<p class="ql-block">冰山 1861年</p><p class="ql-block">弗雷德里克·埃德温·丘奇（1826 年 - 1900 年）</p><p class="ql-block">冰山以其诱人的色彩、闪烁的地下光线和光滑的触感表面吸引着观众。但实际上，正如前景中折断的桅杆所表明的那样，场景充满了危险。 《冰山》根据丘奇在北大西洋长达一个月的旅行期间绘制的草图绘制，并在内战初期首次展出，被评论家誉为“这个国家迄今为止最精彩的艺术作品”。</p> <p class="ql-block">《山间溪流》约1850年 </p><p class="ql-block">乔治·英尼斯（ 1825 - 1894 ）</p><p class="ql-block">与试图忠实地重建特定地点的同时代人不同，英尼斯专注于制作能激发情感反应的图像——即使这意味着结合真实和想象的元素。</p> <p class="ql-block">《沃克吕兹喷泉 》/ La fuente de Vaucluse, 1841</p><p class="ql-block"><span style="font-size: 18px;">托马斯·科尔 美国/埃斯塔杜尼登，1801-1848 年</span></p><p class="ql-block">尽管右上角的城堡立即引起了我们的注意，但正是下面那个较小的结构吸引了科尔来到法国南部的沃克吕兹。 科尔有选择地改变了景观，夸大了悬崖的大小，并修复了实际上已成为废墟的城堡。</p><p class="ql-block">科尔的风景画影响了他的同时代人和追随者，包括他的学生弗雷德里克·丘奇。 这幅画和</p><p class="ql-block">科尔的预备图曾经属于丘奇。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">托马斯·道蒂 美国，1793-1856 年</p><p class="ql-block">《缅因州景观》 1832-1837</p><p class="ql-block">这个精心设计的景观像舞台布景一样，强调了孤独的居住者与自然世界之间的规模差异。 </p><p class="ql-block">道蒂深受源自英国艺术理论的崇高和风景如画的理想的影响。根据这种文学和艺术传统，自然的戏剧性和力量有能力唤起观众的敬畏感，从而使观众意识到创造万物的神圣力量。</p><p class="ql-block">《美国学校》景观研究系列， 1860年</p><p class="ql-block">策略性地在艺术家自己的工作室或代表他们的经销商的画廊中展示，他们可以展示自己的能力，以创造客户在其家居风景画中可能想要的任何环境条件。</p><p class="ql-block">尽管规模较小，但每张全景图都传达了令人印象深刻的纪念性，并表达了其背后的原始灵感。</p> <p class="ql-block">《景观》约1908年</p><p class="ql-block">休·亨利·布雷肯里奇 （1870 - 1937 ）</p><p class="ql-block">在他漫长的职业生涯中，布雷肯里奇探索了多种风格和主题，但今天他最出名的是他的风景画。 《风景》富有表现力的色彩和充满活力的笔触揭示了他在最近的法国旅行中所受到的当代艺术的影响。 布雷肯里奇在后来被称为“挂毯”的风格中，并排应用了互补色的独特笔触。 这种效果传达了斑驳的夏日光线透过山毛榉树繁茂的树冠的感觉。</p> <p class="ql-block">查尔斯·威尔森·皮尔（美国人，1741-1827 年）</p><p class="ql-block">《雷切尔·利兹·克尔》1790</p><p class="ql-block">雷切尔·利兹·克尔 (Rachel Leeds Kerr) 是马里兰州塔尔伯特市治安法官、马里兰州众议院议员大卫·克尔 (David Kerr) 中尉的妻子。 