探索意大利文艺复兴及著名雕塑和绘画

阿凡提

在很小的时候就听大人们常说意大利文艺复兴，当时太小了，还不知道意大利是在哪里，更不知道文艺复兴是啥意思。随着年龄的增长，还是会经常听到大人谈起意大利文艺复兴，由于时代的原因，这方面的书籍很少。只能在外国小说里看到一些只言片语。想深度了解意大利文艺复兴是我一直的梦想。

文艺复兴是复兴了什么？为啥有叫文艺复兴？为啥它发生在意大利佛洛伦萨？它对世界和人类带了什么变化？与中国有啥关联？文艺复兴包涵了什么内容（如哲学、科技、建筑、信仰、艺术、医学）等等。

我带着这些问题，在2024年10月中旬至12月下旬启程行走在欧洲的各大城市和乡村。特别在意大利的罗马、米兰、庞贝、热那亚、沙丁岛、弗洛伦莎、锡耶纳。

在欧洲神权至上的中世纪，那时人口减少 、城市衰落，在14世纪中叶还爆发的那场席卷整个欧洲的黑死病，不论是平民、贵族、或者各级神职人员都在劫难逃，因此人们开始对宗教产生怀疑。

随着意大利佛罗伦萨的美第奇家族势力的崛起，并逐渐脱离罗马教王的控制，开始推崇人文主义，相信人的价值比宗教更重要。于是文艺复兴在意大利佛罗伦萨点燃了星星之火。

实质是资本的关系形成，以及封建迷信割据和民族意识的觉醒。新型的资产阶级认为中世纪的文化是一种倒退，而希腊、罗马古典文化则是光明发达的典范。所以他们力图要复兴。

佛罗伦萨圣母百花大教堂正对面的洗礼堂，由金匠吉贝尔帝使用脱腊铸造技术完成的天堂之门，被公认为是人文主义纪念碑也标志着文艺复兴的开始。

文艺复兴的画匠们开始追求完美比例，不再追求中世纪简单扁平的绘画方式，雕塑家们也开始向古希腊和古罗马雕塑看齐。约1400-1520年一场艺术盛世由此展开了序幕，传统上被称为文艺复兴早期和盛期，而佛罗伦萨作为文艺复兴的摇篮。

文艺复兴是复兴的古希腊和古罗马的荣光。

古典文化的复兴

重新发现古典文献: 佛罗伦萨的学者们通过研究古希腊和罗马的哲学、文学和历史著作，重新发现了人文主义思想。例如，柏拉图、亚里士多德、西塞罗等人的作品被重新翻译和传播。

人文主义兴起: 强调人的尊严、理性和潜力，提倡通过教育和个人努力实现自我完善。

艺术的复兴与创新

古典艺术的复兴: 艺术家们从古希腊和罗马的雕塑、建筑中汲取灵感，追求自然美和人体比例的完美。

艺术技术的突破: 文艺复兴的先驱马萨乔在绘画中运用线性透视，使画面更具立体感。并称为“文艺复兴之父之一”。“解剖学”达·芬奇等艺术家通过研究人体解剖，使人物描绘更加真实。

其代表性艺术家有达·芬奇他的代表作《蒙娜丽莎》《最后的晚餐》等。米开朗基罗他的代表作雕塑有《大卫》、湿壁画《创世纪》。拉斐尔的代表作有《草原圣母》《雅典学院》《西斯廷圣母》等。这三位大咖被称为文艺复兴“三杰” 。

古典建筑风格的回归；建筑师如布鲁内莱斯基借鉴古罗马的建筑风格，设计了佛罗伦萨大教堂的穹顶（圣母百花大教堂），成为文艺复兴建筑的标志。

对称与比例，建筑设计中强调对称、比例和几何学，体现了古典美学的复兴。 科学与理性的复兴；对自然世界的探索，文艺复兴时期，佛罗伦萨的学者们开始用理性和科学的方法研究自然，推动了天文学、数学和物理学的发展。代表人物如伽利略虽然不是佛罗伦萨人，但他的科学思想受到了文艺复兴精神的深刻影响。

文学与思想的复兴如但丁、彼特拉克、薄伽丘。这三位文学家被称为“文艺复兴思想家的三杰”，他们的作品标志着中世纪文学向文艺复兴文学的过渡。但丁的《神曲》融合了古典文化与基督教思想。彼特拉克他被称为“人文主义之父”，提倡复兴古典文化。薄伽丘他的《十日谈》批判教会腐败，强调人性。

社会与经济的复兴；美第奇家族和佛罗伦萨的富商家族们资助艺术家和学者，推动了文艺复兴的发展。佛罗伦萨作为欧洲的金融中心，经济的繁荣为文化复兴提供了物质基础。

意大利佛罗伦萨的文艺复兴为中世纪的结束和现代欧洲的诞生奠定了基础。佛罗伦萨因此成为文艺复兴的象征，至今仍是艺术与文化的圣地。

这位就是达芬奇，堪称文艺复兴时期大师中的大师，他的构思远远领先当时技术所能达到的范围。虽然他绘画作品寥寥无几，但是他每一幅画都是“惊天动地”，如“蒙娜丽莎微笑”、“最后的晚餐”等。他还是一位发明家、建筑师、植物学家、音乐家、医学家。他还是一位具有无可救药的试验精神的狂热科学家。他随笔一张简单的素描“人体比例图”，就成为后世依循的人体比例经典。难以想象。

