油画世界一一主讲缪远洋

小龙女

这个群是因为那个康老师说，大家在聚在一起，也是因为康老师才认识群里那么多的老师和朋友，所以我想先讲讲我是怎么认识康老师的。一一

我是高一开始学画画的，然后高二就去考了四川美院，那年是1993年，当时我记得我只身背着画板就一个人去重庆，然后就去敲了康老师的门啊，因为康老师是江安人，然后我也是江安人，所以说我们是老乡。康老师呢是跟我母亲是一起当过知青，也算是我的父辈，是康老师一路把我带入了那个画画儿这条路的，从一直以来鼓励鞭策，影响着我。

因为之前我，我和康老师都从来没见过，当然结果那一年是考的111，

一塌糊涂，因为之前我是连石膏都没有画过，康老师鼓励我，在临走的时候还送了我一个石膏，那个一个广东青年，我抱着这个石膏就回家，然后记得。在泸州的时候还遇到暴雨，然后遇到修路，然后我一个人抱着石膏去找那个，在泸州找那个旅社，然后抱着屡抱着石膏睡觉啊，因为这是康老师送给我的石膏，我能，我不能把这个石膏碰坏掉了。

然后高三呢，然后又接着去考，是康老师给我安排的住宿和考前班。但我记得当时康老师不在家，是让我去见的楼下的中澄清老师，嗯，周老师很委婉地对我说，不要着急啊，今年不行，明年再来嘛。可见当时的那个基础很差啊。但是康当时的传媒有有八年抗战之说，就是你考八年都是很正常的。

上了大学之后呢，我每每学期都会把我的话拿去给康老师看，也渐渐了解了康老师的黑板木刻艺术。康老师呢，一直都是坚持黑白木刻。曾经有人劝说康老师，只要你在画在黑板木刻里面加一点颜色，你的画画的价钱就一定会翻倍康。老师从为所动，我认为康老师的执着和成就，“我一直认为康老师就是中国的栋方志功”（日本版画家。早年从平冢运一学习版画，后形成自己独特风格。曾任日本国画会会员和民艺馆馆员。第二次世界大战后，在各类国际性画展上多次获奖，在国际画坛扬名。其作品刀法豪放，刚健洒脱。1970年获日本文化勋章。）

后来毕业了，我只要回到重庆，都会去看望康老师，嗯，有性。零八年的时候邀请康老师到玉溪师范学院做了讲座，一四年的时候有机会和康老师一起去罗溪采风，只要有机会都会向康老师请教康老师，只要接触过康老师的人都知道，康老师风趣幽默，谁活不管事。不管是人格还是艺术风范，都有巨大的魅力，康老师的在艺术和生活上都很大的帮助过我，在此呢，我记辉哥的这个平台，向康老师表达最高的敬意啊，在这里祝福康老师和卓老师身体健康，艺术长青。

这个目录里面大致分了五个部分，主要讲，第一是油画的产生及发展，第二是由中国油画的发展与现状，第三是关于油画的欣赏，第四学习油画，第五是关于我的油画的作品介绍和交流。

第一句话里面我觉得重要有一个关键是他是画种，它是油画，只是众多艺术门类的里面的一种画，他只是在欧洲具有广泛的影响，然后呢，他有大概有600多年的一个历史，我们了解他，一定要要去了解他的一个文化渊源，就好像那个水墨画一样。

我们当下去看那个油画，在艺术多元化的今天看待油画、油画，他他的文化，他的宗教文化背景和他的社会阶层的发发展息息相关，就像水墨画，作为文人画，他需他肯定，和诗书画印和当时的士大夫文化是紧紧相连。

不管油画还是水墨画，都是艺术众多形式中的一种，我觉得不要把他神神圣化，它只是表达的艺术工具，一种艺术形式而已。在我看来，中国的油画基本上都是土油画，因为在这里说的没有没有贬义词，因为这里说的油画都是指的古典油画，因为我们没有古典油画的发展环境和背景，就像当下我们的水墨画文化，没有文化的背景，所以说也谈不上真正的传统的水墨画，就像像国外的杜马斯化，运用水墨画它，它只是用了水墨这个工具而已。

然后下面三点是一个概念和一个油画的前身和一个油画的创始人。

油画是百度一下都清楚，它是透明植物油料和颜料在底子做个底子的布子，木板等材料上的一个塑造形象的一种绘画。

湿壁画大家可以看看古罗马时期的庞贝壁画。文艺复兴先驱乔托弗朗西斯卡的壁画，包括米开朗基罗的西斯廷壁画，都属于湿壁画。而丹培拉绘画是主要是以画在木板上，以蛋清和蛋黄为媒介的祭坛画。

不管是湿壁画，还是那个单培拉化，它的缺点也很明显，它干的慢，有时候需要用火烤，用水又又费事又麻烦。

我们看第一张就是乔托的佩鲁奇祭坛画，第二张是弗朗西斯卡的壁画，第三张是达芬奇的最后的晚餐，我们用我们这样看，我们看画面的就是人物的边缘线去观察3张画，第一张祭坛画，你看人物的边缘线，整个人物平面化处理，边缘线是处理的很死的。

