意大利之旅—罗马之行(三)

行万里路

意大利之旅—罗马之行(一)

5/26/2023

续上篇意大利之旅—罗马之行（二）

意大利之旅—罗马之行(四)

我们一边品味着甜而不腻的水果冰淇淋，一边缓步走向博物馆。游客们按预定时间在门前等待入场，晴朗的天空下，古老的建筑与高耸的石松相映成趣，构成一幅迷人的画面，使等待也变得惬意。

石松之于罗马，如同梧桐之于法国，是这座城市的象征。它挺拔的树干与伞状的树冠静谧而优雅，透着罗马帝国的古老韵味与厚重气息。

如果说梵蒂冈圣彼得大教堂是一座集辉煌的建筑和灿烂的艺术于一体的伟大的艺术殿堂，那么梵蒂冈博物馆就是一幅令人叹为观止的艺术和历史的壮丽画卷，它将几个世纪以来人类非凡的想象力和创造力与信仰完美地融合在一起。

梵蒂冈博物馆收藏了来自世界各地一些最重要的文物和艺术作品。这些藏品无论是从数量上还是质量上都是世界一流的，它们是历代教皇和教会在几个世纪中积累下来的，包括从古罗马到文艺复兴时期的杰出雕塑、绘画和装饰艺术品。它里面有12个展馆、5个艺术长廊，和著名的西斯廷教堂。

☝️从圣彼得大教堂顶上腑瞰梵蒂冈博物馆

梵蒂冈博物馆独特的创建和发展历史与教皇有很密切的关联，收藏品主要来自罗马天主教会和教皇的收藏。最早的文物来源于16 世纪前历任教皇个人收藏的雕塑和艺术品。教皇尼古拉五世是教会中最有艺术品味的教皇之一。任教皇期间，他把梵蒂冈搞得像缪斯的宫廷。在其任职的第一年，即 1447 年，让修士画家安杰利科为自己的私人礼拜堂三面墙上绘制关于圣人斯蒂文和劳伦斯的生活场景的壁画。美篇意大利之旅—佛罗伦萨(四)中详细介绍了安杰利科。这里的壁画与安杰利科在佛罗伦萨的圣马可修道院的画作风格上明显不同。为了讲故事，修士使用了丰富的细节、色彩和人物来描绘情节，壁画中的人物具有“罗马”外观：像古代英雄一样的庄严执著，背景是古罗马的建筑，暗示教皇希望维持帝国罗马和基督教罗马之间的连续性。壁画让尼古拉礼拜堂焕然一新，并且开辟了未来梵蒂冈博物馆的先河。

斯蒂芬和劳伦斯是两位有着显赫人生的圣人。圣人斯蒂芬是耶路撒冷早期教堂的执事，因坚信基督教而激怒了犹太教派，被石头砸死。作为基督教的第一位殉道者，斯蒂芬经常被描绘成拿着一本书和一片棕榈叶。而圣劳伦斯的一生则充满传奇色彩。在被任命为罗马教会的总执事后，负责管理教会的财产和照顾穷人的工作。当罗马当局命令他交出教会的财物时，他请求三天的时间来收集。然而，在这三天内，他将所有财物分发给了穷人，还带着一众穷人站在执政官面前，说：“这些，才是教会真正的财富。”这一行为激怒了罗马当局，随即判处他死刑。他被绑在铁架上，炽热的炭火慢慢烤着他的躯体。据传，他在酷刑中很冷静，甚至幽默地对刽子手说：“这一面烤好了，可以翻面了！”最终，他在烈火中殉道，并被尊为殉道圣人。

注：尼古拉礼拜堂位于博物馆专属区域，一般不对外开放。下面的图片来自网络。半月形里画的是副主教斯蒂文的生活场景，下面是圣人劳伦斯的生活场景。

博物馆早期的收藏品大多具有浓厚的宗教意义，其中有些是战利品或外交礼物。因为当时还没有博物馆的概念，所以这些藏品分散在教皇自己的教堂和宫殿内。

教皇西克斯图斯四世Pope Sixtus IV在15 世纪末建造的西斯廷教堂更是梵蒂冈博物馆这顶皇冠上最耀眼的一颗明珠。他委托文艺复兴时期的重要艺术家如波提切利和佩鲁吉诺为西斯廷教堂的墙壁绘制壁画。

文艺复兴开始的16世纪初，雄心勃勃的教皇尤利乌斯二世Pope Julius II视自己为新的凯撒，致力于复兴罗马帝国的辉煌和提升教皇的声望。而收藏古典艺术雕塑是体现教皇和教会影响力的一种方式。为了让罗马成为意大利乃至欧洲的文化艺术中心，他把自己收藏的古典雕塑搬到雕像庭院，即后来的Cortile Ottagono八角庭院。随后，又购置了一些当时著名的古典雕塑，为了系统地收藏古代文物，他让人建立了“美景宫花园”。教皇最重要的收藏是1506 年在罗马提图斯浴场遗址中发现的《拉奥孔和他的儿子们》大理石雕塑群，这是公元一世纪的罗马复制品，由罗得岛雕塑家阿格桑德罗、波利多罗和阿特诺多罗依照公元前二世纪的希腊青铜群雕用大理石制作。

雕像被挖掘岀来时，拉奥孔没有右臂、两个儿子都缺右手，这让艺术鉴定家们对缺失的部分到底长什么样争论不休。米开朗琪罗认为拉奥孔的右臂是往后弯曲，展现出内心巨大的痛苦，而其他人则认为右臂是伸向天空的，这样更有英雄气概。教宗让拉斐尔组织雕塑家们进行评判。最终右臂伸向天空的猜测胜出，并把新雕刻岀来的缺失部分安装到雕像上。但是1905年，在罗马的一处建筑工地上发现了拉奥孔右下臂，并被重新安装到雕像上。结果正像米开朗琪罗认定的那样：右臂向后弯曲。

教皇尤利乌斯二世在 1508年做的最重要的事是委托米开朗基罗为西斯廷教堂的天花板绘制了描绘《旧约》中的故事和人物的壁画。教皇保罗三世委托米开朗基罗在祭坛后面的西墙上绘制出举世闻名的壁画《最后审判》。

☝️乌菲兹美术馆展出的这个雕塑群是1520 年利奥十世·德·美第奇(伟大的洛伦佐的次子)委托佛罗伦萨雕塑家 Baccio Bandinelli制作的一个复制品。意大利之旅—佛罗伦萨 (二)因为雕塑家当时是参照拉斐尔的判断，所以拉奥孔的右臂是伸向天空的。

18世纪的教皇克莱门特十四世继续扩建博物馆，并添加了与希腊和罗马艺术有关的收藏。梵蒂冈博物馆在 19 世纪和 20 世纪不断发展。在教皇庇护七世统治期间，正式建立了Chiaramonti博物馆，馆内收藏了罗马雕像。20 世纪初，梵蒂冈博物馆增设了格里高利东方博物馆，展出近东和远东的文物。

几个世纪中，教皇们收藏的杰出艺术品和文物为梵蒂冈博物馆成为人类文化和艺术成就的巨大宝库奠定了基础。然而在16世纪，教皇乌利尤斯二世只允许艺术家、贵族和学者进入美景宫，欣赏那里的艺术杰作。这种限制持续到1771 年，根据教皇克莱门特十四世的遗嘱，梵蒂冈博物馆正式向公众开放。普罗大众也有资格进入博物馆欣赏古典艺术品。

今天我们作为普罗大众，怀着敬畏之心走进被厚重的艺术和历史氛围所笼罩的博物馆，轻柔的脚步声、与跨越千年历史的低语对话、以及永恒的精神超越在此融为一体。

梵蒂冈美术馆（Pinacoteca Vaticana）

通过安检后，许多人被指向西斯廷教堂的标识所吸引，而忽视了旁边的美术馆，只有少数人向右转进入画廊。梵蒂冈美术馆位于梵蒂冈博物馆主楼旁边，是欧洲最重要的艺术画廊之一。该美术馆由教皇庇护六世于1932年创办，馆内按时间顺序展出超过460幅珍贵的画作，涵盖了从11世纪早期基督教艺术，到文艺复兴初期乔托的开创性作品，再到拉斐尔和达芬奇的经典之作，以及充满情感震撼的卡拉瓦乔等艺术家的作品。

☝️我们是少数选择右转进入画廊的游客。最令我们印象深刻的是专门为纪念文艺复兴时期艺术家拉斐尔而设立的展厅，馆内陈列了十三件他的杰作。值得注意的是，这个拉斐尔展厅与通往西斯廷教堂的四个拉斐尔房间有所不同。由于它隐匿于一个安静的角落，常常被游客忽视。展厅中不但展示三幅拉斐尔的画作和十幅由他设计的挂毯，而且还为游客提供了一个安静的角落坐下来，仔细品味画家独特的色彩运用、精致的构图、以及那份非凡的艺术天赋。远离人群的喧嚣，这个昏暗、宁静又宽敞的空间，为参观者提供了一个沉浸式的体验，得以与艺术家及其作品进行深入的对话。

☝️1515年，教皇利奥十世委托拉斐尔为一套挂毯创作十幅全尺寸彩色漫画，并希望由比利时布鲁塞尔的一家著名佛兰芒挂毯制作商根据这十幅漫画制作挂毯。这些挂毯描绘了基督教会创始人圣彼得和圣保罗的重要生平故事。

当教皇利奥十世去世时，十幅挂毯已经运抵罗马。然而，奇怪的是，挂毯运抵后，这些漫画原作神秘失踪，直到17世纪初，其中七幅突然在热那亚现身，随后被英国威尔士亲王购买，并于1623年带回英国。从1865年起，这七幅拉斐尔创作的漫画便永久地借展于伦敦的维多利亚与阿尔伯特博物馆。

☝️St Paul Preaching at Athens 圣保罗在雅典布道

圣保罗站在雅典的集市上布道，主题是灵魂不朽。这也是教皇利奥十世非常关注的话题，他在1513年末发布的教皇诏书《使徒统治》中正式阐明了这一教义，并将其确立为官方教会教义。保罗举起双臂宣讲，听众是异教徒或市议员，其表情从惊讶到深思和怀疑跃然于画中，保罗身后戴着红帽子的是教皇利奥十世。画面左上角有一个身披金甲手持长矛的战神。保罗宣教的目的是让异教徒皈依基督教。

☝️Christ's Charge to St Peter 基督对圣彼得的嘱咐

在凯撒利亚腓立比，基督对彼得说：“我要把天国的钥匙交给你” (马太福音 16:19)。基督复活后，显现在众门徒面前时，三次嘱咐彼得说：“喂养我的羊”（约翰福音 21:15-17)。这两段经文是教皇权威最重要的圣经依据。

凯撒利亚腓立比是位于现今以色列东北部、靠近黑门山脚的古城。最初为腓尼基人的定居点，后来由大希律王的儿子腓力四世重新命名，并在公元1世纪进行扩建和修缮，最终将其献给罗马皇帝提比略，因此得名“凯撒利亚腓立比”。

这座城市因其与新约的联系而闻名，特别是在马太福音中，耶稣问门徒：“人们说人子是谁？”彼得回答：“你是弥赛亚，永生神的儿子。”这一事件被视为承认耶稣神圣身份的关键时刻。

☝️The Stoning of St Stephen 圣斯蒂文被石头砸死

圣斯蒂文是使徒任命的七位首批执事之一，负责向穷人分发施舍物资。他被诬陷亵渎神明，在为自己辩护时，他斥责了指控者。此时，耶稣和天父显现给他。最终，圣斯蒂文被石头砸死，成为殉道者。扫罗（后来的保罗）是其中一位目击者，他看守着行刑者的衣服。

☝️St Peter and the Healing of the Lame Man

圣彼得治愈瘸子

在耶路撒冷圣殿的美门(Porta Speciosa)附近聚集了许多人。圣彼得在圣殿中间治愈了一名瘸子，而年轻的圣约翰则站在一旁观看。

☝️St Peter and the Death of Ananias 圣彼得与亚拿尼亚之死

使徒们劝说富人们卖掉土地和财产，将其所得分给穷人。然而，其中一位富人亚拿尼亚私下保留了部分卖地所得。彼得斥责亚拿尼亚的贪婪与欺骗，富人当场被打倒在地。画的左边描绘了使徒们在分发施舍物，右边是亚拿尼亚的妻子在数钱。这听上去怎么有点像现代版的打土豪分田地呢？

挂毯是一种由羊毛、丝绸、银线和金线制成的装饰性织物。由于其独特的材料，挂毯的图案因金属和织物的光泽而呈现出丰富的质感。挂毯的制作者极为抢手，在许多情况下，他们的收入甚至超过了画家本人。除了作为美丽的装饰品外，挂毯还有实用功能。在中世纪，这些挂毯常被用来装饰古城堡的石墙内壁。挂在墙上的挂毯能够有效地吸收热量，从而帮助房间保持温暖。

比利时毛毯制造商精湛的制作工艺把拉斐尔的杰出画作在毛毯上栩栩如生地展现出来。

👇黑暗中的拉斐尔的三幅著名画作无疑是展厅三颗耀眼的明珠。

拉斐尔于1483年出生于乌尔比诺，父亲是乌尔比诺公爵的宫廷画家。从小生活在诗人和艺术家活跃的环境中，拉斐尔早早受到了艺术氛围的熏陶。尽管父亲在他年仅11岁时去世，但是凭借父亲的关系，拉斐尔成为了著名画家皮埃特罗·佩鲁吉诺的学徒。佩鲁吉诺是当时最顶尖的艺术家之一，曾为教皇西克斯图斯完成西斯廷教堂的壁画。在佩鲁吉诺的指导下，年轻的拉斐尔不仅精通了绘画技艺，还学会了如何管理一个大规模的画室。随后，他在佛罗伦萨寻求更多发展机会时，恰逢米开朗基罗和列奥纳多·达·芬奇也在那里从事艺术创作，他们的艺术成就与创作理念对拉斐尔的艺术成长产生了深远的影响。

☝️Coronation of the Virgin 圣母加冕

前往佛罗伦萨之前的一年，拉斐尔完成了《圣母加冕》。这幅画是他在佩鲁吉诺指导下完成的第一幅有文献记载的作品。《圣母加冕》描绘的是圣母在去世并升天后的场景，通常这种绘画分为三个部分：圣母的死亡场面、升天，以及在天堂中坐在儿子基督旁边，由儿子象征性地加冕为神圣女王。而这幅画则分为两部分：天上和地上。后者描绘了使徒们惊讶地围在圣母空空的墓棺旁边，花朵奇迹般地从空的墓棺中绽放出来。地面上部分阴影表明光线来自右侧，而天上则没有阴影。拉斐尔在画面中巧妙地安排众多人物，但又不显得过于拥挤。角度倾斜的石棺赋予了画面动态感和深度。下半部分和上半部分的服装都使用了不同色度的红色。圣母披着用从青金石中提炼出的最昂贵的蓝色染成的布料做的裙袍。青金石是画作中专用于最重要人物。尽管师从佩鲁吉诺，但是拉斐尔画的人物姿势更加多样，从而增加了一点动感。例如，他笔下的人物不是笔直站立的，而是向后或向前倾斜，或者稍微扭动。

