圣地亚哥Balboa Park博物馆集锦2

Hongbo

圣地亚哥艺术博物馆 The San Diego Museum of Art位于巴尔博亚公园的中心，圣地亚哥艺术博物馆以其在全美享有盛誉的藏品而闻名，其中包括西班牙和意大利古代大师的作品、南亚绘画（包括埃德温·比尼三世印度绘画收藏）、以及19世纪和20世纪的美国绘画与雕塑。博物馆经常举办来自世界各地的重要展览，并以其致力于利用技术提升观众体验而著称。 陵墓——中国古代的逝者艺术本展厅的艺术品均出土自公元前3000年至公元8世纪的墓葬。这些作品与逝者的供养、守护及娱乐有关，体现了人们对亡者从现世过渡至来世的关注。这些精湛的工艺、巧妙的设计以及珍贵的材料资源，展现了孝道在中国社会中的重要性——即尊敬和供奉父母及祖先的责任。这一社会理想在公元前5世纪由哲学家孔子正式系统化之前，便已深深植根于中国文化之中。 佛教寺庙——中国与日本的圣像在佛教寺庙中，信众最普遍的祈愿目标是为自己和子孙后代祈求福祉。传统上，寺庙是大型公共机构，尤其在一年中的节庆日，会吸引大量信徒前来参拜。前往寺庙敬拜佛陀和菩萨——那些距离完全觉悟仅一步之遥的存在——被认为是积累功德的行为，有助于增强祈祷的灵验性。这种信仰实践反映了佛教文化中对修行与因果报应的深厚信念。 寺庙、陵墓与家园——韩国艺术地理上位于中国与日本之间的朝鲜半岛，在两千多年的历史中始终保持着独特的民族身份，同时也吸收了外来的宗教传统与艺术形式。佛教于公元4至6世纪正式传入朝鲜，而儒家思想则成为朝鲜王朝（亦称“李氏朝鲜”，1392-1910年）的官方思想。本展厅的艺术作品包括具有鲜明朝鲜风格面部特征的佛教造像，展现朝鲜艺术家对质朴力量与自发创作偏好的陶瓷器皿，以及采用当地材料与手工技艺制作的日常工艺品。这些作品共同反映了朝鲜艺术独特的文化韵味与生活美学。 南亚与东南亚艺术本展厅的艺术作品时间跨度从公元1世纪至19世纪。最早的作品主要与宗教有关，反映了佛教、耆那教和印度教的仪式实践。尽管这三种宗教各自拥有独特的神祇体系，但它们的神像艺术皆以人体形象为基础。佛教沿着丝绸之路传播，向西扩展至巴基斯坦和中亚，向东传入中国、日本、韩国和东南亚。印度教同样传播至斯里兰卡和东南亚。11世纪，一系列入侵与迁徙使得中亚民族进入巴基斯坦和北印度，他们为印度带来了新的文学语言——波斯语，以及伊斯兰教。到了15世纪末，欧洲商人和传教士经海路抵达印度，除了贸易商品，他们还带来了油画和版画。这些文化影响在该地区本土语言、文学和宗教传统的基础上蓬勃发展，形成了一种多元共生的文化格局。 伊朗艺术现代伊朗，即古代的波斯，其文明历史可追溯至约一万年前。在最初的几千年里，波斯涌现出许多辉煌的城市，如苏萨（Susa）、波斯波利斯（Persepolis）和泰西封（Ctesiphon），并诞生了传奇的君主，如居鲁士大帝（约公元前559-530年在位）。当时，波斯人民主要信奉琐罗亚斯德教（祆教），使用古波斯语，并最早以楔形文字书写，后发展为巴列维文。公元7世纪，伊斯兰教传入波斯，为该地区增添了更多文化层次，并促成了与周边地区的新政治联系。在某些时期，波斯与中东地区的联系尤为紧密，例如在阿拔斯王朝（750-1258年）统治时期，波斯成为这一横跨北非至中亚、以巴格达为都城的庞大帝国的一部分。而在萨法维王朝（1501-1722年）时期，波斯则与阿富汗和印度建立了更为密切的外交与经济联系。艺术家和艺术作品在这些地区之间流动，因此在所创作的艺术品中可以发现许多共通之处，尤其是在陶瓷、绘画以及以阿拉伯字母书写的波斯语书法方面。 中华瑰丽——从12世纪至今本展厅旨在为观众提供一个欣赏中国精美艺术与工艺的窗口，展现自12世纪宋代至现代和当代的发展历程。在宋代，皇室的优雅品味与赞助确立了绘画、织物和陶瓷的美学标准。13世纪后，随着中国版图的扩展，国家重新定义了自身的哲学和文化结构，并吸收了国内外的多元资源，从而形成了丰富多样的工艺和艺术创作。蒙古统治的元朝引入了中亚和西亚的艺术元素，对宋代确立的艺术传统提出了挑战。明代继承并复兴了宋代对瓷器的热爱，其中青花瓷成为出口至亚洲各地及西欧的主导产品。