西方顶级人体雕塑艺术作品欣赏系列（文艺复兴时期代表作）

山谷回声

人体解剖学（肌肉与骨骼）乃是人体美术艺术（雕刻与绘画）的重要基本功。

序：【西方经典人体雕塑发展史简述】 （本篇为欧洲文艺复兴时期代表作）

西方雕塑以欧洲为中心, 代表性作品主要有古希腊雕刻、古罗马雕刻、中世纪雕刻、文艺复兴时期雕刻、18世纪雕刻。风格有古典主义、浪漫主义、现实主义、象征主义等。西方近现代雕塑三大支柱的罗丹、布尔德尔、马约尔。

西方雕塑艺术源远流长，作品繁多。一般认为，西方雕塑史上有四个最为辉煌的高峰期，分别是：

A 古希腊、古罗马雕塑艺术。

西方古代时期的雕塑在很长的一段时间里主要是为图腾、魔法和宗教服务。欧洲古典时期的艺术是一种在赤贫后产生的新的美术形式，这种美术形式给后来整个西方美术发展带来了深远的影响。

古希腊雕塑家努力地使他们的作品显示出活力，迅速地学习掌握了人体解剖结构，并逐渐取代了早期的 “几何” 风格，形成了最重要的人体法则，即把人的重心放在一条腿上，另一条腿则保持松弛。从而利用这一动态的视觉错觉，在无知觉的石头上表现出形体外部的松紧和内部的运动，它标志了雕塑古典时期的真正来临，同时，在古典时期浮雕也取得了很高的艺术成就。

古罗马在艺术上深受希腊的影响，但保持其自身特色，特别是在肖像雕塑上更注重客观对象，追求个性化，而非希腊的理想化。

B 欧洲文艺复兴时期的雕塑艺术。

意大利的文艺复兴是一次著名的历史运动，始终于1453年君堡－1689年英国资产阶级革命），是文化艺术的一次再生。整个西方文化的知识面貌产生了具大的变化。它不仅恢复了古典时期古典美术的形式和题材中的关于人文主义文化的含义，同时强调以科学的态度观察客观事物，这种艺术作品突出表现了艺术家对透视学和解剖学的深刻认识。个性的解放和世俗文化是文艺复兴时期的两大特点。 这一时期产生了许多杰出的艺术家，其中，多纳泰罗和米开朗基罗是雕塑的杰出代表。 被称为 “文艺复兴三杰” 之一的米开朗基罗的艺术成就不仅仅表现在雕塑上，还深入到绘画，建筑等美术各个领域。

C 19世纪的西方（法国为代表）雕塑艺术

19世纪，在欧洲的许多城市广场和公共建筑上安置了一大批显示出卓越技艺的纪念碑和纪念性雕塑。法国著名雕塑家 （1）让·巴普希斯特·卡尔普 以强烈的浪漫主义精神创作了《舞蹈》， 整个作品充满了生气，节奏流畅优美。（2）弗朗索瓦·吕德的《凯旋门》浮雕充满了激情和民族自豪感。 （3） 梅达尔村·罗索 把印象派绘画理论用于雕塑，从而把绘画和雕塑融合在一起。他的作品表现了在色光的照耀下雕塑最闪动最精彩的部分，而让其它部分减弱，表现了丰富的光影和人物性格变化。

D 20世纪的雕塑艺术。

20世纪是一个色彩缤纷的时代，各种思潮和流派不断产生并流行，并波及整个世界，如立体派、表现派、未来派、超现实主义、流行主义、抽象构成和照象写实等等，不管这些流派的形式和主张有何不同，他们都是决裂于传统艺术的新形式。

　　【欧洲文艺复兴 】兴起于13世纪末的意大利，后扩展至西欧各国的一种思想文化潮流，文艺复兴运动对世界艺术的发展产生了巨大的影响， 对雕塑的影响亦是极为深远的。

文艺复兴时期的雕塑，继承并发展了希腊、罗马雕塑艺术的传统，开始成为一门独立的艺术，在此期间雕塑艺术达到了高度繁荣。文艺复兴时期，雕塑题材的丰富、表现手法的创新和新创作技巧的应用，不仅使这个时期的雕塑成为文艺复兴的重要组成部分，而且使这一时期的雕塑成为雕塑史上最辉煌的一页。

