慧和哲学的象征，以及对生命意义和宇宙奥秘的思考。</p> <p class="ql-block"> 进入荣誉殿堂博物馆里最亮眼的展品，当数罗丹的雕塑。《三个阴影》雕塑中，三个几乎一模一样的裸男形象重叠在一起，每一个都以头部和双手遮掩脸庞，显现出一种沉重和颓废的感觉。这些人物的姿态传达出深深的绝望和悲伤，仿佛是人类痛苦的普遍象征。</p> <p class="ql-block"> 罗丹创作于1917年的《维克多•雨果胸像》是他生命最后一年的作品。一块巨大的半漩涡形状的大理石上，只有人物的五官模糊地显现出来，仿佛刚刚浮出水面。这位伟大的现实主义作家的精神力量和性格气质无关乎他的五官和长相，只在这磅礴的洁白大理石的质感和动态中彰显无遗。让您在这一刻见证了灵魂从物质中喷薄而出的瞬间。</p> <p class="ql-block"> 《圣安东尼的诱惑》 1900年前 作者：奥古斯特•罗丹（法国人，1840-1917）</p><p class="ql-block"> 一位裸体女子在一位身着厚重长袍、蜷缩着身躯的男子身上，性感地伸展着身躯。这位僧侣面朝地面，绝望地拥抱十字架，以逃避肉体的诱惑。根据传说，独自居住在沙漠中的圣安东尼经常被诱惑者的幻象所困扰。然而，这位隐士生活的这段插曲，对罗丹来说，不过是一个借口罢了。</p><p class="ql-block"> 作品必须从各个角度欣赏，才能充分领略构图所蕴含的心理和生理张力。雕塑家巧妙地运用了圣人紧闭饱受折磨的身躯与女子裸体，后者性感地扭动着，敞开着身体。圣人几乎完全隐藏在粗糙的衣袍之下，头部则罩着兜帽。衣褶传达出他身体的紧张感。他紧贴十字架的面部表情，则展现了他内心的挣扎。女子则是一个没有灵魂、散发着光芒的躯体。大理石的不同雕刻手法令人联想起不同的创作步骤，并强化了这种对立。在几乎未完成、几乎未经雕琢的底座上，罗丹用凿痕刻画了羊毛布以及人物的粗糙。只有女子的躯体使用了抛光的大理石饰面，捕捉光线和柔和的曲线。</p> <p class="ql-block"> 《大海的警笛》ca。1906年 作者：奥古斯特•罗丹（法国人，1840-1917）</p> <p class="ql-block"> 《La Nature (EveFairfax小姐）》 1907-1916年大理石 作者：奥古斯特•罗丹（法国人，1840-1917年）</p><p class="ql-block"> 在二十世纪初，随着罗丹的国际声誉的提高，他收到了为富有的贵妇拍摄肖像的请求。这张英国社会名流伊芙 费尔法克斯的寓言肖像，她的辫子发型变成了麦穗，像梦一样从大理石块中出现。这是由一个希望娶她的男人委托的，但罗丹为了自己的快乐而完成了。费尔法克斯后来写道：“我认为拉佩莱德对［罗丁］说，因为与当时大多数其他女人不同，我不准备和他一起跳上床。事实上，我相当冷漠地对待他，这让我与其他人不同。” </p> <p class="ql-block"> 《基督和抹大拉》 1894年 作者：奥古斯特•罗丹（法国人，1840-1917）</p><p class="ql-block"> 这个壮观的石膏是罗丹为数不多的明确宗教作品之一。抛开传统他将基督和抹大拉的马利亚安排在一个充满情色、准神秘的配置中。这两个人物取自以前的作品，并在这里拼贴在一起，配置中。这两个人物拥抱着缺失的十字架的形状。</p> <p class="ql-block"> 《Eustache de Saint-Pierre的裸体研究》 约1885-1886年 作者：奥古斯特 罗丹（法国人，1840-1917)</p> <p class="ql-block"> 《皮埃尔•德•维桑（加莱义民）的头颅》 约1886年。作者：奥古斯特 罗丹</p> <p class="ql-block"> 《戴安娜半身像》 1882年 作者：让•亚历山大Joseph Falguiere（法国，1831-1900），86.4 × 45.7 × 22.9厘米</p><p class="ql-block"> 让•亚历山大 是法國的雕塑家和画家。出生地在法國西南部的土魯斯，就读过法國美术学院，拿過「罗馬大獎」與「巴黎沙龍」大獎，並且於1878年被法國授以榮譽軍團勳章。他的大部份作品都被收藏在巴黎，境外的仅只华盛頓D.C.的國家艺廊和［榮誉軍團艺术博物館］，旧金山能拥有此一件作品自属难得。黛安娜的胸像《Bust ofDiana》刻画的是罗馬神話中的月神與狩猎女神 黛安娜，對应於希腊神話就是阿耳忒彌斯，肅穆安詳，神情有點桀驁不馴。</p> <p class="ql-block"> 《佩内洛普》1896年 大理石 作者：富兰克林•西蒙斯 （1839-1913)</p><p class="ql-block"> 西蒙斯是19世纪后期美国最杰出的新古典主义雕塑家之一。他活跃于美国“镀金时代”和欧洲艺术圈，以其理想化的女性形象、精湛的大理石雕刻技艺和对古典题材的深刻理解而闻名。