年到了弗朗西斯卡的地方时候，就有明暗的表示哦，明暗的表示，但是仍然人物还是很呆板呆滞哦，空间关系上也是很很也是很平面。

到了达芬奇这里，你人物的结构关系边缘线就有空间的意识哦，场景有空间的意识，但是你看那个最后完成，壁画的斑驳程度很大，斑驳飞发现的画面已经很斑驳，保存也是很困难。

这个时候油画就诞生了，当然油画他这个诞生也不是突然靠一个人，但是呢，李德兰、李德兰，画家凡艾克兄弟是利用了亚马人油、核桃油等调调和的新的邮寄，才解决了刚才说的之前的这些难题，完善了油画的计划。所以说我们在这里普遍都说凡艾克兄弟被誉为油画之父。

既然是油画之父，肯定我们就要来看看这个油画之父画的油画是什么样子啊，这是扬帆艾克的阿尔洛芬夫妇像，看看这张既炫富又炫技的作品。

画中的主人翁就阿尔诺芬尼和他的新婚妻子，这算一张结婚照。

这幅画最有最有意味的是作者巧妙地运用墙后面那个镜子来丰富和拓展了画面的空间。这是一个凹凸镜，能够看见夫妇的背影，也能看见着画的作者。并且在墙上还有一个签名上写的是杨凡艾克于1934年在此的一个签名，新郎新娘手拉手迎接贵宾的到来，将两个完美的世界结合在。

两个人头顶上那个金光闪闪的吊灯，其刻画之精微为现代摄影者所叹服。这是尼德兰所有的细密画传统的画法，作者作品细致入微，精细画工，真实感爆棚，体现了北欧传统的细密画风，事无巨细，由此可见一斑。这一证明了油画在当时达到了一个技术的高。

这张画的定制者就是阿尔若芬迪，所以说画面上尽显富贵，每一个物象都表示了自己财富的象征。当然，作为扬帆，艾克也是充分利用了油画的细腻的，能够细腻表达物象的高度，展示了高超的既油画技法。所以说这张画是既炫富又炫技的做。

场景中所有的物件都有基督教的信仰，同时也有失去的观念和喻意。比如说男主公左边的橘子，橘子作为奢侈品，代表了财富，小狗言的忠诚，拖鞋预言着结婚，小镜框的四周镶刻的那十幅一书，受难图和串珠寓意着救赎，空中燃着的蜡烛寓意着向天空。见通向天堂之路。色彩上，女女主人穿着一身绿色的长裙，绿色安抚着心灵和眼睛的作用，周边的黄色希望和光明的寓意，白色象征着真。

600年来，随着人类文化的发展和科技的进步，油画在材质、技法、题材、审美等各方面都在不断的发生着改变。我们将把它归纳为三个时期，第一个是古典主义时期，第二个是现代主义时期，第三个是后现代主义时。

古典时期，我们又把它分为南北，文艺复兴时期，巴洛克时期，洛克可新古典主义、浪漫主义、现实主义时期。现在我们看的这样就是蒙娜丽莎，就是文艺复兴时期达芬奇的作品。

14至16世纪，欧洲文艺复兴美术已坚持现实主义的方式和体现人文主义思想和宗旨，在追求追溯古希腊、古罗马的艺术精神的旗帜下，创造出最符合现实人性的崭新的艺术。蒙娜丽莎最为大家熟悉。但是在这里，我想，除了为什么要谈到南北文艺复兴，就是想告诉大家，在温暖的南方意大利文艺复兴的同时，还有阴冷潮湿的北方，尼德兰的文艺复兴。

这是波斯以及包西的作品，与南方的作品的那种沉稳进步相相比，拥有一种似乎不属于那个时代的悸动和疯狂的生命力，却画出了整个世界的焦虑与恐惧[流泪]。

当然，我们从画面整个也能感到感受到一个末日情节，因为当时时间每一次临近公元千年或者500年就会有一些基督徒们惊叹世界末日的来临，不是也处于1500年及千禧年运动之中，自然会产生用宗教警示世人的想。

这张是包包博斯的最著名的作品人间乐园。

二是我们从画面整个也能感到感受到一个末日情节，因为当时时间每一每一次临近公元千年或者500年就会一个基，就会有一些基督徒们惊叹世界末日的来临，不是也处于1500年及千禧年运动之中，自然会产生用宗教警示世人的想。

三这是一个祭坛划，三块画面分别代表了不同的主题，左边是创造夏娃场景，是天堂的天堂的伊甸园，中间是人间乐园，也是后人命名三联画的来源人人间乐园，右边是上帝对人类的惩罚，场景为地狱，这张画是长三点儿八九，宽2.2米。这幅画主题很简单，其实就是警示世人并说明一切。将人引向堕落的根源就是。

这里要讲一下北方文艺复兴，相比较意大利南方文艺复兴，北方文艺复兴，比如尼德兰，它是一是荷兰、比利时、德国、法国的东北部的一些地区低洼地区。

北方文艺复兴的代表有扬帆艾克，包西和布洛盖尔。北方文艺复兴的代表，就是以四名四俗的精神的欲望与新的人文主义的世界观相提交换的现象。相比较意大利，意大利的作品，文艺复兴的作品，那种静谧，典雅而。

北方文艺复兴的画面就显得更为怪异，而这种直接影响了后面的布鲁盖尔以及后面的郭雅以及打理，影响了整个表现主义和后和超现实主义。

在当下的今天，当我看到达芬奇的蒙娜丽莎的时候，和和巴博斯的人间乐乐园的时候，我可能会更感动于人间乐园。

文艺复兴过后是巴洛克时期的艺术，17世纪巴洛克艺术风情于欧洲的一种艺术风格，这是鲁本斯的作品。劫夺留西帕斯的女儿古典、古典、古典油画。作品的内容都是以希腊神话、宗教、宗教故事为内容。然后我们在形式上看到夸张的形体、鲜明的色彩、强烈的动感以及紧张的气氛的营造，正是巴洛克艺术的。

