英国🇬🇧伦敦"TateBritain"D16.17.18.19.20.21.22展室

远东

D16展室 Fear and Freedom 1940-1965恐惧与自由战后是一个巨大的社会变革和戏剧性的地缘政治重组时代。艺术家用视觉表达了失去、毁灭和流离失所的经历，同时也表达了独立和自由。 第二次世界大战是人类历史上伤亡最惨重的冲突，超过8500万人死亡，其中大部分是平民。600万欧洲犹太人被纳粹德国杀害，殖民帝国被瓦解，新的超级大国苏联和美国崛起。战争給全球带来了核毁灭的威胁战争的后果是一个存在危机和恐惧的时期。这也是一个自由的时代，旧的信仰被粉碎，非洲、亚洲和加勒比地区的前殖民地成为独立的国家。 艺术家以不同的方式对战争及其后果作出反应，对人物形象进行了强烈的观察和表现。他们创造的城市景观标志着战斗、流离失所传达一种动荡的感觉。 战后，英国呼吁英联邦人民重建“祖国”。1948年，第一代旋风从加勒比海来到这里，许多人因受到歧视要逃离冲突。印度独立前，英国以宗教和种族划分印度，导致多达100万人在暴力中丧生。艺术家来自世界各地，在英国工作、学习和教学。在他们激进的现代绘画和雕塑中反映了非殖民化的精神。 👇🏻弗朗西斯卡·塞默森 1907-1988布面油画《两个虔诚的人在通往天堂的路上,一个用螺旋桨推动，一个用直升机》作者发明了一种独特的方法，在画布上作画之前先用颜料覆盖画布。她出生于Poland的一个犹太家庭，1940年逃离纳粹主义。战后，她发现英国社会的复兴相当令人不安。描述说，“与那些头戴圆顶硬礼帽的商人无休止地交谈，他们有趣的闲聊和回避问题的游戏”。她开始画他们，想知道“这些小人物在我的抽象画布上会有什么表现？” 👇🏻保罗·纳什 1889-1946出生于伦敦居住肯特郡苏塞克斯郡、多塞特郡托特斯米尔布面油画《死海》这幅是在第二次世界大战期间画的，它的灵感来自于在牛津郡一个失事的德国空军飞机垃圾场。他描述了这一景象：“在我看来，这东西突然就像一片大水漫溢的大海…”碎浪高高升起，撞击在平原上。什么都不动，它不是水，甚至不是冰，它是静止和死的东西。 👇🏻L S Lowry 1887-1976布面油画《工业景观》这幅是典型的LS Lowry的全景城市景观。它给我们一个由冒烟的烟囱、工厂、道路、桥梁和工业废弃地所主导的视野。第二次世界大战意味着有更大的工业产出。由此产生的污染持续到20世纪50年代使英国城市窒息。这是一个虚构的组合，但是视图的元素是真实的，比如图片左上角的Stockport高架桥。 👇🏻阿维纳什·钱德拉 1931-1991布面油画《黄金山》盘旋的橙色线盘旋在一个看起来既像人又像风景的形状之上。作者的这幅画可以理解为一个女人被她的爱人抱着，或者是一座被强风吹倒的连绵起伏的小山。钱德拉的灵感来自卡久拉霍古迹群中的印度教寺庙的雕塑山峰。他的动态绘画风格和感性的调色板唤起了欧洲画家文森特梵高和海姆苏丁。1965年，作者成为第一位在泰特美术馆展出作品的印度裔英国艺术家。 👇🏻彼得·兰宁 1918-1964布面油画《圣贾斯特》作者用层层厚厚的涂料画出这个复杂的组成。他以曾经是康沃尔西部锡矿工业中心的小镇St Just-in-Penwith来命名，中间的黑色元素代表一个矿井，两个手臂在顶部伸展也是一个十字架，它代表着矿区地下死亡的悲惨历史。 👇🏻作者 1924-2002出生于果阿邦的萨利戈居住伦敦、纽约、孟买船上的油漆《被钉十字架》耶稣被钉在十字架上，是一个戴面具的骷髅，涂着浓重的黑色和深蓝色颜料。他的四肢被钉在框架的外缘，成为十字架本身。这幅图像与艺术家个人的宗教斗争有关。