富商的品味推动了传统绘画、版画和书法的商业化，同时也促进了世俗艺术与装饰品（如织物和陶瓷）的生产，这一趋势延续至清朝，并影响至今的中国艺术。 日本之美——从古至今的审美演变日本列岛是神道教的发源地，然而在漫长的历史进程中，日本文化既保持了独特性，也不断吸收外来影响：6世纪飞鸟时代深受中国与朝鲜的影响，19世纪明治时代又接纳了来自欧洲的文化元素。日本漆器、织物、珐琅和陶瓷以其精致细腻和优雅著称，同时，日本艺术也蕴含着深邃的思考层次，这一特质与禅宗佛教的实践密不可分，而禅宗正是起源于中国并传入日本的宗教。在日本艺术中，禅宗思想的转化进一步彰显了物品随时间与使用而自然老化的美感，以简约而富有机理的形式体现出日本美学的核心。这种对比与共存——华丽与素朴、实用与仪式、宗教与世俗——不仅创造了艺术上的张力与惊喜，也带来了深远的宁静之感。 美洲艺术这些展厅专门展示美洲地区的艺术作品。通过精选作品，本展览揭示了20世纪和21世纪在广阔的地理与文化范围内蓬勃发展的多元创造力。展览围绕“场所”（Site）、“精神”（Spirit）和“自我与社会”（Self and Society）三个主题展开，并在本展厅中交融呈现。这些艺术作品深入探讨了人类经验的基本层面，展现了多种视角、媒介和艺术手法。整体而言，本次展览探索了尘世与精神领域的故事，并突出展现构成日常生活基础的多种人类联系。 自我与社会本展区探讨艺术家如何表达自我与社会的概念——那些塑造个人身份或构成群体的相互交织的信仰、环境和特质。展出的作品共同揭示了人们对联系的渴望，以及维系社会纽带的仪式、庆典和传统。尼克·凯夫（Nick Cave）的生动雕塑 Rescue 赞颂了非洲侨民社区中凝聚人心的庆典与传统。相比之下，弗朗西斯·路易斯·莫拉（Francis Luis Mora）的晨报（Morning News）则刻画了20世纪初城市、工厂和大众传播兴起所带来的社会疏离感。休伊·李-史密斯（Hughie Lee-Smith）那幅令人不安的作品描绘了一座被遗弃的城市景观中一位孤独的身影，哀悼城市高速公路建设对黑人社区造成的破坏。这些艺术作品共同引导观众思考人类连接的挑战、复杂性与可能性。 精神本展厅展出的绘画、雕塑和纸上作品邀请观众沉思体验中那些奇异、奇妙，甚至超然的层面。它们能够引发内省，让人放慢脚步，思考存在的神秘。许多艺术家长期以来都被梦境、幻想和超自然现象所吸引。本展厅展出的迭戈·里维拉（Diego Rivera）绘画作品充满神秘而奇异的象征，展现了他对超现实主义的实验探索。在她的作品原始之翼（Primal Wing）中，阿格妮丝·佩尔顿（Agnes Pelton）运用沙漠的神秘光线来探寻精神领域，而贾斯汀·斯特林（Justin Sterling）则将破损、被遗弃的窗户转化为棱镜般的雕塑，表现脆弱、修复与神圣的主题。 场所本展出的作品探讨艺术家如何表现或回应特定地点或风景。一个场所可以唤起记忆，承载个人与集体的历史，或揭示环境问题。其中一些作品研究特定地点与其传统、历史及物理现实之间的互动。例如，塞尔吉奥·埃尔南德斯（Sergio Hernández）的明亮绘画从墨西哥瓦哈卡（Oaxaca）周围的动植物中汲取灵感，并在创作过程中融入当地材料。而圣地亚哥本地艺术家贝姬·古廷（Becky Guttin）的雕塑装置则再现了仍然存在于小村庄中的传统生活方式。风景的描绘也可以唤起敬畏之情，提供心灵庇护，或呼吁关注脆弱的生态系统。这些风格多样的作品邀请观众思考构成我们周围世界的复杂联系网络。 美国极简主义本次展览向正在逝去的一代极简主义艺术家致敬，特别是弗兰克·斯特拉（Frank Stella，1936-2024）。展览重点展出了博物馆的重要藏品——斯特拉的 Flin Flon VIII（1970），并精选了馆藏与私人收藏中的多种媒介作品，其中许多作品是首次向公众展示。极简主义既是对抽象表现主义的延续，也是对其的否定。它进一步推动了非具象艺术的发展，同时摒弃了宽阔的笔触和动作，去除艺术家手工痕迹，使作品不再试图模仿现实，而是呈现作品本身即为现实的概念。