巴洛克过后是洛可可啊。我觉得18世纪前半叶的欧洲大陆，特别是法国，出现了一种精致、感性而变化繁荣的艺术。如果说巴洛克艺术象征着路易14时期贵族男权的色彩宏大而华丽，那么18世纪及巴洛克之后，诞生地洛可可则代表了女性思维的觉醒、柔美、轻盈、细腻。它打破了以往艺术风格遵循的对称的法则，削弱了巴洛克风格的浓烈的色彩。但相比较，洛可可显得纤细、浮华、奢靡。

新古典是新古典主义绘画产生于法国大革命前夕，法国资产阶级推崇的古典风格，推崇其推行古希腊、古罗马的艺术语言、样式、题材、风格，视为极其达到玉骨缝筋的目的。那是由于法国大革命的密切相关。那个时期作品赋予了整个古典主义新的内容，使许多艺术家能够突破古典主义的一些城市的束缚，创造出一些具有现实意义的作品，因而新古典主义常常被称为革命的古典主义。这个革命的古典主义就是法国大革命的古典主义。

我们之前说过，古典主义的题材都取材于古，古，古取材于希腊的神话、宗教的故事和画一些王皇宫贵族。但是随着法国大革命之后，宗教故事和皇宫贵族的内容就不不再成为主流，而艺术家要寻找到新的题材，那浪漫主义随之产生。

当然，古典主义到现代主义的一个区别就是古典主义绘画，它是主题是以基督教为为为中心的一个主题，而到了现代绘画语言里面，他已经完全脱离了主题，完全把绘画的视觉语言直接解放出来，以以前的造型、色彩、线条都是为主题服务，而现在的线条、色彩、造型有独立的审美价值。

19世纪浪漫主义的诞生，是对当时新古典主义学学院派美术的一次革命。浪漫主义以追求自由、平等、博爱和个性解放思想为基础，追求幻想的美，注重感情的传达，喜欢热情奔放的情感抒发。

这个转变是很重要的。在18世纪末19世纪初的时候，由于法国大革命，出现了彻底的改变，欧洲的君主制国家的型社会形式。换一句话说，就是当时的欧洲的国家从君主制转向了共和制的时候，艺术家原来的种族人消失了，国王、教会都消失了。其实画家突然之间就感觉变得更更自由，而画家有了更多的可能去表达自己想要画的想法。

比如说戈雅可以画漂亮的画，戈雅在之前还是宫廷画家，但是她也可以画很很可怕的画。

比如说龙，他可以画龙神把自己儿子给吃掉，虽然说这个故事也是古罗马的故事，但是你看他的画，特别是在他的黑色时期的画，他所有的画都会让人感到强烈的情感的表达。这样的画，不是也不会有任何一个王王公贵族要的，这是他自己想要的画的画。

当然他们的作品还没有摆摆脱写诗的、写诗的成分哦，他们还是以写诗为为，为主要的内容，所以他们不得不去找那种表符合自己内心精神倾向的一些一些意向的物象，来表达自己激烈的情感。比如说德拉克洛瓦，他为了表达自己那种疯狂的情绪，他去就去画一些疯子啊，去找一些疯子的人物来，来作为自己的母体。

比如说我们在看到刚才发的那张德拉克洛瓦的自由女神，女神自由女神岛领导人们这张画里面讲的是1878年的事情，这是一件真实的事件可是你看他的化的表达方式，他的话的感觉出现了一种莫名其妙的女神弄的真实的事情变成了一个神话故事，过去我们看神话故事和宗教故事，是以画家的想法把整个弄成现实。而现在倒过来了，他要把一个真实的场景用以神话的方式来展现，为什么？这就是因为在欧洲，在欧洲，学院派绘画的表达方式，这种理想化的其实主义表达方式，使得他们造成了一种结果。

这种结果我觉得就像又用库尔贝当时的现实主义代表画家，库尔贝的话来说，就最能有代表意义。他说，我没见过天使，我不会画天使。

所以说相对，相对于古典主义前面的古典主义来说，后面的浪漫主义和现实主义更多是在于他们的选择。

这种选择也他使得他们的画面的中心也不再是基督基督，耶稣也不再是国王，也不再是神，而是他们本人。

当然，不管是浪漫主义还是现实主义，他们的革命性还仅限于题材，而不在于绘画、绘画、语言。而下面古以古典、古典、古典主义到现实主义这个界面，那就是绘画主题和绘画语言的一种交界线。

我们这里现代主义绘画指的是20世纪以来，在欧美各国相继出现与西方传统美术截然不同的美术流派的总称。这个各种流派的名目繁多，其中较为明显的，我们这里点了一下野兽派，表现表现主义、立体主义、超现实主义、未来派、抽象主义等等。这些流流派不断更替，呈现出种种复杂而光怪陆离的现象。他们在艺术形式和表现手段上标新立异，以至于从根本上否定了西方绘画的喜实传统，强调表现主义画家的主观精神，以象征、变形、抽象的符号来折射、隐喻隐含外部世界，表现悲观、扭曲、失落的思想和狂热、烦躁的、激动的情绪。