500多年前，他就已经设计非常精密的降落伞、飞机、坦克、机关大炮、水里闹钟、螺旋轮桨船、还设计出多层高架道路和城市规划。但一直到了20世纪，后人依照达芬奇的设计图重新制作，证实了他当时的奇想确实有很多是可以实现。但是已经晚了整整500年。

五线谱的发明者是意大利音乐理论家。圭多·达莱佐在11世纪发明了五线谱，并对记谱法进行了重要的改革。五线谱的前身是公元7世纪出现的“纽姆”符号，后来由主多·达莱佐发展为用四条线记谱，并经过不断改进和完善，最终形成了现代的五线谱。

为了能第一个到达乌菲兹美术馆，天还没亮，我就醒了。窗帘的缝隙里透进一丝灰白的光，像一根细细的银线，将黑暗轻轻挑开。我轻手轻脚地起身，生怕惊醒了这座沉睡的城市。

街道上还笼罩着薄薄的雾气，路灯在雾中晕出一圈又一圈的光晕。我的脚步声在石板路上轻轻回荡，仿佛整座佛罗伦萨都在为我让路。转过一个弯，乌菲兹美术馆的轮廓在晨雾中若隐若现，像一座沉睡的宫殿。

馆内还是一片昏暗。我的脚步声在大理石地面上格外清晰，每一步都激起细微的回响。穿过长长的走廊，两侧的雕像在晨光中投下淡淡的影子，仿佛在注视着我这个不速之客。

终于来到了波提切利的展厅。晨光从高高的窗户斜斜地洒进来，在地板上投下细长的光带。我站在《春》前，屏住了呼吸。画中的宁芙们似乎刚刚苏醒，她们的裙摆还带着露水的痕迹。花神芙罗拉正在撒花，那些花瓣仿佛随时会从画中飘落。我凑近细看，发现波提切利竟然在每一片花瓣上都画出了露珠的闪光。整个大厅就是我们几位，我拥抱“春”天，拥抱美好的未来。

转身看向《维纳斯的诞生》，贝壳上的维纳斯正从海面升起，她的金发随风飘扬，仿佛能听见海浪的轻响。我注意到她的眼神中带着一丝迷惘，就像每个清晨醒来时，我们都会有的那种恍惚。晨光渐渐明亮，画中的色彩愈发鲜艳，维纳斯的肌肤仿佛真的泛起了珍珠般的光泽。

突然，一阵微风从窗外吹来，掀起了窗帘。阳光正好照在维纳斯的脸上，那一瞬间，我仿佛看见她的睫毛轻轻颤动。我揉了揉眼睛，再看时，画作依旧静静地挂在墙上。但我知道，这个清晨的相遇，已经永远地改变了什么。离开时，阳光已经洒满了整个展厅。

我回头望了一眼，波提切利的画作在晨光中熠熠生辉，仿佛在向我道别。

走出美术馆，佛罗伦萨已经完全苏醒，街道上开始有了行人。但我心中还留着那个静谧的清晨，那个只属于我和艺术的秘密时刻。

波提切利的伟大是首位在文艺复兴时期赋予女性最完美的肉身。

桑德罗·波提切利《春神》约1482。这是人们公认的乌菲齐画廊最著名作品，内容是有关色欲情爱的升华，订购人是美第奇家族的罗兰佐·皮埃尔·弗朗切斯科，即至尊者的堂兄弟，波提切利为他还画过《神曲》的插图。作品用于装饰美第奇别墅的一间大厅，位于佛罗伦萨附近的卡斯特洛。罗兰佐临终时，将画作连同卡斯特洛的别墅都转让给了乔瓦尼·邦丹·奈雷。1815年，该作品被收入了乌菲齐画廊，尔后又被转移至美术学院，最终于1919年重归了乌菲齐画廊收藏。寓意画的灵感似乎来自奥维德和卢克莱修的诗文，但首先是来自波利齐亚诺在《房间》里所写的一些诗句，他是美第奇家族和波提切利的朋友，此诗特为朱利亚诺·美第奇的马上比武而作。波利齐亚诺描写了美惠三女神，继而是春风哲飞柔，他正追赶大地仙女克罗丽，并得以与其结合，赋予其能让花儿从她口里开放的本领；仙女旁边是一位身穿花衣的女子，表示克罗丽已经化身为芙罗拉，成为拉丁神话里的春天女神；正中是维纳斯女神站在花园里。这幅寓意画使至尊者罗兰佐主政的佛罗伦萨，又重新回到了可以表达最高理想的黄金时代。

绘画技巧1；正因舍弃了任何透视的手法，使得背景获得了很深的装饰效果。维纳斯园子里的柑橘树上挂满花果，香色诱人，枝叶在蓝天的映衬下就像一张精彩纷呈的水印图画。

技巧2；左侧三位跳舞少女（美惠三女神）被小爱神丘比特射中，她们取自美惠三女神的古典形象；从最根本的柏拉图意义上来说，她们隐喻着神灵与人性之间的关系。透明而轻盈的纱巾披在她们的玉体上，让舞者的身姿十分性感，能使人想到菲利波·利皮画的漂亮纱巾，要知道，波提切利是非常赞赏这位艺术家的。

植物注解；1982年，一些植物学家从这处写生中，识别出大约两百种不同的花卉，其中许多还盛开在佛罗伦萨周边的山岗上以及位于卡斯特洛的美第奇别墅附近的草坪上。

《春》的绘画细节，橘子树象征着财富。

桑德罗·波提切利《维纳斯诞生》约1484

这幅画遐迩闻名，曾属于美第奇家族的乔瓦尼和罗兰佐·皮埃尔·弗朗切斯科。我们还不清楚是哪个人向艺术家订购的，然而却知道，标题应追究至十九世纪的一次错误阐释，内容关于维纳斯从海水里浮现出来。波提切利这幅画的出处是《荷马史诗》，而来自原始材料的奥维德的《变形记》以及其学者朋友波利齐亚诺，则讲述的是另外一个维纳斯神话故事，而有关她在塞浦路斯岛登岸的传说，反倒成了最适合此画的主题。