1959年，斯特拉在纽约现代艺术博物馆（MoMA）展出了他的黑色绘画（Black Paintings），标志着极简主义的诞生。这些作品中的黑色背景上排列着清晰的几何白线，这种风格在本次展出的1967年石版画 Tuxedo Park 中得以延续。斯特拉曾对一位记者打趣道：“你看到的就是你看到的”（“What you see is what you see.”），这句话后来成为极简主义运动的非正式口号。极简主义的目标是让艺术摆脱再现的束缚，并改变“艺术家即创造者”的传统叙事，以使当代艺术更加平等。其美学特征包括简约、重复、秩序、和谐以及真实性——作品不试图成为其他事物，而只是它本身。这一艺术理念影响了后来的艺术家，他们在创作中运用工业制造、声音、光线、重量、平衡，以及新材料与新技术。在本次展览中，詹姆斯·海德（James Hyde）和路易丝·内维尔森（Louise Nevelson）尝试使用树脂和有机玻璃（Perspex）；约翰·凯奇（John Cage）、南希·海恩斯（Nancy Haynes）和杰伊·凯利（Jay Kelly）则通过简单的重复标记，唤起数学、音乐和早期计算机生成艺术的联想。此外，在南加州参与“光与空间”（Light and Space）运动的艺术家，如约翰·麦克拉肯（John McCracken）、海伦·帕什吉安（Helen Pashgian）和德韦恩·瓦伦丁（DeWain Valentine），则专注于感知现象，并运用当地工程与航空航天工业的最新技术，打造出高光泽表面和充满光感的艺术作品。而阿诺德·纽曼（Arnold Newman）的摄影作品，则生动记录了极简主义在视觉艺术、音乐和舞蹈等领域的广泛文化影响。博物馆感谢詹妮弗·芬德利（Jennifer Findley）和约翰·迪杰萨雷（John Digesare）在策展方面的合作。 沉思之影19世纪末至20世纪初的美国绘画往往聚焦于孤独而沉思的体验。这些作品不同于19世纪早期那种极具戏剧性或“崇高感”的风景画，不再试图激发敬畏或恐惧，而是捕捉宁静与静谧的氛围，甚至表现人在大自然中独处时的精神联结。画面主题通常较为简单，如牧场、森林或孤独的人影。这种风格可以被理解为对内战创伤及工业化迅猛崛起的回应。创作这些作品的艺术家群体被称为“音调主义者”（Tonalists），他们有时将画作比作聆听音乐的体验。詹姆斯·阿博特·麦克尼尔·惠斯勒（James Abbott McNeill Whistler）甚至为作品赋予夜曲（Nocturne）和交响曲（Symphony）等音乐化的标题。为了增强这种感知，艺术家们通常减少色彩的使用，以更微妙的色调表现画面，构图也往往弥漫着薄雾或阴影，捕捉黄昏或黎明时刻的景象，让画面中的人物和场景仿佛从黑暗中浮现。 德国表现主义“德国表现主义”一词通常用来描述20世纪初期在德国和奥地利兴起的一个先锋艺术运动。画家、雕塑家和版画家们在德累斯顿、慕尼黑和维也纳等艺术中心聚集，探索共同的主题：第一次世界大战的恐怖、魏玛德国的社会混乱，以及在自然中寻求的安慰。这些艺术家从法国表现主义中汲取灵感，特别是文森特·梵高、保罗·高更和亨利·马蒂斯的作品。像高更、毕加索等20世纪初的艺术家一样，表现主义者也对非洲和太平洋岛屿的艺术产生了兴趣，这些艺术风格与他们远离学术传统的倾向相契合。这种艺术向观众提出了挑战，不仅因其非传统的风格，还因为其所表现的主题往往不加美化，充满了强烈的情感和现实感。2011年，圣地亚哥艺术博物馆从范斯·E·孔东（Vance E. Kondon）和莉斯贝斯·吉斯伯格（Liesbeth Giesberger）遗产中获得了大量德国表现主义的绘画和纸上作品，其中一些作品已被纳入本次展览。 世纪艺术20世纪的最初几十年，欧美的画家和雕塑家逐渐与学院派传统决裂。在表达自由和独立于既有艺术机构的旗帜下，这些艺术家开始探索新的社会现实，甚至更为激进的纯抽象艺术概念。这一跨大西洋的思想传播潮流，还受到前所未有的国际化趋势的推动，使世界各地的现代主义者纷纷涌向巴黎。与此同时，战争、苦难以及对新生活的向往，使得越来越多的欧洲艺术家移居美国。