中世纪的意大利雕塑艺术仅作为建筑艺术的组成部分，依附于以教堂为主的建筑物。 文艺复兴时期，雕塑开始作为一种独立存在的艺术形式。虽然这一时期的不少雕塑作品仍取材于《圣经》，但是雕塑家们希望能够摆脱宗教的束缚，实现突破。因此，他们在创作中并未选择具有依附性、以宗教为题材的作品，而是创作了一批独立的雕塑作品。例如具有“文艺复兴之父”之称的雕塑大师多纳泰罗于1430年创作的传世之作青铜像《大卫》，这是一件完全独立且富有创新意义的作品。

值得注意的是，这一时期的雕塑作品，在表现手法和技巧上均有创新，主要表现在创作过程中， 艺术家对于空间透视和人体解剖学的精准应用上。

本篇推文将列举文艺复兴时期部分意大利雕塑作品，通过这些雕塑，我们能看到这一时期雕塑作品存在的上述特点。

下面简介意大利文艺术复兴时期影响世界雕塑的大艺术家：

【皮萨诺父子】

意大利父子雕刻家：父亲尼古拉.皮萨诺。儿子乔万尼.皮萨诺。他们是意大利雕刻中文艺复兴新风格的开创者，是文艺复兴时期雕塑的先驱。

【多纳泰罗】

（1386年 —1466年）意大利文艺复兴时期第一代有影响力的的雕塑家、画家，也是整个15世纪欧洲最杰出的雕塑大师，他曾仔细研究古希腊和罗马的雕塑，但他并不一味地模仿，而是善于在继承的基础上进行创新。多纳泰罗创作了大量生气盎然、精美绝伦的雕塑作品，对后世影响非常深远。

【米开朗基罗】

米开朗琪罗（1475-1564）生于意大利。 文艺复兴时期伟大的画家、雕塑家、建筑师和诗人，与拉斐尔和达芬奇并称为文艺复兴后三杰。他的艺术创作受到很深的人文主义思想和宗教改革运动的影响，常常以现实主义的手法和浪漫主义的幻想，表现当时市民阶层的爱国主义和为自由而斗争的精神面貌。代表作有：

1《大卫》佛罗伦萨美术学院藏。2《摩西》罗马梵蒂冈圣彼得大教堂藏。

3《哀悼基督》罗马梵蒂冈圣彼得大教堂藏。4《垂死的奴隶》法国巴黎卢浮宫藏。

5《被缚的奴隶》法国巴黎卢浮宫藏。6《布鲁特斯胸像》佛罗伦萨国立美术馆藏。

　 文艺复兴（Renaissance）是指发生在14世纪到16世纪的一场反映欧洲新兴资产阶级要求的思想文化运动。

“文艺复兴”的概念在14-16世纪时已被意大利的人文主义作家和学者所使用。当时的人们认为，文艺在希腊、罗马古典时代曾高度繁荣，但在中世纪的 “黑暗时代” 却衰败湮没，直到14世纪后才获得“再生”与“复兴”，因此称为“文艺复兴”。

文艺复兴最先在意大利各城邦兴起，以后扩展到西欧各国，于16世纪达到顶峰，带来一段科学与艺术革命时期，揭开了近代欧洲历史的序幕，被认为是中古时期和近代的分界。文艺复兴是西欧近代三大思想解放运动（文艺复兴、宗教改革、启蒙运动）之一。

11世纪后，随着经济的复苏与发展、城市的兴起与生活水平的提高，人们逐渐改变了以往对现实生活悲观绝望的态度，开始追求世俗人生的乐趣，而这些倾向是与天主教的主张相违背的。在14世纪城市经济繁荣的意大利，最先出现了对天主教文化的反抗。当时意大利的市民和世俗知识分子，一方面极度厌恶天主教的神权地位及其虚伪的禁欲主义，另一方面由于没有成熟的文化体系取代天主教文化，于是他们借助复兴古希腊、古罗马文化的形式来表达自己的文化主张。因此，文艺复兴着重表明了新文化以古典为师的一面，而并非单纯的古典复兴，实际上是资产阶级反封建的新文化运动。

