西方视觉艺术 6

健龍學園

浪漫主义 　　浪漫主义兴起于法国，流行于19世纪前半叶的法国和欧洲。这一画派摆脱了当时学院派和新古典主义的羁绊，偏重于发挥艺术家自己的想象和创造，创作题材取自现实生活、中世纪传说和文学名著等。 Goya 戈雅 1746～1828（西班牙） 戈雅画风奇异多变，从早期巴洛克式画风到后期类似表现主义的作品，他一生总在改变，虽然他从没有建立自己的门派，但对后世的现实主义画派、浪漫主义画派和印象派都有很大的影响，是一位承前启后的过渡性人物。 《阳伞》The Parasol 1777（普拉多美术馆） 　　十八世纪末，西班牙皇宫和贵族府邸都流行用大挂毯作装饰，因此戈雅从1777-92 年为圣芭芭拉皇家织造厂制作了63幅草图，这些草图实际上是油画，现在几乎全部都收藏在普拉多美术馆。这幅《阳伞》是戈雅挂毯系列作品中最美丽、最精致的一件。 在戈雅的画作中，他经常将法国时尚与西班牙结合起来。这幅画中的女人坐在地上，可能是长途步行后的休息。她的着装符合当时的法式风格，右手拿着一把扇子，腿上抱着一只小狗。年轻男子撑着阳伞，为女子的脸遮阳，他穿得像个穷人。在背景中，我们可以看到天空中的乌云和随风摇曳的树木，可能预示着暴风雨即将来临。这幅画散发出一种非常平静的温暖，却被那棵似乎在强风中吹歪的树所抵消。 《查理四世一家》Charles IV and His Family 1800（普拉多美术馆） 　　这幅群像是在戈雅成为宫廷画家一年后完成的，宫廷画家是西班牙艺术家所能获得的最高职位，此前维拉斯凯兹担任过。 画面以真人大小绘画了国王一家人，王室成员显然正在参观画家的工作室，戈雅似乎将注意力集中在三个人物身上：西班牙国王查理四世、他的妻子玛丽亚·路易莎王后、身穿蓝色衣服的长子（费尔南多七世）。站在长子旁边的是他的妻子，不过她转过身，看不到脸，这是因为在作画时，他们还没有正式结婚。画里还有国王夫妇的其他孩子和亲戚，他们穿着精美的服装和珠宝。 虽然是正式的肖像，但家庭成员之间却透露出亲密的迹象，王后牵着最小孩子的手。与维拉斯凯兹的《宫娥》相反，这幅画没有描绘任何王室的仆人或侍从，不过画家自己却在里面（左侧后面暗处）。戈雅省略了叙事结构，这只是一幅人们摆好姿势的肖像画。 戈雅没有粉饰查理国王一家，因为他从来不用画笔讨好任何人，不管你是平民还是国王，在他的艺术世界里一律平等。所以他如实画出王室成员的形象，并没有刻意美化他们。据说国王十分满意这幅全家福肖像，为此赐予戈雅西班牙“第一位画家”的头衔。 《着衣的玛哈》The Clothed Maja 1800-03（普拉多美术馆） 　　戈雅画了两幅玛哈，一个裸体、一个穿衣。有一种说法是，这个被画的女人是当时某显贵的宠姬。这位显贵请戈雅为她画一幅全身像。戈雅被这个美丽的女子所动，画完肖像之后，就回到自己的画室里凭记忆立即画出了一幅精采的《裸体的玛哈》。事后，这位显贵得知，认为这是对他的戏弄与亵渎，几乎恼怒到了要拔刀寻事的地步。画家预先得到朋友的通报，就以出奇的速度另画了一幅同样姿态的《着衣的玛哈》，平息了对方的怒火。 《巨人》The Colossus 1808-12（普拉多美术馆） 　　1807年底，拿破仑的车队通过西班牙，他们受到一般老百姓的欢迎，因为老百姓根本没有想到拿破仑竟会把西班牙的波旁王朝家族赶下台，带法军入侵西班牙。当西班牙人民发现自己受骗时，即起来反抗法国军队，使西班牙进入了历史上最痛苦和最混乱的一个黑暗时期。法国士兵用暴行来对付西班牙的反抗者，于是这场战争成为一场残暴的屠杀。 于是戈雅创作了《巨人》这幅画以表达这场大悲剧。画面中央挺立着一位咄咄逼人赤裸的巨人，他也许意味着战争或战神，也许是在表现人们被巨大阴影笼罩着的不安所引起的未知危险的恐怖状。无论如何，这幅画始终萦绕在人们心头，它象徵着西班牙被拿破仑军队占领初期惊慌、混乱和冲突的可怕状态。在地上有一些人在奔跑，而云层则在巨人周围的天空中翻腾，这种动的感觉更加深了画中的悲剧性。 《枪杀起义者》The Third of May 1808， 1814（普拉多美术馆） 　　1808-1814年法西战争中，拿破仑入侵西班牙。1808年5月2日在马德里发生了西班牙人起义事件，遭到法军镇压。5月3日，法军在马德里附近的皮奥王子山枪杀起义者。　　灰暗的夜幕下，一束强光照射在起义者身上，他们中有神甫、教士、市民和农民，他们的表情有的愤怒不屈、也有的惊恐万分、面露恐惧。画面的中心是一个穿着白色上衣的市民，他高举着张开的双臂，愤怒地瞪着敌人，有种不服和恼怒，恨不得与敌人同归于尽和极为不甘心的神色。他的右边是一个饱经沧桑的农民，伸着脖子，一副大义凛然、视死如归的样子。再右边是一个善良的神甫，他低着头，握着拳头，正在为地上死难的同胞默默哀悼。他们的身后是两个年轻人，他们显然极为恐惧，一个面露怯色、惊恐万状；另一个绝望地双手捂面，不知所措。在他们的脚下，躺满了已经被屠杀的同胞，血流满地。他们的左边，即将被杀的人群排成了长长的队伍，看不到头。画面的右边，一队荷枪实弹的法国士兵正举枪瞄准这些等待处决的起义者，看不到这些行刑者的脸面，只见平举的成排枪管发着寒光。 《吞噬其子》Saturn Devouring His Son 1819-23（普拉多美术馆） 　　主题取自希腊神话，宙斯的父亲克洛诺斯害怕自己的孩子们推翻自己，在他们出生之后，将他们一一吞噬下去。本画是戈雅在晚年黑暗时期的作品，当时他直接在自己住所的墙上直接绘制了14幅作品，这是其中之一。戈雅描绘了巨神吞噬自己儿子的场景，孩子的头和部分左臂已经被吃掉，右臂可能也被吃掉了，但是看不清楚，克洛诺斯正要下口继续咬下去。他的眼睛和嘴巴表现出了他的凶残，但是如果仔细琢磨，似乎可以从他的眼神中感受到一丝恐惧，他害怕那尚未实现的预言，似乎他已经预感到自己的未来（被儿子宙斯打败）。 William Blake 威廉·布莱克 1757～1827（英国） 英国第一位重要的浪漫主义诗人、版画家，英国文学史上最重要的伟大诗人之一，虔诚的基督教徒。主要诗作有诗集《纯真之歌》《经验之歌》等。早期作品简洁明快，中后期作品趋向玄妙深沉，充满神秘色彩。他一生中与妻子相依为命，以绘画和版画的酬劳过着简单平静的创作生活，几乎不为人所知。后来诗人叶芝等人重编了他的诗集，人们才惊讶于他的虔诚与深刻。