</p><p class="ql-block"> 取材于古希腊史诗《奥德赛》。佩内洛普是英雄奥德修斯（Odysseus）的妻子。在丈夫参加特洛伊战争并历经十年漂泊未归的漫长岁月里（又过了十年），她忠贞不渝地等待丈夫归来。面对众多求婚者的纠缠，她以“为公公织完寿衣就改嫁”为借口拖延时间，白天织布，晚上又偷偷拆掉。佩内洛普是忠贞、智慧、坚韧和女性美德的象征。</p><p class="ql-block"> 面部表情是作品的灵魂所在。西蒙斯赋予佩内洛普宁静而深邃的表情。她的面容美丽、年轻而理想化，但眉宇间带着淡淡的哀愁、无尽的思念和坚毅的忍耐。紧闭或微张的双唇透露出内心的复杂情感。眼神内敛而专注，仿佛穿透了时间和空间，望向远方的丈夫。</p> <p class="ql-block"> 《佩内洛普》 1896年， 大理石 作者：富兰克林•西蒙斯</p><p class="ql-block"> 富兰克林 •西蒙斯在1896年同时创作了两个《佩内洛普》雕塑，分别表现为坐姿与站姿两种形式。西蒙斯通过两件《佩内洛普》，以互补的视觉语言完成了对荷马史诗的立体注解，坐姿是“时间的雕塑”将二十年等待浓缩为永恒的静默；站姿是“尊严的宣言”在动荡中矗立为精神丰碑。二者共同奠定了西蒙斯作为美国新古典主义雕塑承启者的地位，也折射出19世纪末艺术从理想化向人性化过渡的思潮。</p> <p class="ql-block">《圣父、圣子和圣灵》 作者：Parish Gazzera</p> <p class="ql-block"> 《圣弗朗西斯》约1650年 作者：贝尔纳多•德尔-林</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">赫尔墨斯躯干，罗马（2世纪）</p> <p class="ql-block">青花鸟纹栏杆花瓶</p><p class="ql-block">清康熙年间</p><p class="ql-block">清康熙青花花鸟图观音尊</p><p class="ql-block">底座双圈内绘青花蒿叶</p><p class="ql-block">高度43.2厘米</p> <p class="ql-block"> 《马可•奧勒留骑马像》 公元170年 罗马 作者：匿名</p><p class="ql-block"> 马可•奥勒留是罗马帝国最伟大的皇帝之一，拥有凯撒称号（Imperator Caesar）的他是罗马帝国五贤帝时代最后一个皇帝，于161年至180年在位。有“哲人王”的美誉。雕像中的马可•奧勒留骑着高头大马，右手指向前方，威武静穆，没有带任何武器，平添了一种宽容的风度。他眼神微微低垂，仿佛透露出这位具有哲学家和文学家气质的皇帝的内心的思考和忧郁。</p> <p class="ql-block"> 《野马破坏者》 1895年 作者：弗雷德里克•雷明顿（1861-1909）亨利-博纳德青铜公司（美国，1872-1926年），铸造厂</p><p class="ql-block"> 野马巴斯特是美国艺术的标志，它美化了现实中阴空的历史：美国政府暴力征服了美洲原住民居住了几个世纪的美国西部土地，记录了“西部的胜利”的历史和神话—一定义美国国家的核心叙事—通常省略了成千上万的黑人，他们骑在小径上行驶，驱赶了数百万头牛，为内战后，许多自由人，以及一些天生的自由人，为西方畜牧公司寻找新的机会。西方牛仔的数在19世纪80年代达到顶峰，据估计，在十九世纪，每四个牛仔中就有一个是黑人。</p> <p class="ql-block"> 莫奈的画展不仅是视觉盛宴，更是理解印象派革命性美学的窗口。莫奈（1840-1926）是法国印象派绘画的奠基人之一，以对光影、色彩和自然景观的革新性描绘著称。他的作品打破传统学院派规则，通过快速笔触和户外写生捕捉瞬间的光影变化。</p> <p class="ql-block"> 莫奈真迹近距离接触，仿佛打开了印象派之眼，聚焦莫奈晚年的创作（1913-1926），展出约50幅作品，他因白内障导致视力衰退后，风格转向更抽象、色彩更浓烈的特点，您可以欣赏到莫奈真迹的笔触、色彩层次及尺幅的巨大震撼力。</p> <p class="ql-block"> 《睡莲》，Claude Monet,1914-1917) 作者：克劳德•莫奈（法国，1840-1926），画布油画，（166.1x142.2厘米）</p><p class="ql-block"> 睡蓮系列 是莫內极其重要的主題作品，自從1883年5月初莫內一家人迁入到厄尔省的小鎮吉維尼 后，莫內就將庄园旁的果园改建成「莫內花园」，池塘里的蓮花成了他灵感的泉源，让他创作出一系列膾炙人口的瑰丽画作。