14世纪至16世纪在欧洲轰轰烈烈进行的文艺复兴，是西方文化史上一次百花齐放， 其思想之开放、文学之进步、艺术之发达，吹响了欧洲新时代的号角。 就艺术而言，“文艺复兴三杰”达芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔掩盖了其他艺术家的辉煌，多纳泰罗（Donatello，1386－1466）便是其中之一。

“多纳泰罗：文艺复兴”（Donatello: The Renaissance）曾在在佛罗伦萨开幕，展览从材料、技术和流派等方面讨论多纳泰罗的艺术成就——他是第一位推崇和借鉴古典主义艺术风格的雕塑家，也是他结束了一千多年的中世纪美术史，开创了文艺复兴的新纪元。

展览现场瓦萨里（Giorgio Vasari）在艺术家传记中写道: “因为对所有事物的热爱，无论是微不足道还是声望显赫的工作，他都全力以赴。” 这在佛罗伦萨展览中得到了明显体现。除了为法庭和财力雄厚的神职人员提供昂贵的大理石和青铜雕塑外，多纳泰罗也为私人工作，制作代代相传的虔诚作品，19世纪后，这些作品陆续离开意大利，进入世界各地博物馆的收藏。

【圣彼得铜像】（铜像是十三世纪佛罗伦萨的大师阿诺尔夫·迪·坎比奥的作品）。

在圣彼得大教堂宽阔的大殿里的另一件宝物～圣彼得铜像。圣彼得正襟危坐，高举右手，表示“祝福”，左手握着两把象征神权的钥匙，这是耶稣亲自传给他的。

阿诺尔夫·迪·坎比奥（arnolfo di cambio）(c. 1240 - 1310)，意大利建筑师和雕刻家，他出生于托斯卡纳，是尼古拉·皮萨诺(Nicola Pisano)在锡耶纳大教堂的大理石讲坛上的首席助理，他很快开始独立创作一座重要的坟墓雕塑。1266年至1267年，阿诺尔夫·迪·坎比奥在罗马为安儒国王查理一世工作。

1282年左右，他在奥维多的圣多梅尼科教堂完成了枢机主教纪尧姆·德布雷的纪念碑，其中包括一尊加冕的圣母像，他把这尊圣母像当作古罗马女神阿布丹提亚的雕像模型。在罗马，阿诺尔夫·迪·坎比奥还参与了《圣玛利亚马乔里的普雷斯皮奥》、《阿拉科利的圣玛利亚》、《波尼法斯八世的纪念碑》和《圣彼得大教堂的圣彼得铜像》的创作。

1294-1295年，他在佛罗伦萨担任建筑师的工作。据他的传记作者乔治·瓦萨里说，他负责建造这座城市的大教堂，并为其提供了一些雕像，现存的雕像现在保存在大教堂的博物馆里。阿诺尔夫·迪·坎比奥的不朽作品在佛罗伦萨留下了印记，他的墓葬纪念碑成为哥特式墓葬艺术的典范。

［雅柯布·德拉·奎尔恰（Jacopo della Quercia，约1374—1438）］ 意大利雕塑家。以所作锡耶纳公共广场上盖娅喷泉的浮雕而闻名于世。 他与多纳泰罗、吉贝尔蒂同为当时的一流雕塑家，并于1417—1431年一同创作了锡耶纳洗礼堂的浮雕。其现存最早的作品是路加大教堂的伊拉里亚陵墓雕刻。最后的重要作品是博洛尼亚的圣佩特罗尼奥门的浮雕。其雕塑艺术体现了中世纪艺术向文艺复兴艺术的过渡，对米开朗琪罗有一定影响

　　1974年意大利为 “雅柯波·德拉·奎尔恰（Jacopo della Quercia，1374—1438）”发行的纪念邮票于罗马。

【锡耶纳-田野广场（Piazza del Campo）】

俯瞰为贝壳形，广场上部碧绿色矩形池就是欢乐喷泉。田野广场，是意大利乃至欧洲现存最大的中世纪广场。其独特的贝壳造型堪称建筑史上的杰作。从高处俯瞰，广场呈巨大的扇形，共由九个部分组成，分别代表锡耶纳政 府的九个成员。锡耶纳人生活中的重要事件都在广场上进行。

