服装的存在意义：你是什么样的人就喜欢什么样的衣服

覓我MECOSS---中欧时尚使

服装的存在意义，难道仅仅是为了被穿在身上吗？每当看到 Comme des Garçons 在伸展台上呈现的离经叛道的廓形，Rick Owens 那仿若哥特史诗般的黑暗美学，或者新锐设计师品牌在时尚体系中迅速崛起、带有强烈视觉冲击力的作品时，脑中总会浮现一个念头：这些设计，并非为了走进日常衣橱而诞生，而更像是一种理念的具象化，是一种视觉化的愿景，甚至是一种被称作“概念”的表达方式。人们也常将 Martin Margiela、Raf Simons、Alexander McQueen川久保玲、山本耀司等关键人物归类为“概念型”设计师。他们的作品常被视为思想性与文化性的延伸，对“穿着性”本身并不抱有太大兴趣。因此，他们也时常被贴上“高冷”、“不接地气”的标签——因为这些设计仿佛并不服务于大众的现实需求，而是向更高层次的艺术与精神追求进发。 也许对于来自于中国十八线小城服装业者来说，这样的关注有点好高骛远，我们每天面对的客户大多数没什么品牌概念，也许不会深入了解品牌出处、面料、设计理念，重要的是价格价格价格～，然而不成熟的客户群体会反向影响到上游品牌及设计师，为了应对市场压力，抄版山寨乱象横生，当这样肤浅的东西充斥市场，也就造就了大众审美力的持续降低，什么是有品位的？什么是常识？我们在人群中到底是个什么画像，是自己感觉舒服就是好的吗？我们如何融入世界，如何洞察这个世界的趋势？长久看大国博弈，终究是文化的竞争，个人来说也是如此！ Martin Margiela 用“解构”理念彻底颠覆了服装的本质。他的 1997 年“Artisanal”系列以手工方式将旧手套、袜子、二手衣物重新缝合成衣，模特面部被刻意遮挡、轮廓不合身，几乎是在挑战时尚对“美”的既定想象。他把时装看作一种社会行为，而不是单纯的造型手段。 Raf Simons 在 2002 年秋冬系列“Consumed”中，借助制服、面罩与冷峻的城市氛围来探讨身份的建构与青年文化的异化。他的设计通常不强调穿着的舒适性，而是借由剪裁、图案与展示形式传递出对时代情绪的深刻洞察。他曾直言，自己的设计是“为未来的年轻人准备的”，不是为眼前的市场服务。Alexander McQueen 则将时装变成剧场与装置艺术的交汇点。他在 1999 年春夏系列中让模特 Shalom Harlow 站上旋转平台，由工业机器人向她喷洒颜料，这个桥段至今仍被视为时尚史上最具冲击力的时刻之一。McQueen 的设计往往带有强烈的情绪性，融合诗意、暴力、死亡、历史、神话，他创造的不是“服装”，而是一个个关于人性与欲望的寓言。这些作品都在有意识地规避“好看”“实穿”“畅销”这样的现实指标，转而向艺术性、思想性、文化批评靠拢。因此它们时常被视为“离地”的，但也正因为这种不合时宜，才构成了时尚最前沿、最锋利的表达。但在我们看来，时尚毕竟是一个以“创意”为核心驱动力的行业。即便现实中必须面对销售压力的桎梏，把创作的多元性简单划分为“有用”或“无用”，甚至将某些风格贬低为不切实际，其实既狭隘也毫无意义。因为无论是时尚品牌，还是任何一个具备持续影响力的项目，其背后都一定建立在一个“想法”、一个“概念”之上。没有愿景，就没有方向；没有清晰的出发点，就不可能走得长远。正是那个最初的念头，驱动整个创作体系运转起来，并不断向更远大的目标推进。尽管这个过程充满现实与理想的拉扯，但若缺乏一个统一而坚实的理念作为核心支撑，一切都容易变得松散无力。不过这几年我们也注意到一个越来越普遍的现象：许多品牌的创意总监在系列初期并不会设定一个清晰的创作方向，而是放手让设计团队各自提出设计方案，最后再用“断舍离”的方式，将看似不相关的碎片剪裁整合成一个“和谐”的系列，并在临近发布时，为其编织出一个貌似逻辑自洽的叙事框架。