群友们谈艺术（摘选）

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这是西班牙摄影师Raquel Chicheri的作品一早起来就让眼睛非常舒适愉悦，的确，‘’在处理色彩时，胶片相机往往能展现出更为丰富和深邃的色调，使得整个画面充满了故事性‘ 卡拉瓦乔的抹大拉的玛利亚卡拉瓦乔是罗马巴洛克的焦点。特殊的经历决定了他独特的审美和世界观。他一生都在极力表现最底层人们的生活状况，即便描绘宗教场景亦是现实版的人间生活--他以凡俗形象塑造众神，又用光影冲突混淆圣俗的分际。在他的作品中，宫廷与市井、富贵与流亡、细腻与狂野、暗影与光明，水乳交融。抹大拉的玛利亚是经常出现在绘画中的一个题材。根据《圣经》记载，她被耶稣救赎后皈依的弟子，跟随耶稣布道，在耶稣受难和埋葬时都陪伴在身边，也是目击耶稣复活的第一人。抹大拉的玛利亚（Mary Magdalene）出生在加利利海西岸的小渔村——抹大拉（Magdala）。玛利亚这个名字极为常见，因此她特别被称作“抹大拉的玛利亚”，以示区分。因她对耶稣的忠诚和对其教义的深刻理解，被誉为“使徒中的使徒”。 《抹大拉的玛利亚》木板蛋彩，1480年卡洛·克里韦利（Carlo Crivelli）哥特装饰风的绘画 圭多·雷尼《抹大拉的玛利亚》香油瓶和长发，是‘’抹大拉的玛利亚‘’绘画中的识别要素，她把一整瓶昂贵的香油倒在耶稣脚上，用自己的长发涂抹擦拭。后来，她逐渐成为忏悔和默想圣事的象征。 玛利亚见证耶稣复活 拉图尔：《抹大拉的玛利亚》后来的绘画中又加入了骷髅头的元素 埃尔·格列柯《忏悔的抹大拉》 提香·韦切利奥（意大利，1488—1576）《忏悔的抹大拉》 弗里徳里克·桑迪斯（英国，1829—1904）：《抹大拉的玛利亚》 关于他的激情杀人，以及时下的“取消文化”。前段时间读到的。虽然卡拉瓦乔的画有时很暴力,但没人将它们看成卡拉瓦乔对自己谋杀行为的庆祝，他的谋杀案与今天发生的谋杀案之间也没有任何明显的联系。而高更的画作则被许多人看成他对行使殖民权力的陶醉，这种权力允许高更在塔希提岛对年轻女孩进行性剥削。从种族主义到经济不平等再到文化剥削，殖民主义的影响在今天仍然存在，因此，高更已不在人世这一事实，并不能阻碍萦绕在其画作周围的激进主义，而这与谈及卡拉瓦乔时的情况是不同的。对于殖民主义来说，高更的画作带有一种公众意义，卡拉瓦乔的画作却与谋杀缺乏联系。话虽这么说，我们还是要问一下，想要取消高更这样的艺术家的目的是什么？譬如，真的取消了高更的作品展览，是否有望在反对殖民压迫的斗争中取得回报? 对于其他那些遭到强烈反对的已故艺术家来说--反对的主要是其观点而不是行为，上述提问也同样适用。我当时看高更展，就特别注意这个策展的思路与策略。不能说这样的问题有一个明确的答案，但是值得我们的关注与思考。 简直以为我在看亨利·马蒂斯（法国，1869—1954），今天又发现了一个喜欢大卫·霍克尼（英国，出生于1937年）的理由 昨天的巴洛克古乐音乐会特别精彩，尤其是最后两首，听得热泪盈眶。关于意大利作曲家、小提琴家科雷利（Arcangelo Corelli，1653-1713），我前不久在群里介绍过。他把意大利的声乐写法移植到小提琴上，将现代音调和功能和声首次融合。他创作的奏鸣曲和协奏曲确立了小提琴的杰出地位，为稍后巴赫和亨德尔等人的独奏奏鸣曲和管弦乐协奏曲的创作打下基础。被400多年前就诞生了这样的音乐艺术，被巴赫亨德尔之后的集大成，被现场音乐家精湛的技艺、充满激情的演奏所打动。艺术家的艺术创造，是他们把自己所体验到的情感，通过动作、线条、颜色、声音或语言来表达。就像科雷利的作品，尽管相隔久远，依然可以与现代的我们产生共鸣，这就是人类在这个地球上留下的痕迹。真正能够流传下来的、有价值的艺术品，其中一定包含了某种程度的创新，同时又能满足这样三个条件：内容、形式和真诚。他内心有某种新的、重要的想法与思路需要表达，他也找到了一种最合适的表达形式，于是，真诚——这个艺术作品要体现的一个必要内容——也就具备了。总之，艺术家在创作的过程中应该受到了一种内在需求的刺激，而不是外在的诱导。 一件真正的艺术品是一个艺术家心灵中产生的对生命意义的诠释的揭示（通过那些超越了我们掌握的规则）。