接着是他的书信和笔记的陆续发表，他的神启式的伟大画作也逐渐被世人所认知，于是诗人与画家布莱克在艺术界的崇高地位从此确立无疑。 布莱克诗句：“一沙一世界，一花一天堂。无限掌中置，刹那成永恒。” 《太初》The Ancient of Days 1794（多家博物馆有不同版本） 　　它是《欧洲：一个预言》的卷首插画（书中插图是布莱克手工绘制，因此书的数量极少，每幅画都不完全一样）。画中一位白胡子的老人屈身于火焰的光盘上，背后是熊熊烈火的太阳。老人让人想到米开朗基罗的巨作《创世纪-创造亚当》当中在右方伸展手臂的上帝形象。然而“他”并非基督教的天父耶和华，而是布莱克称为Urizen的创世者，当然布莱克是“看到”过他，将他画出来。 Urizen以圆规度量漆黑的虚空，意味他正在设定万物的本性与法则，包括科学所言的物理学定律。这一幕正是创世者在创造物质世界的阶段。为求精准，他用到圆规来量度，亦呼应了引力与生物学等法则之精准，得以将万物滋长，天体之间以平衡的状况运行。Urizen 的头发与胡子被强风吹成水平线状，象征自然之力在此阶段已经非常强大。画题以“太初”来指称上帝的说法，则来自《圣经-但以理书》。 《牛顿》Newton 1795 （伦敦泰特美术馆） 　　圆规再次出现在《牛顿》一画。不似文艺复兴的大师与《圣经》人物，布莱克这次画的牛顿，与画家同是十八世纪的英国人（相隔几十年）。这画首先让观者震惊的，是牛顿竟不是以温文儒雅的学者形象出现，而是一位全裸的男性，是布莱克惯常画的健硕肌肉男，俨然一位崇尚肉身健美的古希腊几何学家。不似拉斐尔的《雅典学院》，让古希腊的一众学者穿上文艺复兴时期的意大利服装。以我们现今的说法，布莱克是对历史人物作大胆的二次创作。 这幅画的下方，画家写道：“在所有事物看见无限的人，可以看到上帝。只看到理性的人，只会看到他自己。”He who sees the Infinite in all things sees God. He who sees the Ratio only, sees himself only. 《撒旦征服夏娃而兴高采烈》Satan Exulting over Eve 1795（盖蒂中心） 　　许多18世纪的艺术家深受弥尔顿《失乐园》的影响，使撒旦以崇高的英雄形象出现。在布莱克的画中，撒旦荣耀般地盘旋在夏娃上面，他刚刚成功引诱夏娃偷吃苹果，从而兴高采烈。此时，夏娃则被撒旦的另一个自我 — 伊甸园里的蛇所缠绕，她的手下有一个刚刚咬过的苹果。画面的背景是熊熊烈火，这在布莱克的画中常见。 夜鹰魔女的欢欣The Night of Enitharmon’s Joy 1795（泰特美术馆） 　　这幅画也被称作：三面“赫卡忒”。赫卡忒为希腊神话中前奥林匹斯的一个重要的提坦女神：机遇的三相女神（魔法女神、鬼魂女皇与地狱女神）。赫卡忒总是和夜晚、鬼魂、地狱、魔力、巫术和妖术联系在一起。她是著名的不可抗拒的死神、无法战胜或无人能及的女皇，地狱的创建者或管理者，也是妖术、魔女、魔咒和女巫女神，还是极少的未婚女神，她曾经帮助宙斯打败过独眼巨人，所以她有着巨人一般的强大力量，即便宙斯也要敬畏她三分。 布莱克创作的神话人物、英雄，深受米开朗基罗影响，他借鉴前人的作品来完成自己的创作、构图，这副“赫卡忒”就是其中之一。 该作品还可能暗指“命运三女神”（希腊神话的Moirai摩伊拉，罗马神话的Parcae帕尔卡）。不过，也有不少学者认为，布莱克的灵感来自莎士比亚的戏剧《麦克白》，那时这部剧重新流行。开场出现的三位女巫，就是画中的人物。 《红色的龙和身披太阳的女人》 1805-10（伦敦国家美术馆） 　　浪漫主义诗人和画家布莱克的这幅水彩画，展现了善恶之间的宇宙之战。画面的线条让人联想到：锯齿的闪电、呼啸的大风、煽动的翅膀...使场景充满紧张感，暗示人类的命运。 圣经新约最后一本书《启示录》中，包含了一系列对信徒维持、捍卫信仰的警告；然后讲述了一系列寓言故事，展示了精神背叛的后果。布莱克的这幅画，描述了“一条巨大的红龙”，降临到“一个身披太阳、脚下有月亮的女人”上面。龙是撒旦的化身，他的使命是对生下追随上帝的基督徒的母亲进行报复。 阳光照在女人的身躯上，黑暗和阴影笼罩天空，龙翼激起狂风，将她的头发向上卷起，如火焰一般。下面，巨龙引发的洪水在泛滥，本是要淹没女人，现在正在折磨其他不幸的灵魂。当魔鬼盘旋，要杀死她时，上帝赐予她翅膀，将她带到安全的地方（她坐在月亮上）。巨龙张开的手臂与女人张开的手臂，形成两个弧线，表明善与恶是二元的（就像月亮有黑暗面和光明面），而不是单一的（一元的）。 大地将裂开，吞噬水。受挫的龙将飞走，与女人的后裔，就是上帝的信徒发生战争。对于布莱克来讲，无论环境多么可怕，精神力量（女性所代表的纯洁和善良）总是占上风。 《亚当夏娃发现亚伯的尸体》1825（哈佛大学美术馆） 　　取自圣经故事，亚当和夏娃被逐出伊甸园后，前后共生下三个儿子，大儿子“该隐”因为嫉妒，杀死了二儿子“亚伯”。这副画描写的是亚当、夏娃发现了亚伯的尸体，而凶犯“该隐”正在逃离现场。 Sir Thomas Lawrence 托马斯·劳伦斯爵士1769～1830（英国） 著名的英国肖像画家，也是皇家学院第四任院长。他是一位神童，很小就开始绘画，他的父亲是个旅店的老板。10岁，他搬到巴斯，靠创作柔和的肖像来养家糊口。18岁前往伦敦，很快就确立了自己作为油画肖像画家的声誉，并于1789年接受了他的第一份皇家委托：为夏洛特皇后绘制肖像。此后他一直处于职业生涯的巅峰，直到1830年（60岁）去世。 《惠灵顿将军》Duke of Wellington 1814（伦敦Apsley House） 　　惠灵顿公爵原名为阿瑟·韦尔斯利，人称铁公爵。英国军事、政治人物，英国陆军将领，第21位英国首相。 韦尔斯利出身贵族家庭，早年就读于伊顿公学、皮涅罗尔军事学院。1787年入伍。后前往印度，自英迈战争中发迹，累升为少将。1808年发起半岛战争，1809年指挥葡萄牙远征军登陆伊比利亚，接连解放葡萄牙、西班牙，打破法国皇帝拿破仑的“大陆封锁体系”。1813年因功晋升为陆军元帅，1814年成为英国驻法国大使，获封惠灵顿公爵，并代表英国参与维也纳会议，反对削弱法国，维持欧洲均势。百日王朝复辟后，指挥英荷联军再度与法军交战。