也因此，我们常常能看到 Prada 这两季在视觉和结构上显得颇为凌乱。而在大秀结束后，身为业者的我们往往最期待的，便是 PR 会发出怎样的新闻通稿——因为这份稿件就是品牌自我辩证、兜底逻辑的关键。幸运的是，Prada 一直是个擅长讲故事的品牌，总能把逻辑讲圆，无论是探讨“本质”还是挖掘“原动力”，它都能将那些高度抽象的理念转化为合理的视觉语言——但这种高难度操作，恐怕也只有 Prada 做得来。反观国内品牌，每季各大时装周四处拍照抄版，回来后强链接一个概念故事忽悠收割大众，反正制造是中国的强项。但大多数人不知道的是，服装品牌面料五金件工坊供应商是具有垄断性的，你所能理解翻版的东西正是这个行业体系集体设计出来的陷阱。 坦白说，我们并不喜欢这种“先产出、后剪辑、再包装”的创作顺序。但“创意贫乏”作为一种行业现象，其实远不止针对创意总监个人，有时候是整个团队集体失语的结果。当然，我们并不是苛求每一季都必须拿出惊世骇俗的点子——毕竟理念的最终载体可以是一条牛仔裤和一件白 T，也可以是一套超现实主义的褶皱礼服，或是一座建筑般复杂的几何结构。那是另一个维度的问题。真正重要的是：只要这些作品忠实传达了背后的构思，并在实践中形成“自洽”的系统，那么无论形式多么不同，都应被视作合理而值得尊重的创作成果。 这里我们想举两个例子：山本耀司和刚刚加入 Jil Sander 的 Simone Bellotti。虽然这两个品牌风格迥异，但他们的共同点在于——都曾被某种深层的愿景所启发，并通过服装这一媒介，将内心的想法具象化地呈现出来。山本耀司虽然如今已经不再事无巨细地参与创作过程，但每一季的大方向依然由他亲自把控。从他亲自演唱的秀场音乐，到每一场秀背后的叙事骨架，都充满了他个人的艺术直觉与哲学思考。 相比之下，Simone 的创作过程则更偏“传统”。他的灵感多源自书籍、画册、美术馆或博物馆。记得我们上次聊天时，他提到在日本旅行期间，会将沿途所见一一记录，之后再逐步梳理这些素材之间的内在逻辑，从而构建出系列的叙事线索。在 Bally 2025 秋冬系列中，他以“Leistung / Aufführung”作为标题，两个德语词都可译为“表现”，但含义迥异——前者偏重于效率、成就，强调社会角色的功能性；后者则指向舞台上的表达与释放，更注重个体情感的展现。Simone 在这一季正是探索这两者之间的张力：人在现实生活中的秩序感与扮演的身份角色，如何与自我真实状态之间发生碰撞。 这一系列灵感源自瑞士艺术家 Luciano Castelli——一位以先锋表演艺术闻名于上世纪 70 年代末的创作者。他倡导性别模糊与自由表达，打破规范化的审美边界。Simone 延续了这股精神，通过面料质地之间的强烈对比、廓形的流动与收束，表现出人在社会期待与个体欲望之间的拉扯与融合。这并不是 Simone 第一次如此“入戏”——在 2025 春夏系列中，他便以瑞士“达达主义”先驱 Hugo Ball 为灵感核心，运用诗意而实验性的时装语言，探讨身体与自然的关系。这与 Hugo Ball 当年的艺术宣言高度一致：反抗僵化制度、解构符号系统，追求更本真、更直接的表达方式。 从色彩来看，该系列以大地色为基调，不对称的图案与几何线条交织其中，呼应了达达主义对语言与逻辑秩序的重构；模特造型则刻意放弃统一的审美标准，转而强调个体特征，展现出一种“去中心化”的多元面貌，仿佛呼应了 Hugo Ball 在苏黎世卡巴雷中所倡导的“去语言化”舞台哲学。值得一提的是，Simone 的系列之间并非割裂孤立的“灵感片段”，而是具有明确的延续性。虽然每一季的灵感来源各不相同，但始终围绕瑞士文化展开，且在借用艺术家的思想与视觉语言时，他总会注入自身的理解与视角。这种带有“个体转译”的方式，令他作品中的文化意涵既不空洞，也不生硬。