<p class="ql-block"><span style="font-size:18px;">2024年11月7日下午参观</span>“目光交织——法兰西艺术院中法院士艺术特展”，根据所拍照片复习整理。</p> <p class="ql-block">成立于1816年的法兰西艺术院连接着古典与现代，是法国最高的艺术研究殿堂。</p> <p class="ql-block">本次展览展出了朱德群、赵无极、让·卡尔多、克罗德·阿巴吉、让·安哥拉、菲利普·加莱尔、皮埃尔-伊夫·特雷莫瓦共7位法兰西艺术院院士，和吴冠中、吴为山2位中国籍通讯院士的共计80余件作品。</p> <p class="ql-block">《多宝鱼》，油画，124*208㎝，2002年作者：皮埃尔·伊夫·特雷莫瓦</p><p class="ql-block"> 多宝鱼的双目原本分布于身体双侧，随着成长以及泳姿的变化而转移到身体同侧，这种变化展示着生命的奥秘并与水下世界一起深深吸引着作者。自然以其独有的美与生命力成为千百年来艺术家创作的母题,其艺术表达背后折射出人类在社会时代变迁中自然观的发展。为在创作中更接近自然，艺术技艺也随着科学技术的进步日臻完善,中国“皴法”的纹理模仿，西方“透视法”的空间错视,都体现着艺术家基于对自然细腻体察和对世界深入认知的语言探索。</p> <p class="ql-block">《狒狒》，帆布碳笔，100*120㎝，1973年作者：皮埃尔·伊夫·特雷莫瓦</p><p class="ql-block"> 以狒狒为主题中,辅以大量历史著名哲人、学者的名称,如苏格拉底、泰勒斯、西拉诺·德·贝热拉克等。二者并置是对人类发展过程的溯源,是对科学的致敬，以及对人与动物关系的探讨。特雷莫瓦的线条是一种自我表达，他的线条纤细又不失坚定，融合了西方书写与东方线条的概念。</p> <p class="ql-block">《问道》，材质青铜，作者：吴为山，2012年，中国城市雕塑家协会藏 </p><p class="ql-block">艺术家用大写意手法为古之圣贤立像，孔子浑然高古，展现儒家仁爱为本的道德追求;老子飘逸悠游，体现道法自然的精神本质。肇天立柱直指中国传统文化内核，表达只有问道、传道结合,才能产生世界范围的广泛对话，从而沟通心灵，融通了解，共谋发展。</p> <p class="ql-block">《跨越-火炬手》，材质青铜，吴为山</p><p class="ql-block">2014年，50X152X20 cm，中国城市雕塑家协会藏</p><p class="ql-block">雕塑是关于平衡的艺术，是材料与工艺、部分与整体、形态与内涵的平衡。《火炬手》原作是吴为山先生为南京青奥会创作的，长约36米的大型公共雕塑。火炬手夸张的体型是艺术家对体育健儿们速度和力量的赞美。</p> <p class="ql-block">《平衡——滑雪者》，材质青铜 吴为山， </p><p class="ql-block">1996年，46X28X27 cm 中国城市雕塑家协会藏</p><p class="ql-block">《滑雪者》传达着雕塑艺术形式背后，艺术家的取舍与平衡。</p> <p class="ql-block">吴为山作品 人物分别是孔子、老子、李白、杜甫</p> <p class="ql-block">《百年丰碑》，青铜，吴为山2019年，130×176×10㎝，中国城市雕塑家协会藏作品原型在2019年由中国赠送法国,立于法国蒙达尔纪火车站前的邓小平广场,是吴为山为纪念中国留法勤工俭学运动100周年而作。原作尺寸宽约5米,高约3米,刻有‘Travail- Etudes 100 ans”(勤工俭学一百周年),碑体呈砖块垒砌的造型,象征着无数胸怀理想的仁人志士。