1815年联合普鲁士军队在滑铁卢战役彻底击败拿破仑，战后相继被俄罗斯、奥地利、普鲁士、汉诺威、西班牙、葡萄牙和尼德兰七国授予元帅军衔。晚年两次组阁，出任英国首相，以保守主义的政治立场著称。1852年，韦尔斯利在沃尔默城堡逝世，享年83岁。以国葬形式葬于伦敦圣保罗大教堂。 托马斯·劳伦斯画过多幅惠灵顿的肖像，这幅画中惠灵顿身着军装，荣获各种荣誉（胸前的勋章），包括：嘉德勋章、金羊毛勋章、巴斯勋章。画中的他被描述为“沉静而冷漠”。 《红衣少年》The Red Boy 1825（伦敦国家美术馆） 　　画中的贵族少年是查尔斯·威廉·兰姆顿，当时7岁，13岁时因肺病去世。　　劳伦斯将画作设计为：少年正斜坐在礁石上，面朝月光下的大海，沉浸在对大自然崇高力量的沉思中。他旁边开的花象征着他的年轻。他正处于人生旅程的开始。　　据说，劳伦斯最初把男孩的衣服绘成黄色，因为孩子的父亲被称为“黄色美男子”，遭到孩子父亲的激烈反对，于是用红色替换了黄色。 《穆雷小姐》Miss Murray 1824-26（伦敦Kenwood House） 　　作为一个三到五岁的小女孩，她高兴地向我们跳来，展示了一条装满新鲜采摘的花朵的裙子。大大的眼睛和红润的脸颊立即透露出一种天真无邪的童年欢乐。这幅画已经成为英国儿童复制最多的图像之一，出现在众多饼干罐和巧克力盒上。穆雷小姐是著名军事指挥官、首相惠灵顿公爵的教女，这种关系增加了这幅画的受欢迎程度。 Caspar David Friedrich 卡斯帕·大卫·弗里德里希 1774～1840 （德国） 　　德国早期浪漫主义风景画家。1794～1798年就学于哥本哈根美术学院。1816年起在德累斯顿学院任教。其作品常带冷寂虚幻的情味和神秘的宗教气息。主要作品《山上的十字架》1807、《雪中的修道院废墟》1810、《两人观月》1819、《冰河中航船失事》1822等。 　　在近景中，一个男人背对着观众，站在山顶的岩石上。他裹着一件深绿色大衣，右手握着一根手杖。他的头发被风吹起，凝视着前方被浓浓雾海覆盖的风景。 在中景中，几座山脊从云雾中冒出来，也许与漫游者站立的山脊没有什么不同。透过浓雾，可以看到山顶上的树林。 在远景中，模糊的山脉在左边升起，在右边缓缓地变成低地平原。越过这里，弥漫的雾气无限延伸，最终与地平线融为一体，与布满云彩的天空变得难以区分。　　这幅画是浪漫主义的代表作，浪漫主义是启蒙时代后出现的广泛的艺术和文学运动。虽然该男子的身份尚不确定，但一些人认为这是艺术家的自画像，因此这幅画被解释为一种象征自我反省或对人生道路的思考。这幅画的景观被认为能够唤起崇高感、更大的神秘感、超越典型潜在力量。弗里德里希对此阐述了他的想法：“艺术家不仅应该画他面前的东西，还应该画他在自己的内心看到的东西。”关于雾，他写道：“当一个地区笼罩在浓雾中时，它就显得更崇高，像一位蒙着面纱的女孩一样，提升了想象力，激发了人们的期待。” 《冰海》The Sea of Ice 1823-24（汉堡美术馆） 　　这幅画显然是以北极为背景，尽管画家从来没去过那里。在这幅画的近景中，有一些小冰山层层叠叠，这使得它看起来几乎像台阶。然而在背景中，冰山被压碎在一起形成冰塔。这些冰山非常大，表明发生了可怕的事情。这座巨大的冰塔旁边有一个细节，那是一艘沉船，但沉船不是此画的主题。 《冰海》中的沉船事件表面，大自然永远优于人类。冰是死亡之地，大自然永远会击败任何试图挑战它的人。 画家小时候曾遭受过痛苦的经历，他的兄弟从冰层掉进水里身亡，因此大家推测他的经历影响了这幅画。 有一种说法，画家是在评论德国，当时德国在政治上被认为是一片冰冻的荒原，没有改善的希望。该画的灵感可能来自《美杜莎之筏》，两个作品有着相似的构图框架，以及与无情的大海相关的暗淡隐喻。《美杜莎之筏》所代表的悲剧是人类为忽视周围环境而付出的代价，《冰海》则传达了更为悲观的信息，悲剧是人类傲慢地试图主宰自然而造成的结果。 Turner 透纳 1775～1851（英国） 　　英国最伟大的浪漫主义风景画家、水彩画家和版画家。他喜欢描绘自然现象和自然灾害，包括火灾、沉船、阳光、风暴、大雨和雾霾，对光线的运用独到精妙。他的作品善于捕捉光线和大气的一瞬即逝的效果。 《海上渔夫》Fishermen at Sea 1796（伦敦泰特美术馆） 　　这幅画是透纳在皇家美术学院展出的第一幅油画，受到当代评论家的好评，提升了他的声誉，确立了特纳油画家、海洋风景画家的地位。　　《海上渔夫》描绘月光下怀特岛附近波涛汹涌的大海和渔民的景象。它展示了人类生命的脆弱（以灯火闪烁的小船为代表）和自然界的崇高力量（乌云密布的天空、广阔的大海、背景中险峻的岩石为代表）。夜晚月亮强大的冷光与渔灯微弱温暖的光芒形成鲜明的对比。 《加莱码头》Calais Pier 1803（伦敦国家美术馆） 　　一艘满载乘客、悬挂英国国旗的跨海峡渡轮（人多的那艘船）正在接近法国加莱港。在它周围，法国小型渔船出海捕鱼。水面波涛汹涌，乌云密布，但一束阳光照射进来，照亮了画面中央的白帆。在右下方，一艘小船正试图逃离，以避免撞到码头。场面看起来比较混乱，有发生碰撞的危险。　　特纳的这幅画取材于他所经历的真实事件。1802年，他第一次出国旅行，从英国多佛前往法国加莱，在海上的风暴中差点被淹没。这幅画于1803年在皇家学院首次展出时，反响不一。但评论家约翰·拉斯金宣称：它是第一幅展现“透纳巨大力量”的画作。 《特拉法加海战》The Battle of Trafalgar 1806（伦敦泰特美术馆） 　　这幅画被誉为第一幅“英国史诗画”，因为它将特拉法加海战的关键时刻融合在一个构图中。左下角，英国海军领导人纳尔逊倒在胜利号的甲板上，他被右侧舰艇瞭望台上的法国狙击手射中。同时，法国国旗降下，法军投降。这次海战对英国来说是喜忧参半：对法国和西班牙联军的胜利，使英国成为世界霸主；而英国史上最伟大的海军英雄纳尔逊却不幸身亡。 特拉法加海战发生于1805年10月21日，是英国海军史上的一次最大胜利。英法海军在西班牙特拉法加相遇，战斗持续5小时，英军大获全胜，法军全军覆没。而英国海军总司令纳尔逊海军中将在战斗中阵亡。此役之后，拿破仑被迫放弃进攻英国本土的计划。 伦敦中心有个“特拉法加”广场，著名的国家美术馆在广场一侧，广场中心的高柱上是纳尔逊的雕像。 