显然受到新柏拉图文化氛围的启发，这在至我尊者罗兰佐时代的佛罗伦萨很盛行：以象征而

形式表现精神与物质的和谐统一。风景描绘得十分玄妙，可见大海的波纹和漫天的芳，银光闪闪的浅淡色调主宰着画面。维纳斯处在画中央，姿态轻柔地倾斜着，象征着理想中的美丽；微弱的明暗对比光线掠过她的身体，突显出那种有别于肉欲的至善至美。女神的目光和表情是忧伤的，用以体现一切事物的短暂性。

绘画注解1；时序三女神是宙斯的女儿，她们排在自然次序的前列，分别掌管着季节。她们中的一个给女神递上了一件华丽的斗篷，上面带有花叶图案的刺绣。绸缎被风拂动，抚岸飘荡，维纳斯身后是波浪起伏的海景：一种已被化为透明抽象的景色。

注解2；左边两个形象代表春风哲飞柔和阿乌拉的冲动，他们卷着玫瑰花展翅而来，图案来自法尔内塞杯子上的装饰，如今被收藏在那不勒斯考古博物馆里。相反在那个时代，这件物品属于至尊者罗兰佐的珠宝荟萃，因而波提切利对它深有了解。

注解3；主要的形象创意来自雕塑《害羞的维纳斯)，作品从中世纪起就尽人皆知。维纳斯站立在一个大员壳上，轻轻地被风雅向岸边。

皮埃罗德拉弗朗切斯卡“乌尔比茹公爵双联画”约1472。这幅画是公爵所定制。是艺术家的成名制作。细看夫人的头饰画了维妙维肖，几乎是立体几何效果。再看公爵，由于他骑马受过伤，半个脸毁容，所以给他画了侧脸，以保持他的完美，再看画面的背景，是公爵的领地。艺术家把公爵的主要元素都画在画框里了。因此艺术家也得到了丰厚的回报。

菲利波利安《圣母与天使》约1465。这是他的代表作，由科四莫美第奇所定制画，画中的圣母是修道院修女，也是画家的情人，画家与修女生育了二个孩子。一男一女。艺术家创造了画中画，让人物形象显露在门边柱的石框外，进入观众视野，使人感受到故事发生就在眼前。这种背景早于达芬奇的风景。

波提切利《圣讯》，有好多画家都画过这个主题，这个画里有几个要素，首先有圣母和报讯圣人，圣人必须有一对翅膀，还要有百花香。至于其他都可以任意绘画。

波提切利《诽谤》约1495.作品是由安东尼奥·塞尼向艺术家订购一幅画，曾在公元二世纪时被卢恰诺描述过，内含丰富的寓意以及相关的历史和文化知识。在它所问世的那个特殊时期，人们的价值观正经历一场巨大的危机，因而出现了吉罗拉莫·萨沃纳罗拉的“声音”，他是多明我会的修士，言行受到审查和责难。他从圣马可教堂的布道坛上，伴随着激情的话语和骇人的预言，召唤人们要尽量恪守传统品行。1494年，美第奇家族被赶出了佛罗伦萨，城市受到冲击，人们对修士的说教也越来越敏感。波提切利的这幅作品正是当时文化气氛的典型写照。这是复制希腊画家阿佩莱斯的一幅画。

后于十五世纪时被列昂·巴蒂斯塔·阿尔贝蒂传扬出名。此画的环境是在一个古典建筑大厦里，里面装饰着非凡的半圆形拱门，壁龛上布满浮雕和石像，场面表现出一个青年被人格化的诽谤、陷害、欺骗和仇恨拖拉着,走到长着驴耳朵的米达国王面前，他象征味着良心的法官，被愚蠢和猜疑灌输着流言蜚语；而这一切的发生皆有真理女神在场，她只能孤零零地面对上帝。从构成空间的每一个细节里，画面都表现出了感染力。

这也是一幅《圣讯》又称《天使报喜》画家都把有几个要素绘画在内了，翅膀、二位主人公和百合花。这幅也是波提切利绘画。

这是乌菲齐美术馆的打卡地，因为当时美第奇家族的家里就是这样陈列。据说都是他们家里宝贝，看的人非常多，不允许进入内部，只能站在外面参观。

展品确实非常精美。

老卢卡斯·克拉纳赫《亚当与夏娃》1528

在十六世纪的前十年里，丢勒已经画过了人类始祖的形象（今天保存在普拉多博物馆），并作为德国艺术史中的第一次，将人物描绘成真人大小。正是在那些年里，克拉纳赫在维也纳经常出入一些人文社团，都是属于丢勒派别的，因而他也想尝试一下亚当和夏娃的主题。当时正处于马丁·路德宗教改革形势下，艺术家通常是选择一些神圣主题，着重表现其动人的一面；可是这里却相反，正如他所画的其他世俗题目作品那样，人物更偏重于体现强烈的性感。当丢勒被人体比例的问题纠缠时，克拉纳赫的裸体像则表现出摆脱解剖学的常规。克拉纳赫画过的女裸体形

这里描绘了一个将要改变人类命运的关键时刻。亚当把手伸进头发里，生疑地望着他的女伴。艺术家用这种简单的动作，得以从身影中表达出亚当的心情迷惑而犹豫，即屈从欲望之前的一瞬间。