雕塑表现了一批无产阶级革命家，如周恩来、邓小平、陈毅、聂荣臻等早年留法勤工俭学的经历,特地选取了革命先驱们典型的面貌和服饰特征。浮雕中的人物运用了“起位”的技法,通过高低差异,形成前后空间关系，突出代表性人物的形象。</p> <p class="ql-block">《在一条船上——达芬奇与齐白石的神遇》青铜，2012年，吴为山，92×286×14㎝ 中国城市雕塑家协会藏</p> <p class="ql-block">关于这件作品的创作,，吴为山是这样描述的:“我坐在威尼斯游船上面突发奇想,如果齐白石来了，或者说我们上了达芬奇的船,在船上听他讲，会是什么样的状态?达芬奇是手指着天，强调天理之光，强调科学，强调自然规律。齐白石一直拿着一个拐杖，下接地上接天,在天地之间寻找，寻找人与天之间悠游自在的关系，这两尊雕塑分别代表着东西方文化不同之处，也体现了他们的相同。因为同样是在丝绸之路上，这种对话超越时间与空间。”</p> <p class="ql-block">《松岩》《远山》《云起》《黄山湿了》水墨，吴为山 2024年，33X43cm，中国城市雕塑家协会藏</p><p class="ql-block">这组画作取材于黄山，用水墨勾勒黄山的奇绝，松树的挺拔,山间流云的膝胧,将写实与意境相结合，形在似像非像处,意在似有似无间。吴为山的写意雕塑与写意山水画相呼应,于具象与抽象之间,找到属于中国绘画独有的艺术语言。</p> <p class="ql-block">《神遇——孔子与苏格拉底的对话》青铜，吴为山，2012年，71×91×44㎝ 中国城市雕塑家协会藏，原作品立于希腊古市集中国艺术家将法国及西方的思想观念与艺术技巧转化为对中国传统精神与现实社会的表达,法国艺术家以诗画相应，以自我体悟为始抵达道法自然、天人合一的道家思想。中、法艺术家海纳百川的艺术胸怀为当代艺术发展打开了新的局面。中西方艺术的交会之处就是在彼此所长中找到更适合自我的表达方式,达到物我两忘的境界彼岸。</p> <p class="ql-block">《跳跃》（铸铜） 1965年 让·卡尔多 中国美术馆藏</p><p class="ql-block"><span style="font-size:18px;">一跃而起的动势被艺术家精准捕捉并再现于雕塑中，カ与平衡汇聚在双腿，野性与生命力在形式中达到统一。</span></p><p class="ql-block">让·卡尔多1930年7月20日出生于法国，1983年11月9日当选为法兰西艺术院院士，是当代法国最有影响力的雕塑家之一。让·卡尔多以公共雕塑闻名于世，在法国、中国、英国、美国、加拿大、波兰、卢森堡等地创作了70多件大型公共雕塑，包括立于巴黎香榭丽舍大街的戴高乐将军像和巴黎小皇宫前的丘吉尔像等。</p><p class="ql-block">1956年，卡尔多在获得法国官方艺术最高奖项罗马大奖后，被邀请前往马德里的委拉兹凯兹别墅艺术家基地驻留两年。在西班牙的日子里，卡尔多时常观看斗牛表演，公牛们强壮而威严的背脊、坚硬的双角、纯黑的轮廓以及争斗时激烈的姿态，都让卡尔多深深着迷并并促使他将这种爆发的生命力融入雕塑创作。他曾如此描述公牛：“我钦佩这些野兽神话般的一面，因为它们的力量、体积和勇敢。”</p> <p class="ql-block">托斯卡纳的斗牛 让·卡尔多 呼和浩特雕塑公园藏</p> <p class="ql-block">沐浴阳光的牛 让·卡尔多 中国美术馆藏 </p> <p class="ql-block">《女人躯干像》 1962年 让·卡尔多 中国美术馆藏 </p> <p class="ql-block">《行走的躯干2号》 铸铜 让·卡尔多 1962年 中国美术馆藏</p> <p class="ql-block">巴黎学艺期间，吴冠中醉心于印象派等流派作品的梦幻色彩和精妙造型，以及凸显的生命力之中。