而这一切都是从印象派开始，当然这又和当时的工业革命息息相关。由于照相机的发明，所以说写实不再是一个主题。但是有一个问题是，当时的相机是黑白相机，所以说还不是彩色相机。所以说印象派画家们，他们就拿着画板走出画室，来到大自然追逐光影的变化。

绘画一肯定是跟社社会文化的发展，跟跟科技的发展息息相关，跟自己材料的发展息息相关，就是因为那个照相机把画家逼出了自己的油画工作室。

莫奈画的鲁昂大教堂系列，不止这几张。你看它每一章都是表现的是在某一个特定的一个时刻，要么早上、中午、傍晚的时分，或者是雾有雾霾的时刻，那种特定光影变化下的光和色的一种变化。

后来大家都知道，印象派就是因为他的那个日出印象而命名的。

印象派起于19世纪60年代的法国，因为莫奈的画作日出印象而得名。它抛弃了古典艺术中，绘画最重要的就是线条的告诫，着重展示的光影的改变，而否定了轮廓。在看乔托获达芬奇的几张画的时候，我们就用外轮廓去阐释它的画面。在这里我们同样去看一张画不可以用外轮廓去阐释它，在印象派里面已经虚无。

在这里的时候，我们可以也可以稍微稍微的做一个总结，古典主义它整个画面是叙事性，讲故事就是要以传教为目的。以萱已告知别人，因之前人能够认识字的不多，但是能够看画，所以我就是要告诉耶稣就在我身边哦，所以说一定要试用写实叙事的方法方式去呈现，而到了现现代主义时候，绘画已经拓展到绘画的世界语言‘，已经把刚才说的线条、造型、色彩独立的呈现出来，我们不管是莫奈还是后边画的睡莲，我们看到的是什么？色彩、造型、笔触。

印象派又分了印象派和后印象派，因为印象我们可能大部分人都对印象派比较熟，但是对后象印象派当然也知道，但是不知道两个的意义有多大。

印象派虽然走出了画室，但是虽然看似已经很主观，但是他们还是依附于客观，物象客观，什么物象依附于客观的光和色。我们之前看到莫来莫来，为什么要去画了个教堂，为什么要老老实实从早上画到中午，每个中午就画了一张，每个晚上就画了一张，就是因为他还是去用客客观的去捕捕捉自然界的光和色的变化，而真正到了现代主义，是从凡高、高更、塞尚开始。

我们常常说塞尚是现代主义绘画之父，其实从某个层面上，高更、梵高、塞尚，他们三个代表了，不同方向塞上更多是代表画面的结构，后来影响了影响了立体主义理想的毕加索尔，凡高代表这种激情代表了影响了后面的表现主义，而高更一种色彩拼图，有想象力才诞生了后来的野兽派。

我们后面会看到高更梵高，塞尚的作品，请大家记住这三个人的名字一一

高更，画面色彩，想象力。他启发了野兽派启发的马提斯，他的作品单线平涂，单线平涂，尽可能的简化，把色彩非常的具有表现力，追求韵律感和节奏感。

梵高充满激情，启发了表现主义，表现主义，包括书钉，蒙克，包括后边儿的。得表和心得表，他们是运用强烈的笔触色彩强，强调人内心的情感，

而塞上强调画面的结构结构，持续影响立体立体画派，通过点线面的结构和几何化体现的画面的张力。

而大家看到这里应该很清楚，你看之前古典主义是要叙事性，是要讲故事，是要有空间感、空间感，追求空间感哦。但是现在什么是平面化？一定要反叙事性，反中心化。

我们这里先把几个画派分别的梳理和和讲一遍。

野兽派是20世纪先前崛起的象征主义画派，追求主观和强烈的艺术表达，最大的特点就是色彩大胆鲜明，笔画率真奔放，将印象派的色彩理论与梵高、高更等后印象派的大胆涂色的技法推向了极致。

野兽派放弃了传统的远近比例和明暗，采用平面化的构图，阴影面与物体面的强烈对比，脱离了自然的模仿。野兽派的寿命很短，却对后来的现代主义影响十分深远。

我们看到这些画的时候，可能然后看到马提斯的画，看到野兽派的话，就像我们之前古典主义画家看到他们的一样，觉得完全就是垃圾，你这个怎么能叫画呢？我觉得我孩子都比你画的好，但是你要放在放在整个美术时期看，他们能打破之前古典主的东西，发现新的东西，这次美术史前进的动力。

表现主义自20世纪初从德国兴起，与法国的野兽派几乎是同时出现。艺术家着重表达内心情感，尤其是恐惧、焦虑等负面情绪[流泪]，对现实往往是抽象扭曲。

蒙克的这种呐喊我相信大家都见过，也也，你看我们在这里看到蒙科的话是强烈的被它的色彩，被她的造型、色彩，它这种鲜艳的色彩会刺激到我们的，刺激到我们的视觉，然后他的这种扭曲，这种曲线也会独立出来，有审美的价值，和以前古典主义，古典主义的绘画里面只有叙事性，所有的造型、色彩、构图都是为了叙事性，都是为了讲故事，而现代绘画表现主义的色彩、造型就是为了宣泄自己的情感表达。

立体派是20世纪初在法国兴起的艺术流派，艺术家追求碎裂、解析、重新组合形式和形成分离的画面。正如漫画中展现的一样，我们的典型的特征是将事物还原成一个立方体的表现。