克拉纳赫画出的夏娃表示，她欲将善恶之树的苹果递给亚当。禁果表明刚被夏娃咬过一口。画家把微小注意力停在了牙痕的细节上，这是留在鲜嫩果肉上的印记。

1704年前收藏

象有：夏娃、维纳斯、朱迪塔、鲁克莱齐娅，她们都是苗条的、柔软的，几乎就是“无骨的”，而且姿势总是不固定，但却充满一种优雅的色情感。这些身体映衬在深色的背景中时，形象的轮廓产生浮雕感，同时会让肉体显得更为明亮。

从尺寸和类型方面，乌菲齐画廊将这两幅油画都重新修复过，对照了丢勒的那两件作品。亚当与夏娃，即人类的始祖，根据《圣经》的描述，画家都给他们的裸体上遮盖了苹果树枝。

列奥纳多·达·芬奇《王公拜谒》1481

众多人物围绕圣母的中心点是神圣场面，渲染着神秘而悲壮的色彩。但是这幅画未能完成，达芬奇就去米兰工作。预先准备的稿图就留在了乌菲茨美术馆了。

韦罗基奥和达·芬奇《基督洗礼》约1470，在描绘基督与巴蒂斯塔的脚时，从约旦河清澈的水面上，隐约可见脚已走形，通过透视法表现出微波涟漪。

这是我们能看到韦罗基奥的唯一画作，它来自佛罗伦萨的圣萨尔维修道院。画作开端肯定是由韦罗基奥所做，大致在1470年左右，之后被遗弃，过了一些年又被达·芬奇接手完工，不过原先已经画上蛋彩的部分，他都用油彩做了修改润色。似乎韦罗基奥中断其工作出于习惯；相反，意大利画家瓦萨里曾说，大师之所以停止画这件作品，是因为自己对学生达·芬奇的高超技艺感到恼火。这幅画的左下角的男孩是达芬奇绘画。韦罗基奥是个非凡人物，集金匠、画家和雕刻家于一身，在佛罗伦萨拥有一个重要的画室，从画室走出许多天才巨匠，诸如达·芬奇、佩鲁吉诺、罗兰佐·迪·克雷蒂以及波提切利。

仔细看左边的小孩是达芬奇画，右边是他的老师画，感觉都画了很好，但是达芬奇画小孩似乎给小孩赋予了生命，更有灵动感。

米开朗基罗《多尼圆画》约1506

这幅画是米开朗琪罗留在佛罗伦萨的唯一作品。此画当时是为佛罗伦萨商人阿纽洛·多尼及其夫人马达莱娜·斯特罗奇而画，或许因他们的女儿马丽雅出生，该画作日期是在1507年9月8日，作品直至1591年都留在他们家里。据说画框是米开朗基罗自己本人制作。

背景中体人形象代表新信徒，他们正等待着浸入约旦河水里，此河喻示着巴蒂斯塔的存在。与神圣家族的一组人物对比，圣人形象和两组裸像都显得模糊不清，似乎意味着他们的形象尚未完善，因为还没有受过洗礼。

正如米开朗琪罗画出或雕出的所有女人形象，这个圣母也显示出一种符合其道德高度的力量。事实上，对于艺术家来说，男人和女人代表同一种人的两种外貌，而本质都是英雄。孩子玩耍着母亲头发，表现了他的天真。米开朗基罗把女人也画成肌肉感。

拉菲尔《阿涅罗多尼像》1505-1506

《玛达莱娜多尼像》他们是一对夫妻。

拉菲尔《金翅雀圣母》约1506圣母看起来光辉灿烂，当属拉斐尔的佛罗伦萨时期最出色形象之一。背景中的乡村依稀可见，但只是一种与那组人物相关联的空间部分，并围绕着他们告诉观众，眼前这种富有感情的从容场面，属于一片充满人间烟火的田野。

金翅雀的名称大概起源于拉丁文“cardus”，意为刺菜蓟，因为这种植物正是该鸟最爱吃的食物。植物上带刺，隐喻着基督被钉上十字架前所遭受的头冠苦刑，从这里引出了金翅雀象征耶稣受难的诠释。在这个画面中，耶稣亲切地抚摸着小鸟，但目光却是令人伤感的，预示着他将为拯救人类而迎接苦难。

拉菲尔的自画像，从拉斐尔生活的时代到他过世后几个世纪的岁月变迁中，他之所以能享负盛名。备受世人赞誉，很大程度上得益于他的圣母像作品。他不仅完美掌握了圣母像的绘画技艺，还通过这一技法把女性人物的美表现得近乎理想化，而且他还拥有一种非同一般的才能，就是使这一主题变得多样化——在此之前，人们原以为圣母子主题在肖像画范畴中已成为一种固定模式。拉斐尔众多圣母子作品的不同之处体现在人物的呈现、景观的描绘及服饰等附件的刻画上，他通过在画中融入达·芬奇、米开朗基罗甚至佩鲁吉诺的绘画风格，为西方艺术塑造了经典的圣母形象。文艺复兴画圣拉斐尔，在短短37年的一生中，创作了300多幅杰作，精研古希腊艺术，并为罗马城提出完整的都市计划，同时身兼艺术家、建筑师、设计师的是文艺复兴三杰之一——拉斐尔。

“他活着，大自然害怕被他征服；

他逝去，又怕自己也随之枯亡。”