☝️ Madonna del Foligno 福利尼奥圣母

当米开朗基罗开始为西斯廷教堂绘制天顶壁画时，拉斐尔也搬到了罗马。他那优雅迷人的外表、温和谦逊的性格，使他深受赞助人和罗马上层精英的喜爱。这使得他获得了教皇尤利乌斯二世及其继任者教皇利奥十世的宠信。

西吉斯蒙多·德·孔蒂是教皇尤利乌斯二世的秘书。在他家被雷电击中后，整个家庭安然无恙。为了感谢圣母玛利亚的代祷拯救了他的家人，孔蒂委托拉斐尔创作这幅圣母画。拉斐尔将孔蒂描绘为身着红衣，跪在草地上，圣杰罗姆左手轻轻地抚摸着他的头，右手指向画面中的小天使。施洗者圣约翰站在左侧，手指向天空，而圣方济各则左手拿着小十字架，仰望天空跪在一旁。

这幅画充满了神秘的氛围。在云雾中若隐若现的小天使围绕着圣母和圣子。福利尼奥是一个小村镇，画面中央是远处的村庄，周围是郁郁葱葱的乡村景色。一道金色的光弧环绕着小镇，而一道炽烈的光芒从天而降，射向一座房屋。不祥的黑暗笼罩着村庄。云端上的圣母周围被太阳般的光环围绕，她的双脚轻踏在漂浮的云朵上。一个天使宝宝站在草地上，手中拿着一块空白的石板，准备铭刻文字。

☝️Transfiguration 变容

《变容》是拉斐尔最后一幅未完成的画作，它描绘的是《新约圣经》中的耶酥变容故事（Transfiguration of Christ)。故事中的耶稣带领彼得、雅各和约翰登上山，在山上他突然变容，面容焕发光辉，身旁出现了摩西和以利亚，与耶稣对话。此时，天上的声音说：“这是我的爱子，我所喜悦的，你们要听他。”下方则是耶稣治愈一个被鬼附身的男孩的场景。详细介绍请见意大利之旅—罗马之行（二）

《变容》被认为是拉斐尔艺术生涯的巅峰之作之一，融合了他在佛罗伦萨和罗马时期积累的绘画经验，展现了他在人物表现、情感表达和构图方面的卓越造诣。通过巧妙的光线变化，拉斐尔突出了耶稣的神圣气质，同时运用暗部和冷色调增强了下半部分场景的紧张感。上半部分的神圣光辉与下半部分的戏剧性冲突，充分体现了拉斐尔的宗教情感和艺术技巧。拉斐尔将天上的神秘变容与人间的苦难巧妙结合，创造出一幅视觉与情感上震撼人心的宗教画作。此画不仅成为文艺复兴时期艺术的标志之一，也展示了拉斐尔无与伦比的艺术才华。

拉斐尔的同代人、画家兼艺术历史作家乔治奥·瓦萨里称这幅画是“最著名、最美丽、最神圣的”，他曾写道：“Seeing his body dead, and his work so alive, it felt as if our heart would break in two.” 看到他的身体逝去，而他的作品却如此鲜活，我们的心都碎了。

虽然本厅只展示了三幅拉斐尔的作品——从二十岁时的早期画作到三十七岁时未完成的最后杰作，但是它们集中体现了画家独特的绘画风格与卓越技艺。

☝️Coronation of the Virgin (Madonna of Monteluce) 圣母加冕（蒙特卢斯圣母）

画廊中的这幅画呈现出拉斐尔的风格，但并非他的作品，而是他的两位助手所绘。1505年，蒙特卢斯修道院的修女们委托拉斐尔创作圣母加冕图。拉斐尔于1520年去世时，只完成了一部分草图。1523年，拉斐尔的助手朱利奥·罗马诺和乔凡·弗朗西斯科·佩尼受邀继续绘制这幅祭坛画，并于1525年完成。这幅画由两部分分别绘制后组合而成：上半部分是朱利奥·罗马诺根据拉斐尔的素描完成的圣母加冕，下面部分则是乔凡·弗朗西斯科·佩尼绘制的使徒们围绕着一个长满鲜花的圣母空墓棺的场景。

☝️Antonio and Bartolomeo Vivarini, Altarpiece of St. Anthony Abbot 安东尼奥和巴托洛梅奥·维瓦里尼，圣安东尼艾伯特祭坛画

这幅作品是意大利文艺复兴时期画家安东尼奥·维瓦里尼（Antonio Vivarini）和巴托洛梅奥·维瓦里尼（Bartolomeo Vivarini）合作创作的多联板画，采用蛋彩技法。作品体现了文艺复兴早期威尼斯画派的艺术风格，以及这一时期宗教艺术的特色。十块相连的金色板面构成了一个大尺寸的祭坛画，形状像似一扇精美顶饰的哥特式窗户。背景和装饰细节营造出一种神圣而庄重的宗教氛围。

多联板画最初是为威尼斯的圣安东尼的修道院（Monastery of St. Anthony）而创作的。画面主题是基督教圣人圣安东尼的生平和事迹，尤其是他传播基督教教义和治愈病人。圣安东尼是一位重要的修道士和医者，他的形象在文艺复兴时期的宗教画中频繁出现。

在上排中间是悲伤者(the Man of Sorrow, 即耶酥基督)，圣彼得和圣保罗站在两侧。最左边是圣杰罗姆(红衣主教的服装、书籍、教堂模型)，最右边是图卢兹的圣路易，他是安茹王朝时期的那不勒斯王子和天主教主教。下排中间是圣安东尼奥，他穿着修道服，手持十字架，面容慈祥，传达出他深厚的虔诚与慈爱。圣安东尼奥的两侧是圣克里斯托弗(紧靠左侧，肩上扛着圣婴，正在渡过一条小溪)和三位身着文艺复兴时期绅士服装的年轻圣徒。最左边的圣人一手拿箭，一手握剑；最右边的圣人的手中有一把剑和两个苹果。

画中的主要人物是圣安东尼(Sant’Antonio Abate)，他是基督教中备受尊崇的圣徒。圣安东尼奥常被描绘成隐士或修道士，象征智慧和禁欲。

☝️St Jerome in the Wilderness 荒野中的圣杰罗姆

Leonardo da Vinci，列奥纳多·达·芬奇

《荒野中的圣杰罗姆》是达芬奇留在罗马的唯一画作，一幅神秘的未完成作品。至今这幅画的用途和委托人几乎无从考证。众所周知，达芬奇因为其思维活动超越常人，创意源源不断，难以满足常规的工作节奏，所以他留下一些未完成的委托作品。1807年，瑞士新古典主义画家安吉丽卡·考夫曼首次在遗嘱中提到过这幅画。考夫曼去世后，这幅神秘画作再次失踪，一直到20年后，被拿破仑的叔叔约瑟夫·费施枢机主教发现。这幅画被发现时是分为上下两部分。下半部分是在一家二手商店发现的，当时它被用作一个盒子的盖子。上半部分则在一位鞋匠那里找到，上面画着圣杰罗姆的头像，鞋匠将其用作凳子的罩子。拿破仑的叔叔去世后，这幅画被拍卖并经历了多次易手。最终，它于1856年被教皇庇护九世购得，经过修复后的画作被纳入梵蒂冈博物馆收藏。

这幅绘制在胡桃木板上的画可能创作于1480年代，画中描绘的是圣杰罗姆，他因对上帝极其虔诚，而在叙利亚沙漠中苦行多年。他的形象通常显得憔悴，这幅素描亦是如此。他的面容苍老、秃顶，仿佛一生经历了无尽的痛苦。画中的他坐在一块石头上，脚边是一只狮子。他手中紧握着一块石头，准备用它来敲打自己的胸膛，作为自我惩罚的象征。意大利之旅—罗马之行(二）圣彼得大教堂有同样的一幅用马赛克拼成的复制品。

☝️Madonna and Child with Saints 圣母子与圣徒 提香创作于1535年

提香是文艺复兴时期威尼斯画派最伟大、最具影响力的画家之一，他的作品以华丽鲜艳的色彩和充满表现力的画法著称。这幅油画是提香成熟时期的杰作，现藏于梵蒂冈博物馆。画中的圣母玛利亚怀抱着圣婴基督，周围环绕着轻盈的云彩和小天使。画面的下方是圣凯瑟琳、圣尼古拉斯、圣彼得、圣安东尼、圣弗朗西斯和圣塞巴斯蒂安等圣徒，他们虔诚地凝视着这一神圣场景。画中左侧几乎赤裸的圣塞巴斯蒂安被箭射穿，象征着未遂的处决。这幅画最初是由威尼斯圣尼古拉斯教堂委托创作的，后来于18世纪70年代被送往罗马梵蒂冈博物馆。

☝️ 第四展室一面墙上的壁画Sixtus IV Appointing Platina as Prefect of the Vatican Library《西克斯图斯四世任命普拉蒂纳为梵蒂冈图书馆馆长》

教皇西克斯图斯四世于1475年创立了梵蒂冈图书馆。两年后，他邀请意大利文艺复兴时期的画家梅洛佐·达·弗利为图书馆绘制这幅壁画。画家在画布上描绘了教皇任命人文主义者巴托洛梅奥·普拉蒂为图书馆首任馆长的场景。最初，这幅壁画是图书馆的主要装饰，后来被移至博物馆展出。

画中的教皇身着红袍坐在右边的宝座上，面对跪在中间接受任职的普拉蒂。普拉蒂用右手的食指指向他撰写的铭文，铭文赞扬了西克斯图斯四世在罗马城的成就。教皇的侄子和外甥—两位红衣主教，朱利亚诺·德拉·罗韦雷站在教皇前面，拉斐尔·里亚里奥站在教皇的椅子后面。普拉蒂左边是吉罗拉莫·里亚里奥和朱利亚诺的兄弟乔瓦尼·德拉·罗韦雷。朱利亚诺·德拉·罗韦雷后来成为教皇乌利尤斯二世。画中的背景是一座有拱廊和镀金格子天花板的古典建筑。整幅画作显示出庄严的气氛并被认为是梅洛佐最重要的作品。

☝️展室的另一面墙上有14 幅梅洛佐描绘基督升天、使徒和天使音乐家的壁画，它们曾经是罗马旧圣保罗教堂后殿旧装饰的一部分。其中有一幅是梅洛佐·达·弗利于1480绘制的《弹奏鲁特琴的天使》，但是在1777年被损坏了。

☝️美术馆Room 12里收藏有17 世纪的油画。背景中可见的三幅杰作是 Domenico Zampieri 的《圣杰罗姆最后的圣餐》, Caravaggio 卡拉瓦乔的Deposition 耶酥下十字架，以及Guido Reni 的《圣彼得受难记》

展厅中间是Gian Lorenzo Bernini吉安·洛伦佐·贝尼尼为了制做圣彼得大教堂后殿中的“圣彼得之椅”的纪念碑而制作的天使石膏模型。

☝️The Last Communion of St. Jerome 圣杰罗姆最后的圣餐

1611-1614年间，来自意大利博洛尼亚的画家Domenichino受圣杰罗姆慈善会的委托，为位于罗马朱利亚大街的同名教堂创作了这幅油画。《圣杰罗姆圣餐》描绘的是已经九十岁的圣杰罗姆在高耸的罗马大教堂中，在助手和圣保拉的搀扶下，接受最后一次圣餐，天使在天空中盘旋，准备将他离世的灵魂送上天堂。画中的圣杰罗姆身体虚弱，表情安详并且充满了虔诚，体现了他对基督信仰的深深依赖。

圣杰罗姆是公元4-5世纪的神学家，其后半生的34年都处于隐居状态。杰罗姆是用古拉丁语书写基督教著作的多产作家，并且把许多圣经文本从希伯来语、阿拉姆语和希腊语翻译成拉丁语。因此他被认为是基督教历史上著名的神学家和圣经翻译家。

☝️Deposition 耶酥降下十架字

《耶稣降下十字架》是意大利巴洛克画家卡拉瓦乔(Caravaggio)于1602年创作的一幅重要油画。画中描绘了耶酥被从十字架上取下并准备安葬的场景：耶稣的身体在信徒们的帮助下从十字架上卸下，人们在悲痛中准备下葬他的遗体。

卡拉瓦乔突破传统，以一种全新的方式表现了耶稣被葬入坟墓的情景。他聚焦于耶稣在圣母的见证下，被尼哥底母和圣约翰放在用于封闭陵墓的石板上。画面中，圣母、抹大拉的玛利亚、圣约翰、尼哥底母以及克勒奥帕的玛利亚都围绕在周围。克勒奥帕的玛利亚以戏剧性的姿态举起双臂，悲伤的双眼凝视着天空。耶稣的身体呈现出瘦削无力的状态，人物的表情严肃且悲痛，充满了强烈的情感。与传统艺术中的理想化圣人形象不同，卡拉瓦乔所描绘的耶稣和其他人物具有鲜明的现实感，他们看起来像普通人一样充满了生动的情感和真实的生命力。

这幅画作展现了卡拉瓦乔对宗教题材的深刻理解和艺术创新。通过其强烈的情感表现、细致入微的细节和戏剧化的明暗对比，让这幅画不仅是一个宗教作品，更是一幅充满人性和情感张力的艺术杰作，它对巴洛克艺术和后来的西方艺术产生了深远的影响。

☝️Crucifixion Of St. Peter Guido Reni 圣彼得受难图 圭多·雷尼

猛一看还以为这是卡拉瓦乔的作品，但其实这是来自博洛尼亚的画家圭多·雷尼受红衣主教的委托，在1604-1605年间创作的圣彼得受难油画。圣彼得认为自己不配用耶稣相同的方式死去而请求被倒钉在十字架上。雷尼捕捉了这个极度痛苦与虔诚的时刻，同时渲染出强烈的情感氛围。画中的圣彼得被倒立在十字架上，身体因痛苦而扭曲，周围的行刑者正在将十字架钉入彼得的身体。倒钉十字架的圣彼得成为了谦卑与信仰的强大象征。他请求以这种方式死去，展示了他对基督深深的敬意。他脸上的痛苦与姿态象征着他坚定不移的虔诚，而他的死亡不仅是殉道，也是深刻地体现了他坚定的基督教信仰。

雷尼是博洛尼亚画派的代表人物之一，早年确实受到过卡拉瓦乔的影响。1601年，雷尼决定前往罗马寻求机会，在那里他被卡拉瓦乔的艺术风格深深吸引。在这幅画中，雷尼巧妙地运用了明暗对比技法，制造了强烈的光暗对比，从而增强了画面的戏剧性。他通过光线突出圣彼得的痛苦与身体状况，而四周的阴影则增添了一种神秘感与不安感。然而，这一时期对雷尼而言只是短暂的模仿阶段，之后的他逐渐成长为一位成熟的艺术家，并坚定地认为自己的艺术道路与卡拉瓦乔完全不同。他将巴洛克的戏剧性情感与古典形式的清晰与优雅相结合，创造出既充满动感又不失优雅的构图。

☝️Adam And Eve In The Garden Of Eden

亚当和夏娃在伊甸园 (Room 16)

擅长画各种动物的画家Wenzel Peter 于1828 在帆布上绘制了这幅油画。这是梵蒂冈美术馆的收藏中最虔诚的画作之一，画家以极其逼真的方式描绘这些动物，无论是坐着的还是站着的，看起来都如此真实，几乎就像一张照片。