立体派的宗旨来源于塞上的一句话，万事万物都是由几何物象构成的，就是万事万物都可以当做圆形圆体正方体、锥体来看，然后就是结构和重重构的一个过程。

超现实主义是起源于法国，盛行于20世纪20年代的艺术流派，以潜意识和超现实梦梦幻为创作的源泉。

我们看到前面野兽派、表现主义和立体主义的时候，更多感受到的是什么？感受到是绘画语言，就刚说造型、色彩、构图上的独立的审美价值，而到了超现实主义呢，他他有意识层面的东西，达利的作品就深深受到弗洛伊德梦的解释的影响。

现在注意，刚才也说到风格化，风格化，像走马灯的一样走，但是是也是因为工业革命的发展很快，发展很快，他就造就了很多的艺术风格，比如像，像波波主义是20世纪50年代发源于英国与美国兴起的艺术运动，长久以来包括了报纸的插图、流行音乐、广告、漫画、侦探小说，这样能够以粗浅的形式和恶俗的趣味赢得普通大普通大众的喜欢。

你在普艺术里边有很多人，就是反馈话，它更多是在拼贴，也有做丝网印刷，像安迪沃霍尔的录，就是用丝网印丝网印刷，汉密尔顿，这张画就是基本上就是运用的拼贴，而且你看它这个名字是什么，使今天的家庭如此不同，如此具有魅力，你听完之后是感觉什么具有哲学的方向，没有叙事性是不是？

没有说要讲故事啊。

波洛克行动主义绘画也是美国抽象表现主义的代表，强调创造的自发性、随机和无意识性西方美术史，人家认为中国画的泼墨的方式与行动绘画相似，画面效果有接近中国书法艺术的趣味和美感。当然，我们这里也也是像走马灯的一样，就说过一遍，其实在每一个风格语言的背后，其实做了改做的这种革命性改变是巨大的。

抽象绘画分热抽象和冷抽象蒙德里安，这个就是属于冷抽象，属于很理性。

后现代这一部分我们可能要略掉。我们只大大致的讲了一下。

后现代主义绘画是集20世纪以来，有钱为特色，与传统文化分道扬镳的国内美术流派和思潮绘画进入了后现代。我们这里说油画进入了后现代艺术内核，更注意观念的表达和方法论的讨论，相比较装置、行为和多媒体等艺术形式。油画作为传统意义上的架上绘画，显然是黯然失色的。关于油画的消消亡，论和回归论，不是今天我们讨论的话题。我相信我们热爱油画的，不是因为体油画的当代性，而是因为它特有的材质的美感，符合我们表达表达所需要。

而这种需要，不管是写实还是表现，都是是吸引我们的核心，最后我们用几组作品来结束这一部分，让我们用心去体会一下油画给我们带来的感动。

你看我们从伦勃朗的一行，到到凡高的作品，到高跟的作品，我们都能够感受到，不管是古典的还是表现的，不管是写诗的还是意向的哦，不管是立体的还是平涂的，我们都能感受到绘画语言的特特特质呢，古典主义绘画，古典绘画里面他那种细腻的笔触，他能够能够客观的苗木出刻画出人的皮肤肤色的这个毛细血管的那种微妙的变化。

然后我们在梵高和高跟，这里能够看到刚才我们说的绘画语言的独立的审美价值，色彩独立的一个绿色，它能代表什么，代表什么情感哦，我们是能能够之前我们在在在古典绘画了，更多是在听故事，而我们在这里是我们能够把颜色、色彩构色彩，笔触能够独立的感去去用视觉感官。

油画在中国的发展，我们在这一篇章，我们也不作为重点的去讲一一

从清代，从郎世宁把油画带到中国，其实在更早之前，明代就有，就有很多传教士把油画带到中国，然后到后来二世纪到19世纪末，一一李铁夫，林风眠，徐悲鸿等出出出国，学习学习学习油画，到后来的董希文，罗工柳，到后来的伤痕美术，再到何多苓的乡土绘画，罗中立的父亲，到后来新现实主义绘画陈丹青，这么一个过程。

然后一直到85思朝，整个十年间，把整个欧洲油画的几百年的油画都都学习了一遍，然后进入了，进入了自己的所谓的新生代艺术，波普艺术、泼皮、艺术、新表现绘画、超现实主义艺术、东方想象、卡通绘画、洗衣、油画和意象油画。

总的说来，90年代以后的中国油画语言进入了一个繁荣多元的时期，我们油画只把它当做一种画种，只是中国油画在中国得到了真正的发展，还是还独立的油画的发展，我觉得还是到了后期。

如果这一段讲起来还是比较多，也比较复杂，我们这一段就是说，中国油画的一个发展和现状，我们就还是把它忽略过。

下面讲一讲，关于一张油画的欣赏一一

如果不是专业人或者一个专业人人士去看话，怎么去观赏一张油画，我这里把它列了三个三个层次，第一你就把它作为一种视觉艺术，油画，油画作为作为最传统的那种架上绘画，它就是一种视觉艺术，你可以不用去管其他，直接的享受感官视觉体验。

第二部分呢，我觉得你可以了解美术史哦，开拓自己的审美视野，比如说我怎么知道现代主义，怎么知道阴阳派，他们是怎么去，怎么去反叛传统，进入进一进一步的革新。

当然，第三步是就是跳出审美的范畴，从社会学、心理学、哲学方面进行剖析，启迪心灵和思维。

第四部分学习油画，不是专业的朋友或者老师怎样去学习油画，我们这里称为素人画，这个称为源自法国素人画家，是指的没受过正统艺术训练，凭感觉和直觉着画的人。

素人是怎么学习油画素人的艺术？艺术的作者是那些没有接受过学院正规训练、非职业的画家的群体，他们从事各种工作，作为某种原因，突然开始进行艺术创作，从中获得情感上的释放。他们发自内心的需求和创作动因和无功利的创作目的，使作品表现出艺术创作的视觉张力，受到许多艺术史家的关注。

