暑假博物馆之五

春梦秋云

遇见博物馆之《莫奈、梵高与现代主义大师》

暑假的798各种展览令人目不暇接，这次来“遇见博物馆”看《莫奈、梵高与现代主义大师意大利国家现当代美术馆真迹展》的更是络绎不绝。不管对绘画艺术是否熟悉，我相信提到梵高、莫奈，大家一定不陌生。据介绍，展览汇集了36位世界级艺术大师，展出1865-1972年间的48件真迹作品，总价值超过10个亿，展览为大家展示了一场跨越百年的西方艺术发展之路。

布展方有心，进门有一个再现莫奈花园中日本桥的小巧布景，梦幻紫色为主色调，可以拍照留念，虽然熙熙攘攘，但都能有秩序地安静拍照、观展。

展览有《风俗画和肖像画》《情感、直觉与象征》《肖像与日常物件》《几何与抽象》《符号、形状与色彩》五个主题板块。美美在小花园拍照后，讲解员首先带我们来到《风俗画和肖像画》板块，19世纪下半叶，意大利、法国、西班牙的艺术家回归对日常生活的描绘，巴比松画派、印象派、斑痕画派、斯卡皮利亚杜拉文艺运动诞生。依托于景观去描绘人类故事，这是17世纪"风俗画"的一种延续，同一背景下，肖像画也呈现更加自由的表现形式和绘画技法。映入眼帘的第一幅最美肖像画是《梦》 。

这是维托里奥．马泰奥．科科斯（1859-1933)的布面油画 （160x135 cm ）

科科斯出生于犹太人家庭，以肖像画著称。他的绘画主题大多都是在休息和娱乐时，光彩夺目、衣着光鲜的青年男女，科科斯的创作通常会把人物置于室外场景，在阳光的照耀下，人物形象呈现鲜亮明快的色调，这些因素都赋予了作品更加真实的色彩与能够沉浸其中的氛围。画中的女郎是画家朋友的女儿，她身着时髦的衣裙，精致优雅，姿态随意而慵懒，目光却坚定看向正前方，似乎正在思考着什么。科科斯的作品有别于之前的一些室内场景的肖像画，这种新式的风格也让他的作品受众更广泛。接着来观看这个板块的其他画作。

看到这儿，观众可能注意到了，同样的主题，画展里各种流派都有呈现，的确，西方现代艺术长河里群星璀璨，各种艺术派别层出不穷，各争短长又彼此呼应，展览中展出的各流派代表作品让人对这段历史有了形象的感知。展览打破了对艺术史时间线的严格归纳整理，印象主义、后印象主义、未来主义、达达主义、超现实主义、抽象表现主义等不同的现代艺术流派作品和不同艺术形式作品并置一处，让观众开启对作品的全新解读与探索。

展品不乏传奇艺术家印象派的莫奈、后印象派的梵高、巴黎学派的阿梅迪奥·莫迪里阿尼，以及颇具影响力的意大利艺术家乔治·德·基里科、贾科莫·巴拉、卢齐欧·封塔纳、翁贝托·薄邱尼等人的名作，展品的时间跨度为19世纪60年代至20世纪70年代，宛如一幅“流动的盛宴”，让观众尽览百年西方艺术发展之路。

现在，来到展览中最具人气的两幅展品前，克劳德·莫奈的《粉色睡莲》和文森特·梵高创作的肖像作品《阿尔勒妇女（吉努夫人的肖像）》。莫奈是法国画家，也是印象派最重要代表人物，一生留下了两千多幅油画作品。其中，《睡莲》系列是最具代表性的画作，他将水中光影以及色彩的美发挥到了极致。眼前展出的这幅《粉色睡莲》是莫奈睡莲主题组画中较早期的作品，画家的注意力放在局部小景，美丽的睡莲一片片向湖面扩展，形体消融在弥漫着雾气的倒影之中，整个画面朦胧而富有诗意。

《阿尔勒妇女（吉努夫人的肖像）》则是梵高创作的一幅非常具有纪念意义的作品。画中之人是梵高当年的房东吉努夫人，梵高以其为原型创作了六张作品，这是他生命结束前的最后一批组画，现场展出的这件是参考高更粉彩画绘制的。梵高曾在信中多次提及这系列作品，同系列其余画作分别被奥赛博物馆、大都会艺术博物馆等机构收藏。

虽然看过很多关于莫奈和梵高的画作图片，只有当你与它一步之遥时，你才能看清全画质感和大师的笔法，画中的肌理效果，笔触的厚和薄、快和慢、多和少能够在画面上形成不同质感，再精美的图片，也无法完全还原展品本身的“美貌”，“操千曲而后晓声，观千剑而后识器”，我想这就是为什么大家都想一睹真容、要看真迹的缘故吧。