本展览追溯了从立体主义到超现实主义及其后续发展的百年艺术历程。然而，它并未按照传统的“国家流派”进行划分，而是将欧洲、美国和拉丁美洲的艺术家并置展出，以突出现代主义的国际特性。 现代女性“现代女性”展览庆祝二十件艺术作品的到来，这些作品来自私人收藏，并已被长期借展至博物馆。本展厅中的艺术作品见证了女性艺术家的想象力、实验精神和坚韧不拔的毅力。她们通过创作丰富了世界，展出的作品涵盖了不同的尺度、媒介和艺术手法——从富有表现力的绘画和创新雕塑，到富于冥想意味的版画和素描。这些作品在主题和媒介上不断突破界限，其多样性和复杂性与其所诞生的时代一样充满变革与活力。在挑战传统的道路上，这些艺术家打破了社会对女性在创造力、技艺和成就方面的局限性期待。她们进一步拓展了美国艺术的边界与可能性，其中许多艺术家童年时期移居美国，或是家族中第一代在美国出生的人。这些女性对现代及当代艺术发展的贡献不可估量。 印象派与后印象派1874年，在巴黎的一场群展评论中，一位评论家对克劳德·莫奈（Claude Monet，1840-1926）的作品《印象·日出》嗤之以鼻，称其不过是一个“简单的印象”。在他看来，这幅画更像是未完成的草图，而非完整的作品。当时，引起争议的并非户外写生这一绘画实践，而是印象派在技法上的创新（在明亮的底色上叠加独立的色彩点）以及他们对“现代”题材的偏好，例如新兴的娱乐形式。这一法国流派的影响在19世纪末至20世纪初的巴黎画坛尤为显著。1910年，“后印象派”一词应运而生，用以描述和延续印象派的艺术遗产。 荷兰绘画——波士顿美术博物馆特别借展大约在1600年，航海强国荷兰共和国（亦称尼德兰）崛起为国际强权，这在一定程度上归功于荷兰东印度公司的发展。荷兰深度融入连接欧洲、美洲、亚洲和非洲的主要贸易路线。在国内推动自由经济和社会宽容的同时，荷兰共和国也积极参与殖民扩张及跨大西洋奴隶贸易。进口奢侈品，尤其是青花瓷，成为社会地位的象征。本土艺术家创作了大量绘画作品，以满足日益壮大的中产阶级的需求，使他们能够在家中欣赏世界风貌。本展厅中的精美绘画作品旨在为室内空间增添秩序与美感，均为世界闻名的波士顿美术博物馆馆藏特别借展。结合圣地亚哥艺术博物馆的馆藏精选，这些作品涵盖了静物、肖像、风景及室内场景等流行绘画题材，生动展现了荷兰在全球化迅速发展的时代中的独特地位。 加布里埃尔·缪特尔 (Gabriele Münter)加布里埃尔·缪特尔是二十世纪初德国先锋派艺术的代表人物，也是**蓝骑士派（Der Blaue Reiter）的创始成员之一。蓝骑士派与桥派（Die Brücke）**共同构成了更广泛的德国表现主义运动。本次展览聚焦于她独特的贡献，并且完全来自博物馆的收藏。作为一名女性，缪特尔无法进入德国的官方艺术学院；她转而在艺术训练的另类方向上寻找机会，接受了艺术界更激进的转变。经济独立的她，拥有当时少数女性所没有的自由，遍访欧洲的艺术家和艺术收藏，掌握了绘画、木刻和版画的技巧。她特别受到保罗·高更和亨利·马蒂斯的启发，欣赏他们使用的纯粹形状、明亮色调和扁平色块。尽管她的主题看似永恒，缪特尔却往往工作迅速，她用调色刀涂抹颜料并刮回去，因为画笔无法跟上她的速度。她曾评论道：“我最大的困难是我画得不够快。我的画作都是生活的瞬间——瞬间的视觉体验。”在纳粹时期，她的画作与所有其他德国表现主义艺术家的作品一起被视为“堕落艺术”。她将自己的作品以及瓦西里·康定斯基和其他蓝骑士派艺术家的作品藏在家中，尽管多次遭到搜查，但这些作品仍然安全无恙，并且成功地度过了战争。 Foster + Partners——光与空间的建筑“我们的追求是创造一种光与轻盈的建筑，其灵感来源于自然，关注生活品质，同时兼具生态友好性。”——诺曼·福斯特诺曼·福斯特（Norman Foster，英国，生于1935年）是当代最受推崇的国际建筑师之一，在全球范围内主持众多建筑项目。他曾荣获无数奖项，其中包括1999年的建筑界最高荣誉——普利兹克奖（Pritzker Prize）。