《贝亚湾，阿波罗和西比尔》The Bay of Baae with Apollo and the Sibyl 1823（伦敦泰特美术馆） 　　特纳以那不勒斯的贝亚湾为背景，讲述了一个古希腊的神话故事（出自奥维德的变形记）。女祭司西比尔请求阿波罗让她活到手里能握着的沙粒的岁数。阿波罗答应了，她手里的沙粒确实很多，她远比常人活得长，可是她没有请求永葆青春，以至于她随着年龄的增长，身躯越来越小，以至于只剩下她的声音，看不见她的人了。 这副风景画反映了女祭司的故事，不过地点换成了意大利。时间改变了建筑（变成废墟），但自然景观的美丽依然存在。 《暴风雨-汽船驶离港口》Snow Storm，Steam-Boat off a Harbour’s Mouth 1842（伦敦泰特美术馆） 　　这是特纳最大胆的画作之一。在现代机器与自然的战斗中，一艘汽船面临着暴风雪。它的黑色烟雾与冰雪和海洋的漩涡融为一体。特纳声称，他让水手们将自己捆在桅杆上，观察风，足有4个小时。这件事无法证实（可能性不大），但这表明画家希望我们将这一令人眼花缭乱的场景，视为真实的记录。当他听说这幅画被嘲笑为“肥皂水”时，他回答道：“我画它不是为了让人理解，而是为了展示这样的场景是什么样的。” 《雨、蒸汽、速度》Rain，Steam and Speed 1844（伦敦国家美术馆） 　　一辆蒸汽机车在雨中穿过Maidenhead铁路桥，向我们驶来。这座桥于1838年竣工。当火车向西行驶时，我们向东眺望伦敦，高架桥夸张地突然缩短。我们的眼睛追随地平线，暗示着火车在雨中冲进视野的速度。特纳沿着铁轨画了一只野兔，以代表自然世界的速度，与发动机的机械化速度形成鲜明的对比。随着时间的推移，颜料变得透明，这只野兔现在看不见了，但在1859年的画作复制印刷品中可以看到它。左面有几位年轻妇女在河边跳舞；右面远处的田中有一张犁，它们都唤起了人们对往昔生活方式的回忆。实际上，这幅画是要表现大自然和往昔的生活与现代化铁路和高架桥之间的强烈对比。　　透纳经常描绘当代的生活场景，并对工业和技术特别感兴趣。由于他经常使用包括蒸汽火车在内的新交通工具，因此这幅画不太可能是反对现代化，相反，他认为火车和桥梁都是值得绘画的主题。 Theodore Gericault 杰里柯 1791～1824（法国） 　　法国浪漫主义画派的先驱，对浪漫主义画派和现实主义画派的发展有重要影响。　　他出生于法国鲁昂，曾师从卡勒·韦尔内及皮埃尔·纳西斯·格林学画。但不久就离开教室前往卢浮宫自己揣摩各名家作品，1810年至15年间曾临摹过提香、鲁本斯、伦勃朗和委拉斯凯玆的作品，发展出了他认为不同于新古典主义的艺术风格。后来又曾在凡尔赛学习解剖学、画马。 《皇家的骑兵军官》The Charging Chasseur 1812（卢浮宫） 　　“皇家的骑兵军官”一画中，军官手握军刀，与前蹄提起欲直立的马，一起作冲锋陷阵状，军官虽已负伤，浑身无力（军服仍完好、高雅），但仍要拿著武器向前冲刺。　　他的身体挺立，骑在以豹皮装饰的马鞍上，一副不可一世的模样，但是他的目光却望向远方、凝聚不动，流露出劳累、失望的神情，似乎仍在盼望救援人马的到来；前方的战火云烟却不断地向骑兵军官阵阵逼来。　　皇家卫队的骑兵军官这个主题，是杰利柯从历史上汲取的素材（虽然传统的看法认为，他的这幅作品是受到一匹难以驾驭的马所启发的。据说在圣克劳德的节日期间，一名巴黎的工匠曾租用这匹马拉一辆敞篷的四轮马车），画面气氛充满战争的火药味，天空燃烧著战云；满目皆是奥斯特利茨战役的烟尘；军官的战马在轰隆隆的砲火射击中，激动异常。这几乎是拿破仑对抗普鲁士军队一役中，取得胜利的象徵和祝贺。　　这幅画可以说是大卫的“拿破仑越过阿尔卑斯山”一画的延续，为了这幅画，杰里柯画了二十多幅草图，在这些草图中，杰利柯反复研究和变换着马的姿态。他甚至把一匹真的马牵进画室里。 《梅杜萨之筏》The Raft of the Medusa 1819（卢浮宫） 　　这幅画描绘了1816年6月震惊法国的悲惨事件：法国梅杜萨号军舰在海上失事。船长是位保皇党流亡者，已经20年没有出海，因波旁王朝复辟，被任命为舰长。沉船事故发生后，法国民众把怒气指向路易十八，尽管国王跟这项任命没有直接关系。由于舰长指挥失误，这艘船在西非海岸搁浅，解救的努力失败后， 6艘救生船只能容下约250人，有约150人不得不登上匆忙建造的木筏逃生。 木筏没多久就散了，食物也不够，13天后被一艘船救起，此时只剩下15人。其他人要么被战友杀死（当食物）、要么被扔下海、要么饿死了、要么因绝望而投海自杀。这一事件成为君主政体的巨大耻辱，任人唯亲是独裁体制的特性。 这幅油画描绘了在木筏上漂流13天后，剩下的15人看到一艘船，拼命求救的场景。临时建造的木筏在深海中不适合航行，木筏上的人们被描绘为破碎且完全绝望。一位老人将儿子的尸体放在膝盖上；另一个因沮丧和失败而扯掉头发。近景中有许多尸体，中间的人刚刚看到一艘船，一个非洲船员站在桶上疯狂地挥舞他的手帕，以便让远方的船看到。 1819年这幅画以“海上失事”为标题，参加了沙龙展，遭到强烈的攻击。这些攻击有些是因为政治原因，政府竭力隐瞒这一丑闻，隐瞒、欺骗、篡改历史是独裁政府维持统治的法宝。也有些人因为这幅作品远离当时非常流行的新古典主义风格，无法接受这幅画。不过现在，这幅画已是浪漫主义的代表作。 Delacroix 德拉克洛瓦 1798～1863（法国） 　　法国著名画家，浪漫主义画派的典型代表。他继承和发展了文艺复兴以来欧洲各艺术流派，包括威尼斯画派、荷兰画派、鲁本斯和康斯特布尔等艺术家的成就和传统，并影响了以后的艺术家，特别是印象主义画家。他是法国人最推崇的画家。 《旦丁和维吉尔共渡冥河》The Barque of Dante 1822（卢浮宫） 　　维吉尔是古罗马鼎盛时期的最有名诗人，著作是《埃涅阿斯纪》《牧歌》。旦丁是中世纪意大利诗人，欧洲文艺复兴时代的开拓者，著作是史诗《神曲》。　　该画作描绘的是旦丁“神曲”《地狱篇》的内容，旦丁和他的向导维吉尔正在度过冥河。这是地狱第5层，犯了“愠怒/阴郁”的灵魂们被浸泡在河水里、遭受折磨，有些灵魂试图爬上船。旦丁似乎要失去平衡，维吉尔扶住了他，划船的人是Phlegyas弗勒古阿斯。