流动的盛宴（巴黎行记之一）

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在我的学生时代，初读《巴黎圣母院》、《悲惨世界》、《双城记》时，无法想象自己某一天有机会去到巴黎。在我的职业生涯，有幸成为世界遗产工作者，设想着有一天会前往巴黎联合国教科文组织，观瞻“三翼楼”前的“和平碑”和夜幕下的地球仪，然而阴差阳错失去了多次机会。终于步入退休生活，我将巴黎排进最优先的旅行目的地之一，却因新冠疫情又不得不推迟了好几年。 （经典名著） 疫情期间，收看了蔡虹老师关于全球著名博物馆的系列讲座，心向往之。今年蔡老师终于首次组织法国～西班牙人文艺术游，是一个难得的、不容错过的学习机会。 准备出发时，我提前一天到达北京，由蔡老师“单独辅导”，仔细欣赏了部分苏比拉克雕塑，为此次旅行预热。‍10月8日与同行的朋友们一起飞往法国…… （中国🇨🇳北京～法国🇫🇷巴黎） ‍飞行10小时，到达巴黎戴高乐机场是当地时间傍晚6点40分，北京时间午夜12点40分，或许是期待已久的兴奋，并未感觉很疲劳。‍都说入境欧洲的中国游客大幅下降，机场却随处能看到中文，显示着疫情前中国游客持续多年的出游热情。 （巴黎戴高乐机场的中文提示牌） ‍10月的巴黎已进入深秋，早晚很凉，天气对我们并不友好，阴雨绵绵降温更为明显。巴黎奥运会、残奥会持续到9月份才结束，街头的奥运气氛仍然清晰可见。‍在巴黎，我们按计划参观了卢浮宫、奥赛博物馆、橘园美术馆、莫奈故居与莫奈花园、凡尔赛宫等。 （巴黎街头的奥运宣传） 奥赛博物馆 行程第一天我们来到奥赛博物馆，它与卢浮宫、蓬皮杜艺术中心被称为巴黎的三大艺术博物馆。‍奥赛博物馆位于塞纳河左岸，原是一座废弃的火车站，下列拼图展示了它的历史：‍图一、1900年巴黎迎来第五次万国博览会；‍图二、为迎接巴黎博览会，1898至1900年建设完成奥赛火车站。‍图三、1939年巴黎取消铁路、关闭车站；被废弃后的火车站空间。 （历史记忆） 1978年，它被列为历史保护建筑；1986年才被改建为博物馆，对公众开放，今天还能看到火车站的钟楼和立面。‍为了保持与塞纳河对岸的卢浮宫外观风格一致，奥赛博物馆用花岗岩遮盖住原火车站的钢铁结构，并在顶部建造了玻璃穹顶。 （奥赛博物馆外景） （奥赛博物馆的大厅和大钟） 与卢浮宫收藏古典艺术品（古代～十九世纪中叶）、蓬皮杜艺术中心收集现当代艺术品（1906年～1965年）不同，奥赛博物馆正好介于两者之间，呈现的是近代（1848年～1914年）艺术作品。‍奥赛博物馆共有5层80个展厅，展览面积4万7千平方米，藏品总数约9万7千件，涵盖绘画、版画、雕塑、家具、建筑、装饰、摄影等多个领域。 巴黎顶级华人官导刘海霞老师为我们讲解了奥赛博物馆最重要的展品：从自然主义、现实主义到印象派、后印象派大师的绘画作品，以及法国近代雕塑作品。对于年轻时缺乏西方艺术熏陶的我们这一代，这样的学习观摩机会真是大开眼界。 （海霞老师在讲解） 奥赛博物馆不仅收藏了现实主义画家米勒、库尔贝等代表人物的经典作品，还收藏了世界上最多的印象派画作，大名鼎鼎的印象派画家马奈、莫奈、雷诺阿、毕沙罗、德加……以及后印象派大师塞尚、高更、凡高，在这里都能找到他们的作品。 （奥赛博物馆的绘画展厅） 米勒是19世纪法国最杰出的以表现农民题材而著称的“伟大的现实主义”画家，米勒的作品以《拾穗者》和《晚祷》最为知名。