他的建筑事务所 Foster + Partners 通过先进的环保和结构技术，使建筑空间更加开放、社会化，并与自然环境紧密相连，充满光线。本展览精选了他们的部分著名项目，围绕三个主题进行展示：历史的融合、社区与文化、环境的拥抱。这些主题都以可持续发展为核心，并深刻影响了 Foster + Partners 未来对圣地亚哥艺术博物馆扩建项目的愿景。福斯特在英国曼彻斯特学习建筑，1961年获得奖学金前往耶鲁大学建筑学院深造。在此期间，他结识了理查德·罗杰斯（Richard Rogers），并与他一起游历美国一年。加州的建筑风格，尤其是案例研究住宅（Case Study Houses，1945-66），对福斯特的美学理念产生了深远影响，使他更加注重开放式、多功能空间的设计。此外，作为英国皇家空军的退役飞行员和一名热衷飞行的驾驶员，福斯特对天空和自然景观的广阔视野也深深影响了他的建筑风格，使其作品往往结合自然光线与最佳的户外景观。Foster + Partners 通过拥抱社会与科技的变革，挑战传统，重新定义了从工作场所到城市景观的建筑环境，同时在现代化建设中展现对历史建筑的尊重与更新。他们的建筑理念以光为核心，从自然汲取灵感，关注社区生活，并在环境可持续性方面不断创新。如今，诺曼·福斯特基金会（Norman Foster Foundation）在马德里与麻省理工学院（MIT）合作研究清洁能源，同时与联合国携手，参与乌克兰战后城市哈尔科夫的重建工作。 融入历史“历史建筑通常承载着不同时期的成长痕迹——我们的方法是尊重这一发展模式，在其基础上留下当代的印记，而不是简单地模仿过去。”——诺曼·福斯特1991年，英国皇家艺术学院（Royal Academy）在伦敦完成了画廊的翻新工程，这一项目标志着 Foster + Partners 建筑事务所在建筑实践中的新方向：在历史环境中有意识地、深思熟虑地融入当代建筑元素。从这一项目到近年来的马德里普拉多博物馆（Museo del Prado）十七世纪“皇家大厅”（Hall of Realms）翻新工程，Foster + Partners 展示了如何在保持历史建筑完整性的同时，与现代建筑并置共存。这种更新不仅能提升建筑的美学和功能，还能增强其环境可持续性，例如增加展览空间、改善馆藏保护设施，并为公众提供更优质的服务，如社区聚会场所和表演空间。 王国大厅，普拉多博物馆，马德里2011-26剖面模型，2023 年 / 剖面模型，2023 年王国大厅 (Salón de Reinos) 的历史可以追溯到 1630 年代，早于 1819 年的博物馆。福斯特建筑事务所 (Foster + Partners) 最近增加了新的画廊和公共空间，并揭开了原始的十七世纪外墙，这已成为新博物馆的主要展品。一楼现在设有免费的公共展览和壮观的全新多功能空间。新的屋顶画廊采用了可调节的太阳能电池板，而博物馆的运营则移至地面以下，以确保安全和效率。 伦敦皇家艺术学院1985-91展示模型，1987-88 / 展示模型，1987-88皇家艺术学院由伯灵顿勋爵于十八世纪改建的原始帕拉第奥式住宅和其后的维多利亚式建筑组成。通过利用两座建筑之间被遗忘的空间安装玻璃电梯、楼梯和采光井，十八世纪的原始花园立面在一个多世纪以来首次显露出来。同时，翻新后的画廊现在可以承受展出艺术品所要求的严格环境条件，而包括米开朗基罗大理石圆形雕塑在内的雕塑可以在自然光下安全地欣赏。这是福斯特建筑事务所首次提出对历史建筑进行现代干预的设计。 小黄瓜，又名圣玛丽斧街 30 号，是伦敦最著名的建筑之一。它是伦敦天际线的一大特色，内有办公室、餐厅和鸡尾酒吧。 彭博社，伦敦2009-17背景模型，2016 年 / Maqueta 背景，2016 年该建筑占据了伦敦市中心的整整一个街区，由两座建筑组成，两座建筑由横跨古罗马道路瓦特林街步行街的桥梁连接。带顶柱廊下的餐厅和咖啡馆以及三个公共广场提供了新的社区空间。公共艺术发挥了核心作用，克里斯蒂娜·伊格莱西亚斯 (Cristina Iglesias) 创作的水雕塑让人想起曾经流经该遗址的沃尔布鲁克河，密特拉神庙的考古遗迹已在发现地恢复，并设有解说中心。