反观当下时装周现场，我们总能在秀后听到设计师在 Moodboard 前侃侃而谈，但聊得最多的往往是某件衣服的“版型”“领子”“用色”……这种过度“物理化的”参考方式，总让我们忍不住思考一个问题：如今还有多少设计师，会像 Karl Lagerfeld 那样，以收藏图书为乐，在浩瀚的书页中寻找灵感的“黄金屋”？作为观众，我们常会直觉地判断某些服装“根本不可能穿上街”，但对于另一些人而言，那或许恰恰是再自然不过的日常选择。而反之亦然。 试问，在这个时代，还有多少设计师愿意，或者说有能力，推出一个既是向经典致敬，又是“向自己致敬”的系列？还有多少已经在行业中待了二十年的创意总监，依然愿意用如此纯粹且艺术性的方式，重新思考自身的美学轨迹？恐怕，少之又少。如今，各方施加的销售压力愈发沉重，在这样的环境下，秀场上的“天马行空”反倒成了创意团队最后的呼吸空间。如同一场精心编排的戏剧，时装秀必须在短短十五分钟内，打动坐在前排的嘉宾，也要俘获屏幕另一端观众的注意力。这是一个把整季设计理念具象化的瞬间，是创意总监为品牌注入灵魂的高光时刻。但问题是，这个“概念”真的会延续到实体店里吗？绝大多数时候并不会，甚至可以说几乎从未真正完整落地过。那些看似张扬、前卫、极富表现力的造型，往往只属于秀场舞台——一旦进入零售环节，它们要么被“简化”，要么干脆被替换为更“可销售”的版本。 那独立设计师也好，大品牌也罢，要如何让这些珍贵的创意得以延续？或者换句话说：怎样才能在“赚钱”的前提下，依然“任性”地释放那些离经叛道的想法？到目前为止，真正能做到在商业与创意之间游刃有余、同时维持艺术性与品牌运作平衡的，大概也只有川久保玲了。她构建了一套几乎不受主流规则束缚的系统——在那个系统里，创意不只是装饰性的附属品，而是品牌存在的根本理由。Comme des Garçons，尤其是川久保玲的主线系列，一直是时尚界里一个神秘又强大的存在——它的价值从来无法用“畅销与否”或“流行不流行”来衡量。她的秀场，更像是一间思想实验室，一场场激进而纯粹的观念实验。那些夸张到近乎“不可穿”的造型——巨型泡泡裙、不对称的椭圆轮廓、无法行动的袖子、甚至像行为艺术般遮住整张脸的头饰——都是她用来质疑和重塑“身体”、“服装”、“美”这些根深蒂固观念的利器。 表面看似“反商业”？其实恰恰相反——这是一套精准、冷静、令人佩服的品牌策略。川久保玲深知，真正能构筑品牌价值的，从来不是单纯的销售数字，而是文化影响力。她用这些“不卖”的秀款，在全球时尚语境中牢牢占据一席之地。媒体为她狂热报道，策展人争相收藏，造型师与设计学生像做解剖实验一样研究她的造型结构。这些作品的意义，远远超出了“能不能卖”这个维度，它们建立的是 Comme des Garçons 在文化与思想领域的“话语权”。与此同时，真正支撑整个品牌商业体量的，是她构建的副线帝国——Comme des Garçons Comme des Garçons、tricot、Noir Kei Ninomiya、Junya Watanabe、 CDGPLAY（尽管是设计师独立支线，却依然属于她的系统），以及最被大众熟知、红心 Logo 广为流传的 PLAY 系列。这些副线延续了品牌的理念核心，但更加贴近日常、易于穿着，也正是靠它们，主线才得以保持绝对的创作自由。你可以把这理解为一种高度成熟的“双轨制”：一边是概念主导的主线，负责颠覆、提问、激发思考；一边是落地实穿的副线，负责销售、渗透、维系生存。哲学和经济泾渭分明，却缺一不可。川久保玲曾说过：“我的设计不是为了销售，而是为了表达想法。”她从不把衣服仅仅当作商品，而是视为一种语言，一种可以挑战现实、撼动结构的表达方式。 就像她在 2017 秋冬系列呈现的“The Future of Silhouette”系列，那些像肿瘤般的填充结构、彻底模糊身体轮廓的服装，不可能出现在街头或办公室，但它们重新定义了“穿衣”这件事的意义。