‍罗曼·罗兰在他所著的《米勒传》中指出：“米勒，这位将全部精神灌注于永恒的意义胜过刹那的古典大师，从来就没有一位画家像他这般，将万物所归的大地给予如此雄壮又伟大的感觉与表现”。 （让·弗朗索瓦·米勒 1814年～1875年） 《拾穗者》是米勒最重要的作品之一，这幅画以写实的手法和丰富的想象描绘了麦收时节三个农妇弯腰拾麦穗的场景。‍最初看到这幅画的“赏析”，是富饶农村丰收景象与农民辛酸劳动形成对比，表现普通百姓生活的艰辛，深刻揭示阶级矛盾云云……我差点以为这是一幅俄国画家的作品。 （《拾穗者》） 这次同行的旅友、芝加哥美籍华人李博士对《拾穗者》的解读点醒了我，它暗藏米勒致敬古典主义大师普桑名作《夏》的涵义。《夏》同样是一幅“麦田丰收图”，前景包着头巾、身披黄袍的男子一边指着蹲跪在地的女子，一边招呼图右手持长杆的男子。这是对《圣经·旧约·路得记》中一段故事的演绎：女子路得生活贫困，依靠田里拾麦穗养活自己和婆婆拿俄米。麦田主人波阿斯(Boaz）同情路得的境遇，下令仆人准许她在收割后的麦田里捡拾遗漏的麦穗。图画正中穿黄袍的男子就是波阿斯，蹲跪在他面前的女人便是路得。 普桑和米勒都是以天主教为信仰的法国画家，这段圣经故事是普桑《夏》和米勒《拾穗者》创作的文化源头。‍后来波阿斯与路得结为夫妻，生下俄备得（Obed）～大卫王的祖父。众所周知的大卫王形象就是文艺复兴大师米开朗基罗那尊闻名世界的雕塑。 （普桑名作《夏》现藏于卢浮宫～图片来自网络） （《大卫》米开朗基罗～图片来自网络） 《晚祷》同样是一幅表现农村生活的作品，米勒通过童年回忆，表达对土地的眷恋和对农民的深情。‍米勒在1867年的世博会上大放异彩，组委会为米勒设立个人专室，集中展出他的8幅作品，最为著名的就是《晚祷》，这幅画被凡高、达利等后世名家所尊崇，也成为艺术史上复制最多的画作，超越了达芬奇的《蒙娜丽莎》和凡高的《向日葵》。 （《晚祷》） 同样‍作为19世纪法国现实主义画家，库尔贝才华横溢，个性激进，放纵不羁，还是印象派天团的颜值担当，因而十分自恋。与米勒“伟大的现实主义”形成鲜明对照，库尔贝在当时被指责为“庸俗的现实主义”，或许与他画了那幅惊世骇俗的《世界的起源》不无关系。他既不赞同古典主义的陈腐，也不喜欢浪漫主义的幻想，而是倡导艺术的真实，主张看到什么就画什么。 （居斯塔夫·库尔贝 1819年～1877年） 1855年法国第一次主办世博会，库尔贝给沙龙送去两幅大作都遭淘汰，就是今天享誉全球艺术界的《艺术家的画室》和《奥尔南的葬礼》。库尔贝于是办了个人画展，树起“现实主义”的大牌子，上面写着“现实主义，库尔贝，个人40件作品展览”。 （《艺术家的画室》） （《奥尔南的葬礼》局部） 我个人更喜欢库尔贝的人物画《受伤的男人》和风景画《埃特尔塔的悬崖》。‍《受伤的男人》旁边有一把剑，胸口的一侧流着血，其实这是库尔贝的自画像，表达他与相恋12年的女友分手后所受的情伤。 （《受伤的男人》） 埃特尔塔是位于法国西北部的一座海滨小镇，北面为英吉利海峡，被誉为“法国第一海岸”。洁白的悬崖、形状奇特的针峰、雄壮的象鼻山为三大标志性景观。‍埃特尔塔小镇是印象派画家最喜爱的写生地点之一，莫奈曾在这里创作了60多幅海景画作，而我更偏爱库尔贝的这幅作品。 （《埃特尔塔的悬崖》） 中外艺术史专家都曾强调，博物馆、美术馆的最大价值在于看原作。不仅是“好看”，更重要的是为了了解历史、感受艺术、学习人文思想。