红衣主教 彼得罗·本博 为拉斐尔题写的墓志铭

伦布朗的自画像，这幅画大约在60岁左右画的。他画了最成功的是《夜巡》，但是他败也败在这幅画上。如今这幅画是他的代表作，珍藏在阿姆斯特丹美术馆，有幸遇见真迹。

这幅是画中画，非常喜欢看这类主题，细节处理特别好，画中画都有出处。用放大镜看。

画中画的洒落地上的石膏雕塑画了栩栩如生，素描也画了非常好。

画中画的放大细看。真的非常漂亮。

这幅画非常有意思，画家画了自画像的场景。

这是一位中国女画家潘玉良，是唯一的一幅中国人画像保存在乌菲茨美术馆。是她自画像还是他人画作，没有考证。

提香最著名画《乌尔比偌的维纳斯》约1538

文艺复兴时期艺术家“发现人”，主要在抓住人性的力量，以创作传达人文主义对“人”尊敬的信念，提香终生奉行不悖，他扬弃了15世纪以前所流行胸部以上的肖像画规律，大量地画出半身像与全身像，同时在画面中添加足以彰显人物活力、性格、身份特征的小道具，要求模特呈现自然轻松的体姿，以他的画笔真实传递主角或严肃或热情，是全心全意还是具有智慧的人，完全吻合并淋漓表现了文艺复兴强调人文主义艺术的精髓。

提香《花神芙罗拉》约1515

保罗·委罗内塞

《约瑟失·达·波尔托与儿子阿德里亚诺肖像》约1555

非常令人赞叹的是，艺术家的手法从容不迫，自然大方，几乎就是以照相的手法，将小阿德里亚诺的神态成功捕获并留在画布上：孩子正腼腆地摆弄着父亲不戴手套的手，表现了惟妙惟肖。保罗·委罗内塞的这幅油画十分感人的作品。

卡拉瓦乔《美杜莎》约1597

诸多大名鼎鼎的艺术家也都画过美杜莎，并赋予其不同的象征寓意。在这些象征中，与女性相关的隐喻最为广泛，并且通常伴随着欲望、迷惑、吸引或是伤害等主题，让美杜莎最终成为了一种带有危险信号的美的代表。

卡拉瓦乔《以撒的牺牲》约1600这幅画在确定画作年代上存有争议，因为能感到该画作的画风受到伦巴第和威尼托绘画的强烈影响，尤其是在背景右侧的露天风景中，那里有一片逐渐消散的浅淡色光线，使城堡和乡村的轮廓变得更为柔和。

第一层面的场景悲剧性很强，表现出亚伯拉罕正要服从神的指示，将儿子献祭。构图相反方向则着意表现下面故事的“凄美哀婉”。

一位天使降临，打断了牺牲场面，此画家所释放的动作是：用手拉住亚伯拉罕的胳膊。总之，卡拉瓦乔重现了布鲁内莱斯基所采用过的浮雕图案——该作现存于佛罗伦萨巴尔杰洛国家博物馆。就这样，人们又一次见证了画家的革新艺术，即选择了让天使下到地面，以此方式搅动了神界与人寰。

阿尔特米西娅·简蒂莱斯基

《朱迪塔与奥洛菲奈》约1620。关于这个题材，十七世纪时颇受艺术家们的重视和追求，而阿尔特米西娅，作为卡拉瓦乔擅长绘画的艺术之女，也曾多次触及了表现凶杀的情景，这对于一个女画家来说非同寻常。乌菲齐画廊之作是为科西莫二世而画。朱迪塔是《圣经》中的女英雄，作为反抗专制压迫的自由象征，她被塑造在处死奥洛菲奈的行动中，后者是亚述军队的将领，

当时正围攻犹太城市贝图利亚。阿尔特米西娅从罗马迁居到佛罗伦萨，是为了躲避那件伴随而来的丑闻——事关一场强奸诉讼案，涉及画家阿格斯蒂诺·塔西对她本人的图谋。因而解读残忍场面是艺术家的心理投射的关键，作者将其反映在了《圣经》中女英雄的身上，目标就是要从遭受暴力的创伤中解脱出来。她还有一种早先的画法，作品保存在卡波迪蒙特国家博物馆里，塑造出一个温文尔雅的朱迪塔：身穿着华丽的深蓝色衣裙,上面装饰着金色飘带。

卡拉瓦乔《酒神巴克斯》约1597，在卡拉瓦乔早期在罗马所画的作品中，这件堪称是艺术家青年阶段的代表作，特点就是与后来阶段相比，光线与阴影之间的反差非常微小。

画作也被人们解释为寓意的秘诀，将酒神巴克斯的形象看作基督的一次现身：他正用自己的鲜血斟满酒杯，意欲为人类赎罪。与也保存在乌菲齐画廊的《墨杜萨头像》一道，此画被赠送给美第奇家族的菲尔迪南多一世，由红衣主教弗朗切斯科·玛利亚·德尔·蒙特所为.此人曾是卡拉瓦乔的罗马资助者。从1595年起就一直接待艺术家。也有人假设过，画家可能是让同龄人马里奥·莫尼蒂摆出姿势，为这幅画做了模特。

细节；有关水果篮的题材，画家当时已在罗马博尔盖塞画廊的《男孩与果篮》里画过，把苹果、葡萄和石榴描绘得浑然天成，大约三年后将其又用在了伦敦国家画廊的《伊姆瓦斯的晚餐》里，还有为红衣主教费德里克·鲍罗迈奥画的名作《水果篮》里，如今被收藏在米兰安勃罗焦美术馆内。