［锡耶纳公共广场上盖娅喷泉的浮雕］俯瞰锡耶纳-欢乐喷泉（Fonte Gaia)

欢乐喷泉的作者是 雅柯布·德拉·奎尔恰（Jacopo della Quercia）【1280x957】， 其建于19世纪，1419年完工。

欢乐喷泉得名据说与喷泉修建过程中的一些传说有关，Gaia的拉丁语有新娘的意思，所以也有说法是献给锡耶纳的守护人，圣母玛利亚的意思。 但最初喷泉的雕塑是维纳斯，14-15世纪，黑死病也肆虐了锡耶纳，当地人认为，就是因为维纳斯这个异教雕像没有保佑好锡耶纳， 于是把维纳斯像砸烂了，还埋在了城外。1406年，当地人委托雅各布.德拉.奎尔恰制作了现在所看到的这座喷泉。

雅柯布.德拉.奎尔恰 与布鲁内列斯齐、多纳泰罗和吉贝尔蒂同时代的，锡耶纳著名的雕刻家。1401年，还参与了佛罗伦萨洗礼堂青铜门（天堂之门）的竞标，不过输给了吉贝尔蒂。上面的浮雕是奎尔奇亚于1409-1419浮雕的翻版, 浮雕的故事是《美德,亚当 … baike.baidu.com|

　　锡耶纳公共广场上盖娅喷泉呈长方形，全部为大理石雕刻。不过，我们今天所看到的是1858年复制的了。复制者是锡耶纳雕刻家提托.萨洛奇（Tito Sarrocchi）。奎尔恰的原作现保存在DUOMO对面的博物馆内。

雕刻的题材主要源自圣经创世纪，比如创造亚当、逐出伊甸园以及圣母像等。

锡耶纳公共广场上盖娅喷泉的浮雕群（局部），中间最大的雕像是圣母子。

　　喷泉的水是从25公里外，通过水道桥等引水设施引入到这里来的，完工于1342年。

所有的喷泉都是从母狼的口中喷出，这里的母狼就是传说中罗马的母狼，那为什么锡耶纳会有罗马的母狼呢？

锡耶纳（Siena），属于托斯卡纳大区，锡耶纳省的首府。罗马人相信他们是从特洛伊逃出来的埃涅阿斯的后人，罗马的建城被认为是公元前753年，而罗马人到来之前，伊特鲁利亚人（Etruscan）就一直生活在意大利半岛上。罗马人与伊特鲁利亚人打打合合，最后还是融合在了一起，后来都称作罗马人。也就是说罗马人到来之前，锡耶纳就曾是伊特鲁利亚人的一个小城。奥古斯都时期（公元70年），罗马人建立了城市Saena Julia（Julia是凯撒所属的尤里乌斯家族的女性化变形）。

锡耶纳当地人相信一个传说，那就是锡耶纳的创建者是Senius和Aschius兄弟俩，他俩是瑞摩斯的儿子，罗慕路斯的侄子就。瑞摩斯（Remus，或雷慕斯、勒莫斯等）就是母狼救活的双胞胎兄弟中的弟弟，罗慕路斯（Romulus）杀了瑞摩斯，建立了罗马城，罗慕路斯的两个侄子就逃离了罗马，来到锡耶纳建城。所以锡耶纳也是随处可见母狼与双胞胎的雕塑。

（上图）亚当与夏娃偷吃禁果。（下图）亚当、夏娃被逐出伊甸园。雅柯波·德拉·奎尔恰。

［圣母子］杰柯波·呆拉·奎尔恰作。

［精美绝伦的锡耶纳大教堂］

锡耶纳大教堂（1136－1382）是意大利最大的教堂之一，文艺复兴的艺术殿堂。它融合了雕塑、油画以及罗马－哥特式的建筑风格。其外观和内部装饰的华丽可媲美威尼斯的圣马可大教堂和罗马的圣彼得大教堂。这座教堂凝聚了锡耶纳人的所有财富、才智和宗教热情。锡耶纳大教堂是意大利哥特式建筑的典范。在中世纪盛期，从法国兴起的哥特式风格风靡整个欧洲，几乎将一切宗教建筑裹挟其中。但在意大利，哥特式风格却姗姗来迟。这或许是由于古罗马遗韵的持久影响，也可能是由于自视为古罗马人后裔的意大利人对这种“蛮族风格”的抵触，当然亦可能是由于本土建造技术和材料的影响和限制。无论如何，与北欧的哥特式教堂相比，意大利的哥特式教堂具有强烈的本土特点。

