黄鑫：《浅谈中国画创作的时代感和历史性意义》

大河洋美术馆

《浅谈中国画创作的时代感和历史性意义》

文/黄鑫

世间万物，生命不仅仅是一种现实存在，也是一个历史范畴。这种理解并非仅因为每一个物种的生命都会经历从诞生、成长、成熟到死亡的过程，更因为每种生命都与基因、遗传、传承、传统和文化发展等相关因素密切关联。人如此，文化艺术与大自然、城市亦然。

在古代，文人以诗书立身，追摹意境，创作过程也文儒优雅。反观雕塑家制作雕塑，步骤繁缛复杂堪比体力劳作，难登大雅之堂，造成了“少文人多工匠”的局面。善书画者，多饱读之士，易成书论理，雕塑者却多目不识丁，难以成“论”。有关雕塑的书籍，可知最早的为唐代杨惠之的《塑诀》，相比魏晋时期顾恺之的《画论》，前者为口诀，后者成理论，足以看出画家和雕塑家在古代的贵贱之分。

对于美术工作者而言，生命——尤其是人——是我们职业生涯中必须面对的主要对象。我们的整个职业生涯都在处理并协调人与环境的关系。在自然环境，地域性是一个重要的创作艺术与美学概念，涉及到生命的在场与不在场，关联着生命的存在与未来、自在、记忆和艺术家的尊严。每一件作品不仅需要满足在场生命的现实需求，也需记录这件作品之前的生命历史记忆。促进艺术品的历史性生命力与社会价值，是我们艺术创作者承担的责任。雕塑和绘画在先秦本属于同等地位，动荡的春秋战国思想家一跃而起，受各种新潮思想的影响，“纵横家”是可以左右时局变化的。各个国家发现人才对于国家是十分重要的财富，文人社会地位开始逐步提升，三国到南北朝时期画家也多出现在仕途中，提升了社会地位，有记载的中国第一个画家三国的曹不兴，曾为孙权手下。东晋时期的顾恺之，曾为桓温及殷仲堪参军。这时绘画开始摆脱“匠作”有了自主创新的土壤。成为了有较多主动权的画家。画家地位的提升，主导了古代中国人对艺术的审美方向和理念。

艺术家之所以伟大，是因为其拥有独一无二的视觉维度，并自由地表达他所认知的这个世界。艺术家作为人类的优秀群体之一，拥有洞悉世界的技能。中国古代雕塑和绘画都讲究意像性，而且贯穿整个中国古代美术史，古人不管是雕塑还是绘画，讲究“以形写神”，追求状态，形而上的精神概念，不求真实再现于模仿。这都与我国传统哲学思想脱不开关系，儒家的崇高，庄严，肃穆，典雅。道家的飘逸，淳厚，淡泊，天真。追求内在美，原始美，一种大巧若拙的哲学审美观。

人们常说，要成为艺术家，便需突破三个必要阶段。第一阶段看山是山，这一阶段也是大众最容易认知的阶段，看到山的样子是如何，便完全仿照描绘。

第二阶段是看山不是山，描绘的是理解中的山，山是怎样组合构成以及表现不同山的气势与质感，所观察的不是山的外表而是内在结构，所以不是山。

第三阶段，看山还是山，是艺术家创作的山，虽然描绘对象是此山，但是画面中表现的是艺术家眼里的此山，是依照原有的创作对象加工提炼改造成艺术家心目中的山，为最高境界。正如齐白石的虾、马远的山、徐悲鸿的马、伦勃朗的光、梵高的向日葵等等，此山还是山，但超越此山。

艺术作品是艺术家对宇宙的领悟与表达，将思想转化为另一种形式而存在，一切皆是精神意念的传递过程。新时代艺术家的艺术品创作与创新，我们以自由之名，释放禁锢在艺术家心灵的灵感之火，为生命燃起绚烂之光。

有意味的形式在中国绘画艺术中的重要性。形式和内容相互依存、相辅相成，共同构成了艺术作品。形式是绘画的基础和灵魂，通过线条、笔触、颜色等方式传达情感和意蕴。内容是表达思想和感情的核心，传递文化和价值观念。有意味的形式是一种超越现实的表达方式，具有独特的艺术魅力，并引起观众的共鸣和感受。实际上，对于历史以及所原创作品生命的冷漠和忽视，是当前一个普遍存在的问题。

中国画的形式具有极高的艺术价值和观赏性。首先，中国画强调构图与布局。有意味的构图能够使画面更加有力量感和平衡感，产生独特的视觉效果，引导观众的视线流动，增强作品的表现力和吸引力。其次，笔墨语言的直接性和纯粹性是中国画的独特之处。通过不同的笔法、用墨技巧以及线条的运用，艺术家能够在画面中准确地表达自己的情感和意念，使作品更富有生动性和艺术张力。