这幅油画描绘了在伊甸园的亚当和夏娃。他们身上都自然地被遮盖起来，以免表现出任何不雅之处。画中有来自世界各地的 200 多种动物，描绘得非常准确。在伊甸园里，所有动物都与人类和谐相处。根据《创世纪》的记载，世界起初的样子应该就是这样的。

☝️Raising of Lazarus 《拉撒路复生》

Giovanni Girolamo Muziano (1532-1592)

《拉撒路复生》描绘了圣经《约翰福音》中耶稣复活拉撒路的故事。这是耶稣的神迹之一。拉撒路是贝坦尼亚的居民，因在死后四天复生而成为耶稣神性力量的象征。这幅画生动地呈现了拉撒路从坟墓中复生的瞬间：耶酥站在拉撒路的墓前，双手举起，正用神的灵性召唤拉撒路复生。拉撒路的身体已经从墓中拖出，他的眼神迷离、身体僵硬，围观的人群表现出惊诧与敬畏的情感，有些人纷纷向耶稣低头，或者伸出手臂来迎接复生的拉撒路，画面展现了这一神奇时刻的神圣与震撼。

Egyptian Gregorian Museum 格里高利埃及博物馆

位于一楼的格里高利埃及博物馆共有九个展室，这些房间原本是前教皇庇护四世的私人公寓。罗马人对埃及的一切都很着迷，从进口埃及艺术品到用古埃及风装饰住宅、神殿、寺庙等均成为一种时尚。教皇格里高利十六世非常热衷于古埃及文明，19世纪初破解古埃及象形文字引发了一股“埃及热”，从而进一步激发了教皇收集埃及文物的热情。1839年，他倡仪把教皇国包括罗马古董市场和私人别墅收藏的所有埃及和“埃及化”文物都集中到一座新博物馆，并任命杰出的古埃及文物专家巴纳比特神父朱塞佩·翁加雷利为首任馆长。

埃及博物馆成立于1839年,里面收藏有许多来自古埃及的雕像、石棺和木乃伊等。其中阿蒙女歌手 Djedmut 的木乃伊和棺材尤其精美，带有浓郁的埃及第22王朝(布巴斯提斯王朝)的黄色木棺风格。古埃及后期的经济危机导致繁冗的墓葬业衰落，但却引发了制作精美棺材的风潮。许多原本从事建造陵墓业务的工人转行去制作这种精美的棺材。他们在棺材上绘制令人惊叹的图像和保护咒语，以祝愿已故的女人在前往辉煌的来世途中一路平安。

许多生活在古埃及时代的贵族妇女都从事唱歌和演奏音乐的活动。这大概也是为什么这些“阿蒙女歌手”的木乃伊都制作的如此精致漂亮。而且这些木乃伊和木棺上的颜色都保持的不错，经过千年后色彩依然鲜亮。据说原因之一是古埃及人善用矿物颜料。比如埃及蓝就是人类历史上第一个最成功合成的蓝色颜料。埃及蓝主要来源是硅酸铜。它会在木头表面结成很稳定的小晶体。矿物颜料比植物颜料更稳定，在低光照和干燥的环境中可以历经千年不褪色。另外，颜料是怕暴晒的，这些木乃伊和木棺长期被埋在沙漠底下，没有光照带来的损害。博物馆里之所以设置很暗的光线，就是避免颜料在光的照射下过快地褪色。

Steles for the God Ptah 献给朴塔神的石碑

朴塔神是古埃及首都孟菲斯的一位创世神。据说他通过思考和语言创造了宇宙。许多埃及国王和平民都向他献祭，祈求他保佑平安、繁荣、和健康。石碑上的朴塔神手持象征权力的权杖进入他的神殿，即孟菲斯的“白墙”。卜塔神被认为是孟菲斯的化身和精神。

位于尼罗河三角洲西岸、距现代开罗以南约 15 英里的孟菲斯是古埃及的首都。它建于公元前 3000 年左右，在古埃及王国时期是众神的圣地，也是国王的故乡和国家行政中心。有趣的是，美国田纳西州的第二大城市、FedEx 总部所在地——孟菲斯，其名字竟来源于古埃及首都孟菲斯。与古埃及的孟菲斯一样，田纳西州的孟菲斯也坐落于美国的母亲河—密西西比河岸边。

石碑上的象形文字是古埃及历史上两种主要书写体系之一，即圣书体，它属于用来书写正式文本的象形文字系统，起源于约公元前3200年，比现代汉字的起源—甲骨文出现要早得多。古埃及的象形文字字体优美，装饰性很强，常见于神庙、石碑和雕塑上。

埃及馆有一扇大窗户正对松果庭院，站在大窗前，不仅能将美丽的松果庭院一览无余，还能近距离欣赏高约4米的青铜大松果。这座松果铸造于公元1-2世纪，原本用于装饰古罗马的重要古迹。因为自12世纪起，它便被安置在古老的圣彼得大教堂的喷泉池中，所以也被诗人但丁称为“圣彼得大教堂的松果”。后来的教皇决定将其迁移至如今的位置，这座庭院也因此得名为“松果庭院”。原本装饰哈德良皇帝陵墓的两只青铜孔雀被移至这个庭院并伫立于松果两侧，为这一艺术景观增添了更多的魅力。

☝️位于梵蒂冈的松果庭院内的《破碎的地球》是意大利著名当代雕塑家阿纳尔多·波莫多罗（Arnaldo Pomodoro）于1990年创作的一件现代铜雕。作品采用了独特的大球套小球的结构，象征着地球的破碎与不完整。小球在大球内部不断转动，寓意着地球即使面临破碎，仍在继续运转与变动。

与其相同的另一地球铜雕被安置在纽约联合国总部的前面，成为全球环境与和平主题的象征之一。波莫多罗通过这种富有动态感的雕塑形式，探讨了全球性问题、环境危机以及人类对地球的影响，传递出深刻的反思与警示。

Pio-Clementino Museum 庇护-克莱门特博物馆

教皇克莱门特十四世于 1771 年创立这个博物馆，为了提升和收藏重要的古希腊和罗马艺术品，继任教皇庇护六世于 1775 年至 1799 年间对其进行了扩建。所以此博物馆以两位教皇的名字命名。它是梵蒂冈博物馆中规模最大的博物馆，共有 14 个展厅，分为两层，展有公元前三世纪至十九世纪的艺术作品。

进入克莱门特博物馆后，穿过一个大拱门，一座巨大的石棺进入眼帘。这是罗马早期最著名的政治家之一贝尔巴图斯的石棺，其历史可以追溯到公元前 300 年。

继续往前走，看到一个黑暗的房间中央矗立着一尊精美的大理石雕像☝️，窗外的阳光洒落其上，赋予它生命的气息。这尊雕像名为《Apoxyomenos》, 在希腊语中意为“刮刀”, 原作由著名雕塑家Lysippos于公元前320年创作，他也是亚历山大大帝的御用雕塑家。雕像描绘了一位运动员用刮刀去除汗水。这尊雕像曾经消失千年，直到19世纪中叶，它在罗马的一条小巷中被发现。

雕塑的姿势充满了动感，仿佛随时会动起来。从不同角度观看时，它似乎在微微移动，给人一种栩栩如生的美感。无论时光如何流转，这件杰作依旧焕发着恒久的魅力。

☝️离开运动员内阁后，我们拐进一个露天庭院——八角型庭院Cortile Ottagono。

Cortile Ottagono(八角庭院)是梵蒂冈博物馆的重要组成部分，呈八角形，设计优雅，融合了古罗马建筑风格。庭院四周被古典柱廊和雕像所环绕，构成了一幅和谐美丽的画面。回廊的八个内壁龛中陈列着多件著名的古罗马雕塑，其中拉奥孔群像(Laocoön and His Sons)尤为突出，该雕刻生动地再现了特洛伊神话中拉奥孔与其两个儿子被海蛇攻击的悲剧场景。

☝️Apollo Belvedere 望景楼的阿波罗

这座雕塑古希腊的经典之作，与拉奥孔和儿子们的群雕一起被认为是梵蒂冈博物馆的镇馆之宝。这尊雕像描绘的是希腊神话中的太阳神阿波罗，展示了他作为战士所具有神的优雅和力量。它的名字来源于梵蒂冈博物馆的展示地点——“望景楼”（Belvedere），曾经是教皇乌利尤斯二世私人收藏的艺术品的展厅。

这尊雕像的原作大概是创作于公元前4世纪，而现今看到的是为公元前2世纪的罗马时期复制品。雕像中的阿波罗被塑造成一位年轻英俊的神，他神情威严而自信，左手持弓，一支利箭像是刚从弓中射出，他的目光似乎在追逐着箭的飞行轨迹。雕像右侧有一个树桩，树桩上附着着一条蛇。这一优雅的动作和自信的表情，不仅体现了阿波罗的神性与英勇，也展现了古希腊雕塑家在人体比例、动态表现和光影效果上的精湛技艺。

《望景楼的阿波罗》被誉为古典时期最完美的雕塑之一。文艺复兴时期的米开朗基罗，在创作《西斯廷教堂天顶画》时，便深受阿波罗的姿势、表情及肌肉线条的启发。

☝🏼雕塑《凯旋的珀耳修斯》(Perseus Triumphant) 是意大利雕塑家Antonio Canova 于1804至1805年间创作的。它栩栩如生地展现出希腊神话中的英雄珀耳修斯（Perseus）在击败怪物美杜莎（Medusa）后凯旋归来的场景：珀耳修斯手持美杜莎的头颅和一把短剑，表情显得坚定平静，充满力量的雄姿显示出胜利和英勇的气概。

☝️站在珀耳修斯雕像两侧的是安东尼奥·卡诺瓦根据希腊旅行家保萨尼亚斯的《希腊描述》中的记载而创作的两位拳击手雕像。故事讲述了两位希腊运动员——克雷加斯和达莫克塞诺斯在尼米亚运动会上进行拳击比赛时发生的悲剧：克雷加斯和达莫克塞诺斯是实力相当的优秀拳击手，他们激烈搏斗了数小时后仍未分出胜负，最终同意在无人干预的情况下继续对打。结果，达莫克塞诺斯击中了克雷加斯的侧腹，造成严重内伤，克雷加斯因此死亡。达莫克塞诺斯因攻击对手导致其死亡，而被取消了比赛资格，克雷加斯则被宣布为获胜者。这两尊雕像都可以追溯到公元前3世纪。

☝️左侧的雕像名为《拳击手克雷加斯》（Statue of the Boxer Creugas），它表现了克雷加斯赛后疲惫不堪的形象。与许多古希腊理想化的英雄雕像不同，这座雕像真实地刻画了克雷加斯身上的伤痕，包括他脸部和身体上因激烈搏斗所留下的创伤，展现了运动员在经历痛苦时依然保持坚韧不屈的精神。这些细致的创伤描绘不仅体现了古希腊雕塑家对真实情感的探求，还展现了他们对人体自然状态的精准观察。

两尊雕像都摆出战斗姿势，互相对视。人物的肌肉线条刻画得非常精细。

☝️Venus Felix (Venus and her Son Cupid) 维纳斯和儿子丘比特

位于八角庭内的大理石雕像Venus Felix (幸福的维纳斯) 描绘了罗马女神维纳斯和她的儿子丘比特。维纳斯穿着典雅轻盈的长袍，长袍轻轻垂落，呈现出温柔的曲线。她的身体姿势自然、优雅，表现出神话中的美丽与魅力。她的头部微微向左侧转，面容柔和、平静，目光凝视前方。维纳斯的一只脚略微抬起，给人一种动感。 丘比特亲昵地倚在母亲身边，其中一只手轻轻地搭在母亲的肩膀上。整个雕塑充满了浓郁的和谐、爱和美。

罗马神话中的维纳斯象征着爱情与美丽，同时也有繁荣和好运的意义。雕塑中的维纳斯被称为“Felix”，即“幸福的”或“幸运的”。维纳斯和丘比特的形象常常一起出现，象征着母亲与儿子之间的亲密关系，通过丘比特的爱与欲望之力，维纳斯传递了爱情的力量。

☝️八角庭院里的石棺。

参观那不勒斯国家考古博物馆时，第一次看到大量精美的古罗马石棺，就深深地被它们吸引住了，没想到石棺竟然可以做得如此精致华丽。古罗马的大型石棺通常由灰色或白色的大理石或石灰石雕刻而成，外表装饰着精雕细琢的浮雕或壮丽的图案，表达了对自然、神话人物和宗教的崇敬。浮雕的内容通常包括战争场面、神话故事、植物藤蔓等，有些甚至描绘了死者生前的生活场景或家族徽记。这些雕刻反映了古罗马人对细节的极致追求，线条优雅流畅，形象生动逼真，甚至在某些石棺上可以看到对人体肌肉、面部表情和衣物褶皱的精细刻画，石棺寄托了对死后世界的期许与敬畏，同时也象征着逝者生前的社会地位。犹如精湛的艺术品一般的古罗马石棺不仅承载着历史与文化的记忆，也展现了古罗马文明在艺术方面的卓越成就。

随着参观的人流走进一条长长的、摆满了古罗马雕塑的长廊。👇

雕塑长廊里一些男性雕像的私处被一片叶子覆盖。在古希腊和罗马，裸体象征着人体的美与神圣，许多男性神话人物雕像都是裸体的。但是在16世纪，教皇尤利乌斯二世和其他教皇出于宗教和道德原因，不喜欢裸体雕像，认为它们不符合基督教的教义。因此，命令给这些雕像的私处加上叶子或其他遮掩物。这种做法主要是为了避免与教会的道德标准冲突，尤其是在教堂等宗教场所中。

☝️接下来，进入The Hall the animals 动物雕塑展厅, 展厅由两个房间组成，陈列品是教皇庇护六世 (1775-1799) 统治期间收藏的，其中一些展品经历过大量的修复，有的甚至被重新制作。这个房间的四周陈列着几十尊栩栩如生的动物雕像，整个房间宛如一个大理石雕刻的动物园。房间正面的壁龛中，矗立着一尊古希腊神话英雄墨勒阿革洛斯的雕像。墨勒阿革洛斯是卡吕冬国王的儿子，也是一位勇敢无畏的猎人，以率领一群英雄猎杀卡吕冬野猪而闻名。卡吕冬野猪是神话中的恐怖怪物，四处横行，毁坏农田和葡萄园。雕像生动地再现了墨勒阿革洛斯自豪地提着被斩下的野猪头，猎犬紧贴在他右侧，展现出一种胜利与英勇的姿态。

尽管墨勒阿革洛斯最终成功地击毙了野猪，但因争夺战利品而爆发的冲突却引发了悲剧性的后果。根据希腊神话，墨勒阿革洛斯的生命与一根神奇的木头紧密相连，这根木头是命运三女神所赐。自他出生之日起，母亲便将这根木头放入壁炉，只要木头未被摧毁，他便可永生。然而，一旦这根木头被点燃并烧尽，他的生命也将随之终结。

当墨勒阿革洛斯因争夺战利品而愤怒杀死了自己的叔叔时，母亲深感痛心。在极度的悲愤中，她做出了一个命运注定的决定——将那根木头投入火中，以此惩罚儿子的暴行。随着木头的燃烧，墨勒阿革洛斯的生命也如同火焰般熄灭，最终英年早逝。这个希腊神话故事展现了命运与家庭之间无法抗拒的关联与冲突，以及由此可能带来的悲剧。