2018 年，彭博社总部获得了英国皇家建筑学会 (RIBA) 斯特林奖，评委称这是一个“千载难逢的项目，不仅提高了办公室设计和城市规划的标准，而且打破了天花板。” 社区与文化“作为学生时，我分析并记录了欧洲一些伟大的广场。现在，我依然像当时一样，对城市空间的建筑——这些户外的‘房间’——和单独建筑的设计一样着迷。”——诺曼·福斯特（Norman Foster）Foster + Partners设计事务所的一个标志性特点是在其项目中创造出供人们聚集、交流的核心空间，分享工作和文化体验。这些空间的形式可能是伦敦大英博物馆内的一个大天井，灵感来自意大利的广场，内设餐厅、商店和休闲区；或者是达拉斯的一个歌剧院，提供环绕圆形表演区的公共空间，并邀请人们体验城市的新面貌；也可能是在斯坦福大学内开发的研究中心，配有庭院、面向公众的实验室、咖啡吧、音乐会空间和露台，旨在促进对话与交流。 国会大厦，新议会，柏林1992-99展示模型，1993 年 / 展示模型，1993 年这座建筑通过在热电联产机中燃烧生物燃料（精炼植物油）来发电，为可持续发展提供了典范。结果是二氧化碳排放量减少了 94%。多余的热量以热水的形式储存在地下，并被泵送上来加热建筑物或为吸收冷却装置提供冷空气。它产生的能量大于消耗的能量，为城市提供了额外的电源。 拥抱环境“树是理想建筑的隐喻。它会呼吸，并对季节变化作出反应。它作为一种悬臂结构，与自然和谐共生，令人鼓舞。作为一个自我维持的生态系统，它能够收集雨水和太阳能，回收废物并吸收二氧化碳…… 通过将自然引入我们的城市和建筑，我们可以用绿意、景观、新鲜空气和自然光来赋予空间人性，使其更健康、更愉悦，同时消耗更少的能源。对我们精神有益的事物，同样也能造福环境。”——诺曼·福斯特除了关注能源效率和自然资源的保护，Foster + Partners 还超越了表层的可持续性，思考建筑如何与环境整体互动。一座建筑如何与使用者和社区建立联系？建筑能否通过延伸或连接附近的公园绿地，或创造将户外景色引入室内的视野，以增加人们对绿色空间的接触和参与？建筑师如何结合环境与气候，让自然光充分渗透室内，并在外部营造出意想不到的开阔景观？像马德里的 Omb 办公大楼和加利福尼亚库比蒂诺的 Apple Park 这样的项目，通过扩展场地和公园，引入新的步道和小径，增加本地树种的种植，将景观融入工作和社区生活，鼓励人们积极与自然互动。 大中庭，大英博物馆，伦敦1994-2000详细模型。1998/详细模型，1998大英图书馆从大英博物馆中心迁出是振兴庭院的催化剂，并将图书馆曾经专属的部分空间变成公共展览空间。玻璃天窗连接建筑，提供更好的流通和新的聚集区、餐厅露台、信息点和书店，并在地下室建造了一个新的非洲艺术画廊和一个教育中心。 科戈德庭院，史密森学会，华盛顿特区2004-07展示模型，2005 年 / 展示模型，2005 年这座建筑被指定为国家历史地标，在十九世纪中叶曾作为美国专利局，现在则是国家肖像馆和史密森学会美国艺术博物馆的所在地。庭院周围是玻璃天篷，将两个博物馆连接在一起，同时也是华盛顿特区最大的活动空间之一。重新设计的扩大画廊配有互动展示、新的保护实验室和礼堂。新的玻璃屋顶由流动的相互连接的拱顶组成，由八根柱子支撑，悬挂在原屋顶上方。夜晚，新屋顶被照亮，在视觉上悬停在原屋顶上方，提供新旧之间的对话。 西班牙毕尔巴鄂美术馆2019-24展示模型，2019 年 / 展示模型，2019 年毕尔巴鄂美术馆扩建计划包括对附近环形交叉路口进行景观美化，将博物馆与相邻的公园连接起来，并建立通往博物馆和城市的新步行通道。扩建部分位于现有建筑之上，为博物馆创造了一个新的中心，其中有一个光线充足的广场，提供游客中心和新画廊，以及用于教育研讨会的夹层。交叉通风、自然光、太阳能和雨水收集有助于实现可持续发展。 马德里 Ombú 办公楼 – ACCIONA2018-2022展示模型，2018 / Maqueta de presentación, 2018Ombú 是为基础设施和能源公司 ACCIONA 设计的一座具有变革意义的办公大楼。