那一季真正卖出几件并不重要，重要的是它如何推动了时尚作为文化工具的边界。它不是用来穿的，是用来思考的，是用来震荡语境、撼动观念的。所以当有人问：“她的秀场上那些造型根本不卖，意义在哪？”答案其实很简单——这正是 Comme des Garçons 最珍贵、最先锋的地方。如果哪天她也开始迎合消费节奏，搞“扫码即买”“限时抢购”的快闪逻辑，那才是真正的失落。我们需要川久保玲始终站在那里，呈现那些没人穿、没人买、却人人都在看的衣服，不断提醒我们：时尚，不只是买卖，更是一种思想实践。Comme des Garçons 的秀场不是商业平台，而是一座持续输出观念的哲学高塔。副线是它稳固的经济地基，两者构建出这个极具原创性与文化厚度的品牌宇宙。川久保玲非常清楚哪些设计是“可卖的”，也同样明白，有些作品必须“存在”，即使没人会买——因为一旦放弃了那些没人买的部分，Comme des Garçons 也就不再是 Comme des Garçons。问题是，这种能够同时驾驭思想与市场的模式，又有几个品牌能真正做到？答案恐怕残酷而清晰：极少，几乎没有。也正因如此，Comme des Garçons 的存在，才愈发珍贵。 在一个一切都被算法计算、被市场调研主导的时代，仍有人在用布料与剪裁，试图重新定义“人”的存在方式。那些“不卖”的衣服，恰恰撬动了我们对“美”、对“身体”、对“规范”、对“现实”的深层想象。那些依旧以“创意”为核心的品牌，不仅是提供了一场秀、一件衣服、一家品牌，它们是一种思想的持续发生，是一间移动的文化实验室，是将“想法”推向极限、再让其落回真实世界的通道。这不是逃避现实，而是直视现实的另一种方式。当主流世界被功能、效率、销售数据包围得喘不过气，他们却用看似“离地”的方式，提醒我们：时尚从来不是关于“穿什么”，而是关于“你是谁”、“你相信什么”、“你愿意用什么来表达自己”。所以，那些“没人会穿”的衣服，那些“看不懂”的廓形，那些“不会进店铺”的设计，它们不需要被买走，它们只需要存在——作为坐标、作为反问、作为证据，证明我们仍拥有想象的能力。时尚不只是产业，它更像是一面镜子、一把刀、一声怒吼。而这些品牌，是那种在最安静的时候，依然能震耳欲聋的存在。 我们的企业文化是基于一个基本的黄金法则 - 对待别人就像你希望自己对待自己一樣。 这是一种普遍的价值观，在每个国家，每個城市，文化和宗教中都有实践。 事实上，這是黃金法則的普遍性，它赋予了泰和润瑞文化以其情感力量。在時尚銷售領域上超过30年，它一直是与客人，与我们的商业伙伴以及彼此之间的每一次互动的基础。 对每一位泰和润瑞员工来说，这是一种普遍的生活方式，并将在未来50年保证我们的成功。 山东胶州财富商街MARISFROLG专卖店电话：0532-87219377 山东青岛龙湖胶州天街一层1—53 MARISFROLG（玛丝菲尔）专卖店 山东青岛龙湖胶州天街一层—55 JNBY（江南布衣）专卖店 山东青岛龙湖胶州天街一层—49、50、51COSS DE ZHW进口品牌合集 山东青岛龙湖胶州天街一层—39 EIN FOR LIVING生活馆 COSS INTERNATIONAL TRADING COMPANY LIMITED (HONGKONG) :香港皇后大道中181号新纪元广场低座1501+34 613277395 COSS INTERNATIONAL TRADING COMPANY LIMITED (SPAIN) :Conde salvatierra número 39 VALENCIA+34 661416154+34 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