艺术是世界的一扇窗户，帮助我们用迂回的方式认识世界，但最终都归结为意识形态的不同价值观的表述。它内在的意义和内容，探索了“一个民族、一个时代、一个阶级、一个宗教和一种哲学学说的基本态度”。所以，我以为，在艺术中几乎没有一种特征能离开历史的社会的观点来考虑，艺术是一种明白无误的意识形态的载体。无论是意大利文艺复兴时期有文化教养的贵族们的自然主义-进步主义的思想，还是17世纪法国宫廷贵族的形式主义-保守主义的解释，或是大革命时期资产阶级知识分子严格的学院派理想。一个时代的表现、一个民族的表现，结合了一个艺术家个体个性的表现，造就了艺术作品。就好比，达·芬奇的个人风格形式既是时代的又是个人的，时代的变革的必然趋势推动了他，他个人的特殊经历和才能成了一个具体的承载者。艺术‘’形式‘’的背后依然是时代，民族，个性，以及意识形态。 这张在纽约MoMA毕加索《泉边三个女人》，充满仪式感的手势 2个版本的《三个音乐家》，毕加索 这幅在费城。无论是表达自我，还是应对现实，艺术里面一定包含情感，而打动我们，引发共鸣的，正是这样一份情感的力量 和音乐无关的一幅卡拉瓦乔作品，类似题材拉图尔也画过 今天要去听柴钢协一，又重温了一下这个作品的故事。柴可夫斯基是这样描述当时的场景的：我弹奏了第一乐章。没有说一句话，没有评论！如果你知道一个人为朋友做了一顿饭，然后默默地吃着，这种处境是多么愚蠢和令人无法忍受！哦，为了友好攻击，我只能说一句，但看在上帝的份上，哪怕不是赞美，也请说一句同情的话。鲁宾斯坦正在酝酿他的风暴，休伯特正在等着看会发生什么，看是否有理由加入某一方。最重要的是，我不想听关于艺术方面的评论。我需要的是评论钢琴演奏技巧。R 雄辩的沉默是最重要的。他似乎在说：“我的朋友，当整个事情都令人反感时，我怎么能说细节呢？”我鼓起勇气，把琴弹到了最后。仍然一片寂静。我站起来问：“怎么样？”然后，尼古拉·格里戈里耶维奇的嘴里滔滔不绝地说了起来，起初很温和，后来越来越像朱庇特·托南斯的声音。原来，我的协奏曲毫无价值，无法演奏；乐段支离破碎，笨拙不堪，写得很糟糕，无法挽救；作品本身很糟糕，很庸俗；有些地方我从其他作曲家那里偷来了；只有两三页值得保留；其余的必须扔掉或完全重写。“比如说，这——这到底是什么？”（他讽刺我在钢琴上演奏的音乐）“还有这个？怎么会有人……”等等。我最不能重现的是说出这一切时的语气。总之，房间里一个不感兴趣的人可能会认为我是个疯子，一个有才华、愚蠢的庸才，来向一位著名音乐家提交他的垃圾。注意到我固执的沉默，休伯特惊讶又震惊，一个已经写了很多作品并在音乐学院教授自由作曲课程的人竟然会受到如此严厉的批评，竟然会对他做出如此轻蔑的评价，这种评价是不会对一个有一点天赋却疏忽了一些任务的学生做出的——然后他开始解释 N.G. 的评价，没有丝毫的反驳，只是软化了阁下毫无礼节的表达。整个场景让我不仅震惊，而且愤怒。我不再是一个尝试作曲的孩子，我不再需要任何人的教诲，尤其是当这些教诲如此严厉和不友好的时候。我需要并且永远需要友好的批评，但没有任何东西像友好的批评。这是不分青红皂白的、坚决的谴责，以一种伤害我的方式。我一言不发地离开了房间，上楼了。我激动又愤怒，一句话也说不出来。R 马上命令我，看到我如此沮丧，他把我请到远处的一个房间里。他在那里重复说我的协奏曲不可能完成，指出了许多需要彻底修改的地方，并说如果我在有限的时间内按照他的要求重新创作协奏曲，那么他会给我一个在他的音乐会上演奏我的作品的荣誉。“我不会改变任何一个音符，”我回答说，“我会原封不动地出版这部作品！”我照做了。呵呵，艺术家也必须是个偏执狂，不然作品就不存在了 图片是著名音乐人Ziggy Marley家中，爱马仕丝巾装裱起来，就成了墙上的艺术品。 基克拉迪文化属于希腊青铜时代(公元前3200—前1100年)。在青铜时代早期，爱琴海中部的基克拉迪群岛形成了基克拉迪文明，其特征之一就是大理石雕像系列，这些雕像的共同特点是有着七弦竖琴型的头部，没有眼睛、耳朵和嘴，较长的鼻子呈半圆锥体形。