在这样的理论指导下，仅仅看过和拍照显然是不够的，回国后我边整理照片、边复习所学到的知识点，得以初步补上了印象派艺术基础课。 “印象派”是近现代绘画中最著名的一个流派，然而望文生义，很容易让人以为它是凭主观印象绘画，其实恰恰相反，印象派是追求眼睛所见真实的画派。 马奈被称为西方现代绘画的“开山鼻祖”，1863年，他画了《草地上的午餐》和《奥林匹亚》两幅表现裸体女子的画作，在巴黎引起轩然大波，并遭到拿破仑三世和公众舆论的攻击，而左拉却肯定他的艺术。 （爱德华·马奈 1832 ～1883年） （《草地上的午餐》） （《奥林匹亚》） 我最喜爱的马奈作品是《吹笛少年》，画中男孩黑衣红裤，以右脚为重心站立，左腿略微向外伸展，吹笛姿势自然老道；画面干净，形色统一，没有阴影，甚至忽略层次，是一下子就能夺人眼球的画作。 （《吹笛少年》） 法国画家亨利·方丹·拉图尔曾于1870年创作了《巴迪侬画室》，这幅画表现的场景是马奈的画室。马奈在作画，当时他已成名但饱受争议。作家左拉与莫奈、雷诺阿及印象派天团的朋友们正在围观。 （《巴迪侬画室》～图片来自网络） 雷诺阿是莫奈最亲密的朋友，他俩在很长一段时间内都一起创作，早期一同受到巴比松画派的影响。‍法国著名作曲家古诺（《圣母颂》作者）认为雷诺阿是百年一遇的男中音，不搞音乐可惜了。他曾奉劝雷诺阿跟随自己从事音乐创作，雷诺阿也曾心动，但最终还是选择了对生活更有着落，以及他更钟爱的绘画。 （皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿 1841～1919 ） 这次在奥赛博物馆看到雷诺阿的画作《煎饼磨坊的舞会》、《钢琴前的少女》非常开心，这两幅作品曾经在世界各地的博物馆和画廊中多次展出，受到艺术爱好者的广泛欣赏和赞誉。 （《煎饼磨坊的舞会》） （《钢琴前的少女》） 毕沙罗是印象派团队的“人力资源总监”，团队中几乎每个人都和他有关。他在艺术上虽不是最突出，但依靠他的社会关系给印象派带来巨大的行政支持。印象派成功办了8次画展，展览资金、名人站台等都是毕沙罗的贡献。可以说，假如没有毕沙罗，印象派就难以登上历史舞台。‍毕沙罗性格恬淡内敛，他在作品中常以大自然和乡村景色为题材，采用细腻的笔触和光影效果。 （卡米耶·毕沙罗 1830 ～ 1903年） 《在窗外的春日阳光下的妇人》，这幅名字不太美丽的作品，画面却非常漂亮，描绘了一个果园里的场景，阳光洒在树木和草甸上，营造出明亮且温暖的氛围。画中的妇人娴静恬淡，展现田园生活的宁静美好。 （《在窗外的春日阳光下的妇人》） 德加是印象派的压轴大师，也是印象派中最有特点的一位成员。曾先后担任奥赛博物馆馆长和卢浮宫博物馆馆长的卢瓦雷特先生说过这样的话：“我不明白德加为什么要与印象派为伍，他与这个自称革新派的团体格格不入。”‍事实上德加确实与莫奈、雷诺阿等大多数印象派画家有着太多的不同，比如他家里有钱，无需靠卖画为生；他受过良好的古典人文教育，从小就是一枚学霸；他不去户外写生，非常看重素描……等等。 （埃德加·德加 1834～1917 ） 德加是“术业有专攻”的典型代表，他的绘画离不开芭蕾舞演员。有芭蕾舞课、芭蕾舞台表演、芭蕾舞后台、彩排等各种场景。题材应有尽有，色彩丰富多样，画作遍布法国、英国、美国等各大博物馆。‍奥赛博物馆收藏的《芭蕾舞课》是德加非常著名的作品，遗憾这次并没看到，仅看到德加的雕塑作品《14岁小舞者》。 （《芭蕾舞课》～图片来自网络） （《14岁小舞者》） 莫里索是印象派中天资与才情俱佳的女画家，她的邻居是安格尔的学生，母亲让她和姐姐拜邻居为师，初衷只是让姐妹俩能为父亲画个生日礼物。没想到莫里索就此迷上绘画，连续5年都有作品入选沙龙，在印象派圈子里小有名气。 （贝尔特·莫里索 1841～1895） 莫里索与马奈一同在卢浮宫临摹画作时相识，莫里索喜欢马奈的才气，但马奈已经结婚。莫里索后来嫁给马奈的弟弟，也许与他对马奈的爱慕有关。马奈其实也很喜欢莫里索，他以莫里索为模特的作品有10多幅，《莫里索与紫罗兰花束》和《阳台》就是其中的两幅。 （《阳台》） （《莫里索与紫罗兰花束》） 德加一生感情不顺，终生未娶。他年轻时爱过莫里索，但他思想复杂，羞于表达。莫里索画的这幅《姐妹》，姐妹俩身后挂着一幅扇面画就是德加送给她的礼物。画的是法国著名文人阿·德·缪塞弹着吉他，唱着爱情小夜曲。德加以如此隐晦的求爱方式，面对心里爱着马奈的莫里索，也就无疾而终了。 （《姐妹》～图片来自网络） 后印象派画家塞尚、高更、凡高个个名字如雷贯耳，然而对我来说，他们的大部分作品超出了我欣赏能力的上限，进入了深水区。 塞尚被称为后印象派中的“立体主义”画家，他主张建立一个与现实世界相平行的艺术世界，这个理念对后世影响很大，他因此被认为是“现代绘画之父”，毕加索称他为“我们所有人的父亲”。 （保罗·塞尚 1839～1906 ） ‍塞尚常常就一个题材创作系列画作，比如以打牌为题材的作品，在美国、英国等博物馆都有收藏，奥赛博物馆这幅《玩纸牌者》据称是发生风格转变的一幅。 （《玩纸牌者》） 高更最初是一位股票经纪人，1882年大股灾后成为一名八竿子也打不着的职业画家。高更初入画坛时深受毕沙罗的影响，1887年他和朋友去了一趟马提尼克岛，回来后画风大变。毕沙罗敏锐的指出高更这是在对原始部落的文化进行掠夺式的“借鉴”。后来高更转向原始主义，创作了《塔希提的妇女》之类好几幅以大溪地为背景的画作。 （保罗·高更 1848～1903 ） 这次没见《塔希提岛的妇女》，看到了高更的陶艺作品《奥维里》。《保罗·高更的雕塑和陶瓷》目录作者克里斯托弗·格雷（Christopher Gray）解读《奥维里》的主题是死亡、野蛮、凶猛。‍奥维里坐在一只死去的母狼尸体上，压碎了她的幼崽。‍高更表达了深深的幻灭和沮丧，他时年47岁，12年来将精力投入到艺术事业中，在他看来自己没有取得任何进展。‍《奥维里》透露出高更的精神世界隐含着某些悲剧性的成分，几年后高更在塔希提自杀未遂，得救后创作出著名的传世油画《我们从哪里来？我们是谁？我们往哪里去？》 （《塔希提岛的妇女》～图片来自网络） （《奥维里》） 凡高是后印象派中的“表现主义”画家，最著名的绘画是《向日葵》，最多的作品是《自画像》。据介绍他曾经画过40多幅自画像，我们在奥赛博物馆也欣赏到其中之一。 （文森特·威廉·凡·高 1853～1890 ） （《自画像》） 奥赛博物馆同时展出另两幅《保罗·嘉歇医生像》和《瓦兹河畔奥维尔的教堂》。‍我曾在英美等国的著名博物馆、美术馆中多次看过凡高的不同作品，起初觉得他的绘画色彩过于浓烈，直到某次读了一篇文章介绍：有传言凡高是色盲，这个传言可以被用来解释为何凡高对色彩的运用如此大胆？只因他自带滤镜。‍一位日本大师为使自己对视觉缺陷有更深的理解，曾站在被照亮的房间里观赏凡高的画，发现这幅画转化为另一幅更美的画了。于是他每看凡高的画都会透过色盲眼镜，似乎显示凡高的作品在视力有缺陷的人眼里更加完美。