东京周边行之热海三·背靠青山，面朝大海的MOA美术馆

敏

如果说，箱根的雕刻之森美术馆是以展品与自然相得益彰而惊艳于世的话，那么热海的MOA美术馆则以融合了现代与传统元素的建筑与山海融为一体而吸引人们的眼球。它内外都迷人，面朝大海的地理位置和背靠青山的建筑本身，就是件艺术品，而其馆藏品、展品及馆内设计、光影装置更让人感受到美的力量。

MOA美术馆是一家成立于1982年，由世界救世教的冈田茂吉协会创立的私立美术馆。专门展示东亚艺术，主要收藏协会自1882年到1955年间创立者、富豪等收藏的日本与中国的瓷器、雕塑、金属制品、书法、绘画等3500件艺术品，部分作品可追溯至1000多年前。

MOA美术馆位于热海市北部的山顶，面朝广阔的太平洋，是拥有最美海景的美术馆。其面朝大海的入口-摩尔广场，便成为MOA美术馆的第一大看点。

广场以20世纪西方最伟大的雕塑家亨利·摩尔的名字命名（亨利·摩尔的作品在本人的美篇《东京周边行之箱根一·雕刻之森美术馆》中有较为详尽的说明），广场正中的青铜雕塑《王与后》是亨利·摩尔的代表作之一。王与后端坐在高高的石基上，面对着无与伦比的海景，令人产生无尽遐想。

要理解这件作品，还得从摩尔的创作缘起说起，作品的灵感来源于英国古老传说中的亚瑟王和他传奇的王后。亚瑟王是圆桌武士的首领，而他的王后原是英伦三岛的本地土著公主，他们的结合象征着英伦三岛的统一。

这件作品是亨利·摩尔受英格兰威廉爵士的委托创作的，并且被他指定放在苏格兰贫瘠的丘陵地带的一片旷野之中（见下图，图片来自网络）。这对童话般的统治者的形象便与悠久的英国历史以及童话式的传统观念联系在一起，他们仿佛从遥远的的古代一直端坐到今天，尊严而亲切，静静地伴随着荒原，永远如斯，唤起人们充满诗意的无尽联想。

自然环境的衬托增加了雕塑的历史感与神秘感，仿佛是向人类原始文明的呼唤，也隐约表达了现代人的迷茫与失落。

对《王与后》的评述很多，而要看懂这件作品还得先看亨利·摩尔对作品构思的说明：

“恐怕理解这组雕像的线索正在于这个王的头部，那是冠、胡须和颜面的综合体，象征着原始王权和一切动物性的潘神似的气质的混合。“王”的姿态比起“后”来显得较为从容和自信，而“后”则更为端庄，而且带点帝后的自觉。

在我开始做雕像的手和脚的时候，有机会使他们做的更为现实，以进一步表达我的想法，我想以此说明人类的温良和原始皇权观念之间的对比关系。”

现在《王与后》从苏格兰的荒原来到了太平洋边上的山顶，从侧面你会看到《王与后》头部都有一个镂空的孔洞，似眼非眼，雕塑面孔没有过多的细节刻画，像面具一般，符号化的身体薄且长，呈扁叶状。在雕塑形体上采用线、孔洞及艺术家偏爱的骨形元素来探索新的空间，用富于幽默风趣的表现形式，把属于人类的那种质朴的本性、尊严及本源中对生命的原始欲求传达出来。