与查尔斯·威尔森·皮尔 (Charles Willson Peale) 的所有作品一样，这幅肖像画具有线性特征，具有强烈明显的轮廓线和仔细描绘的材料，这很大程度上归功于皮尔的自学背景，即使是在伦敦跟随本杰明·韦斯特 (Benjamin West) 学习两年也无法完全做到这一点。 软化。</p><p class="ql-block">皮尔出生于马里兰州，但大部分职业生涯都在费城度过，他不仅是美国早期最成功的艺术家之一，还帮助设计了美国的艺术未来。 除了创办美国最早的两所艺术学院外，他还训练了几乎每个家庭成员，尤其是他的孩子，他们都以著名的欧洲艺术家的名字命名，也成为了画家。 在费城独立厅的皮尔博物馆，这位艺术家展出了自然历史标本、自然和科学好奇心以及导致美国建立的历史和文化人物的生活肖像。</p><p class="ql-block">因此，在公共和私人领域，皮尔都是新美国促进和传播文化的领军人物之一。</p> <p class="ql-block">约翰·沃拉斯顿 英国（ 1710-c</p><p class="ql-block">《安·兰登，理查德·艾斯考夫夫人》 1755</p><p class="ql-block">安·兰登 (Ann Langdon) 是法印战争中一位上尉的女儿，于 1755 年（这幅肖像画的创作日期很可能是在 1755 年）与纽约外科医生理查德·艾斯考 (Richard Ayscough) 医生结婚。</p><p class="ql-block">除了对安·兰登时尚着装的特有关注外，她甜美平静的表情和倾斜的杏仁形眼睛也是艺术家的典型手段，他强调了他的美国主题的特征，以符合伦敦的时尚标准。 夫人的花篮</p><p class="ql-block">艾斯库拿着的是一个标准的道具，暗示了女性的美丽和生育能力，而背景中羽毛般的公园环境则体现了托马斯盖恩斯伯勒十年后在英国闻名的同一类型的处理方式。</p><p class="ql-block">约翰·沃拉斯顿出生于英国，在殖民地的职业生涯十分广泛。 1749 年至 1767 年间，他在纽约、费城、马里兰州、弗吉尼亚州、英属西印度群岛和查尔斯顿成功驻地期间创作了 300 多幅肖像画。 沃拉斯顿以其渲染材料的技巧而闻名，他取悦了那些渴望模仿祖国的高品质商品的美国观众。</p> <p class="ql-block">弗雷德里克·卡尔·弗里塞克 美国，1874-1939 年</p><p class="ql-block">《镜子前的女人 》C. 1912年</p><p class="ql-block">在《镜子前的女人》中，弗雷德里克·卡尔·弗里塞克捕捉到了一个女人凝视手持小镜子中自己倒影的亲密场景。 她红润的脸颊、红红的嘴唇和裸露的胸部表明她正在完成梳妆打扮。 弗里塞克是一位美国印象派画家，他的大部分职业生涯都在法国度过，致力于描绘光线和氛围，以及掌握女性形象。 在这里，他描绘了一个充满活力的装饰室内，家具和装饰上覆盖着繁复的图案。 一束鲜花和花卉印花棉布勾勒出这位女士的轮廓，强调了她宽阔的白色皮肤，例如她的肩膀、脖子和胸部，这是观看者眼睛唯一休息的地方。 艺术家通过活跃的笔触和明亮的光线进一步吸引人们对她的身材和服装的关注。</p> <p class="ql-block">托马斯·苏利 美国人（1783-1872 ）</p><p class="ql-block">《厨房火旁的灰姑娘》，1843 年</p><p class="ql-block">1830年代末，为了应对财政问题，托马斯·苏利开始为公开市场创作文学和感伤题材的“奇特画作”。这幅画是其中最大、最成功的画作之一，描绘了查尔斯·佩罗的童话《灰姑娘，或小玻璃鞋》。 《灰姑娘》于 1692 年在法国首次出版，自 1729 年以来一直受到英译本的欢迎。《灰姑娘》讲述了一个受到家人虐待的美丽女孩在仙女教母的帮助下最终赢得王子的故事。 苏利饰演的迷人女主角穿着简单但彩绘精美的礼服，在壁炉边和她的猫玩耍，而她的继姐妹则在后台打扮得漂漂亮亮，为皇家舞会做准备。 