作为一个罗马天主教徒长大，F.N.Souza的信仰变得紧张，因为他发展了他对生活和痛苦的世俗理解。艺术史家也讨论了绘画与后殖民条件，继承信仰的矛盾和现代欧洲绘画的解构形式的关系。 👇🏻吉莎·科尼格 1921-1993出生并生活在伦敦木底陶土《金属穿孔机》艺术家感兴趣的是工厂工人，由于她没有这种工作的直接经验，她参观了英国各地的工厂，有时一去就是几个月，在那里她花了很多时间画她看到的东西。她的绘画是雕塑的素材，描述了工人们重复性的任务和长时间站在同一个位置上，希望作品能真实记录工厂生活的持久性和单调性。 👇🏻奈杰尔·亨德森 1917-1985出生于伦敦，居住于伦敦埃塞克斯郡硬纸板上的照片《一个男人的头》作者用蔬菜、烧焦的木头、石头、树叶、鞋子和有划痕的墙的分层制作了这件作品。他把它描述为“脱离自然，进入工业”。他开始制作一幅较小的拼贴画，并将其拍照和放大。然后添加了更多的摄影剪报和颜料。最后，他重新拍摄并进一步放大了作品，创造了这个密集的分层图像。 👇🏻爱德华多·保洛齐 1924-2005生于爱丁堡住在巴黎埃塞克斯青铜《独眼巨人》在古典神话中，独眼巨人是一个前额中央独眼的巨人。作者在这个笨重的青铜雕像上印上了破碎的机器零件和其他废弃的物品。他把金属片压入一层潮湿的粘土中，然后把熔化的蜡倒入粘土模具中，用这些蜡片建造了这个模型，最后用青铜铸成。一些艺术评论家认为独眼巨人是人类脆弱的形象，生活在不断的核战争威胁下。 👇🏻玛格达·科德尔 1921-2008 生于Hungary 卒于纽约硬纸板上的油画颜料《女人》玛格达·科德尔的《人物（女人）》打破了西方艺术中对女性的传统描绘。当它第一次展出时，批评家认为它体现了对核战争的焦虑。最近，她的绘画被解读为英雄般的女性形象。在这个解读中，扭曲和纹理的表面意味着人体在面对伤害和变化时的恢复能力。 👇🏻弗兰克·奥尔巴赫 1931年出生在柏林生活在伦敦布面油画《E.O.W.裸体》弗兰克·奥尔巴赫和E.O.W 1948年当他们在同一部戏里表演的时，开始了一段很长的恋情。她为他做了20多年的模特。这幅画是经过十个月的定期绘画而完成的。通过在以前的湿层上涂上油画，作者实现了图形的纹理几乎是雕塑般的渲染。他的工作方式创造了一种强烈的物理存在感与生动的过程感相结合。 👇🏻卢西安·弗洛伊德出生在柏林生活在伦敦布面油画《带着小猫的女孩》这是作者为他的第一任妻子、艺术家凯瑟琳·加曼（1926-2011）所作的八幅肖像画之一。弗洛伊德在绘画时坐得离他画的对象很近。从她瞳孔里的反射到她波浪状头发的静态能量，他对加曼的注意力几乎达到了法医的水平。在这首充满心理冲击的作品中，加曼紧紧地抓着一只小猫的脖子，她白色的指关节特别明显。 👇🏻弗朗西斯·培根油画3板《十字架底座人物研究》弗朗西斯·培根以基督教绘画中经常出现的见证耶稣死亡的人物命名了这部作品。但他说这些生物代表了希腊神话中复仇的复仇女神。复仇女神惩罚那些违反自然法则的人。例如，在埃斯库罗斯的悲剧《欧梅尼德一家》中，他们追捕一个谋杀了自己母亲的人。作者第一次展出这幅画是在1945年4月，第二次世界大战即将结束的时候。它反映了在一个缺乏指导原则的世界上发生的战争和大屠杀的恐怖。 👇🏻亨利·摩尔 1898-1986《木制底座上的青铜》一些艺术评论家把“三点”解释为一种威胁性的形式。其他人则认为这是一种性张力的表达，与20世纪30年代的超现实主义意象进行对话。亨利·摩尔自己评论道：“这种指法包含了一种情感或身体上的动作，物体即将触碰，但又不像汽车火花塞，火花必须跨越缝隙。” 👇🏻林恩·查德威克出生于伦敦住格洛斯特郡铁和灰泥《会合点》运动中的两个抽象的图形，它们有着昆虫般细长的腿和鸟嘴般的头，似乎暗示着人类潜在的动物本性。