</p><p class="ql-block"> 全世界的艺术博物館莫不挤破头抢著想要收藏莫內的「睡蓮」作品，荣誉殿堂博物馆博物館分得了這幅《WaterLilies》，画幅不算太小，当然益显弥足珍貴了。陳列的位置採光得宜，让人舍不得就此匆匆离开。</p> <p class="ql-block"> 莫奈的《睡莲》在构图上极具创新性。他采用了一种近乎俯瞰的视角，画面中没有明确的远近之分。睡莲、荷叶、水和天空相互交织，融为一体，形成了一种独特的“满幅式构图”。使观者仿佛置身于池塘之中，被无尽的睡莲所环绕，沉浸在一种梦幻般的氛围之中。</p><p class="ql-block"> 色彩是莫奈《睡莲》的灵魂所在。他以敏锐的色彩感知力和大胆的表现力，运用丰富而绚烂的色彩，水面不再是单一的蓝色或绿色，而是由无数种微妙的色彩混合而成。清晨的水面可能是淡淡的粉色和金色，随着阳光的逐渐强烈，色彩变得更加明亮和丰富，蓝色、绿色、紫色相互交织，形成了波光粼粼的效果。</p><p class="ql-block"> 在笔触方面，莫奈将颜料随意地涂抹在画布上，看似杂乱无章，却又恰到好处地表现出了水的流动、光的闪烁和睡莲的轻盈。他不再追求物体的具体形态和细节，而是注重捕捉瞬间的印象和感受。这种独特的笔触使画面充满了动感和生命力，让观者仿佛能够感受到微风拂过水面，睡莲轻轻摇曳的美妙瞬间。</p> <p class="ql-block"> 《破浪》 1881年 作者：克劳德•莫奈（法国人，1840-1926）</p><p class="ql-block"> 這件是莫內于1881年完成的作品《破浪》，两年之前，1879年妻子卡蜜兒.彤秀（ 1847-1879） 刚因肺結核去世，伤心欲絕的莫內何以平靜心情？由於二兒子 Michel 的誕生却帶來母親病情的恶化，卡蜜兒离開人世時才年仅32歲而已。</p><p class="ql-block"> 此時期莫內一家人暫時搬到艺术的贊助者Ernest Hoschede 位於法兰西岛弗特伊（Vetheuil）的房子借住，那是巴黎西北边一個多小時車程的小小鎮。Hoschede 是一個殷实富裕的百货商店老板，可惜中途破产，两家人只能被迫他迁。本件作品就是这時期的创作，翻滾的海濤，道尽了莫內內心深处的痛楚，洶涌、何其难以平复。</p><p class="ql-block"> 1878到1881年在弗特伊三年期間，莫內完成了150件油畫作品，今天，小小鎮弗特伊还以莫內曾經客居于此而引以為荣為傲。</p> <p class="ql-block"> 《大运河，威尼斯》 1908年 作者：克劳德•莫奈（法国，1840-1926），画布油画，2813/16 ×355/16英寸。</p><p class="ql-block"> 莫內精于使用精准的色彩捕捉因光线变化而产生的水中倒影，這件威尼斯大運河《The Grand Canal，Venice》是其中一例。莫內曾經在1883年至1908年期间，多次在地中海旅遊並从事创作，這是描述威尼斯的重要作品之一，表現出威尼斯沉浸在清晨微昏的曙曦裡，夢幻、浪漫无边的情景。</p> <p class="ql-block"> 《瓦朗日维尔峡谷》 1882年（布面油画）作者：克劳德•莫奈（1840-1926年）</p> <p class="ql-block"> 《佩蒂塞纳河上的帆船-热纳维利耶» 1974年 作者：克劳德•莫奈（法国，1840-1926），画布油画，54x65.4厘米</p><p class="ql-block"> 这幅画描绘的是巴黎西北边港口区热纳維耶塞納河上的帆船，特色是沒有犀利硬边的轮廓线條，沒有各个物象实体的細部細节描写，着重的，是整体画面的結构和瞬息万变的光线之变化掌握。</p> <p class="ql-block"> 莫奈兼备印象派的理念与绘画理想，使他的画作更接近音乐和诗歌。他的画作，改变了人们观看熟悉的日常风景的眼光，也改写了艺术史进展。</p> <p class="ql-block"> 《森林内部》 1898-1899 作者：保罗•塞尚（法国人，1839-1906）61x81.3厘米</p><p class="ql-block"> 法國后期印象派画家保罗．塞尚 之所以被尊称为現代艺术之父，当然有其理由在。他提出的论点：將所有物象的結构视频之为「面」的組合，以「面」探索物象的原始結构本質。艺术不該仅止于物象的表面（指的是印象派對於光线、空气与色彩对应关系），务必透过创作者予与更深入的具体性、稳定性和內在結构的探討，令作品表現出主观化了的客观。這种化時代的前卫论点，催化出二十世紀立体主义的产生。</p> <p class="ql-block"> 《Loctudy的缝纫派对》 1912年 作者：Édouard Vuilla (法国人，1868-1940）</p><p class="ql-block"> 在布列塔尼洛图迪一栋房子的露台上，Vuillard 的内圈景观是悠闲的陪伴之一。