此时站在摩尔广场的你，会觉得《王与后》从远古走来，正跟你我一样面对着当下，迎接着未来。

《王与后》雕像的后身是MOA美术馆的正门入口，正门旁还有一个偏门，这两处台阶之上是拍海景的好机位，不少游客在此打卡。

下图是MOA美术馆的出口，看到出口外排队的人了吧，那是跟我们一样等着坐巴士回热海站的人们。

到MOA美术馆交通非常方便，从新干线热海站乘开往美术馆的巴士，7分钟即可到达。回程也是如此。

这是目前馆内正在举办“宝可梦X工艺展—美与技艺大发现”，来这里的人大多是奔着这个展览来的，由此可看到精灵宝可梦和日本传统手工艺产生的奇妙化学反应。

现在让我们走进MOA美术馆，看看它的第二大看点——宏伟的入口。

入口处有7部电梯，每部电梯前都有拍照指引和相机摆放台。

当你步入自动扶梯后，它会带你缓缓上升至200米高处，随着你不断地升高，天花板上的霓虹灯光也会不停地变换颜色，此时你会觉得像是登上了宇宙飞船。

彩虹电梯的高处是个圆形大厅，大厅顶部无止尽的螺旋设计巧妙地与美术馆巨大的外部方形轮廓形成互补，而其瞬息万变的色彩变换，使人产生身处旋转的星球般的感觉。

这是世上最大的万花筒，这是MOA美术馆的第三大看点。

直径20米的大厅铺设了从世界6个国家收集来的大理石。天花板上投影的是由日本著名万花筒艺术家依田满、百合子夫妇制作的世界最大的万花筒。你可在钢琴家村由利子为此特意创作的钢琴曲的伴奏下，欣赏万花筒的千变万化。

圆形大厅外的这幅巨型浮雕也很吸睛，此浮雕名为《阿波罗与冥想》，是有近代雕塑之父之称的安托万·布德尔于1910年为巴黎香榭丽舍剧院创作的。

本作品是依据巴黎布尔代勒美术馆的石膏像为模型铸造而成。它仿佛浓缩了人类一路走来的某些瞬间。

看着年轻人在雕塑墙下摆造型拍照，也是一景。

展厅外的空间随便一坐，眼前就是“面朝大海，春暖花开”的意境。下图是我们在排队等候的间隙照的。

第四大看点——《宝可梦工艺展》

看到没，这些排队等候的人都是奔着《宝可梦工艺展—美与技艺大发现》来的，队伍中有不少带孩子的父母。

虽然人多，但大厅里秩序井然，看不到孩子追跑打闹，听不到孩子们的呲哇乱叫声，。每个展厅都用👣清晰地标示出入口和出口，没有挨挨挤挤，摩肩接踵，走对脸相碰的，更没有在展品前可劲儿拍照，中断观展队伍的。这点真真值得咱们国人学习呀！

“《宝可梦》的世界”系列已经有25年历史了，最初是日本漫画家田尻智为孩子们创作的漫画。随着当年为Game Bay游戏机而创作的游戏，《宝可梦》系列一炮而红。

从那时起，《宝可梦》开始风靡全球。《宝可梦》系列在25年中不断保持内容的更新，共建造了包括游戏、动画、漫画及相关衍生品的庞大娱乐帝国，吸引着全世界不同年龄段的人群。在我国，几乎很难找到一个不认识皮卡丘的年轻人。

以下四图为展厅内不同材质的皮卡丘图案器皿。

皮卡丘是《宝可梦》系列动画及其衍生品的角色，这部动画从1997年开始制作。皮卡丘作为小智的初始伙伴，一直陪伴着他进行各种冒险。皮卡丘以其独特的电击能力和可爱形象，成为《宝可梦》系列最受欢迎的角色之一。

皮卡丘的名字“Pikachu”并非其全名，其全名“让·卢克·皮卡丘”曾在漫画中出现过一次，这是对经典科幻作品《星际迷航》的致敬。

皮卡丘的设计灵感来源于鼠兔，鼠兔通常体长在10.2—30.2厘米之间，体重约为100--400克，皮毛柔软浓密，多为灰褐色或棕色。其可爱的外观和独特的生物特征为皮卡丘形象提供了参考。对比着看，皮卡丘与鼠兔在外观上有许多相似之处，但也存在显著差异。

皮卡丘是虚拟的黄色小动物，它矮矮胖胖，圆乎乎的；全身皮毛是黄色的；耳朵很长，尖端是黑色的；脸颊上有两个红色的圆；尾巴像锯齿状的闪电。它能够放出电击，具有超自然的能力。（下图来自网络）