最后，个人风格的形成是中国画家追求的目标之一。通过对传统技法的研习与借鉴，并结合个人的创新和表达方式，画家能够塑造出独特的艺术风格，使作品更具个性化和独特性。作为中国画画家，艺术作品必须紧扣中国社会历史的脉搏，以精湛深厚的造型与绘画功底，以质朴传神的艺术风格去影响新一代人，愿为中国现代美术史留下了鲜明的一页，这是每一位创作者应该完成的基本要求。在这里本人特别强调艺术家的中国画作品的创作不靠那些涂涂抹抹的用笔，也不寥草几笔，艺术作品的真谛必须存在有文化底蕴与内涵。中国画的创作如果只停留于工笔、白描、拼画，如硬性写生，照搬硬套的创作手法，缺少地域文化与时令的作品最后是会被历史而淘汰。

余华：“我接受命运，但我怀疑生活，我不想活成别人，我只想在离世时，成为了全世界唯一的自己。” 中国画的创作要走自己创作的思路，不能一直在临摹某人某家，这样子不是叫创作，一直在吃别人吃过嚼过的馍那是没有出路的。创作新苦，创意更新苦。做一名美术工作者必须是踏踏实实的走自己的艺术创作之路。毛主席说：“古为今用，洋为中用”，“百花齐放，百家争鸣”。尊重知识，尊重自己；要明确自己的艺术创作立场，创作出立足于时代、立足于未来，有智慧、有艺术灵魂的创新作品。

书画艺术当随时代。 通过古人书、古人画，我们可以了解到他们对于道、对于人生，对于审美都通过他们的书画流露了出来。那么我们今天的收藏更注重的是要和我们现在的生活相接轨。一个好的艺术家，笔墨当随时代，他是与时俱进的。怎样去把现代人的审美趣味、喜怒哀乐通过自己的、自身的体味和特有的艺术语言展现给大家，让大家产生共鸣，而且让后人也通过这些作品感受到我们这个时代的精神，这是一个艺术家所要完成的使命。

生命的意义是什么？这是一个悬而未决的哲学问题。而无可置疑的是，书画，在一生中，陪你走过忧伤、快乐，让你进取、突破，又让你博学和提升品味等等，给你高雅的思维方式，给你生命的寄托，让你的生命充满意义。

书画艺术，不是华而不实的东西，而是经岁月积淀、饱经沧桑的人生精华。艺术家所创作的艺术作品而书画作品和艺术家的人品是梱绑在一起，见作品，读其作品就能阅其为人处事，见作品如见其人也展现了书画家对生命的感悟与创见！

书画，是一种身份的象征，足见个人品味，甚至代表一种家风。爱书画、有书画是令人羡慕的，因为在想象的空间里，能够享受书画的美，是一种多么高雅的能力！

有一位老画家对当代中国画的见解，曰：“许多工笔画不是工笔意义上的工笔，不是笔法、墨法的结合， 是描、是磨，是靠时间磨蹭出来的，现在的工笔虽然外形漂亮，但没有内涵，审美浅薄。”余有同感，终于有前辈站出来对全国美展作品讲理了。笔”在文人画与书法中得以不断强化，“骨法用笔”成为汇通绘画与书法的桥梁，是中国画与书法最为独特的基因，也是区别于西方绘画最为重要的元素，被潘天寿先生喻为“东方绘画的精髓”。

无法染出现代人的造型时，画家们选择新的艺术语言，便是天经地义的事了。当然，新的艺术语言的创造，并非一日之功，需要时间来探索和实践。另外，并非凡是新的语言都好，都比原来的高明，这里依然有个文野之分的问题。画家选择什么样的语言，借鉴什么来创造新的语言，同他个人的修养又有着千丝万缕的联系（但那是另一个范畴的问题）。因为不论哪一类画家，都面临着一个修养、格调高低的问题。我想，倘不急功近利，多读点书，少做些无聊的张扬，肯静下心来多做些实际的研究工作，多少总会有些真正的收获。形式与内容在中国画中的关系密不可分，相互影响，共同构成了中国画的艺术魅力。有意味的形式作为中国画品评的重要标准，不仅体现了作品的审美价值和观赏效果，同时也推动了中国画的创新和发展，使其在世界艺术舞台上独树一帜。

艺术的路上，可能春风得意，也可能坎坷不平，无论如何，我们都要一直走下去。荣耀也罢，屈辱也罢，都要以平和的心态去面对。把心放轻，人生就是一朵自在的云，春华秋实它就是心中最美的艳火。风格个人化在中国画中具有重要意义，它指的是画家通过表现方式、技法选用、题材和意象等方面的独特处理，形成与众不同的艺术风格和个人特色。以下是风格个人化在中国画中的意义和重要性。

文/黄鑫

2024.3.20于东海岸诗巷

☆注：图片来自于网络；

国画篆刻作品/黄鑫

本文作者黄鑫近照