☝️这个展厅内的雕塑生动地描绘了古代体育赛事和马戏团表演，涵盖了掷铁饼、摔跤以及战车竞速等项目。这些古典雕塑及石棺被精心安置在壁龛、底座和祭坛上，其中最引人注目的是那驾威武雄壮的双马战车，它堪称古罗马艺术的杰出代表。雕塑栩栩如生地呈现出两匹马拉着战车驰骋在竞技场上的场景。战车本身是一件极具价值的装饰艺术品，其部分组件可追溯至公元前一世纪的罗马帝国。

这件雕塑融合了原始部件与后期修复的元件。战车的车身、两匹马及骑手是18世纪雕塑家Francesco Antonio Franzoni精心组装的成果。Franzoni保留了战车及其中一匹马的原始部件，并在此基础上巧妙地雕塑出第二匹马，从而将这件雕塑恢复成一件生动完整的艺术品，展示了其卓越的工艺技巧。

这辆战车背后有着深厚的历史渊源。从1516年起，曾作为罗马圣马可教堂主教宝座的座椅，直到1771年才被捐赠给教皇克莱门特十四世。战车的装饰极为精美，外部雕刻了罂粟花和麦穗等图案，象征着罗马时代的农业丰收。这些装饰风格与奥古斯都时期的艺术特征相呼应，酷似和平祭坛的浮雕。

战车内部的中央还刻有阿吉厄斯（Agyieus）的形象，它阿波罗神的一种化身。象征街道保护神的锥形柱被用来象征对公共空间的守护。这辆精致的双马战车不仅体现了古罗马雕塑家卓越的技艺，也展示了古代艺术与宗教信仰的紧密结合。

☝️ 缪斯厅

走进缪斯厅，映入眼帘的是沿着红色弧形墙壁排列的手持竖琴的阿波罗雕像、缪斯雕像以及一些著名古希腊人物的雕像，这些雕塑均出自哈德良皇帝时期。18世纪的修复者对这些雕像进行了大幅改动，其中一些原本并非是缪斯雕像，但经过修改后，成了完整的九位艺术化身的缪斯雕像。每一尊雕像的风格都细腻而优雅，展现了雕刻家对艺术的极致追求。在璀璨夺目的天顶壁画和红色墙壁的衬托下，它们显得愈发光彩照人。华丽的大理石科林斯圆柱以及透过窗棂洒入大厅的柔和光线，为整个空间增添了雍容华贵的气息与神圣感。这是18世纪罗马最后一个绘有精美壁画的大厅，站在这里，仿佛穿越了时空，置身于与古代艺术家和神话人物的无声对话之中，令人流连忘返。

☝️图01 Euterpe 尤特佩

尤特佩是负责抒情诗与音乐的缪斯，她总是一手持长笛或短笛，一手提花篮，为诗人带去灵感，灵感便是创作者的之源。

图02 Erato（埃托拉）是九位缪斯之中浪漫动人的少女，其名字意为“可爱的”。她掌管情诗，亦负责独唱。她总是头戴玫瑰花环，手中拨弹着竖琴，或七弦琴。

图03 Calliope 卡利俄佩是缪斯女神中的第九位，她不仅最为聪慧，亦最为自信。她负责雄辩，并赐予政治家雄辩之术，亦曾帮助城邦牧首仲裁人间纠纷。她通常手持铁笔与蜡板，掌管着众神的英雄史诗，以供后世传颂，正如她的名字有着“声音悦耳”之意。

图04 Terpsichore 托西克丽是舞蹈缪斯, 为舞蹈而生，连名字都有“热爱舞蹈”之意。她生性最为热情，负责舞蹈。她常头戴常春藤、手弹七弦琴，在众神之中一展歌舞女神之风范。

☝️图01 Melpomene 梅波缪妮是掌管悲剧的缪斯，她常常头戴由柏树枝条编织而成的花冠，这种花冠象征着悲剧。她手中时常拿着恐怖面具，并携带着短剑和棍棒，这些都是悲剧表演中常见的道具。梅波缪妮的名字意为“声音甜美”，然而，她的形象却充满了悲伤与严肃。

图02 Ourania 乌拉妮亚是天文与占星的缪斯，也是九位缪斯女神中最年轻的一位。其名字意为“天空”，象征着她对浩瀚宇宙的思索。她常常携带着天球仪与圆规，日夜不息地观察变化莫测的星空。

☝️图03 Polymnia 波林妮亚是歌剧的缪斯，主要负责祭神的圣歌，其名字意为“有许多颂歌的”。她常常头戴面纱，面纱下的神情带着一丝忧郁，仿佛在沉思。波林妮亚还掌管修辞学与几何学，她因负责的事情很多而没有特定的象征物。或许正是因为如此，所以她的形象充满了思想的深度与智慧的光芒。

图04 克利娥（Clio) 是历史的缪斯，也是九位缪斯中最具书卷气质的一位。她常常头戴桂冠，手持书卷，散发出浓厚的文艺气息。克利娥的形象充满智慧与思辨，象征着对历史的深刻理解。

图05 Thalia 塔利亚是是喜剧艺术缪斯，她所唱的牧歌常常在山涧中回荡，听者无不感到心灵的治愈与欢愉。与梅波缪妮不同，塔利亚总是手持带有微笑的喜剧面具，另一只手摇着铃鼓或牧杖，展现出她那轻松、愉快的气质。正如她名字所寓意的那样，塔利亚将繁荣昌盛带给每一个人，带来欢乐与希望。

☝️阿波罗是希腊神话中的奥林匹斯十二主神之一，被视为射箭、音乐与舞蹈、真理与预言、治疗与疾病、太阳与光明、诗歌等诸多领域的众神。他既是宙斯与勒托的儿子，也是狩猎女神阿尔忒弥斯的孪生兄弟。

图01 Apollo Citharoedus with the head of Dionysos.带有狄俄尼索斯 (Dionysus)头颅的阿波罗

年轻的裸体狄俄尼索斯用右腿站立支撑身体，左腿轻轻向后弯曲。头略微向右导，左臂握着酒神的标配——酒神杖。

图02 Apollo kitharoidos with a cithara 手持七弦琴的阿波罗

☝️缪斯厅的天顶壁画由意大利艺术家托马索·孔卡(Tommaso Conca)于1772年创作。壁画的主题与古希腊神话中的缪斯女神有关。画家根据每位缪斯的职责，生动地再现了她们与古代艺术家们的互动场景。每位缪斯女神都象征着不同的艺术形式，如音乐、舞蹈、诗歌、戏剧等，她们为艺术家们提供灵感和指引。其中最引人注目的是壁画中央的《阿波罗与玛尔斯亚斯的音乐对决》，画家根据一个古希腊神话故事描绘了阿波罗 (太阳神) 与玛尔斯亚斯(一个擅长吹笛的色狼satyr）的音乐较量。

传说中的玛尔斯亚斯是一个以双笛技艺闻名的satyr，他自视甚高，竟向音乐之神阿波罗发起挑战，意图凭借自己的才华与音乐之神一决高下。消息一传出，仙女与色狼们纷纷前来见证这场凡人与神的音乐对决。

比赛当天，阿波罗手持金色竖琴，神采奕奕地出现在林中，而玛尔斯亚斯则信心十足，紧握双笛。两人轮流演奏，阿波罗的琴声如清澈溪流，旋律中蕴含着一种超凡脱俗的和谐与优雅；玛尔斯亚斯的笛声则狂野奔放，展现出原始的力量与激情。起初，两人的演奏难分高低，但随着比赛的深入，阿波罗的音乐愈加深邃。他的旋律仿佛将天地万物的秩序与美妙编织在一起，而玛尔斯亚斯的演奏虽充满热情，却难以达到这种境界。最后一个音符在空中消散时，缪斯女神宣布阿波罗胜出。然而，阿波罗对玛尔斯亚斯的挑战心生不满，认为他的傲慢冒犯了神的尊严。为了惩罚玛尔斯亚斯的狂妄，阿波罗将他绑在一棵树上，并剥了他的皮。玛尔斯亚斯痛苦的尖叫声在树林中回荡。这个神话故事告诫人们过度自信与傲慢必有代价的。

这幅壁画描绘了对决即将结束的场景：缪斯女神站在画面中央，右侧的阿波罗半跪在地，并伸出右手恳请缪斯做出裁决；左侧的玛尔斯亚斯双手被绳索捆绑，悬挂在树上，双笛已被丢弃在他脚边。金色竖琴静静地靠在缪斯女神身后那棵大树下。

☝️Belvedere Torso 贝尔维德雷躯干

《躯干》雕塑，通常称为《贝尔维德雷躯干》，是一件古代希腊雕刻的杰作，虽残缺不全，却依然展现出惊人的力量与美感。它描绘的是一位裸体男性的躯干，可能是大力神赫拉克勒斯的形象，肌肉线条和身姿均被精雕细琢，充满了力量感与动态美。

雕塑的上半身显示出明显的肌肉结构，肩膀宽阔，胸肌饱满，腹部的肌肉则紧致而有力，展现出一种仿佛随时能爆发的力量。腰部略微扭转的姿势，营造出一种动态的美感，仿佛雕像正处于一瞬间的运动中。

尽管没有头部和四肢，但却无损其整体的雄壮感。这尊雕塑仍然散发着强烈的生命力与气息。雕刻精细到每一块肌肉的纹理都清晰可见，完美地展示了古希腊雕刻家对人体比例与肌肉结构的深刻理解。米开朗基罗极为推崇它的造型和刻艺，这尊作品为他后来创作西斯廷教堂的天顶壁画提供了重要的灵感。《创造亚当》壁画中，亚当向上帝伸出手的姿势与《躯干》几乎如出一辙。

☝️Bust of Faustian Major 福斯蒂娜·马约尔的胸像

这尊气质高雅的大理石半身像刻画的是一位贵族女性——著名的美人皇后福斯蒂娜·马约尔（Faustina Major，约公元100年—公元140年），她是罗马皇帝安东尼·皮乌斯的妻子。

福斯蒂娜既是皇帝哈德良的侄女，也是皇帝马库斯·奥雷利乌斯的岳母与养母。她出身于显赫的罗马贵族家庭，以美貌、智慧与慈善之心广为人知。她特别关心穷人的教育，尤其资助贫困女孩的教育。福斯蒂娜在40岁时不幸去逝，皮乌斯皇帝为了纪念她，将她奉为神祇，并在古罗马广场为她修建了宏伟的福斯蒂娜神庙。由此对她的崇拜席卷整个罗马帝国，许多新婚夫妇会在福斯蒂娜的祭坛前祈祷，效仿这对夫妇的虔诚与和谐。意大利文艺复兴之前的几个世纪，福斯蒂娜一直被誉为理想妻子和女性美德的化身。

这座半身像依托在精美的大理石底座上，创作时间约为公元140年，令人叹为观止。

☝️出了缪斯厅，直接进入圆厅 Round Hall

由教皇庇护六世于18世纪建造的圆形大厅 (Sala Rotonda) 以其壮观的圆顶和典雅的科林斯柱为特色，四周陈列着古希腊和古罗马时期的重要雕塑，展现出古代艺术与建筑的完美融合。

半球形的穹顶是仿照万神殿的大穹顶设计的。阳光透过圆顶倾泻而下，柔和的光照亮了整个大厅。

沿着圆形墙壁，设置有陈列雕像的壁龛，，其中有三尊最重要的人物雕像：赫拉克勒斯的镀金青铜雕像、布拉斯基·安提诺乌斯和克劳狄乌斯朱庇特的雕像。

地板上的马赛克取自位于古罗马奥斯蒂亚安提卡港的一座建于公元3世纪初的浴室，这些马赛克被逐块拆卸下来后，由18世纪的艺术家安德烈亚·沃尔皮尼将这些马赛克重新拼接，并在地板中央嵌入了美杜莎的头像。他拼接的马赛克图案展示了半人马之战的场景和一些神话中的海洋生物，包括特里同和海仙女，而其他工匠则在白色背景上添加了茛苕叶螺旋图案，以及由面具、鲜花和水果组成的拼图。

地板中央摆放着皇帝尼禄的紫斑岩浴缸，原为尼禄在公元64年罗马大火后为自己建造的宏伟金宫（Domus Aurea）中的一部分。周长约为13米的浴缸是从一整块紫斑岩中雕出来的，四只象征皇帝的权力与尊严的雄狮支撑着整个浴缸。

☝️半人马之战的神话故事讲述了拉庇泰国王皮里托斯与女神希波达米亚的婚礼上发生的一场暴力冲突。在宴会中，受邀的半人马因醉酒而试图绑架新娘及其他妇女，导致拉庇泰人与半人马爆发激烈战斗。皮里托斯与他的盟友带领拉庇泰人奋力反击，保护妇女并恢复秩序。这场战斗象征着文明（以拉庇泰人代表）与野蛮（以醉酒的半人马代表）之间的对立。半人马之战是古希腊艺术中常见的题材，象征着秩序战胜混乱的主题。

圆厅展示的雕像大多来自古罗马时期，这些作品为对罗马帝国历史感兴趣的观众提供了回溯1,500年至2,000年罗马历史的机会。以下是几座我们特别感兴趣的雕像。

☝️The Braschi Antinous 布拉斯基·安提诺乌斯

这尊巨大的安提诺乌斯雕像正对圆形大厅的入口处。安提诺乌斯是来自比提尼亚的一位年轻人，凭借俊朗的外表深得罗马皇帝哈德良的宠爱。哈德良(117-138年)被公认为罗马帝国历史上最伟大的皇帝之一，也是万神殿的建造者。在其统治期间，哈德良与安提诺乌斯的特殊关系，使得后者成为一位神秘且复杂的宫廷人物。安提诺乌斯曾随哈德良巡游各省，最终于公元130年在尼罗河溺水身亡，当时年仅18岁。有人猜测哈德良可能与其死因有关。安提诺乌斯去世后，哈德良很快就在罗马各地树立了大量的安提诺乌斯雕像，并将其奉为神。

这尊雕像是在哈德良去世后几年创作的，安提诺乌斯以一种融合狄俄尼索斯与奥西里斯形象的姿势呈现。雕像头戴由树叶和常春藤浆果编成的王冠，原本王冠顶部应有一条眼镜蛇或莲花，然而在后来的修复过程中，这些元素被一颗松果所替代。酒神杖和神秘的宝箱是狄俄尼索斯的标志，亦是在修复过程中被添加的细节。

布拉斯基·安提诺乌斯被认为是罗马大理石雕塑中的一件精美典范，它融合了当时的现实主义与希腊罗马艺术中的理想主义元素。雕像展示了优雅与理想化的男性年轻人的面容，平静的表情、富有表现力且几乎略带有忧郁的眼神、微微侧转的身体，以及精心雕刻的柔软卷发，无不增添了他短暂生命的神秘感。大理石光滑的质地和人物比例的精确平衡，进一步提升了雕像整体的和谐美感。

☝️Statue Of Hercules In Bronze 赫拉克勒斯青铜像

圆形大厅中最引人注目的是这尊大力神赫拉克勒斯的镀金青铜雕像，它是这个房间里最大的雕像，也是唯一一座用青铜铸造的雕像。这座青铜雕像极为罕见，因为罗马帝国覆灭后，几乎所有青铜雕像都被熔化掉。它之所以得以幸存，是因为曾遭到过雷击，古罗马人将此视为不祥的预兆，于是将雕像埋藏起来。直到1864年，这尊雕像才在罗马市中心被重新发现。