皮卡丘的形象契合大众审美，早已超脱动漫角色范畴，它承载了无数年轻人的童年记忆，成为一种积极的象征。

如今皮卡丘通常被用来形容某人或某物非常可爱、萌，具体来说，皮卡丘有两层意思：一是“你好可爱”、“好萌”；二是“谢谢”、“萌萌哒”。

25年来，《宝可梦》系列已经从第一世代发展到第八时代，产生898种《宝可梦》，其中有最长、最短的《宝可梦》，最重最轻的《宝可梦》，攻击力最高、最低的《宝可梦》，还有不同寻常的《宝可梦》等等。在《宝可梦视觉艺术史》中，你可以看到《宝可梦》系列创作的背景、背后的故事，《宝可梦》中的科学及所有《宝可梦》系列图鉴。

无论你是忠实的《宝可梦》玩家，还是初入门者，亦或是像我一般头次走进《宝可梦》的世界，你都可以在每一件作品中感受到创意与激情。从精致的陶艺品到闪亮的金属雕塑，再到色彩斑斓的玻璃、漆艺和染织等多种工艺，每一件作品都具有吸睛的神力，都令人流连忘返。

像皮卡丘一样，这里的很多作品都可以在现实世界找到原型，然而它们又带有远古神话和现代社会的某种特征，具有某种超自然力。就是你不了解它的创作背景和故事，光看形象，也会觉得趣味横生。

展览汇聚了众多才华横溢的艺术家的作品，这些作品形象来自《宝可梦》，但更多地展现的是艺术家匠心独运的技艺。艺术家通过《宝可梦》这一经典IP，将陪伴了无数人成长的童年记忆与现代创意完美结合，带给人们的不仅是视觉的盛宴，更是心灵的洗礼。

看完展品，观众们大多会在下图的金色甬道驻足片刻，看看这位小姑娘多会摆造型，顺着她的手指看下来，你一定会有所发现。

看出来了吗？这金灿灿的帘子是由无数个宝可梦形象穿起来的！是不是有皮卡丘？原来这甬道是一件编织的宝可梦艺术品！它让观众走进去，成为宝可梦世界中的一员。这创意太高明了！

《宝可梦》工艺展是对经典的致敬，也是对未来无限可能的探索。

《宝可梦》从幼年游戏变成成熟的艺术形式，这，或许就是文化的延续与发展吧！

文化在传承发展中创新，才能成为今天的新词“新质生产力”吧！

第五大看点——MOA美术馆创立者冈田茂吉展室

MOA美术馆的全称是Mokichi Okaada Association（日文冈田茂吉协会），创始人冈田茂吉的生平见下文展陈翻译。这里补充几句：

冈田茂吉是日本有名的农业家和宗教家，主张推广无化学肥料、无农药栽培的自然农法，并创立了世界救世教。他同时也是艺术品收藏家，在世时亲自指导建造了箱根美术馆，冈田茂吉先生去世后，MOA才宣告成立，秉承他的遗志，继续支持艺术的发展。

看看MOA美术馆的创立者冈田茂吉的简历，你就知道他在日本的影响有多大了。（下图为翻译机翻译的冈田茂吉展陈介绍，语言不太顺畅，但不影响你了解冈田茂吉的一生及贡献）

第六大看点——两件国宝级作品

MOA美术馆展出的国宝级作品是江户时期宗达光琳派创始者、装饰艺术大师尾形光琳的《红白梅图屏风》和同时期艺术家野野村仁清的《色绘藤花文茶壶》。

尾形光琳的国宝级作品《红白梅图屏风》仅在每年2月展出，我们无福得见，但美术馆庭院内有尾形光琳的故居，故此介绍下这位国宝级艺术家。（以下画家头像及作品来自网络）

尾形光琳（1658-1716）日本画家、工艺美术家。生于京都御用的和服商家庭，早年随父尾形宗谦学习狩猎派水墨画和大和绘，之后又受表屋宗达装饰画的影响。

其早期作品追求新意，在花草画、故事画、风景画方面形成一种严谨巧妙的风格，被授予法桥荣誉称号。

1701年以后，广泛涉猎各家艺术之长，特别注重研习中国绘画及雪舟的泼墨山水技法，使画意更加精深。

尾形光琳的著名作品有《红白梅图屏风》、《竹梅图》、《杜鹃花图》、《燕子花图屏风》及工艺美术品《千鹤图》、《八桥嵌金漆盒》等。他继承发展了表屋宗达的画风，此画风又被后继者继承和发扬，最终形成了宗达光琳派。

