NPO法人日本國際藝術研究院的美篇

NPO法人日本國際藝術研究院

比较艺术学

图像世界的异构

王凯（美学·美术史）

大约在1985年前后，笔者正专注于水墨画的研究与创作。当时无论是个人展览，或是参与的大型展事，乃至寄往海外的参展作品，几乎无一例外皆为传统水墨画风格。某一天，偶然收到一位日本友人寄来的几册浮世绘画册，翻阅之际，顿觉眼前一亮。其画风之独特，意境之鲜明，既迥异于中国水墨的含蓄内敛，又展现出一种直接、鲜活、富有生活气息的审美趣味，令人耳目一新。也正是这次偶遇，激发了我对浮世绘的浓厚兴趣，并由此开启了对这一日本独特艺术形式的关注与研读，进而思考其与中国绘画传统之间的差异、对话与启发关系。地理相近、文化同源的中日两国，在绘画艺术的发展上却呈现出风格迥异、各具面貌的路径。特别是在18至19世纪——即中国清代中晚期与日本江户时代中后期——两国绘画均步入了一个相对成熟与稳定的阶段，分别展现出高度凝练的民族风格与深厚的历史积淀。中国绘画在此时期延续以“文人画”为核心的传统，重视“以形写神”“以意传情”，追求笔墨精神、山水意境与哲理寄托，强调内在修养的艺术转化。而日本浮世绘则在市民阶层崛起与版画印刷技术发展的背景下，迅速发展为一种服务于都市生活、面向大众消费的图像艺术。其题材多聚焦于歌舞伎、艺伎、美人、名胜、风俗等日常景象，构图平面化、色彩艳丽，形式语言极具装饰性，视觉张力强烈，体现出一种开放而世俗的美学趣味。本文拟从形式语言与叙事内容、色彩与线条表现等多个维度出发，探讨中日两国在同一历史时期绘画风格分野的文化根基与美学走向，借此进一步理解两种艺术传统如何在相似的文明基础上，衍生出风貌各异的视觉语汇与审美旨趣。

一、笔禅墨韵与印刷图像

中国清代绘画以“笔墨为骨”，尤其文人画强调水墨线条的节奏与精神寄托，讲究“气韵生动”与“意在笔先”。此类绘画常采用立轴、册页等形式，讲究构图留白与用笔的书写性，其目的是营造一种“可游可居”的心灵境界。例如石涛、郑燮、金农等人，皆以笔墨为个性载体，将画面视作思想与气息的流动空间。相较之下，日本浮世绘则以版画为主，采用木刻技法与套色工艺进行大批量复制。其形式追求清晰线条、明确构图与色彩鲜明，强调图像的可读性与装饰性。浮世绘画面往往强调平面性与图案感，受到日本传统工艺与戏剧视觉的影响。在构图上，浮世绘更趋于对现实空间的抽象化处理，而非三维透视下的深远感。

二、士人与市民的文化对照

中国绘画在清代多延续士大夫精神传统，其创作内容多为山水、花鸟、竹石与隐逸人物。通过描绘自然景物或借物抒怀，画家表达的是一种脱俗入道的哲学观念。文人画从不以取悦他人或赢利为首要目的，而是“借画修身”，体现了文人士子对“雅文化”身份的自觉维护。日本浮世绘则是典型的市民文化产物。“浮世”本意为“浮生若梦”，但在江户时代，逐渐转义为对现世享乐与人间情趣的肯定。浮世绘题材涵盖歌舞伎演员、美人画、风俗场景、名胜风景与春画等，作品面向市井阶层，是江户城市文化的视觉反映。喜多川歌麿、葛饰北斋、歌川广重等人借助浮世绘构建起一种日常生活的美学经验。