这是作者的"人类夫妇"雕塑之一，他以前的主要研究对象是动物。第二次世界大战后，作者担任飞行员还接受焊接训练，他用一种叫Stolit的石膏和铁粉的混合材料焊接在一起，材料表面的铁粉生了锈，正像他打算的那样，赋予了雕塑的色彩。 👇🏻伊丽莎白·弗林克 1930-1993生于萨福克郡 青铜《鸟》这只强壮、机警的鸟是作者最早的雕塑之一。在接下来的二十年里,她继续探索鸟的主题。她说：“在它们对喙、爪子和翅膀的强调中，实际上是表达强烈的恐慌、紧张、侵略性和捕食性的载体。”但她拒绝对这些作品进行象征性的解读。她说：它们肯定不是人类或存在状态的替代品。 👇🏻芭芭拉·赫普沃思 1903-1975《榆树和橡树底弦》作者运用佩拉戈斯的自然材料和使用字符串的有机形式。标题在希腊语中的是“海”。她于1939年搬到康沃尔的圣艾夫斯海湾，她讲述她在那里的感受，一种遏制和安全感，而不是无尽的水域的危险。 👇🏻金林 1936-1997木材、金属和灰泥《狮身人面像》这幅作品的标题道出了作者对古代文物的热爱。它让人想起一个神话中的混血生物，有着人的头和狮子的身体。还是学生的时候她就开始回收、雕刻和组装她在木厂找到的下脚料。这使她能够从已经有了形式和历史的积木中创造艺术。然后，她将它们组合成大胆而有趣的配置。这里她烤焦了木材的表面，所以不同的部分会有不同的纹理和反射不同的光线。 D17展室Construction 1955-1965建设随着英国开始重建，一些艺术家用新材料与现代设计和建筑进行对话，相信艺术可以帮助建立一个新的社会。有一个新世界的希望，从旧世界的灰烬中诞生。经济的扩张，加上人口的增长，有助于在欧洲和北美创造机会。艺术家和建筑师拥抱这种国际化的乐观主义。他们与现代主义的进步理想在一个新兴的世界定量配给和战后多年的经济紧缩。 这些想法在英国广泛的城市重建和再开发中得到了体现。艺术家们拥抱现代建筑中使用的新型工业制造材料。艺术和设计之间的这种关系产生了新的艺术种类，比如浮雕和活动雕塑，它们探索了真实的空间和运动。艺术通常建立在数学或几何结构上。它的基础是相信艺术可以改善社会。 战后，新的英国政府建立了国民医疗服务体系，为公民提供免费的全民医疗服务。随着战后对现有城市的重建，1946年新城法案导致了新城市中心的发展。维多利亚时代的房屋和炸弹爆炸现场被清理干净，取而代之的是现代化的塔楼，提供明亮和开阔的视野。这个房间里的艺术家为新的医院、学校和住宅开发项目创作作品。其他人则参与创造新的空间来观看和体验艺术。这些在英国的政治和社会变革中发挥了作用。 👇🏻彼得·科林伍德 1922-2008出生于伦敦住萨福克郡粗纱布亚麻布和钢材这种编织的墙壁是用“大纱布”法制造的，是作者发明的一种突破性的编织技术。1964年，他设计了一台新的织机，能够完全控制每条线的角度。他探索了这种几何抽象编织的新形式的动态可能性。经线不是平放的，而是呈之字形相互交叉。其他作品中甚至延伸到三维空间。 👇🏻丹尼斯·威廉斯1923-1998出生于乔治敦居住于伦敦、喀土穆油画颜料墨水和石墨《绘画的六个相关的节奏》这幅画的灵感来自于有机生长、数学和几何，作者在一英寸见方的网格上构建了它，然后将其分割创建一个网格。其结果类似于一个不规则的晶体或复杂的建筑空间。这是艺术家对几何抽象的简短探索。 👇🏻玛丽·马丁出生肯特住伦敦《螺旋》塑料层压板和不锈钢在木材上玛丽·马丁用斜角切成两半的立方体木头制作了这座墙雕塑。然后她用反光不锈钢板固定每半个立方体。反射表面面向所有方向，它反映了自身和环境。她解释说：“反射的结构，或者说隐藏的结构，是在与真实结构相同的系统中形成的，幻觉和现实被添加到阴影和实体。 