聚会包括女演员 MartheMellot和她的丈夫Alfred Natanson,翻译Revue Blanche ，他抱着他们的女儿Denise。 Vuillard 的缪斯女神Lucy Hessel弯腰在她的缝纫上，前景描绘了家里的狗“Loc”。</p> <p class="ql-block"> 《博利厄风景》 约1893年 作者：皮埃尔•奥古斯特•雷诺阿（1841-1919)</p> <p class="ql-block"> 《塞纳河畔的向日葵》 作者：古斯塔夫•卡耶博特</p><p class="ql-block"> 法国印象派画家，他描绘了许多从室内窗边眺望窗外或巴黎街景的风景。印象派认为真实是转瞬即逝的视觉印象，冲破了以往的绘画成见，直接用色彩来表达视觉。</p> <p class="ql-block"> 《卢万河畔》 1891年 作者：阿尔弗雷德•西斯莱</p> <p class="ql-block"> 《蓬图瓦斯与猎人的风景》 1879年 作者：French(1830-190 0)</p> <p class="ql-block"> 《平息洪水》 1840年 作者：约翰•马丁（英国，1789-1854），画布油画143.5x219.1厘米</p><p class="ql-block"> 約翰.馬丁 （John Martin）是英國浪漫主義的画家、雕刻家和插画家。马丁善于营造宏伟壮丽的氛圍，带进风景画作里同样洋溢著一股如夢一般的幻境，影响了后人的创作手法甚鉅，甚至波及到電影的拍攝，所以，他被誉为史詩電影的先行者。</p> <p class="ql-block"> 《L.) KStill Lif e 博德贡》 作者：文森特 •梵高（荷兰，1853-1890)</p><p class="ql-block"> 文森特.梵高创作的塞尚风格的罕见静物画。這幅梵谷的靜物作品其实画幅很小，人要衣裝佛要金裝，画框裝得厚实而金碧輝煌，勉強可以撑住場面。不過，小小一件油画作品，今天卖价多少可能你我都要瞠目結舌。梵谷37岁時患了严重的精神病自杀身亡，弟弟西奧過度悲痛精神亦現失常，六個月之后步其后尘而撒手人寰，年仅33岁，兄弟两死后仍旧以墳墓互相陪。</p> <p class="ql-block"> 《母与子》1895年 作者：奥古斯特•雷诺阿</p><p class="ql-block"> 雷诺阿是19世纪法国印象派最重要的代表画家之一，也是该运动的核心成员。他与莫奈、毕沙罗、西斯莱等人一同开创了这场颠覆性的艺术革命。</p><p class="ql-block"> 雷诺阿认为绘画的首要目标是创造美，给人带来视觉上的愉悦。即使在描绘普通场景和人物时，他也赋予其一种温暖、和谐的魅力。</p><p class="ql-block"> 雷诺阿的“母与子”主题是其艺术灵魂的核心表达。他将印象派对光色与瞬间氛围的敏锐，与对古典形式和谐与永恒美的追求相融合，倾注了个人对女性美、母性光辉和家庭温暖的深切热爱。在他笔下，母亲成为温暖、丰饶、守护的化身，婴儿象征着纯真与未来的希望。这些画作超越了单纯的肖像记录，升华为对生命本源、人类最纯粹情感的礼赞。它们散发着无与伦比的感官愉悦和情感温度，是雷诺阿留给世界的最温暖、最动人的艺术遗产，至今仍以其永恒的美与爱感染着每一个观者。</p> <p class="ql-block"> 《在女帽店》1881年。 作者：爱德华•马奈（1832-1883）</p><p class="ql-block"> 马奈是19世纪法国绘画最关键、最具革命性的人物之一。他被誉为“现代主义绘画之父”，是连接现实主义、印象派和现代艺术的关键桥梁。</p><p class="ql-block"> 爱德华•马奈是一位颠覆传统、定义现代绘画方向的革命性大师。《帽子店》作为其生命晚期的杰作，不仅是对巴黎时尚生活的精致记录，更是一场关于色彩、光线、质感和形式美感的纯粹视觉盛宴。它完美融合了精湛的静物描绘、内省的人物刻画和独特的现代氛围，展现了马奈在病痛中依然蓬勃的艺术创造力，是其艺术生涯辉煌的终章之一。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"> 《瓶子的瓦罐（The Broken Pitcher）》，法国画家威廉•阿道夫•布格罗（1825-1905）画于1891年。</p><p class="ql-block"> 威廉-阿道夫.布格罗是19世紀未法国学院派画家，精致的绘画技巧最为当時的收藏家們所津津乐道而大事典藏。名声太大，画价始終居高不下，后来竟然因此而成為印象派画家們抨击的目标。描绘的題材除了神話故事以外，其实他最令人折服的是對於女性胴体的表述功力，五官永远如女神般的姣好，肌肤好似彈指可破，瑰丽的作品让收藏家們挤破門楣、趨之若鶩。曾經任教於朱利安美术学院。