维吉尔看上去比较平静，他的注意力集中在旦丁身上，因为他的职责是帮助旦丁穿过“地狱”、 “炼狱”，到达“天堂”。另一方面，旦丁显得害怕和震惊。　　画面的焦点是下面的人物，也就是那些受折磨的灵魂。画家为他们呈现出多种姿势，并对色彩进行精心的设计。这些灵魂的身体因巨大的悲怆而扭曲，充满了情感。画他们的主要灵感来自于法国浪漫主义运动的第一部杰作--杰里柯的《梅杜萨之筏》。 《自由女神带领人民》Liberty Leading the People 1830（卢浮宫） 　　这是划时代的作品，代表着人类从专制制度走向民主制度。 1830年7月25日，复辟的法国波旁王朝国王查理十世颁布敕令：修改出版法，限制新闻自由、出版自由；解散新选举出来的议会；修改选举法。这破坏了1814年《宪章》的精神，随即引发了“7月革命”，国王被推翻，建立了七月王朝。这次革命拉开了欧洲一系列革命的序幕，使欧洲逐渐走向民主政体，引领了人类文明的进步。 德拉克洛瓦将“自由女神”描绘成兼具寓言式女神形象和强健的人民女性形象。尸体和残骸的山丘就像雕像的基座，女神赤脚赤胸地从上面大步向前，占据画作的中心位置。有人说，女神的形象可能受到了一幅荷兰肖像画影响：战斗的安邦尼。女神所戴的“弗里吉亚”帽，在1789年第一次法国大革命期间，象征着自由。许多学者认为：法国大革命是启蒙运动的结束，浪漫主义的开始。 画中的战士来自不同社会阶层，戴高礼帽的年轻人代表资产阶级；一位巴黎理工学院的学生戴着传统的双角帽（高帽男子左肩后）；还有革命的城市工人，比如那个拿手枪的小孩。他们的共同点是眼神中的凶狠和坚毅。除了自由女神所举的旗帜外，在远处还可以看到巴黎圣母院塔楼上（右侧）飘扬着另一只三色旗。这幅画是戈雅之后的第一幅关于政治的画作。 《阿尔及尔妇女》Women of Algiers 1834（卢浮宫） 　　这幅作品描绘了四名妇女被关在一间装饰华丽的房间里。其中三名妇女穿着宽松、飘逸的衣服和金首饰，非常华丽；一位女士的头发上有一朵粉红色的花。第四位妇女是一名黑人奴隶，她正离开现场，越过左肩回头看坐着的妇女。德拉克洛瓦将女性的服饰、装饰品、室内装饰等细节都完美地呈现出来。这种对细节的关注，贯穿于他1832年的阿尔及利亚素描和1834年同一场景的油画中。这幅画因其尝试的异族描绘而受到学者们的称赞，无论是在女性的服装形式还是绘画本身的标题上。这幅画没有像其他艺术家那样描绘东方女性的色情，例如安格尔在他的画作《大宫女》中描绘的淫荡形象。 德拉克洛瓦在北非时，偷偷瞥见阿尔及利亚后宫，因此没有足够的信息来创造一个真实的形象。由于视觉信息中的这些空白，德拉克洛瓦用他自己的欧洲观念来填补空白，从而想象出了这个版本。裸露的胸口、宽松无拘无束的服装和慵懒的姿势，画家笔下的阿尔及利亚女性仍然处于欧洲人的东方梦中。还添加了刻板的东方主义图案，例如水烟斗、木炭炉和宫女姿势。她们共同创造了一个虚构的形象，与欧洲对东方后宫的幻想更相似，而不是现实。十九世纪欧洲观众将“水烟斗”与吸食大麻或鸦片的含义以及宽松无束缚的衣服与性不道德的含义相结合，为这种西方幻想增添了色彩。 《十字军进入君士坦丁堡》1840（卢浮宫） 　　讲述的是第四次十字军东征，由教皇英诺森三世发动，目的是进攻埃及，然后夺回耶路撒冷。十字军成员主要来自法国和意大利北部，但是没有足够的钱支付给威尼斯，也就无法乘船前往埃及。结果十字军听从威尼斯贵族的建议，向东沿陆地进攻匈牙利的拉扎城，遇到了一位东罗马帝国（拜占庭）的王子，王子请求帮他夺回王权，然后他帮助十字军东征。十字军不顾教皇反对，攻打拜占庭帝国，于1204年4月13日攻陷君士坦丁堡，对城中居民抢劫、杀戮了三天。威尼斯共和国从中取利，得到了部分拜占庭的领土；十字军占领君士坦丁堡后，不再东征，而是自立为王。1261年，东罗马帝国复国成功。　　画的中心焦点是十字军骑士，他们骑着马，带着胜利和决心进入城市。富有表现力的面孔、动作的姿态以及总体的混乱体现了这时的紧张氛围。在十字军周围，城市居民的绝望和失败是显而易见的。近景中倒下的人物表达了他们的痛苦，描绘了战争的悲惨代价。在远景中，君士坦丁堡全城清晰可见，即使在战争的蹂躏中，也显示出它的宏伟和规模。飘扬的旗帜、长矛、构成场景的建筑等，构成了一种强有力的叙述，颂扬了十字军战士，同时也反思了他们的行为给人类带来的痛苦。　　德拉克洛瓦通过复杂性和道德模糊的历史主题，以浪漫主义手法描绘了这一历史事件。 《海上的基督》Christ on the Sea of Galilee 1853（巴尔的摩Walters） 　　作品取材于《圣经·新约全书》中的一个事件：耶稣和他的门徒横渡加利利海，去传播基督的信仰时，一场猛烈的风暴爆发了。令门徒们惊讶的是，耶稣是唯一不担心船会遇难的人，他平息了风暴，彰显了信仰的力量。 拉斐尔前派（上） 　　该画派是19世纪中期，由英国画家、诗人、艺术评论家组成的团体。他们反对以拉斐尔为代表的文艺复兴艺术家开创的各种技法，认为这造成了腐败的影响，因此提倡从文艺复兴之前的“原始画家”的作品中寻找灵感。拉斐尔前派影响深远，对唯美主义和新艺术运动等都造成了影响。 Ford Madox Brown 布朗 1821～1893（英国） 　　英国画家和设计师，他以准确的细节描绘和明亮的色彩运用技巧而出名。布朗出生于法国卡拉斯，一个英国船只事务长的儿子。他先后在比利时、巴黎和罗马学习艺术。1846年布朗定居英格兰。在那里，他加入了拉斐尔前派，但从未参加活动。主要作品《最后的英国》，《劳动》，《英格兰秋日午后》。 《美丽的羔羊》The Pretty Baa Lambs 1851-59（伯明翰美术馆） 　　这是布朗第一次尝试室外作画，描绘了他的模特妻子和他们的小女儿，她们穿着18世纪的衣服，正在给一群羔羊喂草。在后面，家庭保姆正跪着拔更多的草。这幅画简单地表现了家庭生活和英国乡村景色。 这幅画展出后，布朗被问及这幅画的寓意是什么？他有些恼火：“没有含义，只是一位女士、一个婴儿、羔羊、草…… 在任何情况下，图画必须首先被视为图画，深刻的哲学企图并不能造就一张好画……这张画是在室外阳光下创作的，唯一的企图，就是在首次尝试这样的画法允许的条件下，用我的全力制造出最好的效果。” 