《男孩与果篮》在上海浦东美术馆展出过，有幸见过真迹。

非常喜欢这幅画，但是不知道出处。从绘画的手笔上看有点像拉斐尔的画派。细腻、人物端庄，给人有种宁静感。手上的书还能隐约可见文字。

这幅画光影画了特别好，每个人的神态、动作在光影下画了栩栩如生，婴儿的可爱画了惟妙惟肖。

伦勃朗的年轻自画像，从他精致的服装能看出，当时他非常富有。他喜欢画自画像，据不完全统计，他的自画像约80幅左右（素描）。

米开朗基罗的《昼、夜、晨、暮》的雕塑是应美第奇家族受邀制作。

每一座墓里都有两座具有寓意（1525-1527）

佛罗伦萨，圣洛伦佐教堂新圣器室美第奇礼拜的雕塑，其中有米开朗琪罗最杰出的作品：朱利亚诺的石棺上的《昼》与《夜》，洛伦佐的圣体安置所上的《晨》与《暮》。米开朗琪罗还雕刻了漂亮的《圣母与圣子》放置在祭台的对面。

这座雕像的两侧分别是美第奇家族的守护神圣葛斯默和圣达弥盎的雕像（由米开朗琪罗的两位学生——乔凡尼·安吉洛·蒙托索里（Giovanni Angelo Montorsli）和拉斐尔·达·蒙特卢波——雕刻），他们庄严地站立在简朴的石棺上，石棺里安放着豪华者洛伦佐和他的弟弟朱利亚诺的遗体，朱利亚诺在1478年发动的“帕齐阴谋”中被谋杀。米开朗基罗为佛罗伦萨圣洛伦佐教堂美第奇家族陵墓创作的四尊雕塑《昼》《夜》《暮》《晨》，是文艺复兴时期最具哲学深度的艺术杰作之一。这组雕塑并非单纯表现时间流逝，而是通过人体形态与象征意象，探讨了生命、死亡、时间与永恒等深刻主题。

时间与生命的辩证；四尊雕塑构成时间循环，但米开朗基罗刻意打破线性叙事——夜与昼、暮与晨以对角形式安置，暗示生死并非单向进程，而是永恒的纠缠。如《昼》暗喻人类在时间面前的无力感。

这组雕塑早已超越墓志铭的功能，成为人类对存在本质的艺术化诘问。当观者凝视《夜》闭合的双眼与《晨》迟疑的苏醒时，触碰的不仅是美第奇家族的纪念，更是米开朗基罗在石头中凝固的，对光明与黑暗、短暂与永恒的永恒沉思。

这是座《昼》与《夜》的雕塑

这是《晨》与《暮》的一组雕塑。当人家和他提及他的洛伦佐与朱利阿诺的肖像并不肖似时，他美妙地答道：“千年后准还能看出肖似不肖似？”他雕作“行动”；另一个，雕作“思想”：台座上的许多像仿佛是两座主像的注释，《昼》与《夜》，《晨》与《暮》，——说出一切生之苦恼与僧厌。这些人类痛苦的不朽的象征在一五三一年完成了。[《夜》大概是于一五三〇年秋雕塑，于一五三一年春完成的：《晨》完成于一五三一年九月；《昼》与《暮》又稍后。无上的讥讽啊！可没有一个人懂得。乔凡尼·斯特罗齐看到这可惊的《夜》时，写了下列一首诗:

“夜，为你所看到妩媚地睡着的夜，却是由一个天使在龙块岩石中雕成的；她睡着，故她生存着。如你不信，使她醒来罢，她将与你说话。”

内穆尔公爵朱利亚诺·德·美第奇墓（1526—1531）雕像局部，佛罗伦萨，圣洛伦佐教堂新圣器室美第奇礼拜堂

乌尔比诺公爵洛伦佐·德·美第奇墓(1525-1527）

雕像局部佛罗伦萨，圣洛伦佐教堂新圣器室美第奇礼拜堂

雕塑细节

《大卫》

1501年，26岁的米开朗琪罗被佛罗伦萨共和国要求雕刻一座有关大卫的巨型雕像。大卫原本是一个年轻的牧羊人，后来成为以色列王，他是《圣经》中打败了巨人歌利亚的英雄。

在萨伏那罗拉统治时期，佛罗伦萨的艺术和文化停滞不前，最终以这位圣托钵会修士1498年被处决

终结。此后的这些年，佛罗伦萨经历了一个满血复活和大力提倡创新的全新时代，尤其是在1502年皮耶尔·索德里尼当选为正义旗手之后。这块为了制作大卫雕像而从卡拉拉采石场运回的巨型大理石，其实多年前就已经被开采了，也曾引起了佛罗伦萨多位统治者的关注，他们曾多次考虑叫人用这块石头刻出一座雕像来。

学习绘画的同学都要学会素描绘画“大卫”头像。

米开朗琪罗承诺两年内完成这件作品，报酬是每个月60弗洛林金币。

但是这件作品花费的时间比预期的要长，因为这项任务本身难度很高，而且雕塑家又偏好独自工作，不用助手；另外还有一个复杂的原因，那就是雕刻工作是在原先其他人已经雕刻过的作品上进行的，而不是在原始的石料上。最终，雕塑于1504年完工。自古以来人们从未见过如此永垂不朽的雕塑。

但是针对具体将雕像放在哪个位置时，却产生了新的问题：是放在奥卡尼亚回廊（后改名为领主凉廊）呢，还是根据其他人的提议，放在领主广场前，而最后选择了后者。《大卫》的真迹一直矗立在领主宫前，直到1873年（之后被用一座复制品替代），为了避免其被天气所摧残，真迹被转移到佛罗伦萨博物馆的学院美术馆，保存至今。