作品中不协调的颜色、变形的线条都不见了，每一幅画中的线条都无比精致，每一个阴影都恰到好处。‍我不知道这样的解释是否真的可信？ （《保罗·嘉歇医生像》） （《瓦兹河畔奥维尔的教堂》） 欧洲的雕塑很多题材都与古希腊神话有关，因为最早的雕塑是古希腊人用以敬奉神的物品。在古希腊语中，“雕塑”的意思就是“让神高兴的东西”。 荷马史诗《奥德赛》的主角、战神奥德修斯（Odysseus）在特洛伊战争后，与他的部下一起历经海上漂流10年才返回家中。美貌的妻子潘尼洛普（penelope）在家苦苦等候，坚守忠贞20年（战争10年、返回10年）。故事中潘尼洛普为了应付死缠烂打的追求者们，谎称织完布料就嫁给他们之一。布料始终没能织完，因为她织了拆，拆了又织，最后终于等到丈夫归来。雕塑中潘尼洛普手里拿着一枚纺锤正在椅子上小憩。 （《沉睡的潘尼洛普》） 法国19世纪著名的浪漫主义雕塑家路易·欧内斯特·巴里亚斯（Louis-Ernest Barrias, 1841～1905）最重要的作品之一《自然向科学揭开面纱》，表现一位安静顺从的曼妙少女，低首含羞地缓缓揭开面纱。‍根据科学史专家的解释，这座雕塑的原型是埃及的生命女神伊西斯，“伊西斯的面纱”被喻为大自然希望隐藏她的秘密。‍随着科学革命的到来，人们对自然的观念发生转变，这尊雕像寓意大自然向科学家揭开了自己神秘的面纱。 （《自然向科学揭开面纱》） 在西方雕塑史上，罗丹被誉为19世纪古典主义最后的大师，同时也被称为现代主义雕塑的开拓者，是欧洲雕塑史上公认的继菲迪亚斯、米开朗基罗之后的第三座高峰。 （奥古斯特·罗丹 1840-1917 ） ‍罗丹创作的《地狱之门》参照了早期文艺复兴大师吉贝尓蒂在佛罗伦萨洗礼堂的经典作品《天堂之门》，其题材取自于但丁《神曲》的《地狱篇》。‍巴黎罗丹博物馆的《地狱之门》为青铜材质，奥赛博物馆的是石膏模型。 （《地狱之门》罗丹博物馆～图片来自网络） （《地狱之门》奥赛博物馆） （佛罗伦萨洗礼堂“天堂之门”～图片来自网络） 有艺术史评论家认为，文艺复兴和巴洛克两种风格都追求统一的主题和效果。但文艺复兴就像乐高玩具，每一个局部都有一定的独立性；而巴洛克却像个泥塑，任何一个局部一旦脱离整体，就失去了存在的意义。 罗丹显然接近于文艺复兴风格，他的很多作品都是群雕中的组成部分。‍《思想者》是《地狱之门》庞大雕塑中的一件小品，居于《地狱之门》的中心。最初罗丹命名为《诗人》，象征但丁对于“人间地狱”中种种罪恶的思考。后来，罗丹将其单独参加展出，重新命名为《思想者》，表现一个严肃思考问题的裸体男子有着粗壮的体魄，力量却被桎梏着，突出罗丹的思想表达～健全的精神必然寓以强健的体魄之中。 （《思想者》） 罗丹别出心裁，在正方形基座上烘托一个秀美淳朴的女性形象，她低头沉思，目光忧郁，表露复杂的内心世界。‍这个端庄美丽的头部下面，既没有身躯也没有手足，仅有一块粗粗凿成方形的石头。‍罗丹曾解释说，这个雕像集中表现“冥想”，摒弃一切与之无关的东西。他认为在一些和主旨无关的局部上加工雕琢毫无必要，只会损害对中心主题的表现，这是他在年轻女子头像下面保留整块粗糙石头的原因。 （《沉思》） （面对《沉思》） 《沉思》塑造的是卡米尔·克洛岱尔（ Camille Claudel ）～法国著名女雕塑家，也是罗丹的学生、助手和情人，她以倔强的才情、任性的魅力而著称。卡米尔与罗丹热恋期间参与罗丹许多杰作的创作，共同塑造了大量经典作品，包括《地狱之门》群像的手部和脚部雕塑。