在这个教堂的珍宝当中，有尼古拉·皮萨诺，多那太罗以及米开朗基罗的雕塑作品，精美的镶嵌的人行道和平图里齐奥的华丽的壁画作品。大教堂曾经被设计为世界最大的教堂，规模超过了罗马的圣彼得大教堂。但是最终因为当年的欧洲“黑死病”而被迫缩减规模。即便如此，今日的锡耶纳大教堂也是让人惊叹的艺术杰作。

锡耶纳大教堂、钟楼和施洗堂三位一体般的珠联璧合，其风格和规模唯有米兰大教堂和奥利维蒂大教堂可与之相媲美，为自古以来最恢弘的罗马—哥特式混合建筑之一。

教堂的三座拱门，外观用墨绿、白及粉红的大理石装饰，柔和淡雅，并设计为由罗马式向哥特式的过渡风格（1284至1297由乔凡尼·皮萨诺建造）。三个拱门的上面各有三角型的尖顶，三角型中间是圣徒的半身像，顶部分别有三座雕像，中间门上面的雕塑是圣母，两边门上面的是天使。三座门向上延伸的最高部分，又有三个三角，三角中镶嵌着三幅金底彩色马赛克图案，中间最大的三角镶嵌画是《圣母封圣》，右面的是《基督诞生》，左边是《玛利亚在圣殿的讲演》。这是1878年在威尼斯制造后运来安装的。《圣母封圣》是路易吉·穆西尼的作品。另外两幅是亚历山德罗·弗朗奇的作品。建筑立面有圣人雕像有哲学家柏拉图、先知哈巴谷、大卫王、所罗门王、摩西、耶稣的儿子西拉奇、先知以赛亚、巴兰、西摩内、先知玛莉、哲学家亚里士多德等，这在世界上上是独一无二的。

大教堂内最抢眼的是大立柱，明暗二色大理石相间如铜环蛇的蛇纹，暗色的部分为锡耶纳独有的绿色大理石。最让人惊叹的是地面的大理石镶嵌画，由56块不同尺寸的面板组成，代表了圣经场景、寓言和美德，这在全球教堂中可能是独一无二的。穹顶带有无数金色铜星，建于1481年至1494年，贝尔尼尼制作。主祭坛画(1308～1311)由70幅屏画组成，是锡耶纳画派的创始人杜乔·迪博宁塞纳代表作，表现基督生平，叙事抒情皆佳，人物形象秀丽多姿，用色精细，是由中世纪绘画传统过渡到复兴新美术的成功之作。

锡耶纳大教堂集名家作品于一堂，建筑，雕塑，油画，壁画，镶嵌画，彩玻画等，样样精湛，不愧是一座文艺复兴的艺术圣殿。大教堂外的恢宏气势和精美雕像令人赞叹！大教堂内的华丽梦幻更令人震撼不已！

路加大教堂的伊拉里亚陵墓雕刻。

最后的重要作品是博洛尼亚的圣佩特罗尼奥门的浮雕。教堂雕刻精美柱上的浮雕。

博洛尼亚的圣佩特罗尼奥门的浮雕选

（上图）锡耶纳大教堂外墙角众圣徒群雕）。（下图）教堂内陵墓雕刻。

教堂内陵墓雕刻。

教堂内陵墓墓主雕刻。

教堂内陵墓墓主雕刻。

［圣母子彩塑像］

［圣母子彩塑像］

［圣母子彩塑像］

［圣母子大理石雕像］

洛伦伊•马伊塔尼（Lorenzo Maitani，1255–1330）

Fourth Pillar (detail) 1310-30 Marble Duomo, Orvieto．

First Pillar (detail)．1310- 1330．Marble, height: 50 cm (size of detail)．Duomo, Orvieto.