三、文化心理与社会结构

中国清代的绘画风格受儒释道混合文化影响较深，艺术成为士人精神世界的投射工具。绘画是道德修养的延伸，因此画面强调的是内在的秩序与气韵的流动。这种以“画如其人”为审美核心的传统，促使绘画成为一种道德与哲思的载体。相对而言，浮世绘更契合日本江户时期封建体制下逐渐兴起的市民阶层趣味，它呈现出对现实世界、感性生命与日常风貌的热烈关注。浮世绘强调的不是哲理性内涵，而是“感受即真实”的审美姿态，其流动性与普及性预示着日本现代视觉文化的萌芽。

四、淡雅水墨与张扬色彩

清代的绘画与江户时代（特别是元禄至江六年间）日本浮世绘，在色彩运用上呈现出显著差异。这不仅源于材料与技法的不同，更反映了两国文化审美与艺术理念的分野。中国绘画讲求意境与笔墨韵味，色彩多为淡雅，常以水墨为主，辅以设色，注重“色不碍墨”，体现儒释道哲学中的“虚实相生”。而浮世绘则以鲜艳、浓烈的色块构图为特点，强调装饰性与视觉冲击，常表现市民生活的活力与娱乐性，尤其在“锦绘”时期更趋张扬。此外，西方颜料的引入也丰富了浮世绘的色彩表现。明清绘画偏向内敛含蓄、强调精神性；浮世绘则趋于外放热烈、注重感官体验，反映出不同社会文化背景下的艺术取向。

五、线的精神与形的边界

清代的绘画与江户时代的日本浮世绘，在线条运用上展现出鲜明差异。清代绘画中的线条源于书法，讲求“用笔”与“笔意”，富有节奏与精神性，是表现气韵与思想的重要手段。文人画尤重线的内涵与变化，通过“以线立形”传达画家的文化修养与哲思。而浮世绘则以清晰、匀称的轮廓线为主，强调平面感与装饰性，适应版画复制的需要。其线条常用于界定色块，突出形体轮廓，风格鲜明、富有现代感，体现出市民文化对视觉效率与流行趣味的追求。明清绘画的线条体现了内敛、精神性与书写美；浮世绘的线条则偏向外放、功能性与大众传播。二者背后是两种文化对“线”的美学理解与视觉传统的深刻不同。

尾声：图像的两极

从表现形式到内容主题，从技法运用到色彩把握，从线条表现到文化心理结构，清代中晚期的中国绘画与江户时期的日本浮世绘，展示出两种完全不同的图像世界。中国绘画以线条为魂，以哲理为旨，讲求“以形写神”“以意造境”，延续着文人传统中内向性与思辨性的美学取向。水墨、留白、笔墨韵味，构成一种面向内心的抒情方式，是对自然、人生、宇宙的深度凝视。而浮世绘则以版画为媒介，将绘画从贵族与知识阶层中解放出来，转向服务于城市大众。它强调装饰性、叙事性与传播力，色彩鲜艳、构图平面化，描绘的是歌舞伎演员、艺伎、美人、风景等充满生活气息的现实图景，构建了一种以世俗审美为核心的视觉系统，反映出日本江户时期市民文化的繁荣与艺术的普及化。这两种绘画传统并无高下之分，而是在各自社会结构、文化心理与技术条件下的自然生长，是中日艺术精神两极化的体现。在今日全球艺术不断交融的背景中，重新审视这两种绘画体系，有助于我们理解亚洲视觉文化的多样性与复杂性，也为构建未来更深层次的跨文化艺术对话，提供了历史的镜鉴与文化的根基。长年来，笔者旅居日本，从事中国美术与日本美术的比较研究。置身其中，亲身体验其文化氛围与视觉美感，不知不觉间，与早年在中国所感受到的美学经验形成了鲜明对照。这种对比，不仅丰富了个人的艺术视野，也为比较艺术学的深入研究提供了坚实的实践基础与思想启发。

作品欣赏：

石涛作品

喜多川歌暦作品

本文作者：

王凯，文学博士、美术评论家、画家。日本早稻田大学大学院艺术学美学美术史博士后课程毕业。曾先后在日本武蔵野美术大学、国学院大学、日本大学任教，并担任硕博生导师。著书：《中国艺术的光和影》、《日本近现代美术的变迁》等。



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