我们再来看《红白梅图屏风》，图中构成纹样的抽象水纹与写实的梅树形成鲜明对比，从而构成一种相互独立又相互映衬的装饰性画面。

作者构思巧妙，用棕色线条表示花纹，曲线圆卷，形式活泼，线条流畅，技法熟练。用我们今天的眼光来看，此屏风也堪称古朴典雅之作。据说，每年2月《红白梅图屏风》展出时，都会吸引众多艺术爱好者前来，有2月去热海的，别忘关注展期啊！

忍不住多放几张，管中窥豹，你不得不说，尾形光琳的作品将优雅与精致发挥到了极点。

下图为《秋草图屏风》。

《千鹤图》

《鸳鸯戏水》

《燕子花图屏风》

我们见到的国宝级作品是下图野野村仁清的《色绘藤花文茶壶》。来，看看这件国宝级作品的说明。

MOA美术馆收藏的西洋名画有莫奈的《睡莲》和伦勃朗的《自画像》等。可惜这次我们没有看到，对MOA美术馆感兴趣的朋友，届时别忘记观赏呀。

第七大看点——黄金茶室

下图是馆内的第一个展陈室——丰臣秀吉使用过的黄金茶室。有关此黄金茶室的用途和意义，展陈介绍有说明，在此略作补充：

这个茶室是根据桃山时代的文献史料记录，在数奇屋建筑的权威堀口捨己的监修下，复原而成。

这个茶室是可拆卸组装的，各个部件的尺寸和组装方式都是基于史料制定。

黄金的茶道具是根据表千家（日本茶道流派之一）不审庵（千利休）所持的真台子和唐金皆具等茶具进行参考，并使用纯金进行了还原。

让儿童美术作品进入艺术的殿堂，让儿童美术作品出现在这家由世界知名现代美术作家打造的展区内，可见日本民族对儿童美术素质培养的重视，从之前的雕刻之森美术馆到现在的MOA,再到我们后面去的小田原，展览方都在吸引儿童这个群体上下足了功夫，比如考查观察和记忆力的：数数画面上有几个人物或动物；某某事件发生在哪一年等等，有的展室内还备有答题纸和笔……这是我们的业内人员和家长该学习的。

第八大看点——简约而颇具禅意的日式庭院

从美轮美奂的艺术殿堂出来，可不要急着回去，在馆外广阔的日式庭院中恣意漫步，你会看到绿意盎然的竹林、古色古香的石塔、樵亭，还有日本国宝级艺术大师尾形光琳的故居。

下图为“樵亭”及译文。

漫步在日式庭院中，你会不自觉地把它和中式庭院进行对比，在这里，你看不到中式庭院对称的格局、层次感和景深，假山、蓄水池、亭台楼阁等营造出的“移步换景”效果。你看到的是空间的流动性和自然感，自然简约的设计，以木质、石材、竹子等为建筑装饰材料所形成的宁静平和的氛围。

这里没有中式庭院常用的红黄绿等鲜艳丰富的色彩，满目是绿色、灰色、棕色、白色等自然色所形成的质朴与素雅。

庭院内这座尾形光琳的故居，是依据尾形光琳在1712年的京都住所重建而成。故居占地不大，整体面貌代表了18世纪日本地方富裕阶层的品味。

故居一层是茶室等起居场所，二层是画室，传说尾形光琳正是在此创作了MOA馆藏国宝《红白梅图屏风》的。

前面说过，故居占地不大，但看下来，功能却很齐全，由此可见出日本住宅注重小中见大的设计。房子外围就是小庭院，地面铺石子，摆放石块，放石灯笼，用竹子绿植或流水装饰。

与天地融合，简约、质朴、宁静而又不乏生机与活力，这样的居所，普通人住下来，会修身养性；艺术家住下来，就会创作出伟大的作品。

迄今为止，中外美术馆我们已经去过多家，但像MOA美术馆这样内外都迷人的还真是不多，在此，你可感受山水之美，如凝固的音乐般的建筑之美，庭院之美，各种艺术作品之美，当然还能品味美食之美。所以，来MOA美术馆，与艺术做一次邂逅吧！