含洋原创艺术摄影《搞懂相机前期控制……》

含洋原创艺术摄影

《年年有余》彩色重调，高对比低饱和度直出图片。 我们要搞懂相机前期控制，不要道听途说以日本摄影家保井崇志为例，其创作实践正是“前期主导”理念的鲜活注脚。保井崇志以街头摄影、人文摄影、建筑摄影为主，擅长用富士相机及不同焦段镜头，捕捉日常生活中稍纵即逝的美丽与神秘感。他的作品如东京街头夕阳余晖中的人物、京都古寺等，均通过前期对光线、构图、拍摄时机的精妙把控实现独特视觉表达。即便使用VSCO film等工具后期调色，也仅为有限度的影调微调，而非重构画面元素。其作品偏冷色调中透出的真实感，本质上源于前期对现实场景的介入性记录——这恰印证了“摄影作为镜头书写的现实”的本体特性，即后期是前期创作的延伸辅助，而非主导。相机前期控制对比度、饱和度及白平衡滤镜等技术操作，均可在拍摄阶段完成对画面基调的塑造。正如保井崇志的实践所示：当摄影师将创作重心置于取景框内的真实世界，通过现场测光、构图取舍与光影捕捉完成“前期构思的完整体现”，后期便自然退居“技术强化”的配角地位。这种对摄影本体性的坚守，为“重前期轻后期”的创作逻辑提供了有力佐证。含洋今天用几张前期相机控制影调与色调加中对比度或饱和度的几张彩色重调照片来聊前期相机控制。 《坐井观天》单色黑白，直出图片。 摄影艺术的本体性坚守：论前期控制与现实根基的不可替代性在探讨摄影艺术的本质时，“后期创作等同绘画艺术、脱离前期控制即可实现抽象表达”的观点，实质是对摄影本体特性的误读。摄影作为“镜头书写的现实”，其艺术价值始终植根于前期对客观世界的介入性记录，后期是在前期创作真实素材的基础上进行有限度的强化，绝不是可如绘画改变影调与色调甚至元素的形状。以下从摄影的媒介本质、创作逻辑、教育导向与伦理边界展开论述，揭示脱离现实与前期控制的“艺术创作”为何背离摄影的核心规律，并为摄影教育提供实践启示。 《雨洒》彩色重调，虚实点出主题，直出图片。 一、摄影本体的哲学根基：媒介特性与现实锚点1. 摄影与绘画：从“创造”到“见证”的本质分野绘画的精神主体性：以达利的超现实主义为例，其作品《记忆的永恒》通过熔融时钟构建纯想象的梦境，体现“从无到有”的创造性思维。摄影的现实依附性：摄影画面元素必须源自镜头对现实的光学记录。如亚伦·西斯金德拍摄的墙面裂痕抽象作品，其创作起点是前期对现实纹理的取景框选择，而非纯虚构的后期“创造”。理论印证：苏珊·桑塔格在《论摄影》中指出：“摄影是一种证明曾经存在的艺术”，强调其作为“时空切片”的证物属性，认真学习吴印咸大师《摄影构图120例》搞懂摄影的影调与色调。2. 前期控制：摄影艺术的“第一性原理”技术即表达的起点：吴印咸拍摄《南泥湾》时，通过现场测光、构图取舍与人物调度，将延安军民劳动场景转化为革命浪漫主义的视觉叙事，其画面中的胶片颗粒与现场光色温本身就是历史真实性的物质载体，了解自己相机前期控制所有内容，不仅仅是胶片机的，光圈、速度、感光度。瞬间的不可逆性：安塞尔·亚当斯在《月升》拍摄中，通过长达数分钟的现场测光等待最佳光影，后期暗房仅强化已存在的光影层次，而非创造新元素。这印证了“前期是构思的完整体现，后期是技术的延伸辅助”图片主题是根据环境而定，很多精彩瞬间是在构思中等来的。 《中国木雕》彩色重调，冷暖对比直出图片。 二、摄影创作的逻辑重构：从“后期万能”到“前期主导”1. 错误理论的伦理陷阱：技术滥用与真实消解新闻摄影的铁律：《中国新闻摄影学会关于真实性的公约》明确禁止“合成虚构事实”，如BBC曾用“黄色滤镜”扭曲中国城市色彩，本质是通过后期技术实施视觉暴力，违背“前期真实记录”的伦理底线。纪实摄影的“在场性”原则：吕楠拍摄《西藏组照》时，坚持前期纯纪实手法，以粗粝的黑白影像呈现藏地民生，其艺术价值源于对拍摄对象不加干预的“身体在场”，后期过度修饰将损害这种“人与土地的直接对话”。2. 抽象艺术的正确路径：现实土壤中的三重转化形式抽象：视觉元素的几何化提炼 贝歇夫妇的工业建筑摄影通过前期统一的正面视角与均匀布光，将烟囱、水塔转化为极简几何标本，不仅调整影调，实现“现实对象的类型学升华”更重要的是前期学会控制影调。何藩的街头摄影利用前期观察积水反射规律，等待人物与光影的“决定性瞬间”，通过构图剪裁将现实场景转化为充满韵律的视觉符号，这就是人们很少知道的视觉语言，她是前期元素布局的视角与大小的控制。