这幅画于 1844 年在费城和 1848 年在巴尔的摩展出，取得了成功，它展示了苏利令人眼花缭乱的风格标志的精致釉料、玫瑰色调色板和流畅的笔触，并结合了几代观众熟悉的流行主题。</p> <p class="ql-block">埃米尔·卡尔森 美国，1853-1932 年</p><p class="ql-block">《格雷研究》1906</p><p class="ql-block">埃米尔·卡尔森 (Emil Carlsen) 是一位丹麦移民，他的职业生涯致力于绘画风景画和静物画。 尽管卡尔森被认为是美国印象派画家，但他从过去获得的灵感比从同时代人那里获得的灵感更多。 他以 18 世纪法国大师让-巴蒂斯特-西梅翁·夏尔丹为蓝本创作静物画，为他赢得了“美国夏尔丹”的绰号。</p><p class="ql-block">卡尔森策略性地使用了简单的调色板和广泛的色调来探索灰色研究中的纹理表面。 例如，黑色大锅的光泽与黄铜茶壶浑浊、柔和的色调形成鲜明对比。 这种密切观察的证据反映了卡尔森的信念：一幅画的美与其主题无关。</p> <p class="ql-block">菲利普·埃弗古德 美国，1901-1973</p><p class="ql-block">《我母亲的肖像》1927-1946</p><p class="ql-block">这幅肖像是为了纪念菲利普·埃弗古德 (Philip Evergood) 的母亲弗洛拉 (Flora)，她于 1927 年 3 月 10 日去世，就在她儿子开始创作这幅肖像后不久。 正如他后来回忆的那样，“我的母亲在列克星敦大道的一个小房间里死于癌症，生命垂危。我坐在窗前和她说话，我看着她的脸，我说，“妈妈，我从来没有见过谁的眼睛这么漂亮。” ...我想画你。 于是她走到她的小沙发床边，躺下，双手交叉捂住疼痛，就像她经常做的那样，我拿出颜料去工作。”</p><p class="ql-block">永古德在他母亲去世前完成了脸部和头发。</p><p class="ql-block">在接下来的十九年里，当他成为一位重要的、有时甚至是有争议的社会抗议艺术家时，他完成了这一作品，并添加了弗洛拉·埃弗古德喜欢穿的高跟鞋。</p> <p class="ql-block">《拿着苹果的女孩》 1905年</p><p class="ql-block">威廉·阿道夫·布格罗 (1825 - 1905 )</p><p class="ql-block">在他的职业生涯结束时，布格罗从巴黎隐居到田园诗般的沿海小镇拉罗谢尔，在那里他主要画取自当代生活的简单的妇女和儿童场景。 他最喜欢的模特是当地的三姐妹，珍妮、伊冯和玛格丽特，她们出现在他晚期的许多画作中。 玛格丽特是姐妹中最小的一个，可能是这幅画的模特。 这张照片中的女孩穿着朴素，在郁郁葱葱的环境中拿着一个苹果，很可能被解读为青春纯真的永恒代表。</p> <p class="ql-block">《皮埃罗 》1925年</p><p class="ql-block">乔治·鲁奥 （1871-1958）</p><p class="ql-block">这幅画的主角是皮埃罗（Pierrot），这个角色起源于意大利即兴喜剧，是一个失恋且有时愚蠢的小丑。 皮埃罗的服装通常包括白色面部油漆和超大的白色服装，这些元素都出现在这幅画中。 两侧的舞台幕布让人想起这个人物的戏剧起源。</p><p class="ql-block">鲁奥很喜欢以皮埃罗为题材，并在他的整个职业生涯中为他画了数十次。 皮埃罗这一角色成为艺术和流行文化中典型的悲伤小丑，代表着一个被爱情所唾弃的忧郁局外人。</p> <p class="ql-block">《抽象头：两个元素》1925年</p><p class="ql-block">阿列克谢·贾伦斯基 （1864 - 1941 ）</p><p class="ql-block">对于《抽象头：两个元素》，贾伦斯基从俄罗斯东正教圣像（代表基督教宗教人物的神圣图像）的正面构图和比例中汲取灵感。 