这个我我讲过素人话一定是什么，自己喜欢艺术，自己喜欢油画，发自内心的需求去创作，就自己需要画画啊，需只有画画能够表达自我的东西啊，而且是无功利的创作目的，他和素人化和和，比如说学院派的画家，他可能还是要去参加展览，去一但是为了某个目的参加展览，或者是比如说去跟画廊合作，他肯定。或多或少都会受到功利性的影响去进行创作，反而我觉得树树人，树人画家应该摆脱一些一一学院派的束缚，应该更自主、更自由去表达自我的，这样才能够显示出自己作品的视觉张力。

这里给大家介绍两位素人画家。

第一个是美国最著名的一个摩西来了，我相信大家可能都以前都刷到过他啊，接近80岁才开始画画，然后我觉得他就画的非常自由。

当然说的自由不是说乱画，当然你肯定要学习，但是我觉得更多要回归自己的心灵，要自己有表，谁是问自己想画什么，想表达什么啊，当然和和西方之前我们说到这个高校，凡高、高更他们，西方有一个文化船只，他们一个什么博物馆文化，他们可能没有受到科班的学习，但是他们可以进入博物馆，整个西方美术史他可以看到圆原住这个，这个是和我们不一样的，我们看到大部分是印刷品。

只是在技术层面上，在技术层面上，知识层面上，我觉得在现在，现在那种信息发高度发展的今天，只要你想学习，什么都能学到，最终还是回到你有没有真正去热爱，有没有真正去就说恶，想自我去表达，有有表达的东西。

第二个是施慧老师，他是一个男科医生，嗯但他我觉得也很有天赋，他对音乐，他对音乐，绘画都有很很很高的很好的认识。他现在都还在一边看病，一边自己画画儿，作曲什么，做一些，跟自己充分利用，自己比其他的时间去做一些艺术相关的。你看他的画面充满着那种生命力，我觉得我是达不到这个，这种素人绘画，那种很生猛的东西，我觉得是学院派里面的一一个弱点，所以说我觉得既然我们是是素人绘画，为什么？为什么要又要去受到受到学院派的束缚呢？

其实思慧老师的那个画面的那种题材也是非常简单，就是日常生活，就是日常生活，但是它的色彩、笔触和花的画面的那种意识，非常非常具有自己的自己的表达，包括其实好像也是在寻求光影的变化，但是画面的色彩直直达人心。

这一部分就是油画学习的工具介绍，我也只是带过一下，因为我觉得这种技术性、知识性的东西，网上一查，还丰富和详细，我只是想说，就说如果初学油画的初学油画，尽可能的简单，不一定就是工具要多复杂，我觉得刚才我们说了就是油画，他就是以油画、油画作为媒介的，然后画在一个支撑上的。支撑上边儿的111种绘画，所以说我现在我很多画，我都是在纸本上画，在在油画纸上画就可以了，就说就不用那么麻烦，一定要去去崩框，一定要去做一个底还是什么的，而且现在的工具越来越越越先进啊，越来越方便。

还是过一遍吧，这个底料我觉得现在已经已经有，相对就算是画框，都是做好的，底座好了，不用去，自己去做啊，不用自己去做，直接买到现成的话不就可以，然后比有很多种。扇形笔，那种牌，刷刮刀，我觉得这个只要你需要你觉得你需要你就去做，每一个，每一种工具都有自己的表达的需求，一定按自己的选择来就可以了，比如说就就是说那个扇形笔怎么用，按理说是以前古典绘画里面用来刷油的笔，这个我觉得完全不必要这样，完全可以直接画啊，刮刀也是可以有很，也可以自自己去制作一些材料工具。

松主要是两个，就松节油和调色调色油吧。还有很多很复杂的那种媒介剂，我们就不一一介绍条，那个松节油主要是吸吸食，吸食这个颜料调色油呢，主要是调和，使它的颜料更聚光光泽。

我之前我说过，我学的是美教系，不是油画系，一直都觉得不自己不是正宗的油画人，也是感觉很自卑。

后来研究生，终于是读的是油画专业。

现在颜料有很多，有玛丽的、温莎的、伦勃朗的，可以根据自己的需要去购买。只是你看右边这个图图上面，他对颜色大致有一个，比如说亮暗，有一个，明度上的一个，哪些颜色属于亮色区域，哪些颜色区域，暗色部分，哪些属于灰色，灰色的部分就是说他如果翻成黑白的时候，他是一个明度上的一个一个区，当然，更重要是它的同样的颜色的冷暖变化，比如说红色，红色，它朱红、大红、玫瑰红，它橘红，几个紫红，它同样是一个红色，它里面的红色的微妙的变化。

而且比如说就黑色，一个黑色，象牙黑和炭黑，同样是两个黑色，它仍然有蓝，仍然有冷暖的变化，象牙黑要暖得多，深和深，黑色和和绅和，和那个，那个什么黑色，那个就完全要冷，而且同样是象牙黑，你加白色进去的时候，同样产生的灰色，那也是也是有冷暖变化。