观念抽象：现实素材的符号化编码徐冰《鬼打墙》以长城实地影像为基底，后期叠加版画技法，将物理空间转化为“文化断裂”的哲学隐喻，其核心是前期对长城实体的“在场性”记录，前期相机控制知道自己如何调整达到绘画技法的效果。荒木经惟的“私摄影”以日常家居场景为素材，前期通过坦诚的镜头凝视捕捉亲密关系的真实褶皱，后期仅作基础细微色彩调整，绝不是平凡画面升华为对生命本质的追问的创作。材料抽象：媒介特性的艺术性强化曼·雷的“物影摄影”通过前期无相机拍摄，将实物直接置于感光相纸曝光，利用光影遮挡形成抽象轮廓，其艺术价值依赖于对摄影物理媒介特性的探索，如同你发现河中倒影对物体的抽象描绘。数字时代的像素解构艺术（如托马斯·鲁夫的《JPEG》系列），通过前期拍摄高分辨率图像，后期放大像素形成马赛克效果，本质是对“数字媒介记录原理”的观念性表达，你时刻准备着像微距镜头一样，从微观景物中提炼出宏观结构观念之美。 《千年榕树》彩色重调，冷色直出图片。 三、数字时代的教育挑战：培养“前期思维”的摄影师1. 警惕技术浪漫主义对教育的误导现象反思：当前摄影教育中存在“重后期轻前期”的倾向，学生过度依赖PS、AI等工具，忽视现场观察与技术控制能力的培养，导致作品呈现“虚构的精致”，却缺失“真实的温度”。教学案例：可引入吴印咸《南泥湾》的创作过程分析，强调前期“现场测光—构图取舍—人物互动”的完整流程，让学生理解“每一次快门都是技术与艺术的双重决策”。2. 构建“前期为体，后期为用”的教学体系技术训练模块：白平衡控制：通过模拟不同光源环境（如日光、钨丝灯、阴天），让学生理解前期色温设置对画面情感的决定性作用，对比后期调色的色彩损耗。动态捕捉：以布列松“决定性瞬间”理论为基础，开展街头摄影实训，要求学生在限定时间内完成对焦、构图与快门释放，强化“瞬间抉择”的创作思维。观念引导模块：组织“现场创作工室，或原创艺术摄影学习班”：带领学生深入社区、自然工作生产等真实场景，通过前期观察、与拍摄对象交流，完成从“现实感知”到“视觉转化”的完整创作流程，摒弃“后期拯救废片，胡乱涂鸦，为艺术而形式”的投机心态。案例对比教学：展示郎静山“集锦摄影”（前期实地拍摄+后期拼贴）与AI生成图像的本质差异，强调“摄影艺术的创造性源于对现实的选择性重构，而非无中生有的虚构”。3. 伦理教育的融入：培养“有责任感的见证者”课程设计：在纪实摄影课程中加入《新闻摄影伦理公约》解读，通过BBC“黄色滤镜”事件等反面案例，讨论后期技术的伦理边界。创作实践：布置“真实中国”主题拍摄作业，要求学生以前期实地走访、无干预拍摄为原则，记录本土文化、社会变迁等现实题材，抵制“为艺术效果虚构场景”的倾向。 《阳光就要到来》彩色冷调，重调直出图片。 四、写给摄影教育者的三点建议 1. 回归媒介本体：在技术教学中强调“镜头的局限性”让学生理解：摄影的魅力恰恰在于其“不完美性”——胶片颗粒、镜头畸变、现场光偏差等技术局限，反而是真实性的鲜活注脚。如安塞尔·亚当斯所言：“摄影是用快门书写的日记”，每一处技术痕迹都是摄影师与现实互动的证据。 2. 培养“现场直觉”：将“身体在场”纳入创作评价体系在作业评分标准中，增加“前期创作过程记录”的权重，要求学生提交拍摄笔记、机位草图、与拍摄对象的交流记录等，避免“唯后期效果论”的评价偏差。3. 构建“现实—艺术”的转化模型：反对“脱离地面的抽象”引导学生认识：摄影的抽象艺术必须建立在“现实关联性”之上。如亚伦·西斯金德的墙面抽象作品，其形式美感源于对现实纹理的“陌生化”呈现，而非纯美学的后期设计。可通过“从具象到抽象”的阶梯式训练，让学生逐步掌握“观察—提炼—转化”的创作逻辑。 《太师椅》彩色暖调，高反差直出图片。 在限制中培育自由，摄影教育的本质使命摄影的魅力，在于其戴着镣铐的舞蹈，受限于现实的物理存在，却能通过前期的观察、构图与技术选择，在真实的土壤中培育出审美的花朵。对于一些摄影教育者而言，必须学会摄影前期相机控制，数码相机已经不是胶片时代的相机三大控制了！核心使命是培养学生敬畏现实的创作态度，理解“前期控制不是束缚，而是摄影艺术的本体性特征”。正如布列松所说：“摄影是刹那间的永恒”，这“刹那间”的抉择，既是对现实的尊重，也是艺术创造的起点。唯有在教育中坚守“前期为主，后期为辅”的原则，才能让摄影在AI浪潮中守住“真实艺术”的灵魂，培养出既能用镜头记录时代，又能用心灵提炼美的摄影师。 《又见炊烟》彩色重调，暖色直出图片。