D18展室Creation and Destruction 1960-1966创造与毁灭 👇🏻Raphael Montanez Ortiz 1934年生于纽约《邓肯露台钢琴毁灭音乐会》拉斐尔·蒙泰兹·奥尔蒂斯在他的钢琴毁灭音乐会上用斧头敲打钢琴。对他来说，这种乐器是“欧洲中心主义压迫的象征”，表演是“释放的仪式”。作者将作品与北美土著夸扣特尔potlatch仪式联系起来，在这种仪式中，财产被其所有者摧毁。 👇🏻让·托切1932-2018 出生在布鲁日生活在纽约《打字机的毁灭》是Jean Toche在伦敦查令十字街84号Better Books 的一场演出的残片。这是1966年“破坏艺术研讨会”中仅存的几件艺术品之一。与会者一致认为，破坏可以成为艺术品创作的动力，作为一名激进分子的托切是纽约艺术界的重要人物。 D19展室 In Full Colour 1960-1970全彩色社会变革、大众媒体和新的乐观主义精神激励艺术家拥抱充满活力、色彩饱和的图像。20世纪60年代，英国进入相对繁荣、失业率低、社会流动性强的时期。年轻人免服义务兵役。避孕药能让女性更好地控制自己的身体。1967年《性犯罪法》部分地将同性恋关系合法化。1965年《种族关系法》禁止基于种族理由的歧视。尽管移民法限制英联邦公民入境，但英国变得越来越多元文化。 新电影、音乐和电视吸引了整个国家。这导致了以英国流行和摇滚明星为首的流行青年文化的爆发。这个时代的希望和奋斗在一种新的、大胆的视觉文化中找到了表达，这种文化包括光鲜的杂志、彩色电视和广告。 色彩开始渗透到日常生活中，来自美国的色彩缤纷的抽象画深刻地影响了一些英国艺术家。然而，20世纪60年代英国艺术的丰富性得益于更广泛的生活经历和文化影响。伦敦及其艺术学校在这一发展过程中起着至关重要的作用。国家的支持使来自首都以外的工人阶级艺术家能够学习和追求自己的事业。艺术家也从其他欧洲国家、英国殖民地和新独立的国家来到伦敦。 👇🏻德里克·波什尔 1937年出生在朴茨茅斯生活在洛杉矶布面油画《套装男》这幅画里的人像是一部分牙膏，一部分拼图，融入了大众消费品，反映了作者认为正在改变社会的商品化，他对美国化对英国人生活的影响感兴趣。他说，画中的人物“代表了我（我们），旁观者、参与者、游戏者或车轮上的齿轮，无定形的我们" 👇🏻波琳·博蒂 1938-1966布面油画《世界上唯一的金发女郎》波琳·博蒂根据一张照片为电影明星玛丽莲·梦露作画，演员占据了画布上的一条细线，夹在梦露一年前去世的绿色部分之间。作者谈到了她对现在的东西的怀念几乎就像她认同梦露所面临的挑战。她希望在智力上得到认真的对待，也希望能自由地表现自己的性欲，在当时这两者被认为是相互排斥的。 👇🏻安东尼·卡罗 1924-2013出生并生活在伦敦涂漆钢《锁》安东尼卡罗发展了一种新的雕塑语言，强调雕塑和观众之间的物理关系。1959年他访问美国时看到的抽象绘画和雕塑对他产生了很大的影响，回来后作者开始焊接和栓接工业用钢板和棒材。在伦敦圣马丁艺术学院任教期间，他鼓励学生将雕塑推向从未有过的领域。 👇🏻弗兰克·鲍灵 1934年生于巴蒂卡现居伦敦丙烯颜料和喷漆在2块画布上《狗迷》作者用高度稀释的丙烯颜料和喷漆创造了红色、黄色和橙色的发光色调，制作了Dog Daze，构成以非洲大陆的轮廓为主。 👇🏻彼得·布莱克生于1932船上油画《带徽章的自画像》在传统的肖像画中，道具和服装经常传达被摄者的兴趣和地位。作者在这幅自画像中运用了这一惯例。他的牛仔裤，牛仔夹克（当时在英国很少见）。猫王的徽章和杂志都展示了他对北美文化的迷恋。 