作为一个非常虔诚的人，他对如下图所示的图标非常熟悉。 这幅画是 251 个抽象头像系列的一部分，仅有细微的变化。 通过模仿绘画圣像的宗教实践，贾伦斯基探索了他个人信仰的独特方面。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">《红磨坊的英国人》1892年</p><p class="ql-block">亨利·德·图卢兹·劳特累克（1864 - 1901）</p> <p class="ql-block">《玛赛尔·伦德小姐》肖像半身像 1895年</p><p class="ql-block">亨利·德·图卢兹·劳特累克（1864 - 1901）</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">《女人的头》大约 1921 年至 1940 年</p><p class="ql-block">玛丽·劳伦森 （1883年—1956）</p><p class="ql-block">1903 年，劳伦森在巴黎求学时，加入了前卫艺术家圈子，其中包括立体派巴勃罗·毕加索、胡安·格里斯、乔治·布拉克，以及诗人纪尧姆·阿波利奈尔。 《女人的头》展示了劳伦森在 1921 年左右发展起来的独特的抽象风格。她的绘画和版画主要以女性为主题，其特点是简化的形式、杏仁形的黑眼睛和淡柔和的色调。 劳伦森的标志性风格在 20 世纪 20 年代和 30 年代委托拍摄肖像的富有的巴黎人中非常受欢迎。</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">《穿短裤的男孩》关于1918年</p><p class="ql-block">阿梅代奥·莫迪利亚尼（1884 - 1920 ）</p><p class="ql-block">莫迪利亚尼将他短暂而坎坷的一生奉献给了绘画。他主要以平面风格拍摄熟人的肖像，以线性轮廓和巧妙调制的大片色彩为标志。 与同时代的亨利·马蒂斯、巴勃罗·毕加索、乔治·布拉克和安德烈·德兰一样，莫迪利亚尼非常欣赏非洲面具。 Je 面罩（在附近的一个盒子里）等作品的影响可以从男孩脸部的风格化处理中看出。 画中人物修长的五官和空洞的杏仁状眼睛，《短裤男孩》传达了莫迪利亚尼经常赋予他的波西米亚朋友们标志性的优雅和超然的气质。</p> <p class="ql-block">恩斯特·路德维希·基什内尔 德国（1880-1938 ）</p><p class="ql-block">《四个木雕》1912</p><p class="ql-block">这幅画乍一看似乎展示了一组奇怪的裸体人物，三个女人和一个男人，以一种原始而富有表现力的风格绘制。 仔细观察后，人们会发现这些人物实际上是小型木雕，聚集在一面精致的 19 世纪立镜的扇形底座上。 这些雕塑是由基什内尔本人直接用木头雕刻并部分绘制的。 《四个木雕》对非西方艺术形式和粗犷的笔触表现出浓厚的兴趣，是基什内尔布鲁克时期作品的一个重要例子。 Die Brücke（桥梁）是 1905 年在德累斯顿成立的一个艺术团体，对所谓的“原始”艺术，特别是海洋和非洲雕塑有着共同的兴趣。</p> <p class="ql-block">《摔碎》 1907年-1908年</p><p class="ql-block">巴勃罗毕加索 （1881 - 1973 ）</p><p class="ql-block">毕加索在他早期职业生涯的关键十字路口创作了这幅简化的女性人物画。 它反映了艺术家将空间扁平化和将形式分割成抽象几何结构的实验。 这种概念和风格上的探索最终导致他和他的朋友乔治·布拉克发展了立体主义，这是一种突破性的美学，从多个角度而不是从一个角度来描绘物体。 在这里，紫色轮廓和拱形形状相互交织，定义了人物的简化解剖结构。 脸部、手臂和胸部上的铁锈色和赭石色的粗糙区域有助于定义身体，并创造空间、线条和表面的抽象游戏。