该项目提供了一万平方米的全新办公空间，并融合了公共与私密绿化景观。建筑外立面保留了 1905 年工业建筑的原貌，以维护原有的一万吨砖块。建筑内部采用了一种由可持续来源的木材制成的轻质结构，同时在建筑中央设置了天窗，以减少对人工照明的需求。此外，玻璃幕墙还运用了光伏技术，以实现发电功能。在户外，工作空间不仅分布在开放式庭院内，还设有多个带遮荫设施的区域，这些区域种植了本地树种，以降低用水量。该项目曾在格拉斯哥联合国气候变化大会上被作为世界绿色建筑委员会的案例研究进行展示。 玻璃屋国际音乐中心（前身为“圣地”），英格兰泰恩赛德展示模型，2003 / Maqueta de presentación, 2003作为北方交响乐团（Northern Sinfonia）的驻地，该音乐中心位于英格兰东北部的一项艺术目的地再开发计划的核心地带。它坐落于波罗的海当代艺术中心（Baltic Centre for Contemporary Art）与泰恩桥（Tyne Bridge）之间，其屋顶设计呼应了泰恩桥宏伟的拱形结构。音乐中心内设有三个音乐厅和一所音乐学院，同时举办多种类型的音乐演出，包括民谣、爵士和布鲁斯音乐会。沿河的大厅将各个音乐厅相连，而巨大的圆顶屋顶覆盖着咖啡馆和酒吧，并设有开放空间，供表演者与学生交流互动。此外，这里还是一个深受公众欢迎的非正式聚会场所，人们可以在此欣赏泰恩河的美景。 圣地亚哥的愿景在一次公开的国际竞赛后，Foster + Partners 最近被选中，负责圣地亚哥艺术博物馆半个多世纪以来的首次建筑扩建设计。此次项目将对博物馆的西翼进行翻新，以庆祝其 2026 年的百年馆庆，预计将在不久后破土动工。Foster + Partners 的设计理念充分考虑了博物馆所处的独特环境——巴尔博亚公园（Balboa Park），毗邻主体建筑的历史核心地位，以及博物馆更好地满足不断增长的馆藏需求和社区文化中心的角色。这一初步概念设计重新构想了博物馆周边的公共空间，并提供了一个从巴拿马广场（Plaza de Panama）进入的新入口，通向一个免费的中央社区空间，可用于举办音乐会和活动。新设计还包括全新的展览厅、咖啡馆和零售空间。一个贯通三层的大型中庭将成为视觉焦点，不仅可以俯瞰雕塑花园，还将设有一个新的教育与社区互动中心，同时在较低楼层展示部分馆藏（藏品总数达 32,000 件）的专门储藏空间。此外，一个全新的数字展厅将提供沉浸式体验，并用于展示新媒体艺术作品。游客可以来此享受咖啡，欣赏艺术作品和表演活动，甚至无需购票就能亲手创作自己的艺术作品。二层将设有新的馆藏和临时展览厅，通过中央中庭相互连接，并建有露台，将新建筑与历史建筑相连。露台的设计灵感源自 1915 年原址建筑的木质凉廊，采用木梁结构，在光影交错间营造出宜人的氛围。屋顶餐厅及露台将提供全天候高端餐饮，并设有户外雕塑展示区，让游客在享受美食的同时，欣赏巴尔博亚公园和城市的壮丽景色。 圣地亚哥艺术博物馆，加利福尼亚2024场地规划图 / Plano del emplazamientoFoster + Partners 将对现有空间进行改造，使其成为一项社区资产，以提升未来游客、观光者、圣地亚哥居民及当地生态系统的生活质量。这一初步概念设计重新构想了博物馆周边的公共空间，并呼应了 1915 年巴拿马广场（Plaza de Panama）的原始愿景，通过提供遮阴凉廊（loggia）和俯瞰广场的露台来增强户外体验。雕塑花园得以保留，而二层和屋顶露台则创造了俯瞰公园与城市的新视角。这座开放式建筑通过免费的公共底层连接绿色空间，游客可以在此聚集，欣赏展览、表演和音乐会，或在咖啡馆和商店休憩，同时探索社区互动展馆。针对圣地亚哥的气候特点，设计采用大面积悬挑屋顶提供遮阳，并在外墙、屋顶及硬质景观区域运用热岛效应缓解措施，进一步增加绿色空间。 圣地亚哥艺术博物馆，加利福尼亚2024西翼扩建展示模型 / Maqueta de presentación para la expansión del Ala Oeste在规划博物馆的未来扩建时，Foster + Partners 提出了灵活的展览空间设计，使展览面积增加超过 37,000 平方英尺，并在下层设立一个沉浸式数字展厅。