👇🏻大卫·霍克尼生于1937布面丙烯颜料《更大的水花》大卫·霍克尼于1964年从伦敦搬到洛杉矶。这是他在那里画的几幅游泳池画中的一幅。它成为阳光明媚、轮廓清晰南加州的一个典型形象。作者对用颜料捕捉转瞬即逝的瞬间很感兴趣，他说：当你拍摄水花时，你冻结了一个瞬间，它变成了另一种东西。我意识到在现实生活中不可能看到这样的水花，它发生得太快了，所以我用一种非常非常慢的方式画了它。 👇🏻理查德·史密斯 1931-2016出生于莱奇沃斯居住伦敦、纽约布面油画《礼品包装》礼品包装纸的大小和横向显示是一个广告牌。作者着迷于产品包装和广告。这个作品的灵感来自于美国的一个流行品牌的香烟。重要的是，他对在绘画中创造幻想感兴趣，使作品具有立体感和雕塑感，结合了抽象和波普艺术的元素。 D20展室 Richard Hamilton理查德汉密尔顿性感、噱头、迷人这里汇集了Richard 在20世纪50年代至70年代之间创作的绘画和版画，当时英国出现了现代消费文化“我想我的目的是在日常物品和日常态度寻找史诗般的东西"。作者对它的意义充满了好奇，生活在一个充斥着大量生产的物体和图像的世界里。他对传统的“高雅”艺术和日常生活中诱人的视觉文化（电影、电视、广告、时尚杂志）之间的鸿沟持怀疑态度。 1957年，这位艺术家提了波普艺术的第一个定义：“流行的、短暂的、可消耗的、低成本的、大规模生产的、年轻的、机智的、性感的、噱头的、迷人的、大生意的。”以流行文化为题材，尤其是从美国进口的流行文化。他将自己的创作方式描述为“崇敬和犬儒主义的奇特混合体”。在他批判性的目光下，性和性别的规范被解构，人体与环境之间日益商业化的关系成为焦点。 他的创作过程是复杂和实验性的，从借用大众媒体的图像开始，他通常将多种技术结合在一起，以测试它们代表现实的能力。这里的作品通常以系列的形式展开，重复、扭曲和去语境化现有的图像，要求我们质疑我们所看到的。 👇🏻理查德·汉密尔顿《透视图中的“AAH!》油画颜料另一位艺术家蒂尔森邀请汉密尔顿为朋友和家人的作品集贡献一幅小画。作者回忆说，“该作品的灵感来自于汽车内饰的广告，为了适应蒂尔森的画板的比例，这幅图像被彻底地扭曲了。 👇🏻理查德·汉密尔顿《向克莱斯勒公司致敬》金属箔和数字印刷在木头上20世纪50年代，英国的汽车保有量猛增。在这里，作者通过将汽车与女性的性欲联系起来，探索了汽车向男性市场营销的方式。一个女性侧影斜靠在一辆闪闪发光的汽车上，她的乳房和嘴唇被挑出来作为色情特征。然而，这些碎片是断开的,是一种濒临瓦解的幻觉。标题中的美国克莱斯勒汽车公司是当时最令人向往的豪华品牌之一。 👇🏻理查德·汉密尔顿纸上丝网印刷1949年作者发现了一张废弃的电影剧照，这张照片启发了他创作了一系列以室内空间中的女人为主题的作品。他使用多重印刷技术将不同来源的不协调元素拼接在一起，而不是一个有凝聚力的图像。现代主义的原色平面与古董家具形成对比，一幅巨大的画布上有一张电视机的照片。 👇🏻理查德·汉密尔顿油画颜料、硝酸纤维素颜料、纸张和塑料在木材上20世纪50年代英国和北美流行文化中描绘女性的方式，是将家用电器广告的碎片和一张取自《时尚先生》杂志的模特图片结合在一起。汉密尔顿在1962年写道：“在大规模生产的奢侈品的魅力中，性爱无处不在：丰满的塑料和光滑、丰满的金属的相互作用。女人和器具的这种关系是我们文化的一个基本主题，就像西方电影中的枪战一样令人着迷，一只全息塑料眼睛模糊地向观察者眨了眨。 👇🏻理查德·汉密尔顿《我的玛丽莲》纸上丝网印刷乔治巴里斯拍摄了玛丽莲.梦露1962年自杀前不久的照片。同年晚些时候，他在《小镇》杂志上发表了由门罗注释的接触式指纹。