雕像展示了年轻的大力神赫拉克勒斯倚靠着著名的狼牙棒，左臂搭着涅墨亚狮子的皮，左手紧握着从赫斯珀里得斯花园偷来的金苹果。雕像被发现后不久，即由教皇庇护九世收购。

☝️Emperor Galba statue 加尔巴皇帝雕像

加尔巴皇帝雕像是圆厅中唯一座采用坐姿的雕像。加尔巴是继暴君尼禄之后，“四帝之年”中第一位短命的皇帝。尼禄去世后，罗马陷入动荡不安之中。作为一位经验丰富的军事领袖和当时的西班牙总督，加尔巴得到了军队的支持，被推举为皇帝。然而，他的统治仅持续了七个月。在此期间，加尔巴试图恢复帝国的财政秩序，比如削减禁卫军薪水和其他军事开支，这激起了军方的不满，最终导致他被禁卫军暗杀，禁卫军随即宣布奥托为皇帝。

尽管加尔巴出身于显赫的贵族家庭，并拥有卓越的军事背景，但雕像中的加尔巴却身着托加袍，而非传统的盔甲。这或许是为了强调他的公民身份而非军事统帅的形象。雕像中的加尔巴表情严肃、略显阴沉，逼真地展现了他年迈的面容，以及在“四帝之年”短暂且动荡的统治中所承受的巨大压力。据信，这座雕像是在他于公元69年遇刺后不久创作的。

这尊雕像将加尔巴的形象公民化，暗喻皇帝的权力并非通过理想化的英雄形象来塑造，而是通过与普通公民更接近的方式来赢得。

☝️Statue of the emperor Claudius克劳狄皇帝的雕像

克劳狄是公元37年至54年间的罗马皇帝。大理石雕像将克劳狄一世描绘成罗马神话中的朱庇特，头戴用橡树叶做的王冠，右脚旁站着一只鹰。他左手握着权杖，象征着绝对的统治，右手拿着祭神用的酒盘。

克劳狄一世是朱里亚·克劳狄王朝的第四任罗马皇帝。他让英国成为罗马帝国的一部分。

☝️Statue of the goddess Hera 女神赫拉雕像

这尊罗马雕塑描绘了古代神话中著名的女神赫拉。雕像中的赫拉姿态优雅庄重，神情安详自若，展现了古希腊艺术中理想化的女性形象。她头戴王冠，带有层层折皱的长裙轻盈飘逸地从左肩垂下。右手紧握象征众神之王的权杖，左手持一只古罗马人用来盛酒的浅盘（patera）。这些常见的象征物反映了赫拉在宗教仪式中的重要地位与神圣权威。尽管这尊雕像是罗马时期的复制品，它依然忠实地保留了原始希腊雕塑的艺术风格。

👇Greek Cross Room 希腊十字厅

随着参观人流，我们进入了希腊十字厅，大厅因呈十字形而得其名。与拉丁十字不同，希腊十字的四臂长度相等。尽管十字架常常与基督受难联系在一起，但是古希腊的十字代表自然界的四大元素：空气、火、水和土。

☝️大厅入口两侧是一对公元一世纪的花岗岩石柱。地板中央是一幅大圆型马赛克图案，上面是女战神雅典娜的半身像。色彩鲜艳的马赛克拼图的来源可追溯到公元 3 世纪，1741年在罗马郊区被人发现后转移到梵蒂冈。经过精心修复后显现出原有的令人惊叹的美丽。它的蓝色源自阿富汗稀有的、与黄金一样珍贵的青金石。蓝色让整个马赛克散发着浓郁的奢华气息。

大厅两侧各摆放着两具巨大的紫斑岩石棺,其珍贵的石料来源于埃及。传说，君士坦丁大帝的母亲海伦娜的遗体曾被安放在☝️图01所示的石棺内。最初，海伦娜的石棺被安置在一座皇家陵墓中，直到1777年才被迁至梵蒂冈，经过修复后，安装在四只大理石狮子之上，并最终长久安放在希腊十字厅内。

这副石棺的雕刻展示了取得胜利的罗马骑兵骑在被俘的野蛮人身上的场景，雕饰中的军事元素引起学者们推测石棺原本是为皇室男性成员制作的，可能是为海伦娜的丈夫君士坦提乌斯·克洛鲁斯做的，也可能是为君士坦丁大帝本人所做。石棺盖上方刻有丘比特，盖顶两侧分别臥坐着手持花环的胜利女神的雕像。顶端中央有两只狮子，分别位于山脊两端——一只安睡，一只静卧。因为海伦娜的遗体早已埋葬在罗马郊外的她的墓地中，所以这是个衣冠冢。

☝️图02中的石棺是为了安放君士坦丁大帝的长女儿康斯坦萨的遗体而建，她于 354 年去世。1467 年至 1471 年间，这个石棺被移至圣马可广场，后来在1790年被40头公牛拉到梵蒂冈博物馆。石棺四面都装饰有花环和葡萄藤、大叶卷轴和踩着葡萄的丘比特。底部两侧各有一只孔雀、中间是一只公羊和一只戴着花环的丘比特。盖子上装饰有绿色花彩。同样，她的遗体最初被收入这个石棺中，但是现在被埋葬在罗马的圣科斯坦萨教堂里，这里只是一个衣冠冢。

The Gallery of the Candelabra

从希腊十字厅出来走上一小段楼梯，并穿过美丽的青铜大门，便可进入壮观的烛台画廊。画廊最初是在教皇庇护六世执政期间设计的，但经过教皇利奥十三世重新装修后，才呈现出我们今天所见的模样。这也解释了为何画廊尽头的半月拱内雕刻有利奥十三世的胸像，左右各有一个小天使围着。

烛台画廊最初建于1761年，原为一座露天凉廊。到18世纪末，画廊被围起来，并被划分为六个部分，每个部分陈列有大量的古希腊和罗马艺术珍品，包括雕像、石棺和浮雕等。画廊之所以得名“烛台画廊”，是因为每个部分都配有一对彩色大理石柱子，并且每根大理石柱旁都有一个雕刻精美的大烛台与其交相辉映，从而形成独特的艺术氛围。

☝️在拥挤的人流中，只能抓拍一两张。

☝️画廊中央的地板上镶嵌着一幅精美的马赛克图案，它是教皇利奥十三世的教皇徽章。由于马赛克中使用了来自阿富汗的珍贵的蓝色青金石，所以这块地板被围起来，不得踏入。

最令人赏心悦目的是画廊里具有巴洛克风格的天顶壁画。这些色彩鲜艳的壁画描绘了旧约和新约中的场景，以及代表美德和恶习的寓言人物和神学家。☝️图03下方的画是

“Grace of God expressed in the Sts. Clare of Montefalco, Benedict Labre, Lawrence of Brindisi and G.B. De Rossi” 上帝体现在蒙特法尔科的圣克莱尔、圣本笃·拉布雷、布林迪西的劳伦斯和 G.B. 德罗西身上的恩典。

☝️圣托马斯·阿奎那教授哲学

烛台画廊的大多数壁画描绘了 19 世纪教皇利奥十三统治期间的重要事件。其中有几幅画描绘了中世纪的哲学家和神学家圣托马斯·阿奎那跪在罗马天主教堂前，献上他的作品以及在教授哲学。这些壁画表达了教皇利奥十三希望在天主教神学中将圣托马斯·阿奎那及其哲学置于优先地位的愿望。

利奥十三世通谕中的四个思想：基督教婚姻、对第三方济各会的赞扬、对共济会的谴责以及宗教和世俗权威之间的一致

☝️图01 Arts pays homage to Religion

“艺术向宗教致敬”，其构图奇妙地融入镜像效果。

图02 Union of Pagan and Christian art

“异教艺术与基督教艺术的融合”

这幅壁画的深色远景中，从左边的古罗马竞技场到最右边的圣彼得大教堂暗喻天主教，而阿拉伯风格的建筑则出现在米色的中景里。这大概就是壁画标题的由来。

The Gallery of the Tapestries 挂毯画廊

走进长245英尺的挂毯画廊，左右两侧墙上悬挂着19幅巨型的纯手工编织的挂毯。右侧墙上的挂毯是由教皇乌尔班八世 (1623-1644年在位) 委托制作的，描绘了他担任教皇期间的生活与工作场景，这些挂毯是罗马人制作的。左侧墙上的挂毯主要由画家拉斐尔设计，随后他的学生们将拉斐尔所绘的漫画转化为挂毯图案，并将其送往比利时北部的佛兰芒挂毯作坊进行编织。这些讲述耶稣基督生平的挂毯是教皇克莱门特七世委托制作的。

画廊的天花板色调淡雅、浮雕古朴，与墙上的挂毯相得益彰。

☝️图01 The Protection of Rome from Plague, Famine and War

保护罗马免受瘟疫、饥荒和战争

这幅挂毯画的主题是神的保护与干预，着重表现神如何拯救罗马城免于瘟疫、饥荒和战争等毁灭性危机。掛毯由教皇乌尔班八世委托制作，画作体现了教皇展示罗马韧性及神祇保护的意图。教皇端坐在椅子上，画中的圣人和圣母玛利亚为罗马祈祷，突出信仰与教会在保护罗马免受灾难中的关键作用。

图02 The Resurrection of Christ 基督复活

这幅挂毯描绘了基督复活后，从埋葬的洞穴中走出，站在之前封闭洞穴的石头上，举起右手，做出象征三位一体的三指手势。佛兰德的挂毯设计师在作品中增添了一些独特的细节。站在挂毯左侧，注视耶稣的眼睛，然后缓缓地走过挂毯，奇妙的是，无论你走到哪里，耶稣的目光始终跟随你，仿佛在注视着你。

☝️走出挂毯厅，步入120米长的地图长廊，仿佛进入了一座金碧辉煌的宫殿。长廊两侧的墙面上，装饰着由修道士兼意大利地理学家伊格纳西奥·但丁（Ignazio Danti）绘制的意大利地形图壁画。风格主义画家在用白色与金色石膏装饰的拱顶上，创作出一幅幅充满神话人物、寓言故事和徽章的彩色壁画，光彩夺目的拱顶美不胜收，令人陶醉。

作为梵蒂冈的重要装饰，这条长廊于1580年由教皇格里高利十三世委托建造。根据当时已知的亚平宁半岛地貌以及周边国家的主要地形，伊格纳西奥·但丁耗时三年，完成了40幅地形图壁画，其中包括一张古代意大利地图和一张当代意大利地图。地图长廊的两端分别展示了16世纪意大利四大港口——威尼斯、安科纳、热那亚和奇维塔韦基亚的全景。

☝️拱顶壁画

教皇格里高利十三世和教皇乌尔班十三世的徽章

☝️图02是16世纪完整的意大利地形图：右边是长筒皮靴形的的亚平宁半岛，左下边是撒丁岛，左上是后来被法国吞并的科西嘉岛

图03是马尔他岛

The Room of the Immaculate Conception 圣母无染原罪厅

穿过地图馆长廊，我们进入了圣母无染原罪厅☝️

1854年12月8日那天阴雨绵绵，但当教皇庇护九世走出教堂宣布圣母无染原罪教义时，乌云突然散去，阳光照耀大地。教皇认为这是神迹显现，于是决定建造这座大厅，并要求通过壁画来记录这一历史性事件。为此，教皇委托画家弗朗西斯科·波德斯蒂（Francesco Podesti）完成壁画创作。波德斯蒂与其助手们历时十年，在三面墙上绘制了以圣母无染原罪为主题的巨幅壁画，生动呈现了1854年12月8日宣告这一教义的庆祝场面。这些壁画细腻地再现了那一天圣母无染原罪教义宣布的历史时刻。

☝️图01 穹顶上的六个八边形画作描绘了信仰、教义及《旧约》中的重要情节，涵盖了多个经典故事：以诺亚方舟为背景的幸存者、乔尔击杀西西拉、以斯帖在阿哈苏尔王面前昏倒的瞬间，以及手持霍洛弗尼首级的犹迪思等场景。

☝️图02 The Coronation of the Image of Mary

圣母玛利亚像的加冕仪式

画家弗朗西斯科·波德斯蒂在大厅的西墙上描绘了一个庄严的场景，展现了教皇在圣彼得大教堂的唱诗班教堂为圣母玛利亚画像举行加冕仪式的盛大时刻。画面充满了敬畏与庆祝的氛围，象征着圣母的纯洁与崇高地位。教皇在壁画中占据了显著位置，他双手捧着金冕，虔诚地仰望圣母玛利亚的画像，突显了他在这一历史事件中的重要角色。画面中的其他人物见证了这一幕，暗示他们对这一教义的接纳与崇敬，从而强调教义的深远意义。画家本人也出席了这场仪式，并巧妙地将自画像融入到人群之中，为作品注入个人色彩。整幅壁画充满了象征性元素，突出了圣母玛利亚的美德以及这一教义在神学上的重要性。

图03和图04展示了一个位于大厅北墙前的书柜，书柜内陈列着与圣母无染原罪教义相关的文件复制品。书柜的顶部摆放着一尊圣母玛利亚的雕像，进一步加强了房间的主题色彩。

图05和图06 The Proclamation of the Dogma of the Immaculate Conception

宣布圣母无染原罪教义

大厅正面壁画展现了教皇庇护九世宣布圣母无染原罪教义的庄严场景。壁画的上半部分象征胜利教会，中央是头顶光环的圣母玛利亚，左右分别是圣子和圣父，空中飞翔的鸽子象征圣灵。天使们从天际俯视，圣母的位置略低于圣父和圣子，突出了她的人性。右上角，亚当和夏娃站在众多圣徒旁，夏娃羞愧地低下头，亚当则伸出双臂向圣母致敬。左上方，胜利女神站在圣徒们的右侧，而最左边的大天使加百列手持巨大的十字架。圣母脚下则描绘了与她诞生和奉献相关的生活场景。画面中部左侧，两个天使高举展开的卷轴，卷轴上不仅有题词，还标注了画家的签名，最左侧的天使则吹响了胜利的号角。

壁画下半部分代表战斗教会，表现了基督徒在教会中为传播福音、与邪恶和魔鬼作斗争的精神。尽管在实际仪式中教皇是坐着的，但在画中他被描绘成站立姿势，这一变化源于当日仪式中，一束阳光照射到教皇身上，他将此视为神显灵的标志，因此希望在画作中呈现站立的形象。

画家弗朗西斯科显然受到了拉斐尔的启发，将三位一体与圣母置于半圆形的天空之中，人物的布局与构图巧妙独特，展现了高超的艺术造诣。这幅壁画与房间内其他壁画共同颂扬了圣母无染原罪教义，彰显了其深远的神学与精神意义。

拉斐尔房间

在庞大的参观人流的簇拥下，我们终于来到了大名鼎鼎的拉斐尔房间。

梵蒂冈博物馆的四个拉斐尔房间原本是梵蒂冈教皇宫内的一套接待室。教皇尤利乌斯二世委托画家拉斐尔装饰这套房间，让艺术家自由地创作他想要的壁画。拉斐尔为了绘制这四个房间里的壁画，在这里工作了12年，直到去世。这12年是他艺术上最辉煌的时期。这四个房间里的壁画与西斯廷教堂的天顶壁画代表了文艺复兴时期壁画艺术的巅峰。拉斐尔房间不仅因其精美的壁画而享有盛誉，更因其在宗教、哲学和历史等主题中所展现的艺术成就而著称。拉斐尔及其助手于1508年至1524年间为这四个房间创作的壁画，至今依旧是世界艺术史上的重要遗产。