《最后的英格兰》The Last of England 1850s（伯明翰美术馆） 　　《最后的英格兰》想表现1852年达到高峰的向外国移民的风潮：一对夫妇正移民海外，他们最后一次在英格兰。以画家本人和他妻子为原型的两个主人公，面无表情地凝视前方。在画面的右上角，多佛的白色悬崖正消失在他们身后。他们挤在一把伞下，伞上闪烁着海浪的光芒。这家人的衣服和膝下的书表明，他们是中产阶级并且接受过教育。因此，他们不是像穷人那样因贫穷而离开。 画家布朗触及了一个主题：受过教育的人与国家的联系与文盲不同，主要是精神层面的原因；后者主要考虑的是食物和身体上的舒适。 近景中，一排卷心菜悬挂在船舷上，这是长途航行的必需品。他们身后还有其他乘客，包括两个醉酒男子。画面还有一个诚实的蔬菜水果店家庭（父亲、大女儿和年幼的孩子），除了烟斗，几乎看不见那个父亲，他的女儿搂着一个卷发男孩。左边吃苹果的金发小女孩是以他们的女儿凯瑟琳为原型的。女主人公的斗篷里藏着一个婴儿，他是他们的第二个孩子奥利弗，母亲的左手握着孩子的小手，右手则握着丈夫的右手。 为了能够画出恶劣的天气情况，布朗大部分时间在他的花园外面工作，当天气不好时，他反而很高兴。他照着自己被冻得发青的手，画到了作品中。 William Holman Hunt 亨特 1827～1910（英国） 　　英国画家，拉斐尔前派创始人之一。1827年4月2日生于奇普赛德，父亲是商店的掌柜，不希望亨特学习绘画。所以亨特十六岁以后才接触油画，当时他一面画肖像画自谋生活，一面开始研究绘画。亨特经常模仿前人的作品，如15世纪意大利的一些名画，这些习作在他的一生中都起着重要作用。1845年，他进入皇家美术学院，在那儿遇见了米莱斯和罗塞蒂。于是他们合作开创了拉斐尔前派兄弟社团，决心重振英国画坛雄风。主要作品有：《良心觉醒》、《牧羊人》、《死亡的图像》、《世界之光》等。 《英国海岸》Our English Coasts 1852（伦敦泰特美术馆） 　　这幅画描绘了一群羊，排列在风景如画的苏塞克斯海岸。画中风景优美的地点坐落在黑斯廷斯附近的海湾旁边的悬崖上，那里被称为“情人座”。　　在画面中，一群白羊在海岸边的山坡上游荡和吃草，山坡上绿草如茵，在画面的左下方还有不少野花。山坡直接临近海洋，可以说是一个悬崖，因此既美丽又具有危险。这是英格兰的南部，这个山坡悬崖直接面向法国，随时有外国入侵的可能。画家在这里通过迷失于此的羊群来表达一种不安的情绪，羊群和风景、以及杂乱的海岸植被在这里有着深刻的政治意义，象征着英国及其海岸的脆弱。 《替罪羊》The Scapegoat 1854（利物浦Lever夫人美术馆） 　　亨特对中东有很大兴趣，曾到过耶路撒冷和死海一带。这是第一次去以色列时画的第一幅重要作品。亨特了解到，在犹太人最重要的宗教节日“赎罪日”这天，犹太人会带两只羊到圣殿，一只羊被焚烧献给上帝，另一只羊头戴一块朱红色的布（象征人们的罪孽），被放逐到荒野。犹太人相信，如果他们的罪孽得到上帝的宽恕，布料就会变成白色。这只背负了人类罪过的羊，就被叫做“替罪羊”。　　亨特把绘画《替罪羊》的地址，选在了死海附近、索多玛城的原址，远处是Edom山。在圣经中，索多玛是罪恶之城，上帝降下火雨和硫磺，将这里夷为平地，只有亚伯拉罕的侄子罗得和他的家人被天使救出，罗得的妻子不听警告，回头看索多玛，结果变成了盐柱。 亨特认为，旧约中的替罪羊相当于新约中的耶稣，都是替人类的罪恶受难，以便拯救人类。 《在大殿中找到基督》The Finding of the Saviour in the Temple 1854-60（伯明翰美术馆） 　　这幅画同样是关于圣经的故事，摘自《路加福音》。耶稣的父母约瑟夫、玛丽亚每年都去耶路撒冷过逾越节（起源于摩西带犹太人出埃及），当耶稣12岁时，他们照例去耶路撒冷。过节后，父母离开耶路撒冷，以为耶稣跟在后面，走了一天才发现，孩子找不到了，于是返回耶路撒冷，三天后在圣殿里找到了耶稣。他们惊奇地发现，耶稣跟许多拉比在一起，拉比是犹太人里的智者、老师。耶稣听他们讲话，问他们问题。每个听到耶稣讲话的人都对他的理解力和回答感到震惊。 玛丽亚对耶稣说：“儿子，你为什么这样对待我们？我和你父亲一直在焦急地寻找你。” 耶稣回答：“您为什么要找我？您不知道我必须待在我父亲的家里吗？”（耶稣所说的父亲，是指上帝） 这幅画中亨特描绘了约瑟夫、玛丽亚找到耶稣的那一刻，圣殿里的拉比们对耶稣做出了各种截然不同的反应，有些人感兴趣，另一些人愤怒或不屑一顾。这种对比的描述是该主题的传统，之前，丢勒等画家绘制过同一题材。 《五月的早晨，马格达伦塔上》May Morning on Magdalen Tower 1890（利物浦利斐夫人美术馆） 　　画家长期以来，一直对记录牛津在五月早晨迎接太阳的习俗感兴趣。画中的人物显然是唱诗班成员，地上有许多鲜花是当时的习俗，直到现在唱诗班依然在五一假期到田野里采花。画家相信，这些仪式证明了英国人本质中潜在的、强烈的诗意。牛津大学有个马格达伦学院。 Dante Gabriel Rossetti 罗塞蒂 1828～1882（英国） 　　但丁·加百利·罗塞蒂出生于英国维多利亚时期意大利裔的罗塞蒂家族，是19世纪英国拉斐尔前派重要代表画家，是绘画史上少有的取得独特成就的画家兼诗人。 《新娘》The Beloved 1865（伦敦泰特美术馆） 　　这幅画描绘了圣经中的《所罗门之歌》。画的镀金框架上刻着《所罗门之歌》中的两段文字：“我的爱人是我的，我是他的 愿他以嘴亲吻我：因为你的爱胜过美酒” 画家讲述一位年轻女子正准备结婚，她揭开脸上的面纱，眼睛直视观众。新娘被她的侍从包围着，最近的是一个年轻的黑人孩子，手里拿着玫瑰。新娘周围其他女性虽然也是白人，但肤色和头发颜色似乎比她更深。周围人的衬托，突出了新娘的美丽。一些现代评论家认为，罗塞蒂正在颂扬美丽的多样性。其他人认为这是种族主义、白人至上主义，因为它以白作为美丽的标准，新娘的美丽是由于她肤色的优越。 罗塞蒂为新娘安排了一件很明显是秘鲁人的头饰和一件日本长袍。同样，这种丰富的异国情调的织物构成了新娘的脸，在画布的中心占据主导地位，同时又具有西欧特色。 《普洛塞庇娜》Proserpine 1874（伦敦泰特美术馆） 　　在古罗马神话中，普洛塞庇娜对应希腊神话里的珀尔赛福涅，她被冥王布鲁托绑架为妻子。吃阴间的食物会让一个活着的人永远呆在那里。