介绍一下我我的一些话，因为可能是自己的画，更能够说清楚自己的表达一种方式和从从主题到形式。

我是99年本科毕业，然后就到了云南玉溪教书，一直教书到现在，然后零三年的时候，然后觉得还是想去继续学习油画，然后就去考到了川音美术学院。哦我是刘红老师和马一平老师的研究生。

因为成都那个环境是属于比较开放的一个环境，而且在那几年，整个艺术氛围也很好，所以说在那么一种开放的，因为在我们是川音美院的第一届研究生，可老师他们也不知道怎么去给我们上课，我们去的第一天就让我们写生，嗯第一天进去，马老师和刘老师就介绍了，相互介绍一下，最多五分钟，然后就把模特叫进来，然后就叫我们写生，画一画，就是画了接近两年吧，就在就在那个学期，我们五个人就开始每天就话，我觉得挺好的，这种很开放，很自由的自由的一种环境里面去学习，我觉得非常好。

人物的造型特点呢，当然这里面首先是有叙事性，都有叙事性，就想表达一个故事，内容有一定里面有一种象征和寓意。嗯，然后人物和场景都是以膨胀方式，当时我觉得嗯，整个零八年以前，我觉得整个这种整个环境，社会环境，那种经济，都是在一种泡沫的泡沫的情情况下，急剧的那种危机感，所以说我特别事项。第一部分的第一章，一切翻在暴风雨之前，那个石狮子倒下来压着很多人的时候，那是零七年还是零七年还是零八年的画的作品，那个石狮子就是权力和权利和和财富、金钱的一个一个象征。

研究生时期的基本这一批作品，比如说都是以头都到了系列，这个其实就像名字一样，非常质朴简单，然后造型也是，基本上就是平图也是很简单，嗯，只是就是想表达当时自己对这个事件的一个看法。

因为我们也算是卡通一代，从小就是看看电视、看卡通片长大的，所以说整个人、人物、人物、人物的这种造型也是属于比较卡通的一类。

（缪老师的作品内容有隐喻的批判的成分，但画面呈现的气息还是有一股温润淡雅）

这一组作品就是头头都大了，系列作品一直到09年09年的时候，零九年的时候，因为因为我父亲不在了，然后正好我的孩子又出生，然后慢慢的慢慢的环境和有一个变化，嗯，因为我现在到云南，有时当时也有十年，从来就没有接触过云南本土的题材，但是孩子出来之后，我觉得应该画一些，画一些云，以云南为主体的一些话，就是在画风上就有了一些变化。

祈祷中的小女孩，纪念512汶川大地震的时候是在零八年画的，是零八年画的，当时回来因为也是刚刚刚从成都回来，就发生那么大的灾难，我就自己想画一张，做一个纪念。

但是同时画了一张风雪前行中的马帮，那是以云南题材为主题的作品，因为在之前为什么不画云南主题呢？因为其实我虽说到云南十年，但是我觉得云南主题很容易划入那种风景风情的一种模式里面去，所以说我一直很担心，所以就一直都不敢触及这个云南主题的题材。

有一天我看到田壮壮的一个纪录片德拉姆，然后我觉得茶马古道里面的马帮，就是我一个外省人对云南的一种认识，神秘荒野。

但是从这张风雨前行中的马帮开始，就茶马古道的作品就一直画了，断断续续将近画了十年。

因为我觉得画画儿从风格语言上，一定是跟自己的成长有关系，所以再看看整个画面的时候，觉得有一些纷乱，不是很完整内，但是其实我觉得只要发自内心，贴合自己内心需求，我觉得就就可以。然后中间也画了很多主题性的作品。

但是有一条线还是很明确，就是不管是之前的＂头都大了系列还是后边的主题性绘画，但是我还是尽力把趣味性、趣味性和和寓意性象征性带入画面。

一四年的，画了一张关索骨，古意是关索戏，是云南澄江的一个裸戏，就是那边的一个叫小屯村的地方，他们的一一个裸戏，就他们没事儿就在田里干活，然后有节气的时候，他们就直接穿上，穿上他们自己的服，这种服装关锁嘛，就是关羽的后代，他们有一个很有严密性，他们有专门有演刘备的，有演关羽的，有演张飞的，他们是，而且还有点世袭制的感觉，比如说我家里面演刘备的，那我就一直都是这个衣服，就我一直穿我的后代去穿，去演这个刘备。

当时在小屯村采风的时候，其实很遗憾没有看到他们的表演，我觉得其实有时候也挺好，包括像长毛古道，我在画之前，我看在座国家艺术基金项目之前，我是没有走过茶马古道的，我觉得就是靠着自己的有有自己的一些意向的东西加入画面，包括像观书古玉，其实当时也没有看到表演是去是去那个小屯村采购风，然后这三个人物也是，也是当时在小屯村拍的，拍回来之后才发现。

发现三个人中有一个就像刘备有，有一个就像关羽，有一个就像张飞，我觉得有时候就是要把客观的有一些元素加入自己主观的一种意向里面去。

（相传是关羽儿子，寄养在花家和索家）

当然，我在整个过程中，现实主义的绘画在我画面中并不多，我总觉得现实生活有些是不如画的，而我觉得更多是把目光投向到一些历史画里面去，因为像克罗齐说的，一切历史都是当代史，当然这个当代史不是指的一个时间段，而是指的一种思考的状态。