这四个房间中，最早完成壁画创作的是签字室(Stanza della Segnatura)，而君士坦丁室(Stanza di Costantino) 则是最后完成的。壁画的创作顺序是：签字室 → 圣彼得室→ 火灾室 → 君士坦丁室。不过，由于博物馆需要分流参观人群，四个房间的参观顺序通常是相反的。我们今天先来到了君士坦丁室。

Hall of Constantine 君士坦丁大厅☝️

虽然君士坦丁大厅是参观拉斐尔房间时的第一个房间，但它实际上是最后一个完成装修的，并且是唯一一间没有由拉斐尔亲自绘制壁画的房间。这位伟大的艺术家在其事业巅峰时不幸早逝，年仅37岁。因此，这个大厅的壁画由他的学生们根据他设计的草图完成。

君士坦丁大厅是四个房间中最大的，原本用于举行招待会和官方仪式。大厅以罗马皇帝君士坦丁命名，他是第一位正式承认基督教并允许信仰自由的罗马皇帝。壁画描绘了他一生中的四个重大事件，象征着异教的衰退与基督教的胜利：十字架的幻象、米尔维乌斯桥战役、君士坦丁的洗礼以及君士坦丁的捐赠。大厅的装饰还包括伟大教皇的雕像，两侧则是寓言中的美德人物。通过这些壁画，整个大厅彰显了基督教战胜异教的主题。

Vision of the Cross 十字架的幻象

☝️《十字架的幻象》壁画描绘了一个传奇故事：当君士坦丁大帝与对手马克森提乌斯对峙时，眼前显现出一个巨大的十字架。传说在战役前不久，君士坦丁产生了一个预感：如果他的军队将十字架取代徽章上的帝国鹰头作为旗帜标志，他的军队将会战胜对手。战斗开始时，君士坦丁抬头望向天空，看到一个十字架显现出来，伴随其旁的希腊文标语“ἘΝ ΤΟΎΤῼ ΝΊΚΑ”（以此取胜）。这一幻象与他之前的预感完全吻合，最终，君士坦丁果真获得了胜利。

壁画中央，君士坦丁正指示将士布置十字符号；画面最左端是第一任教皇圣彼得，他左手持象征天国的两把钥匙，寓意基督教掌握着战争的命运。旁边的女神拔下鸡尾羽毛，正要让鸡啄食，这一细节象征着罗马文化中永恒的精神。画面最右端是第四任教皇克雷芒一世，他亲眼目睹圣彼得与圣保罗被捕并殉难，并为两位使徒举行了安葬仪式。公元四世纪，罗马皇帝图拉真仍在迫害基督徒，克雷芒一世被流放至克里米亚半岛的采石场。当地缺水严重，克雷芒一世的祈祷令清泉涌现，感动了大量囚徒，他们纷纷皈依基督教。此举激怒了罗马皇帝，克雷芒一世被卫兵用磨石击昏，随后被绑到船锚上沉入大海殉教。旁边的女神一手持脚镣，一手握绳索，象征着适度与平衡。

壁画右上方的天空中显现出带有基督教救赎象征的幽灵，中间飘扬着十字架旗帜，旁边的希腊文标语清晰可见。战场上的士兵们在十字架的激励下英勇奋战，背景则展现了拉斐尔时代的罗马景象。壁画中的人物众多，生动而富有动感，配以寓言中的人物，营造出一种强烈的戏剧性氛围。

☝️The Battle of the Pons Milvius 米尔维乌斯桥战役

《米尔维安斯桥之战》是君士坦丁厅中最大一幅湿壁画。这场战役发生在公元312年，地点位于罗马北部的米尔维安斯大桥。当时，西罗马帝国的奥古斯都君士坦提乌斯去世，罗马军团支持君士坦提乌斯的儿子君士坦丁继任，而罗马城的禁卫军则支持早已退位的西罗马帝国奥古斯都马克西米安的儿子马克森提乌斯成为新任奥古斯都。为了争夺西罗马帝国的统治权，君士坦丁带领大军前来攻打罗马，而马克森提乌斯则在城内集结军队迎战。双方各自投入了约10万兵力。

战斗初期，马克森提乌斯的军队未能抵挡住君士坦丁军的猛烈攻击，迅速陷入溃败，军队开始撤退。撤退的路线被迫经过米尔维安斯大桥，但敌军已逼近河岸，许多士兵在混乱中掉入台伯河。那些试图渡桥的士兵，或被杀死，或被俘，而马克森提乌斯本人也在混战中连人带马落入河中，最终溺水身亡。君士坦丁取得了决定性的胜利，结束了西罗马帝国的分裂，重新统一了罗马帝国，成为新罗马皇帝。

这幅壁画生动地捕捉了此战役的最高潮时刻：画面中心的君士坦丁身披金色铠甲，右手紧握缰绳，左手挥动长矛，骑在白色骏马上，气势如虹地冲向敌军。对方士兵纷纷落马，有的被马蹄踏倒，有的坠入河中。画面上空，三位天使似乎在为君士坦丁助战，背景中则是象征胜利的十字架军徽和吹号角的士兵。壁画右下角展示了落入河中的马克森提乌斯和他的坐骑。远处的山丘上隐约可见由拉斐尔为克雷芒七世设计的乡间别墅。这幅湿壁画生动地再现了当年战场上的激烈胶着与气势磅礴的场面。

☝️The Baptism of Constantine 君士坦丁受洗

壁画描绘了在罗马圣约翰·拉特兰大教堂的洗礼堂，第33任教皇西尔维斯特一世为君士坦丁大帝举行洗礼的场景。临终前，赤身裸体的君士坦丁跪在教皇面前，接受洗礼，成为基督教的坚定捍卫者。

画中的教皇左手按着圣经，右手正在把圣盘里的圣水浇到君士坦丁的头上。主礼教皇具有克莱门特七世的容貌，这是因为与君士坦丁关系很好的教皇西尔维斯特一世已于公元335年底去世，而君士坦丁大帝接受洗礼时已是公元337年。教皇西尔维斯特一世的相貌与后来的教皇克莱门特七世相似，后者下令完成拉斐尔房间的装饰。

画面最左端是第37任教皇达马苏斯一世，他首先宣称教皇法座源自圣彼得一脉，且宣告罗马教会为所有教会之首，委托哲罗姆编纂拉丁文《圣经》，并规定弥撒必须使用拉丁文。旁边的女神头戴橄榄枝，手持橄榄枝，脚下的墙壁上刻有“PAX”字样，意指和平。画面最右端是第45任教皇利奥一世，公元445年，他从西罗马皇帝瓦伦廷三世处获得敕令，确认罗马教会为西方教会之首，罗马主教制定的法律须为全基督教会所遵守，罗马主教召集的会议各主教必须出席，否则将由总督强制押送至罗马。公元452年，匈奴人入侵罗马，利奥一世亲自前往见匈奴首领阿提拉，成功说服其撤军。旁边的女神手持和平鸽，脚下的墙壁上刻有“INNOCENTIA”字样，意指纯洁。

☝️Donation of Constantine 君士坦丁的捐赠

《君士坦丁的捐赠》灵感来源于《格拉提安法令》中的一份著名伪造文件，内容声称罗马皇帝君士坦丁将罗马周边的土地赠与教皇。

壁画描述了在受洗后不久，君士坦丁大帝跪在教皇西尔维斯特面前，象征性地将罗马城通过大帝手中一个金色小模型捐赠给教皇。

这幅作品的一大亮点在于，场景发生在君士坦丁亲自下令建造的旧圣彼得大教内，它展示了大教堂当时的面貌，而拉斐尔当时正在设计今天看到的梵蒂冈圣彼得大教堂。

☝️Room of Heliodorus 赫利奥多洛斯的房间

赫利奥多罗斯房间最初是教皇与大使和国王进行私人会晤的地方。由于教皇尤利乌斯二世极为欣赏拉斐尔在签字厅创作的壁画，因此他决定将这间房的装饰工作也交给拉斐尔。这是拉斐尔亲自绘制壁画的第二个房间，整个装饰无不透露出浓厚的宗教政治色彩。四幅壁画通过艺术手法展现了从旧约到中世纪不同的重要历史时刻，上帝如何始终庇护罗马《利奥大帝与阿提拉的会面》壁画、信仰《博尔塞纳弥撒》壁画、教皇《解救圣彼得》壁画和基督教遗产《赫利奥多罗斯被驱逐出圣殿》壁画。该房间以壁画《埃利奥多罗被逐出圣殿》命名。

这些壁画也被用作宣传尤利乌斯二世政治主张的工具，旨在解放当时被法国占领的意大利，恢复受到威胁的教皇的世俗权力。天花板上的四幅《旧约》插图也是拉斐尔的作品。

☝️图01 Expulsion of Heliodorus from the Temple 驱逐赫利奥多罗斯出圣殿

这幅壁画是房间名称的来源，描绘了《旧约》中的一个故事：叙利亚国王塞琉古四世命令亚述王子赫利奥多罗斯掠夺耶路撒冷圣殿中的宝藏，而这些宝藏原本是为孤儿寡母保留的。圣殿的牧师见状后向上帝祈祷，上帝立即派遣一位骑士和两名年轻人将赫利奥多罗斯驱逐出去。

画面中央，一位牧师正在虔诚祈祷，他的形象与尤利乌斯二世相似。正对牧师的犹太烛台暗示着事件发生在犹太教的圣殿内。画面右侧，骑士和两位年轻勇士正奋力驱赶赫利奥多罗斯，而左侧则是孤儿和寡母紧紧聚集在一起。尤利乌斯二世坐在轿子中的宝座上，亲眼见证了这一神迹。拉斐尔的自画像则位于最左边，出现在轿夫旁边。画中的耶路撒冷圣殿被描绘成圣彼得大教堂，这传递了两个重要的信息：首先，上帝不会允许人们“从教堂偷窃”；其次，象征着上帝对教会遗产的保护。

拉斐尔选择描绘这一旧约故事，反映了当时罗马社会对外来威胁的深切恐惧。当时的法国正在策划入侵罗马，这对教皇的世俗权力构成了严重的威胁。

☝️图02 Mass at Bolsena 博尔塞纳弥撒

为了展示上帝如何守护信仰，拉斐尔创作了这幅壁画。在画中，一位牧师在弥撒中怀疑面包和葡萄酒是否真能转化为基督的身体和血液，而此时圣餐的面包突然开始喷血，血液以十字架的形状滴落在祭坛上的白色亚麻布上。目睹这一奇迹的牧师重新坚定了对基督教的信仰。这一神迹引起了巨大的震动，奥维多大教堂因此而建立，以保存这块圣体布。乌尔班四世随后设立了基督圣体节，以庆祝这一奇迹。至今，沾满鲜血的博尔塞纳圣体圣衣仍被尊崇为奥维多大教堂的重要遗物。

画面中的教皇尤利乌斯二世跪在祭坛右侧，既是弥撒的参与者，也是这一奇迹的见证人。四位红衣主教站在他身后，他们是教皇的亲戚。教皇的女儿身着金色衣裳，深红色的披肩搭在左臂上，站在左边台阶的底部，仰望祭坛。拉斐尔将自己的自画像置于壁画右下角，以瑞士卫兵的身份出现在画中，他的头发束起，面朝外。在画面中，拉斐尔通过人物的参与程度，区分了“真正的”十三世纪见证者与与教皇同时代的人。后者平静地专注于尤利乌斯二世跪下祈祷，而并未对神迹作出反应。

拉斐尔被委托创作这幅壁画并非偶然：当时，教会教义遭遇了一些质疑，教会希望通过他的艺术作品平息这些怀疑。

☝️图01 Meeting of Leo the Great and Attila 利奥大帝与阿提拉的会面

这幅壁画描绘了教皇利奥一世与匈奴王阿提拉会面的场景，展示了上帝如何在历史上保护罗马。当阿提拉入侵意大利并逼近罗马时，教皇利奥一世决定亲自与他会面。在这次会面中，圣彼得和圣保罗手持宝剑奇迹般地出现在天上，这迫使阿提拉放弃了对罗马的侵略。

尽管实际会面发生在意大利北部的曼托瓦，但是拉斐尔选择将画面的背景设定为罗马，背景中有罗马斗兽场和古罗马的渡槽。最初，拉斐尔曾将利奥一世的面容描绘为教皇朱利叶斯二世的形象，但由于教皇尤利乌斯二世去世，拉斐尔便用新教皇利奥十世的面容取而代之。因此，教皇利奥十世在画中出现了两次：一次作为教皇(在左边)，另一次则作为随从中的红衣主教(在中间偏左）。这可能是因为拉斐尔在尤利乌斯二世去世之前已完成了红衣主教的形象。

☝️图02 Deliverance of Saint Peter 圣彼得的救赎

拉斐尔的《圣彼得获救》壁画描绘了新约《使徒行传》第12章中的故事：圣彼得被希律王囚禁，四班兵丁轮流看守，每班四人。彼得被两条铁链锁住，睡在两名兵丁之间，外面还有两名守卫把守。教会不断为彼得祈祷，求神垂怜。一天夜里，天使降临监狱，唤醒沉睡中的彼得，神奇地解开了他手腕上的锁链。天使命令彼得：“束好带子，穿上鞋，披上外衣，跟我来！”彼得照办，跟随天使穿过三道狱门，最终逃出监禁。

这幅壁画通过两旁的阶梯，将整幅壁画分为三个部分，生动地展示了圣彼得如何被天使解救。画面上方中间的囚室里，圣彼得在熟睡之中，天使悄然降临，轻轻唤醒他。画面右侧，天使拉着圣彼得的手，穿过两个沉睡的守卫，走出监狱。而左侧，则是监狱长手持火把巡视，发现天使光芒照亮了监狱，他手指向奇迹般亮起的牢房，大声训斥一个打瞌睡的兵丁。

拉斐尔巧妙地运用了光线，赋予画面强烈的戏剧性：天使降临时，身上发出的光辉照亮了整个囚室，突显了圣彼得的神圣救赎。兵丁们的沉睡与圣彼得获救形成鲜明对比，进一步凸显了神迹的伟大。天将破晓，太阳即将升起，火把熊熊燃烧，但最耀眼的光芒来自于拯救圣彼得的天使。这一场景不仅象征着圣彼得的救赎，也寓意着教皇尤利乌斯二世的灵魂由天使引领进入永恒的安息。

这幅壁画不仅是拉斐尔对圣彼得救赎的艺术再现，更是他对已故教皇尤利乌斯二世的深切怀念与致敬，表达了拉斐尔对教皇的敬意与哀悼。

☝️Borgo Fire Room 博尔戈火灾室

在尤利乌斯二世统治时期，博尔戈的火灾之室曾是教皇主持法庭会议的场所。后任教皇利奥十世决定将其改造为音乐和宴会厅，并委托拉斐尔负责室内装饰。

在拉斐尔进行改造前，只有佩鲁吉诺为天花板创作的壁画被保留下来。拉斐尔完成了大厅内壁画的设计，但是壁画是他的学生完成的。这些壁画通过描绘前任教皇利奥三世与利奥四世的事迹，来纪念教皇利奥十世。最著名的壁画是《博尔戈之火》，大厅也由此得名。其它三幅壁画包括《利奥三世的誓言》、《利奥三世为查理曼加冕》和《奥斯蒂亚之战》