身体没有太多细节，只有一些凹刻的线条可以区分双臂、双腿、脊椎等部位，高度抽象 亨利•摩尔 莫迪利亚尼 莫迪利亚尼的画作 文明的演变与艺术之传承 怎样欣赏现代艺术，它们并非凭空而来，而是deep rooted（译：根深蒂固） 洛可可钓鱼《钓鱼》布歇 1752 浪漫主义钓鱼《沙滩月夜钓鱼人》弗雷德里希 1818 学院派钓鱼《午后钓鱼》凯默勒 印象派钓鱼《钓鱼的女士》莫奈 1870 印象派钓鱼《钓鱼人》雷诺阿 1874 印象派钓鱼《钓鱼》卡耶博特 1878 1563年美第奇家族创建的艺术学院，如今是佛罗伦萨美术学院 在罗马成立的第二家艺术学院，圣路加学院 学院艺术（也称学院派）是16世纪时，在欧洲艺术学院制定的标准下产生，以及受其影响的艺术风格。美第奇家族创立的第一家艺术学院，学生在这里学习解剖学、几何学等关于绘画的基础科学理论。十年后在罗马创立的圣卢卡学院，则以教授偏学术方向的艺术理论为主。学院派有非常完整而严格的一套训练体系：学生们要经过数年学习，严格遵守绘画的基本程序，先临摹雕像图片来掌握轮廓、光线、阴影等基础绘画原理；接着开始画雕塑，然后再进阶到真人模特；素描也是必须要掌握的基本功。一个学生要经历大量的练习才能最终“出师”。绘画主题方面，学院派遵循17世纪的“艺术等级”理论：历史题材（包括神话、文学、宗教、含有寓意的主题等）＞风俗画、肖像画＞静物画＞风景画风格上，学院派结合了新古典主义的线条和浪漫主义的色彩，偏向理想主义，画中的角色都被描绘得非常理想化 库尔贝《奥尔南的葬礼》 米勒《播种者》库尔贝批判学院派是基于理想主义的陈词滥调，忽略了当代的社会问题，显得非常“虚假”，缺乏真实的质感。其实，我们所熟知的印象派与学院派在同一时期存在，印象派也是从学院里走出来的画家，比如马蒂斯就曾师从布格罗。只不过，印象派并不完全专注于造型能力，而将目光投向了外光写生，专注于风景的创作。但外光写生并非印象派专利，从巴比松画派到学院派都已经开始对外光写生，只是印象派将外光对客观对象的影响进行了深入研究。从色彩的角度，印象派依旧有着写实的元素。学院派画家有着极为出色的造型能力与画面驾驭能力，印象派画家对外光的研究，则让绘画告别了传统古典主义绘画单一的固有色，让最好的造型与最好的色彩相结合，两者成就了19世纪绘画的辉煌。这也是该时期世界各地的艺术家蜂拥至法国学习绘画的原因之一。印象派的成功源于他们创造的艺术形式推翻了学院派的审美标准，一时风头无俩。还有一个社会因素，19世纪下半叶，艺术品的受众发生了改变，原来支持宗教、历史、英雄等题材的皇室大资本家被中小资产阶级代替，购买力方向发生转移。而这种转变导致“画廊-评论家”主导的艺术市场新关系产生，代替了原有的“评论家-赞助人”体系，这是学院派所不具备的，印象派的胜出也是必然 康定斯基，克利，米罗特别精彩的留言簿 奥斯卡•施莱默（Oskar Schlemmer）是包豪斯时代的表现主义艺术家。在绘画、雕塑、木偶、戏剧、舞蹈等方面取得了诸多成就。当时，大型工业产品设计严重缺乏审美，一味追求产量和规模。在建筑师沃尔特·格罗皮乌斯（Walter Gropius）的领导下，一群立志改变现状的艺术家共同创立了包豪斯学院。1919年创立的包豪斯是世界上第一所完全为发展现代设计教育而建立的学院，施莱默曾于1920至1929年在该校任教，并与保罗·克利一起被格罗皮乌斯任命为魏玛包豪斯学校的校长；1922 年格罗皮乌斯离开后，他依然被康定斯基任命为包豪斯学校的校长，1926 年成为德绍包豪斯学校的校长。他的画风简约，神秘 这是他最著名的作品《包豪斯的楼梯》当然，学校建筑是由格罗皮乌斯亲自设计的。施莱默很喜欢前者的设计。作品以强烈的线性结构为基础，展现了施莱默特有的透视方法。人物的姿势起到了视觉引导的作用，一步步将场景移动到上层楼梯。同时光线在空间中扩散，远处的人物也在慢慢消失。图中的人物造型像是戏剧中的木偶，行走在施莱默画笔下更深，更透明的空间人物的背影形象会让你想到哪一位画家？昨天我们还看了一幅他的作品，施莱默非常欣赏弗里德里希的浪漫主义风格，后者经常在绘画中使用后视角度，以引导观者进入他的绘画空间 施莱默的机器芭蕾造型 施莱默的雕塑作品 试图将技术与艺术，以及绘画与建筑结合起来，这是施莱默最大的特点与贡献，对设计感兴趣的朋友可以多了解他一点 像小提琴一样的弧线与设计 总之，包豪斯大师辈出，真是一个具有革命意义的艺术乌托邦