细节；手上青筋暴起。

细节

细节，特别喜欢米开朗基罗的雕塑作品，他因受柏拉图的哲学思想影响，所以他创作的雕塑及绘画都有超凡想象，如果深入研究或者多看多了解他的作品，一定会有和我相同的观点。但是他的绘画不太喜欢，因为他把圣母和圣婴都画成肌肉型，不符合女性和孩子特征。但是他的每幅画的创意和画面的构思是无与伦比。特别是色彩应用，画面的掌控是美轮美奂。

这是在意大利锡耶纳教堂里的图书馆看到这幅画，感觉非常有意思，似乎能穿越时空看到当时的场景，宗教、圣人、富人和平民百姓们在忙于宗教仪式等，仔细看当时人的服饰等。是一幅非常耐看的一幅画。图书馆里壁画有拉菲尔的画迹，是他和另一位画家合作完成。

这也是锡耶纳教堂里的图书馆的画和雕塑。美惠三女神(The Graces/Kharites)是宙斯的三个女儿，希腊神话中分别代表着妩媚、优雅和美丽这三种品质。她们象征着世间一切美好的东西，因此也成为了艺术家们歌颂的主题之一。她们姐妹三人从出生开始便形影不离，为人间带来美丽欢乐。

我在庞贝古城里也看到过，这可是二千多年前就有这样的雕塑。所以文艺复兴是复兴古罗马和古希腊的文化。文艺复兴时期绘画这类主题也不少。

《美惠三女神》雕塑位于锡耶纳主教座堂内的皮科洛米尼图书馆，是古罗马时期对希腊化雕塑的复制品，由红衣主教弗朗切斯科·皮科洛米尼在罗马收购，并最终安置于此。该雕塑与周围的壁画共同构成了锡耶纳主教座堂内最重要的艺术瑰宝之一，展现了古典艺术与文艺复兴时期的完美结合。

这幅画是在美第奇家里的客厅里挂的画，这幅画是有故事。

这也是在美第奇家的悬挂的织丝画，在当时是非常了不得的一件宝贝。

美第奇家里的小教堂

这也是一幅名画。也珍藏在美第奇家里。

这是米开朗基罗未完成的作品，

长胡子的奴隶（1519-1530）佛罗伦萨，学院美术馆。

米开朗琪罗像（约1566）达尼埃莱·达·沃尔泰拉佛罗伦萨，学院美术馆

米开朗琪罗的脾气“你跟他合不来的。”尤利乌斯二世在抱怨米开朗琪罗的坏脾气时如此感慨道。他就是这么一个很难相处的人——不合群、粗鲁、傲慢、敏感和偏执。而教皇的性格很强势且脾气很暴躁，因此米开朗琪罗和教皇的关系随时都有暴风雨来临的可能；他对教皇所说的和所做的是其他艺术家想都不敢想的，他甚至因为自己的一次冒险行为而引起了一场罗马和佛罗伦萨之间的外交争端。此事件发生在1506年初，当时米开朗琪罗带着亲自到卡拉拉采石场为尤利乌斯二世陵墓挑选的大理石回到罗马。尽管这项工程是教皇本人委托的，但是他暂时对此失去了兴趣，米开朗琪罗等了很长一段时间，教皇都没有抽出时间接见他，最后米开朗琪罗被激怒了，他差人带话给教皇，如果想要再见到他，就请教皇亲自来找他说完，米开朗琪罗就离开了罗马，动身前往佛罗伦萨。教皇接连给佛罗伦萨当局发了三封短信，佛罗伦萨当局终于说服米开朗琪罗，使他回心转意，同意再次与教皇见面并求得教皇的原谅。同年1506年11月，两人终于在博洛尼亚冰释前嫌，那时尤利乌斯二世刚打败博洛尼亚的统治者本蒂沃里奥他工作起来以胜利者的身份进驻这座城市，但是这个插曲足以见识到米开朗琪罗有多么难以相处，即便是对教皇也不例外。他离群索居，独自工作，成为一位天才的代价可能是一生都与孤独和折磨相伴。“我待在这里，内心极度痛苦，并且浑身疼痛，我没有任何朋友当时西斯廷礼拜堂天顶画工程已经开始了一年时间。相貌丑陋、衣着破旧、朋友稀少、一不小心就表现得粗鲁无礼的米开朗琪罗马不停蹄地工作着，全神贯注地沉浸在创作的疯癫状态中。他工作起来废寝忘食，经常熬夜，他在纸糊的帽子上插上一支蜡烛，在烛光下工作：这种具有创造性的工具。

弗洛伦撒的学院美术馆。

学院美术馆的绘画，展示文艺复兴时期的音乐家们的情景。

文艺复兴时期的音乐家们

这个时期的乐器和我们现在有所不同。

这个小提琴是可以弹奏。

乐器

这不知道是啥乐器

古钢琴吧

这个琴是竖起来的

可以看到文艺复兴时期的宫廷演奏会

詹波隆那的著名雕塑《抢夺萨宾妇女》这座雕塑是文艺复兴晚期的杰作，通过三人螺旋上升的动态构图，展现了罗马人劫掠萨宾妇女的神话场景。可以从每个角度都能清晰看到艺术家的高超雕塑细节。