</p> <p class="ql-block"> 《（L.）安妮，汤森子爵夫人》 1779年 作者：约书亚•雷诺兹爵士（英国，1723-1792），画布油画241.3 ×147.3厘米</p><p class="ql-block"> 18世紀英國画家約書亞．雷諾茲爵士是牧師之子，交遊广闊，当过皇家艺术研究院的第一任院長而且是创始人之一，此研究院並非是一所学校，而是由英王乔治三世設立的一所艺术研究院。1769年雷諾茲被英王乔治三世封為爵士。也因為以像画闻名，达官显貴的夫人们经常盈門滿堂也是自然不过。1784年8月还当任过國王的常任首席画師，干這工作居然还得宣誓就职，埋怨不少，甚至他更加埋怨：认为皇室給的薪水太過寒酸了。</p> <p class="ql-block"> 《海辛特•加布里埃尔-罗兰肖像》，1791年 作者：伊丽莎白 维吉 勒 布伦 (1700-1783），199.4 x132.1厘米</p><p class="ql-block"> 法國历史画家和蝕刻家 米歇爾-弗朗索瓦. 安德烈-博赫頓 出生於普羅旺斯地区的艾克斯，由於他的叔父 要求安德烈必需冠上他的姓氏才同意給他继承的遺产权，故复姓中的 Bardon 是这样來的。在罗馬待过六年和威尼斯半年，最後定居於巴黎。这幅作品描述的是古罗馬神話中的月亮女神、狩猎女神黛安娜，她與凡人恩底弥翁 相恋情景，恩底弥翁年轻貌美，長年在拉塔莫斯山上牧羊狩獵，結果招致宙斯的懲罰。相对于希腊神話，黛安娜就是希腊神話中的阿耳忒尔斯。</p> <p class="ql-block"> 《Clémentine ValensiStora夫人》（阿尔及利亚人），作者：皮埃尔-奥古斯特•雷诺阿（法国人，1841-1919）</p><p class="ql-block"> 这幅热情洋溢的肖像画于1870年1月至8月之间，描绘了Clémentine Stora（1851-1917），她是阿尔及利亚出生的古董商 Nathan Stora（1839-1892/3）的妻子，她专门从事北非商品。Stora 和她的丈夫对这幅委托的肖像不太满意，其丰富和自由绘画的表面可能太大胆了，不符合他们的口味。Stora 戴着蓝色和金色的头饰和连衣裙，这些是阿尔及尔犹太妇女正式服装的元素。</p> <p class="ql-block"> 《Bertin de Veaux夫人的肖像 》（1780-149） 1806年 作者：安妮-路易•吉罗德•德•鲁西-特里奥松（法国人，1767-1824）</p><p class="ql-block"> 文学沙龙的女主人出现在这幅肖像中，大约25岁。她的礼服和珠宝符合拿破仑法国的当代时尚。闪闪发光的珍珠、光泽的天鹅绒和精细的淀粉花边为艺术家提供了一个展示她绘画技巧的机会。这幅肖像在作者的家族中留下了两个世纪。</p> <p class="ql-block"> 《Terpsichore，音乐和舞蹈的缪斯》 </p><p class="ql-block">1739年 作者：Jean-Mare Nattier（法语人1685-1766）</p><p class="ql-block"> 十八世紀法國画家 讓-馬克.納堤尔 是一位难能可貴的人物画家，专为宫廷女士们绘制肖像，连一个保姆都可以描绘得气质优雅，因此相当受到宮廷里女士們的欢迎。这个作品描绘的是希腊神話中掌管音乐與舞蹈的謬斯女神忒耳普西科瑞手執七弦琴，头戴月桂冠，是个任誰都要多看一眼的美丽少女。</p> <p class="ql-block"> 法国画家让-马克•纳蒂尔（Jean-Marc Nattier,1685-1766）的（塔利亚，喜剧缪斯），1739年。</p><p class="ql-block"> 納蒂尔出生在巴黎，父親是人像画家，最令人推崇的是为國王路易十四宮廷所绘的仕女画作。作品描绘的是：古希腊神話中职司喜與轻松詩歌的繆斯女神 塔利亞，她左手拿著喜剧面具，右手通常手持牧杖或者鈴鼓。一般論及塔利亞，都會以這幅作品作為塔利亞具体形象的代表。用笔細膩精緻，魅力迷人、婉約有致。</p> <p class="ql-block"> 《凱瑟琳・牛頓肖像》 1877年（布面油画） 作者：詹姆斯•蒂索</p><p class="ql-block"> 凯瑟琳•艾琳•阿什伯纳姆•牛顿是一位爱尔兰裔英国模特，因与法国艺术家詹姆斯•蒂索多次见面而闻名。她与蒂索的艺术关系很快就变成了浪漫的关系，两人以已婚夫妇的身份生活在一起，度过了余生，但因肺结核而缩短了一生。</p> <p class="ql-block"> 《玛丽亚•安妮-菲茨赫伯特夫人的肖像》</p><p class="ql-block">1784年 作者：托马斯•庚斯博罗</p> <p class="ql-block"> 《生日》 1868年布面油画，（102.9x</p><p class="ql-block">72.7厘米）作者：威廉・霍尔曼・亨特</p><p class="ql-block"> 威廉•霍尔曼•亨特（ 1827年4月2日-1910年9月7日）是一位英国画家，也是拉斐尔前派的创始人之一。