梦露曾用残忍的X标记来表示她不想让公众看到的照片。在复制这些记号的过程中，汉密尔顿感兴趣的是表面上欢乐的场景和他所描述的她在剪辑过程中“对自己形象的暴力抹去”之间的尖锐冲突。 👇🏻理查德·汉密尔顿纸上丝网印刷《阿多尼斯在Y战线》阿多尼斯最初是希腊神话中的一个人物，是汉密尔顿更新的男性美的象征，以反映20世纪60年代的品味。这位艺术家从流行的健身杂志“Universo先生”的广告中，以及一张古希腊雕塑的照片中，摘下了这张照片中的肌肉。他挤压一种装置，其铆钉被暗示地放在他的乳头上，他的躯干的视野已经向下延伸，以炫耀紧身白色内裤。 👇🏻理查德.汉密尔顿纸上石版画《摇摆伦敦》1967年，摇滚明星米克·贾格尔和作者的朋友、艺术品经销商罗伯特·弗雷泽因持有毒品而被捕，这一事件引起了媒体的轰动。这部作品的标题融合了“摇摆伦敦”，这是用来庆祝20世纪60年代的享乐主义精神与法官坚持“摇摆”的刑罚。汉密尔顿对这一严厉的判决感到沮丧。为了表示抗议，他根据弗雷泽的助手提供的拼贴剪报创作了这张印刷品。 👇🏻理查德·汉密尔顿《摇摆的伦敦》布面丙烯颜料、丝网印刷、纸张、铝和金属化醋酸盐汉密尔顿的这幅作品基于一张著名的报纸照片，照片上摇滚明星米克·贾格尔和艺术品经销商罗伯特·弗雷泽被控私藏毒品，两人被铐在一辆囚车里。汉密尔顿放大了黑白图像，并打印到画布上，保持其颗粒，模糊的质量。然后，他做了一些改动，添加了光泽箔，以突出组成中心的手铐。窗外的拼贴元素暗示着从自由走向囚禁。 👇🏻《1972年伦敦第三届摇摆舞大赛》纸上丝网印刷作者经常煞费苦心地手工重现图像，即使是从印刷媒体借来的。《释放》的制作过程包括17个手工切割的彩色层，上面有一个来自原始报纸照片的黑色屏幕，跳过了最后一层照片，又增加了七层生动、平淡的颜色，以达到一种奇怪的非个人化效果。重复和扭曲使汉密尔顿能够探索原始图像的力量，并表达他对严厉执法的愤怒。 D21展室 Ideas into Action 1965-1980将想法付诸行动艺术家开始与思想和图像的工作，可以迅速传播，在一个日益相互联系的世界，解决政治和社会问题。随着20世纪60年代变成70年代，英国的艺术家越来越多地使用这些策略来解决社会问题。这些问题包括：女权主义运动所确认的个人和政治不公正、社会住房条件差、英国殖民主义的遗留问题、种族主义的经历和不断升级的全球政治紧张局势，包括Vietnam战争。 👇🏻迈克尔·克雷格.马丁爵士 1941年生于都柏林现居伦敦《六英尺平衡与四磅纸》钢锤和一叠纸完美平衡地挂在一根钢条的两端。乍一看，我们可能会认为它只是一张纸。但是大约42个薄片被紧固在一起，每个薄片描绘引线配重的相同图像。通过玩弄我们对材料和重量的期望，邀请我们重新考虑我们最初的视觉感知。用他的话说,“艺术总是包括看一些熟悉的东西，好像它是不熟悉的。” 以1969年阿波罗11号登月为例的技术发展也标志着这个时代的到来。另一个最深刻的时代遗产是妇女解放运动。1973年英国加入欧洲共同体后不久，全球石油危机导致经济衰退和严重通货膨胀。全国各地的工人举行罢工，要求他们的工资跟上不断上涨的生活费用。许多艺术家对这场促使人们聚集和抗议的危机做出了回应。 法院大楼 👇🏻罗丝·芬·凯尔茜出生在北安普顿住在伦敦"位置与所感""这张照片的灵感来作者母亲的快照。艺术家重游了肯特郡邓杰内斯附近的一个海滩，她小时候全家都去过那里。在那里，她拍摄了自己倒立的照片。这张照片似乎捕捉到了一个充满活力、冲动的手势。 👇🏻罗丝·芬·凯尔茜《喜鹊的盒子》木材、钢材、毛毡、清漆、填充喜鹊、喜鹊叫声录音带、哨子和其他材料这件雕塑与罗斯·芬-凯尔西用两只活喜鹊做的为期两天的表演有关。