罗马城由罗慕路斯（Romulus）建立后，因缺乏女性人口，难以延续城邦发展。

罗慕路斯假意邀请邻近的萨宾部落参加庆典，趁机制造混乱，罗马士兵劫掠了萨宾妇女为妻。

萨宾人随后发动战争报复，但萨宾妇女因已与罗马人育有子女，出面调停，最终两族和解并融合。

又是一幅《天使报喜》，这类主题🈶好多著名画家都绘画过，如达芬奇、拉菲尔、提香、波提切利等，这些诸如此类的画还有“最后的晚餐”、“王公拜渴”等等。文艺复兴时期的画家们都画过，只不过每个人的绘画细节和笔触等不同“要素”都。所以觉得有点像抄“论文”。

这是在弗洛伦撒的学院美术馆里展示，据说是优秀学生们的作品，非常漂亮。仔细看哦

洛伦佐·巴尔托里尼

《仁爱教育》1820—1835

这是美第奇家族定制的雕塑。《仁爱教育》中年轻姣美的女子因对两个孩子的爱而不顾自己形象，孩子在母亲的指点下认真阅读，不仅滋养其身体，而且启迪其智慧。她代表着美第奇家族的女性养育孩子的情景。

这也是一幅《最后的晚餐》，此类画都在修道院里餐厅墙上。如达芬奇的《最后晚餐》位于意大利米兰的 “圣玛丽亚感恩教堂”的修道院餐厅墙壁上。这座教堂是文艺复兴时期的建筑杰作。

这幅画是在修道院里，感觉和拉菲尔画了有点相似。

坐着仔细看，非常耐看，虽然不是彩色，但可以看出好多细节。

文艺复兴时期的修道院里的服装

修道院宿舍

修道院卧室

五百年前的纪念章

这是文艺复兴时期用马赛克制作的圣母画像。

仔细看面部细节

裙摆的马赛克细节，这是一件伟大的作品。

又是一幅《圣人报喜》画，仔细看圣母手放在胸前，似乎在说“吓了我一跳”。要素有圣人和圣母，还有一对翅膀、百合花。

这些名画都在“皮蒂宫”。

拉斐尔

《托马索·“费德拉”·英吉拉米肖像》约1512画中人朝上望的眼神处理得非常精妙，极大程度地掩盖了英吉拉米斜视的缺陷，这是19世纪评论界非常推祟的北方画派式的“惟妙惟肖”。

这座雕塑是放在皮提宫《仁爱教育》。是美第奇家族订制。

拉斐尔

《抱子圣母和小圣约翰》（一名《椅中圣母》)1513—1514画作圆形的紧凑外形表明了这幅画的私人用途，同时这也是拉斐尔别出心裁的构图策略，以此强调人物的内心思想和周围环境。

圣母坐在一张为教廷显责而设的“议会椅“上，身体微蜷，将圣子抱得更紧，圣子则因母亲的陪伴而更感安心，用探寻的眼神看向我们。从饰有流苏的椅背，到圣母的披肩、面纱，再到她用镀金饰带点缀的袖口，这些细节处的优雅突出了画作极高的绘画水平；深色的背景与因明亮漫射的光线而显得鲜活的色调相和谐。17世纪中叶，这幅画的首批评论者中有人特别指出了这幅画的诸多妙笔之一，即人物“非凡的自然性”与“一派端庄优雅的神态”。的确，拉斐尔提取日常生活中的场景，保持其即时性（例如圣子向上翘起的大脚趾）并将其提升至艺术层面的能力是这幅画最基本也是最重要的优点。睿智的构图和圆润的人物体现出明显的米开朗琪罗的影响，可以就此推断出这幅画创作完成于教皇利奥十世任期起初的数年间。

文艺复兴时期的大理石

拉斐尔

《女子画像》（一名《披纱巾的少女》)约1515

传统上，人们普遍认为画中女郎就是拉斐尔的爱人——历史上因其父亲的职业而被称作芙娜蕾娜（“面包店姑娘”）的女子。除了来自文学作品的推测之外，毫无疑问可以看出画中女子和画家关系十外亲密。事实上她在许多画作中均为拉斐尔担任模特，从1512年为圣西吉斯蒙多的皮琴察教堂作《西斯廷圣母》时起直到为和平圣母教堂作《弗吉尼亚女预言家》她在画中均有出现。另外，我们能在画中女子永葆的生机中体会到一种“亲密”的,将一对恋人相联结的爱、信任和相依相偎的情感，从戴着头纱的美貌女子身上拂面而来，对珍贵衣物的着重描绘——形成画面中最费笔墨的部分，其用色几乎覆盖了整个前景。

只有几抹出挑的黄色、黑色和金色——在不同寻常的简洁中，通过经过仔细斟酌的色彩与不同色调的白色叠加而体现——定义了画面的分量和空间感。这些元素与画家杰出的绘画技艺相结合，使之有资格成为14世纪20年代中期拉斐尔巅峰时期的杰作，为画作《巴尔达萨尔·卡斯迪奥内肖像》和《教皇利奥十世》的诞生奏响了序曲。起初这幅画收藏在商人马太·博蒂佛罗伦萨的府邸中，在那里受到瓦萨里的赞赏，1621年成为科西莫·美第奇二世的藏品。

这些中国的艺术品都收藏在皮提宫

中国艺术品都收藏在皮提宫

中国的艺术品被收藏在皮提宫

这是米开朗基罗的墓地，米开朗基罗的墓地位于意大利佛罗伦萨的圣十字架教堂（Basilica di Santa Croce）。这座教堂是许多著名意大利人物的安息之地，包括伽利略、马基雅维利和罗西尼等。米开朗基罗于1564年去世，最初被安葬在罗马，后来他的遗体被迁至佛罗伦萨，最终安葬在圣十字架教堂。

以上的内容都是本人在旅行中学习的记录和个人观点，其次是怕时间久了会淡忘，所以努力学习记录。