普洛塞庇娜吃了六颗石榴籽，所以她每年必须在阴间待六个月（冬季）。　　图中的她正在吃石榴，石榴象征着被囚禁。她出现在宫殿的一条昏暗的走廊里，手里拿着致命的水果。一道微光从一个突然打开的入口照在她身后的墙上，一时间，她看到了阳间世界的景象；她偷偷地朝它瞥了一眼，陷入沉思。香炉矗立在她身边，象征她是永生的神。背景中的常青藤树枝可能被视为执着记忆和时间的流逝。 《白日梦》The Day Dream 1880（维多利亚和埃尔伯塔博物馆） 　　1872年，具有诗人气质的画家罗塞蒂与模特珍妮·莫里斯产生了炽烈的爱情，这幅画即作于这段时期。　　莫里斯坐在一棵悬铃木的树枝上，手里握着一小茎金银花，金银花是维多利亚时代的爱情信物。在莫里斯的头顶和她周围，树枝被描绘成几乎拥抱着她，或者好像她从树本身显露出来，几乎像一个树妖或树仙女。她一身绿色，丝绸连衣裙是浪漫的宽大宽松的丝绸长袍，优雅的褶皱向下飘逸，与树叶融为一体，在视觉上将主体与周围环境联系起来。她沉浸在白日梦中，目光从观众身上移开，转向一些看不见的或只有她感知到的东西。年轻优雅的女子躲在树枝环绕的隐身处，增加了画面的神秘感。这里光线较暗，但她的肩膀周围有光亮，浅蓝色的隔层对比深绿色的背景，表明现在是白天。 John Everett Millais 米莱斯 1829～1896（英国） 　　拉斐尔前派的三个创始人中年龄最小、才华最高的一位（其它两位是亨特与布朗）。 《洛伦佐和伊莎贝拉》Lorenzo and Isabella 1849（伦敦美术公会） 　　英国诗人济慈根据薄伽丘《十日谈》里的一个故事，创作了诗歌《伊莎贝拉》，而画家米莱斯根据济慈的诗歌，创作了这幅油画。　　《洛伦佐和伊莎贝拉》描绘的是中世纪一个非常凄美的爱情故事，富有商人的妹妹伊莎贝拉爱上了她哥哥们的雇员洛伦佐，她的几个哥哥意识到了他俩的恋情，决定杀死洛伦佐，以便把妹妹嫁给一位富有的贵族。右侧身着灰色长裙的伊莎贝拉，从洛伦佐手里接过血橙，被切开的血橙预示着洛伦佐即将被杀死。伊莎贝拉的一个哥哥在生气地踢狗，另外两个哥哥斜眼看着这对恋人，心里在谋划暗杀行动。后来，伊莎贝拉找到了洛伦佐的尸体，割下他的头颅，并带回来放入花盆里，于是花盆里长出一朵美丽的花。 《木匠工作室》The Carpenters’s House 1849-50（伦敦泰特美术馆） 　　这幅《木匠工作室》又名《基督在父母家》Christ in the House of His Parents 这幅画描绘了耶稣在木匠工作室里帮助父亲约瑟夫，约瑟夫正在制作一扇门，门平放在工作台上。耶稣的手被钉子刺伤了，象征“圣痕”，也预示着耶稣将被钉十字架上。一些血滴到了他的脚上。当祖母安妮用钳子拔掉钉子后，有些担心的母亲玛利亚过去安慰他，她把脸贴过去让耶稣亲吻。一个小男孩、后来的施洗者约翰，带来一盆水来清洗伤口，预示着后来他给耶稣施洗。油画左边约瑟夫的助手、代表耶稣后来的门徒，目睹了所发生的一切。 在画的背景中，有很多神学上有象征意义的东西。后墙有一个梯子，代表雅各的天梯；梯子上有只鸽子，代表圣灵；其它木工工具均指圣“三位一体”；透过门，可以看见羊圈里有很多羊，代表未来基督教的信徒。　　1850年拉斐尔前派举行第二次画展，米莱斯展出了这幅《基督在父母家》，受到最为猛烈的攻击。连狄更斯这样的大作家都出来指责米莱斯：“你就甘心从自己的脑子里排除拉斐尔以后的一切理性、一切虔诚的渴望、一切崇高的理想、一切仁慈、严肃、高贵、神圣、文雅或美的综合概念，代之以充其量是厌恶、排斥和抵制的感情？”　　这幅画为什么会引起抨击呢? 就是因为米莱斯将神圣家庭画成一个普通的木匠家庭。人们指责他运用这么低级简陋的方式来表现神圣家庭这样的主题，简直是讨厌透顶! 把圣家族与极普通的木匠铺子的一切真实细节联系起来，在当时是不可接受的。狄更斯哀叹玛丽亚的脸看上去好似一个卑劣透顶的法国餐馆里的歌舞女招待，或英国下等酒吧的侍女。这些指责正是体现了画家的现实主义创作方法，在这幅画中所有人物都是依据现实中真人画的。拉斐尔前派有个原则，那就是“当你发现了一个能够充分体现出画家要表现主题思想的模特儿时，就真实地把模特儿丝毫不差地画下来”。米莱斯花了很多时间去搜集绘画中人物形象，据说约瑟夫就是根据一位真木匠画出来的，而木匠的头是依自己父亲形象画的，挤在门外的绵羊是从屠夫那里借来的，所以羊毛画得逼真，为求真实，画面环境是依自己的父母家画的。 《玛丽安娜》Mariana 1851（伦敦泰特美术馆） 　　莎士比亚戏剧《一报还一报》中，玛丽安娜是一位即将结婚的女人，但她的嫁妆因海难而丢掉，未婚夫安杰洛因此拒绝娶她。她在一座有护城河的房子里，过着孤独的生活。5年后，安杰洛中计，不得不与玛丽安娜结婚。　　诗人丁尼生写了诗歌《玛丽安娜》，米莱斯以丁尼生的诗为创作的基础，他想让熟悉丁尼生诗歌的观众通过这幅画来阅读整首诗。　　这幅画描绘了一个穿着蓝色长裙的女人，正从摆在她面前的刺绣中站起来，伸展她的背部。她身后是软垫凳子，身前的桌子放在一扇带有彩色玻璃的哥特式窗户前，透过窗户可以看到花园里的树叶，从绿色变成秋天的棕色。一些叶子落在了刺绣上，更多的树叶落在有一只小老鼠的光秃秃的地板上。背景中窗帘旁的一个铺着白布的小桌上有一个三联画、银制盒子、蜡烛台，作为虔诚的祭坛。　　这幅画充满了细节，可以帮助观众了解丁尼生的诗歌。秋天的落叶说明这是一个关于等待和时间流逝的故事。玛丽安娜弓起的背部让人觉得她坐得太久了，需要伸展一下身体。桌子上已完成的刺绣，让人知道她花了很长时间来完成这件作品。背景中的祭坛说明玛丽安娜不断对圣母玛丽亚祈祷。窗户上的彩色玻璃展示了天使加百利对圣母玛丽亚的“天使报喜”场景，预示着玛丽安娜的愿望最终会实现。这幅画的许多细节都与丁尼生的诗有关，比如地上那只老鼠。 《奥菲利亚》Ophelia 1851-52（伦敦泰特美术馆） 　　《奥菲利娅》取材于莎士比亚的《哈姆雷特》：丹麦王的弟弟克劳狄斯为谋取王位与王后通奸，用毒药毒死国王，国王的阴魂向儿子哈姆雷特诉说自己被害真相。帮助谋害国王的御前大臣有一子一女，女儿奥菲利娅爱哈姆雷特，也很受哈姆雷特喜爱，却受到御前大臣万般阻拦，他效忠于新国王。哈姆雷特假装疯癫，奥菲利亚信以为真，爱情遭受打击。后来哈姆雷特无意中刺死了奥菲利亚的父亲，女儿闻讯后疯了，整天唱着古怪的歌到处游荡，尔后不幸落水淹死。