这件事发生在1976年伦敦阿克梅画廊的橱窗里。她和鸟儿说话，给它们食物和物品。她说：“我想谈谈另一种语言的潜力，除了现有的语言，我们倾向于认为这是唯一的一种语言并通过这种语言来谈论女性拥有发言权的潜力。”这反映了20世纪70年代妇女更广泛地试图挑战权威性的“男性声音"的主导地位。 👇🏻尼尔·肯洛克生于1950“让英国保持白色”涂鸦 👇🏻尼尔·肯洛克在成为自由摄影师之前曾在商业工作室工作。他加入了黑豹运动，该运动致力于反对种族压迫、警察暴行和歧视。该运动在英国的早期，作者记录了它的活动和示威。这里展出的是一幅四个年轻女孩的肖像画，她们拿着绣有黑豹标志的定制包。对作者来说，那张照片保持英国的白色’涂鸦，Balham是他最重要的形象之一。他说，“这让人们想起了英国新移民的生活"。 👇🏻加文·扬捷斯 1948年出生《南非填色书》12个屏幕作者用照片、新闻剪报、图画和文字的拼贴画制作了这些版画。根据四种“颜色”对公民进行分类是南非种族隔离制度的核心，从1948年到1990年代初一直有效。其中一张印刷品包括沙佩维尔大屠杀后的画面，当时300名白人警察向手无寸铁的黑人人群开火。这项工作还探索了从矿山到家庭等各个行业，包括他自己的身份通行证，他归类为“彩色海角”。 👇🏻1970年8月9日，一场抗议警察骚扰黑人社区的游行在伦敦诺丁山的加勒比海餐厅红树林举行。九名抗议者被控煽动暴乱。在这些照片中，霍勒斯·欧维捕捉到了游行和随后审判的重要时刻。所有九名激进分子最终都被无罪释放，标志着伦敦警察内部首次对种族仇恨的司法承认。照片记录了英国民权运动中的关键事件。 👇🏻霍勒斯·奥维爵士 1936-2023出生于西班牙港居住在伦敦《达克斯·豪在红树林演示会上讲话》 D22展室亨利·摩尔专展从家庭的舒适到战争的毁灭，摩尔的雕塑和绘画探索了经久不衰的主题。亨利摩尔从小就知道自己想成为一名雕塑家。然而，18岁时，他应征参加第一次世界大战。战后，一位退伍军人的资助让他进入利兹的艺术学校学习，后来他就读于伦敦皇家艺术学院。摩尔的绘画和雕塑揭示了广泛的影响，并提供了他的经验和兴趣的洞察力。但对摩尔来说，艺术不仅仅是一种表达手段，他认为艺术应该为社会服务。他说“雕塑，甚至比绘画更重要”是一种公共艺术。这种信念决定了他作品的规模和主题。 他经历的两次世界大战和核战争的威胁对摩尔产生了深远的影响。他的许多作品都是在这种冲突的背景下探索人体的脆弱。他还创作了反映他对激进主义的承诺的作品。1958年，摩尔成为核裁军运动（CND）的创始成员。 家庭对摩尔来说是一个经久不衰的话题，他在整个职业生涯中都在谈论这个话题。这种持续的兴趣表明，家庭的力量和舒适可以忍受战争的暴行。摩尔认为他的一些作品反映了他自己幸福的家庭生活，但他也理解观众的力量。他说：雕塑令人兴奋的部分原因是它能唤起人们的联想，完全独立于雕塑家最初的目标和想法。 👇🏻亨利·摩尔 1898-1986《母亲与孩子》铸铜木底座作者的许多雕塑都表现了一种养育子女的母子关系。《母亲与孩子》描绘了一种更黑暗、更令人不安的动态。他想探索抚养孩子更复杂的一面。他说：就好像他们想吃掉自己的父母。就好像父母不得不与孩子保持一臂的距离。锯齿状的风格增强了人物的威胁感以及他们彼此之间的关系。 👇🏻亨利·摩尔1898-1986《国王和王后》铸造青铜摩尔说：这座雕塑的灵感来自古代君主的表现，这与古代国王的观念有关。王的头，就是头和冠冕，脸和胡须合为一个形状。虽然摩尔强调统治的匿名性和普遍性主题，但他在伊丽莎白二世加冕的同时创造了国王和王后。 👇🏻1942年北安普顿的圣马修教堂的牧师请他为他的教堂创作一个圣母和圣婴的雕塑。