☝️Fire in the Borgo 博尔戈之火

本厅最著名的壁画是《博尔戈之火》。这幅画讲述了公元847年梵蒂冈博尔戈附近发生的大火，火灾蔓延至圣彼得大教堂前方。传说教皇利奥四世站在塔楼的凉廊上为火灾祈祷后，烈火奇迹般地被扑灭了，市民们得以幸免。

画面中，一些妇女顾不得狂风吹乱的头发和衣衫，头顶装满水的瓦罐，手持水桶，急忙奔向火灾现场扑救。还有一些人试图向火中浇水，却被浓烟呛得眼花缭乱。画面的左侧，一位虚弱的老人因体力不支和火灾的威胁而陷入困境，他被一位年轻人背起，年轻人坚毅而勇敢的表情令人联想到维吉尔笔下埃涅阿斯背负安喀塞斯的情景。紧随其后的，是一位衣衫不整、赤脚的老妇人，正从火海中逃出，而在他们前方，走着一个赤裸的孩子。

左侧断墙上方，一位头发凌乱、焦虑不安的母亲双手抱着婴儿，投向墙下的一名男子。这个刚从火灾中逃出的男人正踮着脚站在墙角下，伸出双臂准备接住裏在襁褓中的孩子。画面中央，一位母亲赤脚、衣衫凌乱，腰带松散，头发凌乱，一只手紧紧挽住裙摆，另一只手急忙挥动，催促孩子们赶紧向前跑，逃离熊熊火海。画面的背景中，一些妇女跪在塔楼墙下，祈求站在凉廊里的教皇祈祷上帝，希望大火能够熄灭。

☝️图01、02 The Coronation of Charlemagne

查理曼大帝的加冕典礼

这幅壁画描绘了公元800年的圣诞节晚上，查理曼大帝在圣彼得大教堂由教皇利奥三世加冕为罗马皇帝的场景。查理曼大帝身后，一位小男孩跪地捧着王冠，他是伊波利托·德·美第奇（Ippolito de’ Medici），后来自成为红衣主教和教区副秘书长。这一历史事件标志着神圣罗马帝国的诞生。

☝️图03 The Oath of Leo III 利奥三世的誓言

壁画描绘了教皇在查理曼大帝面前宣誓清白的戏剧性场景。公元800年12月23日，教皇利奥三世手按圣经宣誓，为自己辩护，驳斥前任教皇哈德良一世侄子对他的指控，并声明教皇只在上帝面前对自己的行为负责。教皇身旁的随从捧着教皇的三重冠，周围的主教们则宣布他们无权审判教皇。

☝️图04 The Battle of Ostia 奥斯蒂亚战役

这幅壁画的灵感来源于公元849年教皇利奥四世在奥斯蒂亚对撒拉逊人的海战胜利。教皇的军队与撒拉逊大军激战，并奇迹般地取得了胜利。这一事件暗示着当时教皇利奥十世积极推动十字军东征。

拉斐尔描绘了土耳其舰队占领奥斯蒂亚港，他们的目标是教皇。画面中，可以看到基督徒士兵在海上与敌舰交战，许多撒拉逊俘虏被押至港口。有些俘虏被士兵拽着头发拖下船，有些则被士兵踩在脚下。这些俘虏最终被带到利奥四世面前，而利奥四世则以教皇利奥十世的形象出现在画面中。

☝️Room of the Segnatura 签字厅

签字厅的名字源自罗马教廷的最高法院“Segnatura Gratiae et Iustitiae”，这座大厅在16世纪是教皇主持法院开会的地方。尤利乌斯二世（任教皇时间：1503年-1513年）将此室用作图书馆和私人办公室，同时也在这里签署重要文件，并加盖教皇印章，使之成为具可执行的宗教信条。教皇特意委托拉斐尔为大厅创作壁画。在四个房间中，签字厅是拉斐尔第一个开始设计并亲自完成四面墙壁画的地方。

拉斐尔的壁画巧妙地融合了古代神灵与基督教理念，通过神学、哲学、法学和诗歌等主题，展示了教宗图书馆的藏书内容。这些主题以半圆形壁画的形式装饰在拱形墙壁上。大厅装饰的核心思想是世俗智慧与神圣智慧的和谐统一，体现了文艺复兴时期人文主义者对基督教教义与希腊哲学和谐共存的信仰。

☝️图01 Disputation of the Holy Sacrament 圣餐之争

《圣餐之争》是拉斐尔在抵达梵蒂冈后完成的第一幅作品，主要聚焦于圣餐仪式的神学意义和基督教教义的辩论。整幅画呈半圆形，画中的圣父与圣子被圣人和先知环绕，他们都坐在长凳上。画面从上到下分为三层：最上层是天父，两侧有天使飞翔环绕；中层是耶稣基督和门徒；最底层是教会人士和神学家们正在辩论圣餐仪式的神学意义。

拉斐尔在壁画中创造了一座横跨天空的教堂。最顶层，圣父沐浴在天堂的金色光辉之中，两侧各有三位飘逸的天使环绕。圣父右手祝福，左手托住地球。中层中央的基督被光环笼罩，左右两侧分别是圣母玛利亚和施洗者约翰，他们的光环被称为“神之光环”。其他人物站立在基督的两侧——最左边是手持钥匙的彼得，与旁边袒胸的亚当对视。亚当旁边是正在写作的福音传道者约翰，再往右是手持七弦琴的大卫王，拉斐尔笔下的大卫与米开朗琪罗的少年大卫雕像不同，呈现的是一位年老的智者，头戴王冠并擅长音律，因此常携带乐器。穿紫衣的是圣劳伦斯。施洗约翰左侧是身披金甲的犹大·马加比，犹大旁边是穿绿色衣服的司提反，再往右是头顶光环、手持十诫的摩西，摩西左侧是穿白衣的长老雅各，再往右是手持刀剑的亚伯拉罕和手拿书与剑的保罗。基督脚下是象征圣灵的鸽子，鸽子两侧有两个小天使展开四本福音书。最上方的圣父、中央的圣子和下方的圣灵鸽子形成一条中轴线，象征三位一体。

画面底层的祭坛上摆放着圣体匣，祭坛底部边缘写有“尤利乌斯二世·庞特·马克斯”。祭坛两侧坐着神学家，他们正在辩论圣餐变体论（即基督真实存在于圣餐之中）。下方是四位早期教会圣师（每位头上都有光环标识姓名）——身披金袍的教皇格里高利一世与身着红袍的杰罗姆坐在祭坛左侧，身着金袍的奥古斯丁与安布罗斯坐在祭坛右侧。祭坛最右边数第七位人物是只露出眼睛和鼻子的黑袍人物萨沃纳罗拉，他因异端邪说而遭到绞刑后又被焚烧。头戴金丝白帽、穿金袍的教皇西克斯图斯四世站在右侧第一级台阶上，背后是身穿红衣、戴桂冠的伟大诗人但丁。右侧第五位人物身穿深蓝衣的圣托马斯·阿奎那。右边身穿橙色内衣和蓝色长袍、留胡须并正在与旁边的年轻人交谈的是亚里士多德。画面左侧最边上的光头老人正在读书，他是拉斐尔的导师、文艺复兴时期的建筑师布拉曼特。最左侧穿黑袍的人物是安吉利科修士。左侧背景中正在建造的教堂象征着天主教会的宏伟。

作为一幅代表神学的壁画，《圣餐之争》是拉斐尔房间中最为金碧辉煌的作品，既象征上帝的荣耀，也代表着教会的胜利，同时也反映了文艺复兴时期对理性与信仰的探讨。

☝️图02 The Parnassus 帕纳索斯山

根据古典神话，帕纳索斯山是阿波罗神和九位缪斯女神的住所，也是诗歌的圣地。画面中央是阿波罗，他正坐着演奏一种乐器，周围围绕着九位缪斯女神、九位古代诗人和九位当代诗人。位于左侧中央、身穿深蓝色长袍的是盲人诗人荷马。荷马的右侧是伟大的但丁，左侧是罗马诗人维吉尔。阿波罗的右手边有五位缪斯，左手边则有四位缪斯，她们看上去婀娜多姿、光彩照人。左侧第六位人物是面朝后方的亚里士多德。亚里士多德旁边穿深紫色衣服的人是薄加丘。坐在阿波罗右侧、身穿白色长裙的是辩论缪斯卡利俄佩（Calliope），而坐在左侧、身着天蓝色长裙的是舞蹈缪斯托西克丽（Terpsichore）。画面左下角、身穿天蓝色裙子的希腊女诗人萨福，她手持上面写着她名字的卷轴。萨福是画中唯一的女性诗人。

“美”的概念贯穿整个画面，尤其体现在《帕纳索斯山》这幅作品的自然景色中，山水的和谐象征着艺术与诗歌的至高境界。

下面就是人人皆知的拉斐尔的巅峰之作—雅典学院

☝️The School of Athens 雅典学院

这幅壁画的主题是古希腊哲学和人文精神在欧洲的复兴。拉斐尔将一群来自不同历史时期、不同学派的著名学者收入画中，呈现出一场古代哲学家、数学家和科学家的盛大聚会。画面中共有57位学者和名人。画作的中心人物是哲学家柏拉图和亚里士多德。柏拉图左手捧着自己的著作《提摩太》，右手指向天空，象征其理想主义哲学——他认为一切存在源于理念的世界。与他并立的亚里士多德，左手持《伦理学》，右手手掌朝下，指向大地，代表实用主义哲学。他主张只有人的直接经验才能揭示真理，每个人都应在现实世界中发挥自己的才能。两位哲学家的观点代表了古希腊唯心论与唯物论之争。

画面左下角的毕达哥拉斯正专注于讲解二重论。古希腊犬儒学派学者第欧根尼则躺在楼梯上，手持盘子，似乎无视周围的一切。悲观主义哲学家赫拉克利特则靠在一块大理石上，低头写字。右下角的欧几里得正弯腰教授几何学，手中拿着圆规。旁边的琐罗亚斯德托着天球，面对的是托密勒，他左手托着地球。画面最右侧，戴着黑色贝雷帽的是拉斐尔的自画像，象征着艺术本身也是科学，可以登入学者的殿堂。

拉斐尔将50多位栩栩如生的哲学家和学者置入一座宏伟的古典建筑——雅典学院。建筑中的拱门、罗马式拱券结构的天花板、装饰着希腊女神像的支柱、古典雕塑和壁画，以及露出的蓝天白云的部分营造出强烈的空间感。建筑的两端各有一座雕塑，左边是手持竖琴的阿波罗，右边是身着盔甲、手持长矛与盾牌的雅典娜。

画中的哲学家们似乎朝着对面墙上《圣餐之争》的场景走去，暗示着整个空间象征着从古典哲学到真正宗教的过渡，从前基督教世界到基督教的演变。拉斐尔通过这两幅壁画展现了真理的主题：象征神学真理的《圣餐之争》和代表哲学家真理的《雅典学院》。

《雅典学院》被誉为拉斐尔艺术的巅峰之作，被认为是他的“杰作”和文艺复兴时期古典精神的完美体现。

☝️图01 Cardinal and Theological Virtues 基本美德和神学美德

这幅壁画展现了与道德和宗教相关的美德，分为基本美德（Cardinal Virtues）和神学美德（Theological Virtues）。这两组美德构成了拉斐尔对人类品德与信仰的深刻理解。基本美德被拟人化为雕像般的女性，她们坐在风景秀丽的田园风光中，而神学美德则通过小天使的形象得以表现。

画面左侧，一位上身穿盔甲的女性坐在橡树的树荫下，象征着坚毅，画面中央的女性代表审慎：她有两张面孔，一面是年轻女子，凝视着镜中的自己，一只小天使正为她扶着镜子。另一面是年迈的老人，象征着审慎与老年的智慧，因为审慎常被认为是年长者的美德。最后，节制被描绘成一位握着缰绳的女性，象征着对欲望与行为的控制。

画面右侧的三位小天使代表神学美德。慈善位于左边，正在采摘橡树的果实；希望站在中央，手持火炬，象征着照亮未来的信念；信仰位于最右侧，指向天空，象征着对神圣的信任和依赖。这些天使的形象为整个场景增添了自由和优雅的动感。

画面下方左侧是以拜占庭皇帝查士丁尼为原型的人物，而右侧则描绘了以教皇尤利乌斯二世为原型的教皇格里高利九世正在接受汇编成册的《格里高利教令》。

☝️图02 教皇格里高利九世正在接受汇编成册的《格里高利教令》。

由于教皇的教令信件在过去百年间不断变化并影响着法律，原本分散在各类出版物中的教会法亟需整理。为此，格里高利九世决定将这些教令汇编成册。1230年，教皇召见了民法和教会法博士雷蒙德，要求他协助将这些教令重新整理并编纂成《格里高利教令》。格里高利九世下令，雷蒙德的版本应作为唯一权威，并且只能在大学中使用。

画面中，教皇格里高利九世正在接过雷蒙德递交的《格里高利教令》。身旁的红衣主教分别是乔凡尼·德·美第奇和亚历山德罗·法尔内塞，未来的教皇利奥十世和保罗三世。

完成于1509年至1511年间的签字厅四幅半圆形壁画，分别体现了哲学、神学、法学和美学四大主题。《雅典学院》代表哲学，《圣餐之争》代表神学，《三德像》代表法学，《帕那苏斯山》代表美学。这些作品展示了拉斐尔对宗教、哲学和人文学科的深刻理解，完美地诠释了人类精神的三大范畴：真、善与美。

西斯廷礼拜堂（Sistine Chapel）

👇随着参观人流的推进，我们缓步走进梵蒂冈博物馆最为璀璨的瑰宝——西斯廷礼拜堂。踏入其中，仿佛走进一个超凡脱俗的圣境，时间在这一刻悄然凝固。礼拜堂内的光线柔和而圣洁，神圣的氛围弥漫在庄严的大厅中。四周墙壁与天顶的艺术装饰令人沉醉和震撼。每个人仿佛都在无声地参与一场神圣的仪式，思绪不禁回溯到几个世纪之前。那种宗教与艺术交融的厚重氛围，深深触动着人们的心灵，唤起一种难以言喻的敬畏与崇敬之情。

西斯廷礼拜堂无疑是历史上最伟大的艺术珍品之一，也是全球最著名的艺术杰作之一。它是梵蒂冈博物馆之旅的最后一站。

西斯廷礼拜堂的名字源自于委托建造它的教皇西克斯图斯四世。最初，这座教堂仅是一个简朴的宫殿教堂。大约在1473年，教皇将建造西斯廷礼拜堂的任务交给了建筑师乔凡尼诺·德·多尔奇（Giovannino De' Dolci）。他设计了这座宏伟的建筑，其规模与《圣经》中所描述的所罗门圣殿相当：教堂的长度超过40米，屋顶的高度相当于七层楼！

教皇希望用教堂的墙壁描绘摩西和耶稣的故事。摩西是希伯来人的领袖，而耶稣则是教会的指引者。为了实现这一愿望，教皇邀请了当时最著名的艺术家——波提切利、罗塞利、吉兰达约(米开朗基罗的首位导师)和佩鲁吉诺(拉斐尔的老师)——来绘制这些讲述圣经故事的壁画。此外，他还委托铺设了昂贵的人行道，并仿效中世纪的地面装饰，用彩色马赛克拼成几何图案和同心圆。