此外，专门建造的藏品储藏区将增加 17,400 平方英尺的容量，使公众有机会一窥馆藏储存、研究及展览筹备的幕后工作。位于雕塑花园尽头的社区互动展馆将支持本地艺术家，并为不同年龄、文化背景和能力的人群提供艺术体验。Foster + Partners 致力于打造一个全电力运行的博物馆，实现净零碳文化项目。扩建部分将尽可能采用低碳材料，如用于展馆、餐厅、屋顶和中庭的胶合木结构，并在整个建筑中广泛使用当地瓷砖和再生木材。现场可再生能源的供应将通过光伏板实现，预计年发电量可达 375,000 千瓦时。此模型为初步概念设计，旨在重新构想博物馆周边的公共空间。 圣地亚哥艺术博物馆，加利福尼亚2024西翼扩建展示模型 / Maqueta de presentación para la expansión del Ala Oeste在规划博物馆的未来扩建时，Foster + Partners 提出了灵活的展览空间设计，使展览面积增加超过37,000平方英尺，并在下层设立一个沉浸式数字空间。此外，专门建造的藏品储存区将增加17,400平方英尺的容量，使公众有机会一窥馆藏储存、研究和展览准备的幕后工作。位于雕塑花园尽头的社区互动展馆将支持本地艺术家，并为不同年龄、文化背景和能力的人群提供艺术体验。Foster + Partners 致力于打造一个全电力博物馆，实现净零碳的文化项目。在设计中，尽可能使用低碳材料，如胶合木结构（用于展馆、餐厅、屋顶和中庭），并在整个建筑中广泛使用本地瓷砖和再生木材。现场可再生能源的供应将通过光伏板实现，预计年发电量可达375,000千瓦时。此模型为初步概念设计，旨在重新构想博物馆周边的公共空间。 扎耶德国家博物馆，阿布扎比，阿拉伯联合酋长国2017-2024（建设中）展示模型，2010 / Maqueta de presentación, 2010扎耶德国家博物馆是为了纪念已故阿联酋开国总统谢赫·扎耶德·本·苏丹·阿勒纳哈扬（Sheikh Zayed bin Sultan Al Nahyan）而建。博物馆将展示阿联酋的历史、文化以及社会和经济的变革。博物馆坐落于广阔的景观花园之中，其展厅的形态呼应了阿联酋的地貌特征。在建筑上方，五座太阳能热塔高高耸立，其独特设计可利用空气对流原理，将馆内热空气抽离，同时通过地下管道引入并冷却外部空气，再释放到大厅内部，以优化馆内温度。大厅内悬挂着胶囊状的展厅，整体空间融合了商店、咖啡馆以及可用于舞蹈和诗歌表演的场地，打造出一个集文化、艺术和社交于一体的综合性博物馆。 扎耶德国家博物馆，阿布扎比，阿拉伯联合酋长国2017-2024（建设中）展示模型，2010 / Maqueta de presentación, 2010扎耶德国家博物馆是一座纪念阿联酋开国总统谢赫·扎耶德·本·苏丹·阿勒纳哈扬（Sheikh Zayed bin Sultan Al Nahyan）的地标性建筑。博物馆将展现阿联酋的历史、文化以及社会和经济的变革。博物馆坐落于广阔的景观花园之中，其展厅造型灵感源自阿联酋的地貌特征。在建筑上方，五座太阳能热塔高耸而立，巧妙利用空气对流原理，将馆内热空气排出，同时通过地下管道引入外部空气并进行冷却，再释放至大厅，以优化馆内温度。大厅上方悬挂着胶囊状的展厅，整体空间融合了商店、咖啡馆以及用于舞蹈和诗歌表演的场地，打造出一个集文化、艺术和社交于一体的综合性博物馆。 温斯皮尔歌剧院，达拉斯2003-2009展示模型，2009 / Maqueta de presentación, 2009温斯皮尔歌剧院突破了传统歌剧院封闭的空间布局，采用透明的公共空间环绕着内部剧院那充满张力的红色圆筒形结构。通透的玻璃墙不仅让人们能欣赏到大厅、前厅和宏伟的楼梯景观，还为非观演人士提供了休憩场所，包括咖啡馆、餐厅和商店。观众从一座极具视觉冲击力的遮阳大顶下进入剧院，这一设计既可阻挡阳光，也增添了建筑的戏剧性效果。