他的画作以注重细节、色彩鲜艳和象征手法复杂而著称。《生日》是拉斐尔前派创始成员之一的威廉•霍尔曼•亨特第一幅进入美国西海岸公共收藏的画作。这幅画描绘了亨特的第二任妻子、已故第一任妻子范妮的妹妹伊迪丝•沃21 岁生日的情景。《生日》用色鲜艳、笔触细腻，体现了拉斐尔前派所形成的美学风格，与当时官方艺术机构所倡导的叙事方式截然相反。</p> <p class="ql-block"> 《一位绅士的肖像》 1710年 作者：Nicolas de Largillière（法国人，1656-1746）</p> <p class="ql-block"> 《巴卡尔丁的邓肯•坎贝尔爵士》 约1812年 布面油画 作者：亨利•雷伯恩</p> <p class="ql-block"> 《死去的士兵》1789年 作者：约瑟夫⋅赖特</p><p class="ql-block"> 一位年轻的寡妇为她死去的丈夫的尸体而悲伤，而背景中战斗仍在继续。</p> <p class="ql-block"> 《戴安娜的同伴》1745年 布面油画。117.2x91.8厘米）作者：弗朗索瓦.布歇</p> <p class="ql-block"> 《奏鸣曲》 1889年 作者：欧文•拉姆齐•威尔斯（1861-1948）</p> <p class="ql-block"> 《浴场》 1880-1885年 作者：让-莱昂•杰罗姆（法国人，1824-1904 巴黎）</p><p class="ql-block"> 杰罗姆是法國的历史画家，有名的是一幅名為《角斗士1872》的作品，描绘的是古罗馬竞技场上進行的殊死搏斗，緣由於这幅作品的影响，2000年被拍成电影《角斗士》。 </p><p class="ql-block"> 这位法国艺术家走遍了整个奥斯曼帝国—并以异国情调的描绘其文化为职业—但作为一个男人，他不可能进入《浴场》中描绘的空间，这座豪华的瓷砖澡堂将两个女人包围在一个后宮内，后宮是奥斯曼富有的妻子、妾和家庭佣工最私密的区域之一。虽然两位女性都可能以被奴役的身份进入后来，但她们肤色之间的故意对比表明了她们在沐浴仪式中角色的种族差异—黑人服务员和白人沐浴者。</p> <p class="ql-block"> 《爱与少女》1877年 作者：约翰·罗达姆•斯宾塞•斯坦霍普（英国，1829-1908年），蛋彩画，画布上的金色油漆和金箔，137.2x 200.7厘米</p><p class="ql-block"> 斯賓塞．斯坦霍普被认为是属于前拉斐尔画派的第二代成員之一，他的画风傾向于唯美主义 的创作路线。作品《愛与少女》，描绘的是女孩與手执弓箭的愛神丘比特纏綿悱惻的美丽情境，從人物造形、色調氛围與色彩的鋪陳，鉅細靡遺，极尽纯淨與神圣之能事，被归类为前拉斐尔画派确有其道里存在，而且這作品被誉为是斯賓塞.斯坦霍普最杰出的代表作。</p> <p class="ql-block"> 《植物帝国》ca。1743年 作者：Giovanni BattistaTiepolo（意大利人，威尼斯人，1696-1770）</p><p class="ql-block"> 十八世纪杰出的意大利画家 Tiepolo在对Flora女神的感性表现中表现最热情。奥古斯都三世（萨克森选帝侯和波兰国王）的特使弗朗西斯科•阿尔加罗蒂伯爵委托创作了这幅画。背景中描绘的海王星喷泉是冯·布吕尔的马可利尼宫花园的一个突出特征，今天仍然可以在德累斯顿参观。</p> <p class="ql-block"> 《普赛克告别家人》 1791 <span style="font-size:18px;"> 作者：法国女画家，玛丽•吉列明•拜诺伊斯特（1768-1826)</span></p><p class="ql-block"> 身着白衣的普赛克公主必须牺牲自己，嫁给一个怪物，从而来拯救王国。画中展示了公主最后拥抱母亲，父亲和家人痛苦的画面。</p><p class="ql-block"> </p> <p class="ql-block">《贡金》 作者：彼得•保罗•鲁本斯</p> <p class="ql-block">《米尔蒂洛的加冕》 作者：费迪南德•波尔</p> <p class="ql-block"> 《牧羊人的崇拜》作者：约阿希姆•维特瓦尔</p> <p class="ql-block"> 《俄罗斯新娘的服装》 1889年 作者：康斯坦丁•马科夫斯基（俄国人，1839-1915）</p> <p class="ql-block"> 《威克菲尔德教区牧师的场景》 约1843年 作者：查尔斯.