礼拜堂建成后，安然度过了近二十年的时间。但随后的一个事件最终促成了艺术瑰宝——天顶壁画《创世纪》的诞生。16世纪初，西斯廷礼拜堂周围在施工，日常的挖掘工作造成的震动使得拱形天花板出现裂缝。尽管建筑师布拉曼特用金属链条暂时固定住了屋顶结构，但原本装饰有金色星星的蓝色天顶壁画却受到严重损坏。因此，新教皇尤利乌斯二世决定邀请米开朗基罗重新绘制天花板。

此时的米开朗基罗虽然已经很富有，但他未婚，独自居住，生活节俭，且性格孤僻古怪，傲慢自大，因此树敌无数。据说，正是建筑师布拉曼特向教皇建议邀请米开朗基罗来绘制天顶壁画。布拉曼特是拉斐尔的朋友与亲戚，米开朗基罗很不待见这两个人，认为布拉曼特的建议是有意贬低自己。因为他一生未曾绘制过壁画，也不擅长这种艺术形式。因此，当教皇提出重新绘制西斯廷教堂天顶壁画时，米开朗基罗感到十分羞辱，因为他的雕塑才能没有受到赏识。事实上，米开朗基罗更自认是一个雕塑家，而非画家，他一向认为绘画是一门低级艺术。更令他不悦的是，他对蓝色的天花板深恶痛绝，曾称其为“谷仓的屋顶”。教皇通过反复施压和激将法劝说米开朗基罗接受这项挑战，并在信中写道：“你一定会将‘谷仓’变成梵蒂冈的瑰宝”。作为回应，米开朗基罗每次回复教皇的信件时，总是署名“米开朗基罗，雕塑家”。

1508年5月，米开朗基罗最终同意接受这个项目。教皇规定天花板上必须有12位使徒的巨像和其他彩绘元素。然而，米开朗基罗认为这种设计对如此开阔的天顶来说显得过于空泛。经过多次与教皇磋商，米开朗基罗获得了更大的创作自由，教皇允许他根据自己的构思设计天花板。他决定将天花板装饰得更有创意，并与周围墙壁上已有的壁画艺术水平相匹配。由于侧墙上已经描绘了耶稣和摩西的故事，为避免重复，他决定描绘从上帝创造天地万物到诺亚的故事。

签订合同后，米开朗基罗将自己锁在教堂里，开始独自地创作壁画，拒绝任何人进入，即便是教皇也不得打扰。

接下来的四年里，他不得不在危险的脚手架上，仅凭烛光工作数小时，常常以极其不舒适的姿势仰卧或举起双臂，眼睛始终盯着天花板。颜料不时滴入眼中，严重影响了他的视力。他两次从脚手架上摔下，甚至摔断了腿，但是依然没有停止创作。直到1512年10月，令人叹为观止的巨幅天顶壁画终于完成。米开朗基罗凭借一己之力终于将巨大的天顶变成了一件精美绝伦的艺术杰作，覆盖约一千平方米的壁画讲述了上帝创世的奇迹以及人类从创世到堕落的过程。正如歌德所说的：“没有见过西斯廷教堂的人，无法想象人类的极限能达到何种程度。”那年万圣节，教皇尤利乌斯二世亲自主持了在西斯廷教堂举行的庄严弥撒。

☝️《创世纪》壁画一共有九个主要部分，分别描绘了旧约创世纪中的几个关键场景。

创造光与暗（昼与夜）

创造天地：上帝在五天内创造了天地万物

创造亚当夏娃：上帝在第六天用泥土造出了亚当，赋予他生命，并从亚当的肋骨中创造了夏娃，作为他的伴侣。

禁果的诱惑与堕落：蛇诱使夏娃吃下禁果，亚当也跟着吃，导致他们的堕落。

亚当与夏娃的逐出伊甸园：因违背上帝的意愿，亚当和夏娃被逐出伊甸园。

该隐与亚伯的献祭：亚当和夏娃的两个儿子—该隐和亚伯把自己种的果实和养的羊作为祭品献给上帝。

大洪水的降临：上帝因人类的堕落决定用大洪水毁灭世界，诺亚按照上帝的旨意建造方舟，拯救了自己和各类动物免于大洪水的灾难。

诺亚的酒醉：诺亚出了方舟后，种植葡萄园并酿酒，最终因醉酒而发生不雅之事。

这些场景贯穿整个天顶，展现了从创世到人类堕落，再到上帝拯救与希望的宏大主题。

☝️《创世纪》壁画中最冲击心灵的画面是第四帧——上帝赋予第一个男人亚当生命。上帝被描绘成一位白胡子老人，身披旋风般的斗篷，在广阔的天空中向躺在大地上赤身裸体的亚当伸出手臂，并用两根手指将生命之火与灵魂注入这位刚刚被创造却尚无生命的亚当。亚当的姿势与上帝相似，也伸出一只手，仿佛在回应上帝的召唤。这一景象使人不禁想起上帝在《圣经》中所言：“我要照着我的形象，按我的样式造人。”然而，最引人注目的细节是上帝的手指与亚当的手指之间那微妙的空隙。这个空隙不仅是艺术上的巧妙设计，更富有深刻的象征意义。

首先，这个空隙象征了人的自由意志。尽管上帝伸手试图赋予亚当生命，但亚当并非被强迫接受，他有自由选择的权力——他可以回应上帝的召唤，也可以选择拒绝。这一细节凸显了神与人类之间的关系，既有上帝的引导与创造，又保留了人类的自主性与选择权。其次，这个空隙意味着上帝的超凡存在，上帝与人类之间有着无法逾越的界限。米开朗基罗巧妙地将画面定格在上帝与亚当的手指即将触碰，却尚未接触的瞬间，仿佛生命的诞生正处于一种临界状态。这一空隙不仅增强了画面的动感，也让观者感受到生命的诞生已迫在眉睫，但依然需要一瞬间的延续和空间，才能真正实现。

米开朗基罗在这幅壁画中精心描绘了343个人物，每一帧画面都蕴含着他深厚的艺术功底和对上帝的崇敬之情。这个作品被誉为有史以来由单一艺术家创作的最伟大杰作之一，米开朗基罗凭借其惊人的技艺与天赋，将旧约故事栩栩如生地展现在宽阔的天顶上。从天地的创造、生命的起源、人与神的交流，到人类的堕落，再到象征着救赎与希望的诺亚方舟，每一处细节都深刻表达了上帝对人类的宽恕与拯救。它仿佛引领观者进入一个超越时空的神圣境地。它不仅是文艺复兴时期艺术的巅峰之作，也对后世的文化与艺术产生了深远的影响。

《最后的审判》

《创世纪》的成功让米开朗基罗的名声如雷贯耳。二十年后，西斯廷礼拜堂依旧留有一面空白。虽然《创世纪》已经呈现了神创造天地的宏伟场景，但似乎缺少了一个展现所有灵魂最终被审判的画面。教皇克莱门特七世·德·美第奇意识到这一点，便联系米开朗基罗，要求他暂停在佛罗伦萨的工作，回到罗马为西斯廷礼拜堂绘制《最后的审判》。然而，米开朗基罗拖延了一整年才返回罗马，刚到两天后，教皇克莱门特七世便去世了。新教皇保罗三世决定继续这一项目，并亲自前往米开朗基罗的住所，看到他为克莱门特七世准备的草图后，现场批准了该计划。

尽管年事已高，米开朗基罗的性格依旧如故。在开始工作前，他坚持与教皇讨论一些技术细节。当时，部分画家提议使用油画来完成《最后的审判》，米开朗基罗没有立即回应，但也没有开始动工。教皇一再催促，米开朗基罗便愤怒地回应，表示自己只会用湿壁画来完成这项工作，并称油画不过是懒人之选。面对米开朗基罗的坚持，教皇和那些受辱的画家最终不得不接受湿壁画作为唯一可行的方式。

在这面巨大的白墙前，米开朗基罗发挥了他高超的绘画技艺。例如，他通过不同的维度展示人物的身高，站在较高位置的角色超过两米高，而处于较低位置的角色则被画得比常人矮小，从而让观众产生身临其境的感觉。然而，画中的裸体人物令许多人不适。在壁画完成前，教皇保罗三世曾亲自带领随从进去查看进展如何。教皇的司仪对画面中大量裸体人物感到震惊，并强烈抗议，称这种画作只适合放在酒吧里。米开朗基罗向来视人体为上帝创造的神圣杰作。作为回应，他将司仪画进壁画右下角的地狱之中，变成了神话中的冥界法官，头上长着两只巨大的驴耳朵，生殖器被一条蛇咬住。当该司仪愤怒抱怨时，教皇幽默地回应道：“不幸的是，我的管辖范围不包括地狱。”

1541年，米开朗基罗67岁时完成了这幅巨作。整个画面大致分为四层：最上层是天国的天使，中央是耶稣基督，下面是接受审判的人群，最底层则是地狱。壁画最顶端的两个半圆形画面中分别有两组天使。左侧一组天使抱着十字架，右侧一组抱着耻辱柱。耶稣下方的八位天使吹响号角，唤醒死者并宣告审判开始。神态威严、身躯高大的救世主基督举起右臂，开始审判。十二门徒和圣母玛丽亚环绕在他身旁，圣母玛丽亚小心地抓住头巾和衣衫，依偎在圣子右边。彼得站在中间偏左，他左手拿着开启天国之门的金钥匙，右手拿着开启地狱之门的银钥匙。基督右脚下的云端上坐着手扶梯子的亚当，后面是围着黄头巾的夏娃。基督右下方的云端上是使徒圣巴多罗买（Bartholomew），他手中拿着一张殉道时被割下的人皮，这张皮上画的正是米开朗基罗自己，这是米开朗基罗式的签名。画面最下方，善恶之人正在接受审判。左侧是将升入天国的群体，右侧则是将被投入地狱的亡魂。

三个多小时的参观结束了，但依然意犹未尽。据说，如果你在梵蒂冈博物馆的每一件艺术品前停留一分钟，那么你需要整整12年才能看完所有作品。由于时间有限，我们今天只能参观其中一小部分，但这已足以让我们内心充满震撼与敬畏。这里的每一件艺术品、每幅画作不仅是艺术的瑰宝，更是千年历史与文化的见证。从古埃及的木乃伊到《拉奥孔和他的儿子们》的大理石雕塑，从拉斐尔、提香、卡拉瓦乔等大师的杰作，到米开朗基罗的壁画，每一件作品都闪耀着艺术家的非凡才华，蕴含着深刻的哲学与宗教思想。尤其是米开朗基罗的天顶壁画《创世纪》，每一处细节都展现了他对上帝的虔诚与敬畏，以及对艺术的极致追求，仿佛为整个空间注入了生命，让人感觉在与上帝进行对话。即使是非基督徒，也能从中感受到上帝的恩典，仿佛翻阅着儿童版的旧约《创世纪》。参观梵蒂冈博物馆不仅是一场艺术的洗礼，更是一次心灵的净化。离开时，我们带走的不仅是视觉上的震撼，更是对古希腊和古罗马人的智慧与创造力的崇敬，以及对文艺复兴时期伟大艺术家的由衷敬仰。

☝️从梵蒂冈博物馆向东走，便可到达圣天使堡。圣天使堡最初是由哈德良皇帝于公元123年至139年间为自己修建的陵墓，陵墓建在一整块大理石上。之后历代罗马皇帝也葬于此地。到了公元6世纪，此陵墓被改建为教皇的堡垒。公元590年，罗马爆发严重瘟疫，教皇格里高利一世在堡垒上方看见天使显现，随后瘟疫奇迹般地消退，教皇因此将堡垒命名为圣天使堡。后来，教皇保罗三世为堡垒内部增添了华丽的装饰，并将其作为避难所。圣天使堡在历史上还曾作为监狱使用过。

连接罗马市中心和圣天使城堡的圣天使桥由哈德良皇帝于公元134 年修建。这座横跨台伯河的古罗马桥由三个桥拱组成，桥面铺砌大理石，桥上矗立着十尊精美的白色天使雕像，每位天使手中均持有一个耶稣受难时所用的刑具。

这十座天使雕像由吉安·洛伦佐·贝尼尼于17 世纪末设计，但他本人仅雕刻了带铭文的天使和带荆棘冠冕的天使，这两座雕像后来被移至圣安德烈亚·德勒·弗拉特教堂保存，桥上的雕像则为复制品。其余天使雕像均由贝尼尼的学生根据其设计完成。

桥的入口处，矗立着圣彼得和圣保罗的两座大型雕像。15世纪中叶，作为桥梁修缮的一部分，教皇西克斯图斯四世委托保罗·塔科内创作了这两个雕像。其中，圣彼得手持通向天堂的钥匙，而圣保罗则手持宝剑与书卷，象征着他的殉道与教义。

站在台伯河对岸望去，圣天使堡巍然矗立，圆形堡垒厚重庄严，象征着罗马千年的辉煌。堡顶高耸的大天使米迦勒铜像熠熠生辉，仿佛在守护着这座城市。十尊优雅、衣袍轻盈飘逸的天使雕像在阳光照射下，宛若真正的天使降临人间。桥下河水静静流淌，两岸绿树成荫。不远处，圣彼得大教堂的巨型圆顶高耸天际，雄伟壮丽，与蓝天白云相映成辉，这一切都营造出一种神圣而超然的氛围。

☝️图04桥对面路角有一家卖旧书和旧画的店铺。这家商店最值钱的东西应该是门楣上方横着的一长条大石匾，据说这条大石匾是中世纪某地出土文物😃我进去特意询问了年轻的店主，他说听祖父讲是真的。

☝️一天参观圣彼得大教堂和博物馆后，已经感到饥肠辘辘了。于是在街对面随便进到一个餐馆就餐。离景点太近的餐馆通常是价不廉，物不美。但是店内的装潢却很罗马。

☝️回去的路上路过万神殿，人实在太多了，改日再来吧。

在罗马的大街上走着走着，你会看到地下有许多空旷的古建筑遗迹，这主要是因为罗马已有近三千年的悠久历史，许多古代建筑和遗址被埋藏在地下或被后来的建筑所覆盖。随着时间的推移及城市的重建和扩建，地面不断被抬高，导致古代遗址被掩埋在地下。在罗马，建筑商和开发商在新建项目开始前，会进行详细的考古调查，确保施工不会破坏地下遗址。同时，许多古迹得到了加固和保护，成为地下遗址博物馆的一部分，新建筑可能在原址上建设，但需要遵循相关保护规定。

今天参观了圣彼得大教堂和梵蒂冈博物馆，宛如参加了一场盛大的艺术盛宴。我们拖着疲惫的双腿沿路返回，途经壮丽的威尼斯广场和恢弘的古罗马帝国广场时，驻足欣赏夕阳照射下的迷人风景，最终来到了离住处不远的斗兽场。尽管身体疲惫，但精神上的满足让这一天显得弥足珍贵，真切地感受到罗马是一座历史与艺术交织的城市，宛如一部活生生的历史书。每一条街道、每一座建筑都讲述着几千年的辉煌与传承。无数充满魅力的小巷与广场令人陶醉。罗马的美，不仅在于它的壮丽景观，更在于那无法复制的历史厚重感、浓厚的文化气息和永恒的灵魂。

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