但她最终与罗丹关系破裂而分手。 （卡米尔·克洛岱尔 1864～1943） 奥赛博物馆不仅众多展品让人眼花缭乱，餐厅也极具特色。午间在优雅的环境里享受美食，既饱了口福，又得到片刻休息，‍令人加倍满足。 夜游塞纳河 奥赛博物馆闭馆之后，我们在风雨中乘游船夜游塞纳河。没想到疫情前预约困难的游览项目，竟然成了我们一群人的包场，或许是大雨天唯一的受益之处。‍法式三道餐果然名不虚传，第一次品尝正宗法国大餐，可惜团员中无人喝酒，白白浪费了套餐中 5 瓶法国红酒 🍷🍷🍷🍷🍷 （夜游塞纳河） 建成于1889年的埃菲尔铁塔是巴黎的标志，更是法兰西的象征。大雨中游船在塞纳河上来回行驶，穿梭于一座座古桥之间。夜光下埃菲尔铁塔在每个不同的视角都璀璨夺目，不愧是世界建筑史上的杰作。1991年，埃菲尔铁塔连同塞纳河沿岸景观被联合国教科文组织整体列入《世界遗产名录》。 （塞纳河上远观埃菲尔铁塔） 巴黎圣母院 塞纳河沿岸被整体列入《世界遗产名录》的名胜古迹还包括著名的巴黎圣母院，然而她却命运多舛。2019年4月15日傍晚，巴黎圣母院的大火震惊了全世界，哥特式尖顶在全球人们的叹息声中不幸断裂。 （巴黎圣母院大火～图片来自网络） 巴黎圣母院建于中世纪 1163 ~ 1345 年，‍位于塞纳河的西岱岛上，是巴黎城中心的中心。西岱是城市 city 的词源，被称为法兰西文化的摇篮。 （西岱岛、巴黎圣母院老照片～图片来自世界遗产资料库） ‍巴黎圣母院门前广场上有一个八角星原点，法国境内所有公路的里程都从这里开始计算，被誉为法兰西的心脏和灵魂。 （八角星原点 point zero～图片来自世界遗产资料库） 巴黎圣母院作为塞纳河两岸世界遗产的重要组成部分，代表着历史、建筑、文化、宗教等方方面面。‍十二世纪的巴黎，已经开启大规模城市化进程，继而在政治、经济、文化等各个领域取得重大成果。‍巴黎圣母院始建于路易七世时期，这是一位被称为“爱上帝胜过爱江山美人”的君王。伴随着十字军东征，伊斯兰清真寺建筑技术影响欧洲，西亚与欧洲的建筑文化得到融合；欧洲教堂楼顶变尖、墙壁变薄。法兰西耗费巨资网罗能工巧匠，以哥特式建筑替代罗曼式设计，意欲超越意大利，使天下基督徒朝圣的步伐由罗马转向巴黎。 （巴黎圣母院外墙雕塑） 歌德说：“我把建筑叫做凝固的音乐。”‍巴黎圣母院高宽各分三部分，大中套小，小中更小地体现着黄金分割，被誉为“石头的交响乐”。 （各种大小的1:0.618 ） 大文豪雨果在教堂墙壁角落抚摸到两个希腊字“命运”，文思泉涌下创作出不朽名作《巴黎圣母院》，成为全世界独特的文学遗产。 （大文豪的巨著） 尖拱、飞扶壁、动态线条、彩色玻璃花窗……这些哥特式建筑的风格特征，在感官上引领着中世纪的天主教徒们感受神圣天国的超然之光，敦促教徒们从物质世界走向非物质世界。 （飞扶壁、动态线条） （玫瑰花窗） 然而为了抬高和支撑楼顶，使用了干燥处理的橡木，年深日久的木楼顶成为火灾的隐患……突如其来的大火几近摧毁800多年的沧桑历史和宗教文化。 （橡木屋顶～火灾隐患） 万幸的是，美国瓦萨尔学院比利时裔教授安德鲁·塔隆曾对巴黎圣母院进行全方位的三维扫描，使得重修巴黎圣母院成为可能。‍五年多来，巴黎圣母院在全球关注下一步步即将走完耗费7亿欧元的修复之路，并将于今年12月8日重新向世界各地的游客开放。 （修复中的巴黎圣母院） 10月份巴黎圣母院尚处于维修末期，我们只能在外围参观。