罗伯特•莱斯利</p> <p class="ql-block"> 《阿米德木星神庙的舞台布置设计》 1787年 作者：查尔斯•德•威利（法国人，1730-1798）</p><p class="ql-block"> 这个宏伟的戏剧布景设计以1777年在巴黎首次上演的克里斯托夫•威利瓦尔德•格鲁克的歌剧《阿米德》中的罗马士兵在朱庇特神庙的暴力战斗场景为特色。这幅画将舞台重新设想为一个巨大的新古典主义建筑内部。建筑渲染的精确性和宏伟性表明了精湛的建筑师查尔斯•德•威利的手。也是巴黎舞台和瑞典王室的成功设计师。</p> <p class="ql-block"> 500年前的挂毯《用雪貂猎兔》 1470-1490年</p><p class="ql-block"> 狩猎场景是现存十五、十六世纪挂毯的常见主题。这幅作品是描绘兔子狩猎事件的三幅系列挂毯中的第二幅。狩猎活动贯穿三幅挂毯。第一幅挂毯现藏于格拉斯哥的巴雷尔收藏馆，描绘的是农民准备狩猎的场景；第三幅挂毯现藏于巴黎卢浮宫博物馆，描绘的是农民狩猎后野餐的场景。旧金山美术博物馆的这幅挂毯描绘的或许是最关键的场景——狩猎本身。从左下角开始，一只戴着铃铛的雪貂进入兔子洞，将兔子追赶到农民设下的网中。这一系列挂毯的不同寻常之处在于，它们以农民而非贵族作为兔子的猎人。</p><p class="ql-block"> 如今，至少有120幅这样的挂毯现存，描绘了农民从事放物、收割和狩猎等乡村活动的场景。博物馆挂毯中对农民的描绘或许印证了当时贵族与下层阶级之间的社会紧张关系。农民的服饰，尤其是彩色布料和鞋子，是北欧富裕农民的典型特征，表明了他们较高的社会地位。尽管他们衣着讲究，配饰高档，但他们棱角分明的面部特征却显得有些夸张，或许是有意讽刺。</p> <p class="ql-block"> 《圣女贞德的申诉》劳伦斯为被改编成挂毯而创作的画作。广场上搭建的绞刑架上，身着白袍的贞德在一位戴兜帽的神父的引导下走向通往刑场的台阶。她用手捂住脸。她的话刻在她头顶的卷轴上：（主教，我为你而死。鲁昂！鲁昂！你有祸了！）绞刑架脚下的另一个卷轴上写着：（是的！所有这些声音都是真的。我所做的一切都是在上帝的帮助下完成的）。骑马的士兵围绕着断头台。一道耀眼的光芒从右侧照射过来，酒在断头台上，反射在他们的盔甲上，仿佛火焰已经燃烧起来。在左侧的检阅台上，一位头戴主教冠冕的主教显眼地站在上层，周围还有其他神职人员。各种各样的纺织品悬挂在他们面前，就像在过节一样。世俗的证人挤满了下层的树枝，一个小男孩爬上柱子以便看得更清楚。刽子手在右侧凸起的砖台上等候，手里拿着一根绳子。一根带有横向支撑的木桩周围铺着一大堆灌木。另一个人拿着冒烟的火炬站在那里准备就绪。边缘的茎秆多刺，右侧只有少量的叶子和花朵。殉道者的棕榈枝就放在木桩的正上方。</p> <p class="ql-block"> 《花瓶里的花》 1882年 作者：亨利•范廷-拉图尔（法国人，1836 －1904 年）</p><p class="ql-block"> 这种低调但精心处理的茶玫瑰和尼格拉的安排展示了迷人的自然主义，使作者成为十九世纪最成功的静物画家之一。作者在诺曼底的他妻子的家中渲染了这束花。这对夫妇在夏季从巴黎撤退到这处房产，并从花园里采采新鲜切的鲜花来粉刷。的画作找到了现成的市场，特别是在痴迷于鲜花的维多利亚时代的英国。根据Dubourg 在丈夫去世后出版的作品目录，仅在1882年，其夫就创作了九部以玫瑰为特色的静物。</p> <p class="ql-block"> 《银花瓶里的花》 1663年 作者：威廉•范 艾尔斯特（荷兰，1627年-1687年后）</p><p class="ql-block"> 威廉•范•艾尔斯特16岁时成为代尔夫特的画家大师，他早期的职业生涯在巴黎和佛罗伦萨度过，在那里他担任托斯卡纳大公的宫廷画家。在罗马呆了一段后，他回到了他的祖国，在阿姆斯特丹定居。在这个动画静物中，鲜花从一个时尚荷兰设计的银色花瓶里溢出来。昂贵的条纹郁金香似乎准备掉花瓣了。怀表，打开后以奢华的细节揭示其机制，垂下的花朵，被昆虫啃咬，传达了生命转瞬即逝，美丽也是不可避免的灭亡的想法。</p> <p class="ql-block"> 《带有粉红色和白色花的静物》 19世纪末 作者：杜堡Fantin-Latour（法国人，巴黎1840-1926 年）</p><p class="ql-block"> 十九世纪，在巴黎艺术界建立职业生涯的女性人数有所增加，如维多利亚•杜堡。虽然美术学院直到1897年才接受女性，但杜堡通过复制卢浮宫博物馆展出的画作来磨练她的技能。杜堡对十七和十八世纪艺术家的勤奋研究塑造了她对花卉静物的兴趣。</p> <p class="ql-block"> 《馅饼》 1743年 作者：Jean-BaptisteOudry（法国人，1686-1755)</p><p class="ql-block"> 在这幅罗姆普•洛伊尔的画作中——一幅几乎各种纹理，包括羽毛和毛皮，都是专业的用精致的笔触结束。