他的老师苏弗皮尔曾鼓励他：“从你们17世纪以前的传统根基上发出新枝来。” 回国后的吴冠中积极地践行着老师的赠言，努力将所学与传统融合。吴冠中说：“由于传统民族心理的熏陶，我爱绘画的意境；由于对西方现代艺术的爱好，我重视形象及形式本身的感染力。”</p><p class="ql-block">70年代时，他倾心于白皮松，爱其形象苍劲之美，爱其斑驳色块，称赞其为油画好题材。展品《白皮松》以仰视的角度将树木置为画面主体，明暗的色块、挺拔的树干展现出自然状态下植物的生机，以及中国传统文化中松柏所寓意的风骨。</p> <p class="ql-block">《绍兴河滨》1977年 吴冠中 中国美术馆藏</p><p class="ql-block">艺术创新探索之路迂回曲折，吴冠中时常感觉现世与理想的拉扯。在融汇东西的道路上，鲁迅给予了他源源不断的精神力量，他曾在文章中写到：“鲁迅先生说过腹背受敌，必须横站，格外吃力。我自己感到一直横站在中、西之间，古、今之间，但居然横站了五十年……”为更接近鲁迅，吴冠中多次前往绍兴写生，更住在鲁迅故居中，感受其力量与支撑。《绍兴河滨》一画，便是这一时期的产物。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">《绍兴河滨》背面，吴冠中1977年，61X 46cm，油画，中国美术馆藏</p> <p class="ql-block">《山村》2007年 吴冠中 中国美术馆藏</p><p class="ql-block">吴冠中在散文《大江南北》中写到他偏爱早春时分的江南村落，春水微绿，远山偏青，呈现着朦胧的半透明的冷灰色调，白墙黑瓦散落其中，分外醒目。展品《山村》色块纷飞，红、黄、绿的彩点代表了江南人家的活动、晾晒的衣裳，表现出“春风又绿江南岸”的生机。这些彩点亦成为他画作的特色之一。</p> <p class="ql-block">《高桥》 2006年 吴冠中 中国美术馆藏</p><p class="ql-block">“艺术只能在纯真无私的心灵中诞生，只能在自己的土壤里发芽。”故乡的土壤成为吴冠中画意中“美”的诞生之地，水乡青草孕育了童年印象，亦成为吴冠中独特的绘画语言与绘画造型的重要载体。 </p><p class="ql-block">据介绍，高桥是吴冠中儿时放学回家的必经之道，从桥上望着船帆顺河远去，成为他最早接触到的透视景象。多年后，萦绕心底的故土情怀促使他“引线条入油画，引块面入水墨”，高桥在他眼中不再仅是景色连接的桥，“它是线、面间形式转变的桥”。在展品《高桥》中，他用纤细的线条和浅淡的墨色勾出了小桥、流水的诗情意境，形式美与意境美和谐交融于这座弯弯的高桥。</p><p class="ql-block">吴冠中曾在1984年专门写《桥之美》一文来赞颂桥的形式美感。对于他来说,桥不仅是两岸景色之间的连接,也是绘画中块面和曲线之间的媒介，“它是线、面、间形式转变的桥”。本幅作品中，吴冠中用寥寥几笔勾出了小桥、流水的诗情意境，桥之形态与其筋骨用点、线、面的组合得以表现,精练的笔墨将对世界的理解与绘画融为一体，既保留了桥身的真实形态，又与写意有机地结合，正似吴冠中所诉:“我想造一座桥，是东方和西方、人民和专家、具象和抽象之间的桥”。</p> <p class="ql-block">《莎士比亚故里》，吴冠中1992年，73X 81 cm，中国美术馆藏</p><p class="ql-block">“一切艺术都倾向音乐，其实，即倾向节奏、韵律。”1992年吴冠中应大英博物馆之邀前往英国举办个展《吴冠中一20世纪的中国画家》,这是大英博物馆首次为中国在世画家办展。这次英国行也让吴冠中与充满形式美的莎士比亚故居相遇。从风景到面面，经历了感性的启发和理性的处理，他放大建筑特点，简化周围环境，房屋从立体挤压成平面。