</p><p class="ql-block">艺术收藏基金会，Joshua L. Logan、Loula D. Lasker、Ruth and Nathan Cummings 艺术基金会、Edward S.</p><p class="ql-block">马库斯、莎拉·多尔西·哈德森、阿尔弗雷德·L·布罗姆伯格夫人、亨利·雅各布斯和一位匿名捐赠者，通过交换，1987.399。 F A</p> <p class="ql-block">《披散头发的自画像》1947年</p><p class="ql-block">弗里达·卡罗（1907 - 1954 ）</p><p class="ql-block">弗里达·卡罗（Frida Kahlo）在她的许多自画像中使用服装来构建身份。 图中，她穿着一件来自瓦哈卡州特万特佩克地区的红、黄、绿相间的 huipil（衬衫）。该设计具有明显的本土特色，由特万特佩克妇女或特瓦纳人制作和穿着。 这种有意识的服装选择使卡罗能够采用不属于她自己的地理和文化身份。</p><p class="ql-block">如今，卡罗的作品经常与国际超现实主义艺术家并列（他们的作品就挂在附近）。</p><p class="ql-block">尽管她拒绝这种分类，但她对描绘内心情绪和精神状态的关注使她的作品与他们的作品保持一致。</p><p class="ql-block">这幅画底部的文字写道：“在这里，我根据镜子中的形象画了自己，弗里达·卡罗。</p><p class="ql-block">我今年37岁，现在是七月十九四十七。 在墨西哥科约阿坎，我出生的地方。”</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">乔治·布拉克 法国，（1882-1963 ）</p><p class="ql-block">《静物与吉他》1936-1957</p><p class="ql-block">铺着白布的圆桌上摆放着艺术家最喜欢的一些图案：一对黄色陶瓷花瓶和柠檬、一个菲塞尔（一种面包），以及一把模仿鸟形的高度风格化的吉他。 模糊背景中的纹理大理石花纹让人想起布拉克在1912年首次探索的仿木技术。尽管这幅画似乎与他早期的立体主义关注相去甚远，但布拉克从未停止探索绘画表现的语言和机制。 在这里，他继续分析色彩与形式的关系。 在他称之为“变形混乱”的现象中，黄色椭圆形同时代表圆形柠檬、平坦的吉他面和花瓶的空心开口。 正是形状的背景，而不是颜色，决定了它在这个构图中的识别，对比体积和空隙、浅和深、不透明和透明、平坦和圆形。</p> <p class="ql-block">费尔南·莱热 法国（1881-1955 ）</p><p class="ql-block">《三个女人和静物（Déjeuner）》1920年</p><p class="ql-block">《三个女人》和《静物》（Dejeuner）的巨大身体由光滑的灰色圆锥体、平面和圆柱体组成。 它们既类似于机械加工的金属形式，又类似于古典雕塑的光滑大理石肢体。 莱杰在他职业生涯的一段时期创作了这幅作品，他称之为“不朽的时期，巨大的阶段，具有大人物的构图，细节的放大”。 这幅画以三个人体为主。 一个是斜躺的裸体者，而其他人则站在中间，一个人穿着鲜艳的衣服，另一个人裸体。 这些人物围绕并部分隐藏了圆桌或托盘上的静物画。 莱热在 1920 年代初期的一系列雄心勃勃的作品中使用了站立和躺着的静物裸体主题，暗示着一顿非正式的晚餐或野餐 (déjeuner)，当时他对早期的研究特别感兴趣。 法国艺术。 他对传统艺术主题的探索伴随着一种描述人类形态的新语言的发展。</p> <p class="ql-block">《巧合之光》1933年</p><p class="ql-block">雷内·马格里特（1898 - 1967 ）</p><p class="ql-block">马格利特以其诙谐的超现实主义图像而闻名，他经常探讨光如何影响我们对现实的感知。 在这里，一根蜡烛照亮了一间黑暗的房间。 