一只野兔和一只野鸡挂在两只游戏鸟身上，披在豆蔻（一种与洋蓟有关的蓟） 茎上，位于一篮子水果和装饰着百合花皇家徽章的pite enerotte 之间。</p> <p class="ql-block"> 《宴会静物》1650年 木板上的油画 作者：安特卫普画家Christian Luycks ，画这样的静物画而闻名，以奢侈品为特色</p><p class="ql-block"> 一个镀金高脚杯——与从地中海进口的肉馅饼和柑橘类水果一起出现。其他商品来自更远的地方。蓝白相间的瓷器从中国运抵商船。鹦鹉螺壳从印度洋和太平洋中部捕捞，侧身露出其天然的内部。静物中富足和繁荣的展示将其与欧洲人扩大殖民企业以及通过契約和被奴役的劳工开采资源联系起来。</p> <p class="ql-block"> 《花瓶里的樱花》 1886年 作者：格蕾丝•阿德菜德弗莱彻（1857-1942）</p><p class="ql-block"> 格蕾丝•弗莱彻是全国女艺术家协会的成员，该协会成立于1889年，旨在支持男性主导的艺术界的女艺术家。1881年，在旧金山生活时，她与商人HoraceFletcher结婚，后者专门从东亚进口丝绸面料。这幅画以日本花瓶、屏风和丝绸纺织品为特色，体现了日本主义，日本艺术和装饰艺术的流行在1854年后蓬勃发展，当时美国强迫日本港口向外贸开放，其中大部分通过旧金山。黄色花瓶上装饰着鹤—好运、忠诚和长寿的传统象征。丰富的樱花，花瓣飘落，突出了娇嫩的春花的短暂性质，从而凸显了生命本身。</p> <p class="ql-block">《杜鵑花和苹果花》 1879年 作者：查尔斯•卡丽尔•科尔曼（1840-1928</p><p class="ql-block"> 这幅画融合了欧洲静物传统与亚洲物品和美学。蓝白相间的瓷花瓶记录了中国陶瓷的流行，这些陶瓷陶醉了美学运动的艺术家，如詹姆斯．麦克尼尔•惠斯勒。这些花让人想起被称为插花的日本插花艺术。科尔曼的作品体现了美学主义的“艺术为艺术”哲学，该哲学在生活的各个方面都提倡美作为一种理想。</p> <p class="ql-block"> 《圣母和儿童与普蒂》 1490-1495年 作者：安德烈•德拉•罗比亚塔利安1430-1020年</p> <p class="ql-block"> 不同于18世纪洛可可风格的奢华风格，上面这组家庭祭坛（House altar）以及其中陈列的"十字架受难群像"（Crucifixion Group）则是一组展现18世纪中期南德地区贵族的宗教热情、技艺和生活方式的独特艺术品。此时正是巴洛克时期向洛可可风格过渡时期，家具和器物的装饰和布局体现了时代审美的变迁。</p> <p class="ql-block"> 这间金碧辉煌的展厅，名字是路易十五房间，一走进去，整个人都被拉回到18世纪的法国。这间房间的设计以路易十五式风格为主，表现了那个时期法国贵族的奢华生活方式。路易十五式风格被称为洛可可风格，这种风格的家具通常具有优雅的曲线和精美的雕刻，这些特征在路易十五房间有了淋漓尽致的体现。</p> <p class="ql-block"> 博物馆主画廊内还展出一架大型室内交响乐器管风琴，包括4排手键盘和脚踏板、7个独立分部、63组音管。</p> <p class="ql-block"> 这是法国拿破仑时期首席外交家，法国历史上有名的政治家和大主教塔列朗的床一—塔列朗床。这件具有丰富历史和政治背景的艺术品，由塔列朗于1803年委托当时法国最负盛名的家具工匠Frangois所制作的，尽显19世纪早期法国家具制作技艺的精湛和细致塔列朗床的设计充满了象征和寓意：床头顶部的“金鹰”象征着拿破仑的权威和力量，床头两侧的双头鹰则象征着塔列朗的角色，以及他在法国与其他欧洲国家之间的外交努力。</p> <p class="ql-block"> 《门楣钟》法国，巴黎，镀金青铜和玻璃</p> <p class="ql-block">野猪头汤碗 约1754年 切尔西工厂</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block"> 《连衣裙3 》 2001年 作者：坎特吉兹 Karen LaMonte (b.1967) 铸造玻璃</p> <p class="ql-block"> 如果有时间能够同一天参观这个艺术馆和德扬博物馆，凭借第一个博物馆的记录，您可以免费进入第二个博物馆。</p> <p class="ql-block"> 荣誉殿堂博物馆不仅仅是一个存放艺术品的场所，它更像一座精神的圣殿。在追求未来的同时，那些镌刻在石头、青铜与画布上的过去，永远值得驻足、凝视与沉思。带着这份精神的充实和对美的敬畏，缓缓走下台阶，将这座面朝大海的艺术方舟留在身后，而它的馈赠，已深深印入记忆的画卷。</p>