饱满的画面构图像一支交响乐乐谱，老宅外墙疏密纵横的结构化为音符，作品充满视觉上的节奏感和音乐美，到达“有意味的形式”。</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">《恶之花》，吴冠中1998年，70X 70 cm，油画，中国美术馆藏</p><p class="ql-block">《恶之花》作为十九世纪颇具影响力的诗集，不仅在法国，更在现代艺术领域产生了深远的影响。该作品以其独特的象征主义风格，激发了众多艺术家对深层情感表达的探索。吴冠中在巴黎学习期间，受到现代主义思潮的影响，本作品便是向其致敬之作。法国诗集《恶之花》(Les Fleurs du mal)是象征主义文学的经典之作，兼具浪漫主义、象征主义和现实主义的特征，通过象征和隐喻，探索人类存在的痛苦与美丽。作者夏尔·皮埃尔·波德莱尔(1821-1867)被称为法国古典诗歌的最后一位诗人、现代诗歌的最初一位诗人。</p> <p class="ql-block">《绿色动力》，朱德群1982年，195 X 390 cm，油画，中国美术馆藏作品充满了线条、色块和自由的笔触，这些元素构成一个奇特而神秘的空间，远望好似群山，细看仿佛空气、光线、薄雾，使人感受到涌动的活力,明暗间的碰撞及整体的和谐宁静。这幅作品既有凝练的西方抽象审美，又有淡雅空灵的东方意韵，是20世纪中西方艺术融合的经典作品。朱德群在作品中浓缩了中国传统书法中点线的运笔和姿态，形成独特的韵律和节奏，使画面呈现出意境美、形式美、线条美、运动美等多种审美意态。同时他融合西方抽象油画的内涵,达到精神层面上的互通共融,创作出国际化的现代绘画语言。</p> <p class="ql-block">《无题》，朱德群 2007年，70 X 69 cm，中国画 中国美术馆藏</p><p class="ql-block">吴冠中曾用“作品确是远看西洋画、近看中国画”评价老同学朱德群的绘画,在本幅水墨作品中，可以看出朱德群的用笔果断有力，经营位置,在构图中把握节奏变化,有疏有密。通过水墨，更能直观地感受朱德群本人对《易经》哲学的感悟,阴阳两种最基本的元素在画面中生生不息、相辅相成。</p> <p class="ql-block">《无题》，朱德群 1999年，70 X 135cm，中国画 中国美术馆藏</p> <p class="ql-block">《无题》，赵无极1998年，31 X31cm，中国画中国美术馆藏 </p><p class="ql-block">“我自中国走出，使我能再走向中国。”1970年代初，赵无极经历第二任妻子离世的打击，在好友亨利・米修的建议下重拾水墨，并在水墨中重新寻回自由之感。这幅水墨是其晚年的作品。在尺幅不大的画面中,他用豪放的笔触落于画面右下角，而左上角则尽为留白，这种对角线式的留白构图可与被称为“马一角”的南宋画家马远的画作构图比照,同时也流露出“大写意”的笔墨样式。虽然作品具备传统中国画的艺术表征,但描绘的对象并非中国画中的实物,而是作者本人的内心世界。赵无极毕生的创作以油画为主,这幅创作于近80高龄的作品，是他在形式与精神的双重层面对于传统中国艺术精神的回归。</p> <p class="ql-block">《流动》、《回流》油画，89*116㎝，作者：菲利普·加莱尔</p><p class="ql-block">这两幅画不可分割，它们表现了同一风景在不同时间点的景象，即一个海浪的时间。涨潮覆盖一部分沙滩，而退潮则显露出之前被遮蔽的沙滩，留下它短暂的印记。这是一组序列画，也称之为“对画”。</p> <p class="ql-block">《研究一位坐着的女子4》让·安哥拉，81X122cm中国墨水、丙烯颜料、粉彩、汉尼米勒纸</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">《平原至人》，让·安哥拉，2011年，80x 121cm中国墨水、丙烯颜料、粉彩、汉尼米勒纸</p><p class="ql-block">“交织”是两件作品的主题。