烛光似乎在雕刻的躯干上投下深深的阴影，让我们怀疑它到底是一个三维物体还是画架上的一幅画。 然而，蜡烛自身阴影的位置揭示了视错觉。 正如标题所暗示的那样，蜡烛的光芒和彩绘躯干之间的关系是巧合。</p><p class="ql-block">Jake L. Hamon 夫妇的礼物，1981.9</p> <p class="ql-block">《自然或丰富》1897年</p><p class="ql-block">莱昂·弗雷德里克（1856 - 1940 ）</p><p class="ql-block">这位慈爱的母亲沐浴在大自然的光辉之中，为她的孩子提供食物和支持。 她是生育和丰饶的女神，她像山一样的身体上长满了开花植物。 这幅画曾经是五幅画的中央部分，两侧的翅膀描绘了化身为儿童的四个季节。 弗雷德里克对神话形象的现实而细致的描绘展现了象征主义的精神，即将一种熟悉的类型——养育母亲——转变为感性和充满活力的视觉。</p> <p class="ql-block">《聆听农牧神》到 1899 年</p><p class="ql-block">弗朗茨·冯·斯塔克（1863 - 1928 ）</p><p class="ql-block">对于斯塔克来说，异教的牧神形象（古希腊神话中的半人半羊的生物）是生活中轻浮一面的象征。 她们善于交际、爱开玩笑，也象征着男性的欲望。在这里，两个顽皮的农牧神从悬崖上偷看一个毫无戒心的仙女在石窟里弹奏七弦琴（一种弦乐器）。 尽管她完全没有意识到她的音乐引起了人们的关注，但我们知道她的平静很快就会被打破。</p> <p class="ql-block">《海边公墓》1897年</p><p class="ql-block">阿道夫·希雷米·赫希尔 （1860年-1933）</p><p class="ql-block">虽然没有人物，但这片黑暗而喜怒无常的风景对自然与人类之间的关系提供了尖锐的评论。 汹涌的海浪和狂风席卷着沿海公墓及其脆弱的墓碑，凸显了人类的生与死在大自然的原始力量面前的微不足道。 《海边公墓》展示了艺术家创作高度戏剧性和情感场景的技巧，这是 1800 年代末象征主义运动的一个决定性特征。</p> <p class="ql-block">《向广场致敬：J. H. Clark》1961年</p><p class="ql-block">约瑟夫·阿尔伯斯 （1888-1976）</p> <p class="ql-block">《向广场致敬 (733）》1965年</p><p class="ql-block"><br></p><p class="ql-block">约瑟夫·阿尔伯斯 （1888 - 1976 年）</p><p class="ql-block"><br></p> <p class="ql-block">大蓝色平面、红色、黑色、黄色和灰色的构图</p><p class="ql-block">1921年</p><p class="ql-block">彼特·蒙德里安（1872 -1944 ）</p> <p class="ql-block">《协和广场》1938-1943</p><p class="ql-block">彼特·蒙德里安（1872 - 1944）</p><p class="ql-block">尽管以巴黎一个繁华的广场命名，但协和广场却没有任何自然主义表现的感觉。 相反，它是蒙德里安和其他人开发的几何抽象风格的特征</p><p class="ql-block">1917年。所谓的新造型主义，试图将艺术简化为其最基本的组成部分——白色背景、黑色网格、原色——以表达某种精神或崇高的东西。</p><p class="ql-block">蒙德里安逃亡时随身携带了这幅画</p><p class="ql-block">1938 年移居巴黎，几年后定居纽约。</p><p class="ql-block">为了应对现代美国城市的活力，他改变了这幅画，刮掉油漆，加宽线条，并添加色条。 他说他添加的色块给作品带来了“更多的布吉伍吉”。</p>