米莱斯选择了奥菲利娅编的花圈，刚要挂上树枝而跃落水中的情节。 莎士比亚的原文是这样描写的：“她的衣服四散展开，使她暂时像人鱼一样漂浮在水上，她嘴里还断断续续地唱着古老的歌谣，好像一点不感觉到处境险恶，又好像她本来就是生长在水中一般。” 米莱斯选择了悲剧中唯一的一段平静、超脱的情节。画家在此表现了人间最美丽的景色。那些布满在水边的小花，仿佛使人闻到她散发出芳香的气息，溪水在静静地应着奥菲利娅歌唱；她终于摆脱了这罪恶深重的尘世，漂向无忧的净境。画面上没有悲剧气氛，为了描绘自然环境，画家多次实地写生。为了画出奥菲利娅在水中的效果，他让模特儿躺在装满水的浴缸中。画家以其精湛写实技巧和神奇的画境，震惊了当时的英国画坛和观众。 《姐妹》Sister1868（私人收藏） 　　《姐妹》是米莱斯对1868年皇家艺术学院展览的主要贡献，在这次展览中，新生的唯美主义运动巩固了其在伦敦艺术界的地位。画中，米莱斯的三个女儿穿着相配的白色连衣裙，背景是盛开的花园树叶。 《西北通道》The North-West Passage 1874（伦敦泰特美术馆） 　　西北航道是一条途径加拿大北极圈、环绕北美的危险航线，几个世纪以来，欧洲探险家们试图利用它作为通往亚洲的贸易路线。这条航线与失败、逆境和死亡联系在一起，船只和船员在冰冻的荒野中与绝望的困境作斗争。米莱斯在英国探险队出发时，画了这幅画。他通过老海员严峻的表情，暗示了这次航行的风险。他的女儿在旁边，正在读一本航海日志。 Sir Edward Coley Burne-Jones 伯恩·琼斯 1833～1898（英国） 　　爱德华·伯恩·琼斯爵士是英国画家、图书插图家、彩色玻璃和马赛克设计师。他出生于伯明翰，就读于牛津大学。在完成大学学业前，受到英国拉斐尔前派画家和诗人罗塞蒂的影响，伯恩·琼斯将全部注意力转向艺术。他的作品是当时统治英格兰的浪漫主义流派的代表。他画水彩和油画。他的作品有《金色台阶》1880、《大海深处》1886，以及《野玫瑰》1890。 《礼赞维纳斯》Laus Veneris 1869（纽卡斯尔莱英美术馆） 　　主题源自一个德国故事：唐豪瑟的的传奇。有许多关于唐豪瑟的作品，最有名的是瓦格纳的歌剧《唐豪瑟》。19世纪末，这个故事在英国流行，出现了诗歌和绘画作品。 据传说，年轻的骑士唐豪瑟爱上了维纳斯，并与她一起生活在她的地下庄园，直到他对自己的放纵感到悔恨。唐豪瑟逃离了维纳斯的束缚，前往罗马询问教皇是否可以赦免他的罪孽。教皇宣称这是不可能的，就像他的权杖不可能开花一样。唐豪瑟只得离开。三天后，教皇的手杖开满了鲜花，但教皇派出的人找不到唐豪瑟，这位骑士从未得知发生的奇迹，并在诅咒中度过了他的一生。 这幅画描绘的是唐豪瑟走后，维纳斯怀着悲伤的情绪患上了相思病，她慵懒地坐着，身着华丽的火焰色长袍，膝上有个金色王冠... 她悲伤而苍白的表情与她的华丽、辉煌的外表形成鲜明的对比。维纳斯身前有四位少女，正准备演奏音乐，让她高兴起来。 “宫殿”里挂着精美的挂毯，上面绣着古代的故事：维纳斯坐在马车上，丘比特在前面张弓搭箭，许多少年追逐着她。背景墙左上角是“塞壬”女妖。透过窗户，可以看到外面有五名骑士停下来，对这一场景感到好奇；对于里面的女人来讲，他们不过是俘虏。 《礼赞维纳斯》是伯恩·琼斯最著名的一幅作品，也是他最成功之作。它的华丽的色彩、梦幻般的优美以及闪光的画面效果，使它成为画展中最引人注目的作品。 《诱骗梅林》The Beguiling of Merlin 1874（利物浦利斐夫人美术馆） 　　这幅画描绘了“亚瑟王”传说中的两个人物梅林和湖仙女。 梅林是一位精深的魔法师，辅佐亚瑟王登上王位。之后，梅林依旧尽心尽力地辅佐他，后来梅林消失了。传说梅林因为爱上了湖之仙女中的一位Nimue怡妙（也有说是Vivienne），而离开亚瑟王。此时梅林已是老人，但用魔法以年轻人的面貌出现在仙女面前。然而怡妙并没有被他打动，直到梅林答应把自己会的全部本领教给她。等怡妙学会法术后，借机逼他发誓：“不得对自身使用法术”，然后和他一起旅行。途中仙女想方设法摆脱梅林，但梅林始终痴心追随，最终不胜其扰的仙女骗梅林表演穿石魔术，趁他进入石头时将石头封印。梅林其实早就知道自己的命运，但他不愿与命运抗争，明知这个结果还教授魔法给仙女。最后他信守誓言，没有对自己使用法术，就这样永远地被困在岩石中。 《维纳斯的镜子》The Mirror of Venus 1875（里斯本古伯金汉博物馆） 　　这是一幅与任何文学无关的公认唯美作品，被认为来自波提切利或达芬奇的影响。　　十名女性，通常被认为是维纳斯和她的侍从，梦幻般地聚集在一片奇怪的贫瘠的风景前，她们围着一个像镜子一样的水塘，观看自己的倒影。这里的风景无法与她们的美丽相媲美。我们能够看到大部分她们在水中影子的反射，近景中开花的草坪盖住了她们倒影的头部。不过，并非所有人都在“照镜子”，维纳斯旁边的女孩凝视的不是自己在水中的影子，而是维纳斯。 《院长的故事》The Prioress’s Tale 1865-1898（特拉华州艺术博物馆） 　　作品源自乔叟的《坎特伯雷故事》中的一个故事：一个七岁的男孩与守寡的母亲生活在一个亚洲城市（指中东，在伊斯兰教创立前，那里是基督教的地盘），男孩崇拜圣母玛丽亚并学会了一首歌颂玛丽亚的赞美诗。当他一边唱，一边经过一个犹太人聚居区时，被犹太人谋杀。他被割喉、尸体扔到坑里。圣母玛丽亚显灵了，她把一粒玉米粒放入他的口中，使他奇迹般地继续唱歌，人们听到他的歌声赶来，发现了他的尸体，并惩罚了凶手。他的遗体被安放在教堂的祭坛上，修道院长恳求他透露如何继续唱赞美诗，男孩讲出了圣母显灵的事，并告诉大家：当玉米粒被从口中移出，圣母将会到来并接走他的灵魂。于是大家照做（取出玉米粒），给他举行了烈士般的葬礼。　　画面中，白百合象征纯洁、罂粟象征安慰、向日葵象征崇拜、桂竹香象征逆境中的忠诚。这幅作品再次表达了伯恩·琼斯的宗教热情。 《三王朝拜》The Adoration of the Magi 1904（奥赛美术馆） 　　东方三博士在伯利恒城中一个旧房子中找到出生不久的耶稣，并高高兴兴的送上预备好给王的礼物；他们原本要依约回去见希律王，但在梦中被天使提醒，所以他们没有回去见残暴的希律王，而改走别的路回东方。