在画面中,天与地、人与景、观看与被看、有形与无形共同交织,通过线条的交错缠绕表现出来。在物质世界中这些边界分明的对象,在艺术家的思想中已然彼此相融，这是他内心的景象,也与中国天人合一的思想不谋而合。</p> <p class="ql-block">《陆游诗画》六幅，让·安哥拉，2024年</p><p class="ql-block">让・安哥拉在1998年收到了妻子赠予的一本法语版陆游诗集，自此被诗中对日常生活的描述及氛围所吸引。在安哥拉眼中,陆游亲近、谦逊、友好，他时常重读陆游的诗，从中汲取灵感进行创作。为更好地感受陆游诗句的意象，他通过绘画去接近诗中描绘的场景。于他而言，这些诗揭开现实的面纱,穿透而过,却不强迫读者跟随。</p> <p class="ql-block">《宴会》，油画 菲利普・加莱尔，2020年，200x 250cm</p><p class="ql-block">作品表现了一群人围坐在桌子周围交谈的场面，同时艺术家将本人形象以吹笛者的姿态融入画面,既是旁观者也是参与者。</p> <p class="ql-block">《无名画家》木板油画 菲利普・加莱尔，2014年，92*114 cm</p> <p class="ql-block">《坐着的道路》 聚脂树脂 2022年 让·安哥拉和劳拉·安哥拉 </p> <p class="ql-block">《靠近的人》聚脂树脂 2013-2023年 让·安哥拉和劳拉·安哥拉 </p> <p class="ql-block">《与风景交织的坐着的女人》聚脂树脂 2008年 让·安哥拉和劳拉·安哥拉 </p> <p class="ql-block">《平原至人8》聚脂树脂 2006年 让·安哥拉和劳拉·安哥拉 </p> <p class="ql-block">《穿越平原》聚脂树脂 2022年 让·安哥拉和劳拉·安哥拉 </p> <p class="ql-block">《迎面而至的人III》2020年 聚脂树脂 让·安哥拉和劳拉·安哥拉</p> <p class="ql-block">《空虚的脸》 铸铜 1993牟年 克洛德·阿巴吉 中国美术馆藏</p> <p class="ql-block">《墙人》铸铜 1989年 克洛德·阿巴吉 中国美术馆藏</p> <p class="ql-block">《忧郁》铸铜 2006年 克洛德·阿巴吉 中国美术馆藏</p> <p class="ql-block">《我的巴尔扎克》 铸铜 1995年 克洛德·阿巴吉 中国美术馆藏 </p> <p class="ql-block">《伟大的情侣》铸铜 1969年 让·卡尔多 中国美术馆藏</p> <p class="ql-block">铸铜《上船》1996年 克洛德·阿巴吉 中国美术馆藏</p> <p class="ql-block">《即将出发的人》铜版画 1988年 克洛德·阿巴吉</p> <p class="ql-block">《椅子》，油画2013年，200×250 cm，作者：菲利普·加莱尔《椅子》呈现出前，中，后三个距离层次，同时将上方光源与装置结合，使作品延伸到三维空间，选取椅子作为主题，因为这种日常物品虽然常被刻画，但当它被人占用时几乎是看不见的，只有当人离开时才会得以显现。菲利普·加莱尔在创作时,常制造虚构场景并以此入画，用其高超的艺术技法在画面中“发明真相”，他对现实的回归是对现代主义的反叛，这种回归亦是一种前进，他在作品中关注光线，探讨物的存在。</p> <p class="ql-block">备注：大部分文字来源于网络及成都博物馆微信公众号</p>