圣母院对面的台阶上坐满了巴黎的市民……大火中被抢救出来的雕塑“圣母子”以新的姿态率先迎接朝拜她的游客。如我这般并无任何宗教信仰的人，也能感受到整个天主教世界终于长长地舒了一口气。 （巴黎圣母院前的圣母子雕像） 其实，文明的诞生、毁灭与复活皆源于人类灵魂深处的一场大火……浴火重生，精神永恒，是对文化遗产最好的诠释！ （2024年12月巴黎圣母院将重新开放） 联合国教科文组织 夜幕下我们来到巴黎丰特努瓦广场～联合国教科文组织‍（ UNESCO ）所在地，‍教科文组织是管理世界遗产的国际机构，世界遗产是教科文组织的旗舰项目。远远就能望见著名的“三翼楼”，寓意着引导人类文明进步的“三翼”～科学、教育、文化。‍‍通过半开放的围墙看到丹麦设计师设计的夜光地球仪，以及大楼前飘扬的195个成员国国旗。‍有所遗憾的是，因为没有提前预约，我们无法进入，不能亲眼目睹三翼楼前的“和平碑”，和平碑上用十种文字刻着同一句话，它是联合国教科文组织宪章的开篇语～“战争起源于人之思想，故务需于人之思想中筑起保卫和平之屏障！”‍十种文字分为九行：‍第一行：阿拉伯语、希伯来语‍第二行：法语‍第三行：英语‍第四行：中文‍第五行：西班牙语‍第六行：印度语‍第七行：意大利语‍第八行：葡萄牙语‍第九行：俄语‍那是人类文明全球化 🌍 的见证！ （巴黎丰特努瓦广场） （联合国教科文组织） （成员国国旗） （“三翼楼”～图片来自世界遗产资料库） （“和平碑”～图片来自世界遗产资料库） 连续几天漫步在巴黎街头，一次又一次经过凯旋门、埃菲尔铁塔，我脑海中不断出现巴尔扎克、雨果、海明威等文学巨匠的描述。‍有人说巴尔扎克的巴黎早在巴黎大改造中就被拆了个精光。巴尔扎克曾说：“我不是在咖啡馆，就是在去咖啡馆的路上。”巴黎的咖啡馆本质上是社交场所，当年巴黎的知识分子基于不同的主题就奔向不同的咖啡馆。‍今天，巴黎仍然到处都是咖啡馆，咖啡馆依然人头攒动，可见任何形式的城市改造最多只能改变街道的宽窄和建筑的外观，城市的气质和人们的生活方式是难以改变的。 （埃菲尔铁塔） （凯旋门） （巴黎街头的咖啡馆） 一个真实的故事我非常喜欢：‍1956年末，海明威和第四任妻子玛丽住进巴黎的丽兹酒店，工作人员递给他两个发霉的箱子，说这是他1927年存放在酒店保管而忘了取回的。海明威撬开生锈的锁，看到旧衣、发票、打猎钓鱼用具、赛马新闻报纸……箱底的笔记本令他发出惊呼“原来它们在这儿！”于是有了《流动的盛宴》～对自己20多岁时巴黎生活的回忆。‍他说：“如果你有幸在年轻的时候去过巴黎，在那儿生活过，那么它会如影随形跟着你，伴你终生，巴黎就是一席流动的盛宴!”‍海明威年轻时在巴黎食不果腹，住在贫民区，但他说“那时的我们贫穷但快乐！” 1954年，海明威的《老人与海》获诺贝尔文学奖；1957年，28岁的马尔克斯在巴黎的大街上遇到了自己的偶像，那时马尔克斯是一位报社从业人员，在哥伦比亚出版过一本小说，获得了文学奖，但他仍在巴黎漫无目的地游荡着，巧遇自己的偶像时，他向着马路对面大喊：“大师…大师！”海明威爽快地回应了这个年轻人“再见，朋友！”‍1967年，史诗般的经典《百年孤独》出版，在拉丁美洲及全球引起轰动；1982年，马尔克斯荣获诺贝尔文学奖，奠定了世界文学大师的地位。 （经典名著） 巴黎是一座被时光酿造的城市，是时尚浪漫之都，也是文化艺术的代名词。文化艺术是这个世界最深沉、最浓郁的香氛，晕染人类的意识和灵魂，历久弥新，永不消退。