在莫奈与梵高作品的对面，观众还能欣赏到另一位享誉世界的艺术天才——意大利画家莫迪里阿尼的《侧卧的裸女》。莫迪里阿尼身上既有意大利艺术传统的烙印，又有巴黎画派的前卫精神，其创作的裸女形象是艺术史中最为经典的艺术符号之一。这幅《侧卧的裸女》是莫迪里阿尼最具代表性的作品之一。经典的姿势与欧洲古典绘画中的女神遥相呼应，抹去了瞳孔的深邃眼眸，既是对原始艺术的学习，又是这位“巴黎才子”对自己内心深处寂寞与忧伤的表现。莫迪利亚尼的“侧卧的裸女”系列是20世纪早期绘画中最为世人熟知的图像之一（据说价值13亿），2015年中国藏家刘益谦以1.08亿的价格拍得他的作品《侧卧的裸女》，并创下世界艺术品拍卖第二高的纪录。

莫迪利亚尼笔下的人物并不真实，经过加工之后，画面呈现出一种有韵律的优美节奏。仔细看大部分肖像作品的眼睛大都无神，空洞，法国有一种说法：“此时的模特是处在催眠之中”，他说过一句话“当我洞悉你灵魂的时候，我才画出你的双眼”，大家再来欣赏几幅他不在这次展览中的作品，看看“长脖子”特征。

对比这两幅他十几年由小鲜肉到中年油腻男的照片，可见这种职业很是耗神啊。

除了以上重磅展品，意大利/阿根廷艺术家卢奇欧·封塔纳的作品《空间概念——等待》，以及法国艺术家马歇尔·杜尚的作品《帽架》等也备受瞩目。在20世纪的欧洲和美国，新的先锋运动兴起，风景画在很大程度退出舞台。部分艺术家专注对主体的探索，重构具象语言，呈现给观众意图明确的艺术；而达达主义者则对客体进行了情境化处理，通过呈现情景的转换，将一系列日常物品转变为艺术作品。

《空间概念——等待》可谓是“史上最简陋的名画”，观众看到的不过是一块灰色的画布，上面有一道刀割下的划痕，却曾拍下上亿天价。站在画前，我始终没有体会到“从这道切口细细看过去，划痕仿佛一条深邃的峡谷，一种神秘的纵深让观众的视线得以延伸，仿佛通向画布背后的空间”的感觉。有业界人士表示他的这件作品非常有意义，“当现代主义的艺术循着这样一种追求形式的逻辑走向画布本身，艺术家可以用一把小刀将画布划开，打开二维画布平面的边界，让艺术从画布中解放出来，拓展到更丰富的现实的世界”。当然他第一刀有这意义和价值，还划过四刀，也有价值，你我在画布上的划痕肯定就没这个价值了。

下面这《帽架》则是二十世纪实验艺术先锋、达达主义及超现实主义的代表人物马歇尔·杜尚的现成品艺术代表之作：生活中使用的普通帽架被悬挂于空中，在灯光下投射出像是章鱼的影子。重要的不是物品本身，而是艺术家选中的这件日常生活用品在空间场所变化后，主题和视角也随之改变，器物的实用含义在新的语境下已然消失。杜尚试图用这种方式打破日常用品和艺术品的界限，去引发“到底什么是艺术”的思考。

20世纪初，西方艺术首次完全与再现现实背离。纯粹的线条、色彩和体块布满画布，其构图灵感来自几何学。立体主义、抽象主义和未来主义诞生，是具象艺术某种程度上的变形。来看看贾科莫．巴拉的《悲观与乐观》，冲击力很强吧，这次展览巴拉的作品最多，共有六幅，展馆的每层都有展出。

继续向前，看看其他画作。展区共有三层，梯步也很有美感。

最上面一层《符号、形状与色彩》画作最多，20世纪下半叶，艺术中心从欧洲转移到美国，艺术表现出对绘画表面和符号体系的反思，而符号、形状和颜色也成为独特的表达要素。抽象表现主义、无形式艺术、空间主义、动态艺术、欧普艺术与观念艺术等运动随之兴起。一起来欣赏超现实主义大师胡安.米罗的《恋人的哀悼》吧。他的艺术符号：星星、女人和小鸟在这副画中也有体现。

继续欣赏

最后来欣赏3D复原后梵高的面容，这是我在放映厅拍下来，很喜欢这样的梵高这样的笑容。

群星闪耀的展览里，各位艺术家凭借独特而突出的艺术风格名留青史。其实，这批我们耳熟能详的艺术史上的经典和大师，在当时全部是一群名不见经传且充满反叛精神的无名小卒，他们从历史的大潮当中被挑选出来，借鉴一位艺术大师的话，那是“因为他们的创新性和一身桀骜的才气，经历了这么多的历史的风霜至今仍然屹立在我们面前，让我们感受到他们背后的一种精神力，为艺术而艺术，这是现代主义对整个现代艺术史发展有所启示的地方。”

致敬！