摩尔先用粘土创作了12件小作品，然后把他最喜欢的五件铜像铸成，献给牧师。这是最终的模型中的三个，摩尔根据这些模型开发了最终的设计。对他来说，这个主题必须有别于普通的母亲及其子女的形象。他说，“圣母和圣婴”应该有一种朴素、高贵和庄严的感觉，这在日常的“母亲和孩子”观念中是缺失的。 👇🏻亨利·摩尔1898年至1986年《家族》青铜家庭组是亨利摩尔的第一个大型雕塑，他为Stevenage的一所学校创建的。揭幕时，许多当地居民表示反对。当地一家报纸刊登的标题为“贝尔森雕像出现在夜晚”，指的是卑尔根·贝尔森的纳粹集中营，一些人认为，这些不成比例的细长肢体似乎是指大屠杀的受害者。 👇🏻亨利·摩尔1898年至1986年纸本石版画《母子斜倚图》 👇🏻纸上石版画《家庭组》 👇🏻《原子片（核能工作模型)》铸造青铜1963年亨利·摩尔应芝加哥大学的邀请，为1942年在该校进行的第一次受控核反应制作了一座雕塑，这项工作是1967年公布的更大的核能的模型。摩尔的意图是传达一种“适合主题的包含的力量和力量”。上面的形状暗示着一个人类的头骨或蘑菇云。1945年被原子弹摧毁的日本广岛市于1987年购买了七种型号中的一种。 👇🏻"为核裁军停止的核自杀运动"" 👇🏻亨利·摩尔 1898-1986出生于约克郡住在伦敦赫特福德郡《站立人物》蜡纸、彩色铅笔、石墨、墨水和水彩亨利·摩尔把绘画作为一种调查过程，在那里他可以通过新的作品来思考。这些未完成的草图代表了他对未来木雕的想法。它们使人联想起破碎的骨头或人形，其幽灵般的外表反映了他在第二次世界大战期间的心情。战争使摩尔无法创作任何雕塑作品，直到1943年的《圣母与圣婴》Madonna and Child。 👇🏻作者同上《管道避难所透视》纸上石墨、油墨、蜡和水彩这幅描绘二战期间人们在地铁站避难的画作于1941年在国家美术馆展出。展览目录将其描述为“横卧的身影构成的可怕景象，苍白得就像所有地下生命都变得苍白一样；整齐划一，只有恐惧才能整齐划一；无助却又紧张，安全却又能倾听，粗野，连根拔起，在隧道中等待黎明的到来。”这不是描述性的新闻艺术，是一首高层次的富有想象力的诗。 👇🏻作者同上《灰色地铁避难所》纸上水彩、水粉、墨水和粉笔1940年秋天，摩尔在贝尔塞兹公园地铁站躲避空袭。他“被人们在地下深处扎营的景象迷住了”“.回到画室后，他凭记忆画了一些画。国家美术馆馆长兼战争艺术家咨询委员会主席肯尼思·克拉克看到这些画后，委托他进一步绘制，并任命摩尔为正式的战争艺术家。1941年，这些画作曾在国家美术馆空荡荡的大厅里展出。 👇🏻亨利·摩尔 《坠落的勇士》铸造青铜这个姿势的运动感对亨利摩尔来说是非常重要的。他说，‘我想要一个还活着的人物，一个人物倒下的动作，盾牌成了武士的支撑物，强调死亡前的戏剧性时刻。”摩尔创作过六个大型男性雕塑。《坠落的勇士》就是其中之一。 👇🏻《头盔头与肩膀》石板基底青铜亨利·摩尔在20世纪30年代未第二次世界大战前夕首次探讨了头盔及其保护身体的主题。20世纪50年代，在战争的余波中，他又回到了那里。他的战前头盔包含了一系列复杂的形式，而战后的头盔，比如这个，被掏空了。头盔不对称的曲线突出了内部的空洞，其不均匀的线条给人一种找回战场残骸的感觉。 👇🏻《头盔》这件作品是亨利·摩尔创作的一系列作品中的一部分，在这一系列作品中，一个坚硬的“头盔”外壳包围着一个较小的、对比鲜明的“头”。根据摩尔的说法，“一种形式存在于另一种形式中的想法可能是我在发现盔甲时产生的兴趣的一部分。”我在伦敦的华莱士收藏馆花了很多时间，研究盔甲。在摩尔其他作品的背景下，这个系列也可以被看作是母亲与孩子这一主题的抽象发展。 摄影 : 远东