18年画了一张昆明1938，是画的关于西南联大的题材，其实对西南联大这个题材我一直想画，包括那天奎哥他们到我工作室画看的那张大的也是画的西南联大题材，但是那个题材也并不完全是为了还原西南联大的一个现实，而是对我，对西南联大一个理解。

19年画一张滇车马具，因为画了十年的茶马古道，我觉得每一张画后面其实都都是一个系列作品，都有很多张画在后面。只是我只是发在大家看到的是一张作品，像这个滇车马具，它也是有一个系列的作品。只是画了十年的茶马古道，我觉得长马古道是一个历史的痕迹，我觉得他应该和当下产生一定关系，比如说这张我就把赶马人划到了当下一个环境里面，远远处是高铁，我觉得应该展现一个整个的云南的一种交通史的一个面貌，从茶马古道的赶马人到滇越铁路，到远处的高铁时代，我觉得这是一个整个云南的交通史的一个大的辉煌的史，辉煌的面貌。

我个人非常喜欢传统文化，虽然我没有画过国画，但是我非常喜欢壁画，从秋瓷壁画，敦煌壁画，到每个地方的壁画，我都非常喜欢，所以说在后期，后期的一些作品，特别是从北京学回来之后，我其实就开始在画丙稀，我觉得丙稀西以以营造出那种斑驳的效果，我觉得可以是我画面这种形象，这种反应。

那下面后面还有一些纸上作品，就是茶马古道沙溪系列纸上作品。嗯，因为我平时平时下来我也画些纸上，比如说左边那个是色粉，右边那个是一些水彩，但是我从来也没把它当作水粉或者色粉或者说水彩去画，因为我觉得他那就是一个材料，那就是一个材料去去表达，而且我觉得就要把你就要把水彩画来尽量的和我们印象中的水彩拉开距离，我觉得就就更有意义。

然后聊两句，那个15年的茶马古道的申请的国家艺术基金的这个项目一一

当时茶马古道画到第六年的时候，其实有一个机会是做国家重大历史题材，我知道我们是很难进入。但是给了我一个星期时间做稿子，就做了两张接近两米多的，有一张是接近四米的一个小稿子，正是因为这个小稿子，结果就被被国家艺术基金确认了，获得了青年创作项目。

然后因为这个项目也使我有机会挨着茶马古道整个走了一圈。当时我就在沙溪，以作为以点带面去研究，也画了一段时间作为采风，而且画了我觉得应该画的一些人物。

然后再聊聊两句那个风景，因因为我们这个工作是我们这个玉溪师范学院美术学院的油画工作室，是我九九年到到的时候成立的，当时分为古典工作室，贺喜一工作室，后来09年，回来的时候，我们把它命名为意象油画工作室，在这个工作室里面有三个老师组成，然后一个是负责进入，一个负责人物，一个负责风景，我是负责人物这一部分，所以风景画的很少，基本上没有采风的机会，但是看大家看到油画作品版，版纳白塔这部分是第一次去采风。

我的风景创作完全也是自己感受，大家看到这个风景后边，从那个园，那个园的板，那后边都是化的去山东额妆画的风景，o完全我是在那个画布上，刚刚开始是那个画布，我不满意，我就在那个画布上刮了一层白色的油画颜料，然后在那个白色颜料上画，可能是我觉得上了一颗白的之后，我觉得就像，就像把把熟宣做成生宣一样，有一种画国画的一种意味在里面。

然后大家看到第三部分，就我，我们在，我在中国油画学会国家艺术基金油画创作人才培养这个活动也是在额妆化，但是这次的时候由于材料，我的材料发生了变化，使我的绘画语言有了不一样的变化，那个时候我因为我就没有带油画现场自救，只有丙烯，所以当我用丙稀的时候，我也是从零开始，可能就是这种，就说比如说要放弃，改变之前的一些既定的一种嗯，浊化的城市，可能就会打开一个新的局面，就是红色的，红色的，这一批红色，这一批风景。

当然，可能也跟我当时我们去鹅庄的气候不一样，前两次去都是都是四月份春天，然后最后这次是十月份，去这种这种山东鹅庄的那种，也是有苍茫的那种荒凉的感觉，也是可能突让我有这种创作的冲动，和和我现在就是这个绘画语言也是相贴合的。

回来后也进行了一些大的风景画的创作，油画＂境遇，翰林＂这是一个系列，是两张两米乘两米的作品，明显画面上就更抽象，更抽象，具象的图像进已经被我削削减掉了。

然后最近的一批油画作品＂归影图＂，就是在疫情期间画的一组作品，然后可能是跟疫情有相关，因为疫情去不了哪里，我觉得自己就像一个影视一样，待在画室里面，所以画了一组跟你在思考自己未来要怎么去走。

但刚才我一说，因为画室还是有限的，我尽量的画都太大，或者是用化合物，后边就没有空间去放，所以说我很多有些都是在纸上画，比如说最近画的2021年的伤丘图，这种系列基本上就是在油画纸上画的，在油画纸上画的，我觉得很快，但这这里面就是像刚才之前有老师说的，这个实验性很强，我觉得我觉得，我觉得我一直都是在探索之中，所以说我也没有觉得我的哪一张画是比较好的，我觉得我一直都在过程之中吧。

讲座后一一

缪师兄可以考虑创作云南讲武堂系列，那里曾经将星云集，建筑群也非常入画。

是的，云南讲武堂也是很好的一个题材，那里面的不管是人物还是场景，都有非常强的历史时代感哦，我只是没有机会接触到，或者是没有一个很好的契机。

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