［基督遇难头像］克罗斯•史鲁特（Claus Sluter，1350－1406）Well of Moses: Christ (fragment) 1395-1406．Limestone, height 64 cm．Musée Archéologique, Dijon

Tomb of Philip the Bold, Duke of Burgundy（1390-1406）．Alabaster, height 243 cm．

Musée Archéologique, Dijon

　　［皮萨诺父子］（图为尼古拉.皮萨诺）

意大利父子雕刻家：父亲尼古拉.皮萨诺。儿子乔万尼.皮萨诺。他们是意大利雕刻中文艺复兴新风格的开创者，是文艺复兴时期雕塑的先驱，他们对绘画、建筑也有较大影响。皮萨诺(Pisano)是他们的姓氏，

A．尼古拉·皮萨诺（Nicola Pisano，约1220~1278/1284) 生于阿普利亚，卒于比萨。他的作品具有典型的意大利罗马式美术风格。尼古拉·皮萨诺被认为是现代雕塑的创始人。影响了后来的很多的雕塑家的风格的形成。对现代雕塑艺术具有不可磨灭的贡献。

尼古拉·皮萨诺早年在家乡受古典雕刻风尚的影响。据说，他从一个寺院库房中发掘出古希腊的雕刻，加以研究观察，感到优美生动，洋溢着自由的精神，他非常高兴，就此学习希腊雕刻，领会其精神和手法，创作出和原来大不一样的新艺术，这就是雕刻方面文艺复兴的发端。尼古拉·皮萨诺后移居比萨，他的古典主义倾向受到当地新兴的人文主义思潮的欢迎，并取得巨大发展，其作品成为文艺复兴美术的第一批代表作。尼古拉割断了和中世纪传统艺术的内在联系。

B．乔万尼·皮萨诺（Giovanni Pisano，约1250~约1314)生于比萨, 卒于锡耶纳。意大利雕塑家，罗马式美术画派。他的主要作品有比萨大教堂的布道坛和竞技场礼拜堂的圣母像。

乔万尼·皮萨诺继承父业，青年时参加了佩鲁贾的雕刻工作，其代表作是皮斯托亚城的圣安德烈亚教堂的讲经台（1301年）和锡耶纳大教堂的讲经台的雕刻（1302～1310年），作品除发扬其父风格之外，在中世纪晚期, 资本主义萌芽渐渐在欧洲的城市中发展起来, 在这种形势下, 希腊罗马的文明日益受到重视, 意大利新一代文化人开始自觉地研究起希腊罗马的古典文化, 并把这种文化视为理想之物。 在他们的心目中, 基督教统治的漫长的中世纪是一个黑暗的中间阶段, 他们的使命就是在这一阶段后, 使古希腊，古罗马的黄金时代重获生命, 得到复兴。在这个复兴的时期, 人和现实世界重又受到关注, 由此产生的人文主义思想成为对抗中世纪宗教神权观念约有力武器, 为新世界的诞生和确立发挥着强大作用。尽管依然保留着一些宗教的色彩和形式, 但人已成为万物的尺度, 宇宙的中心。以精致典雅见长。

尼科拉•皮萨诺（Nicola Pisano,1220-1284）。

［比萨大教堂的布道坛］尼科拉•皮萨诺 作品。六面体布道坛上面对的浮雕－耶稣受难。

《基督受难》

《基督降生》 尼科拉•皮萨诺 作品。

耶稣基督的降生，他母亲马利亚当时已经许配给约瑟，但还未过门，马利亚发觉自从圣灵怀了孕。约瑟是个正直的人，他不想公开羞辱她，便打算暗地把婚约解除算了。当他决心已定时，天主的使者在梦中向他显灵说:“大卫的子孙约瑟，你不用害怕，只管把马利亚娶入门。她是从圣灵怀的孕。她将生个儿子，你要给他起名叫耶稣(救世主)，因为他将把自己的人民从罪恶中解救出来。"这一切之所以发生，是应验了天主曾借先知之口讲的话:“将有童女怀孕生子，人要称他为以马内利"，这名字意思就是"上帝与我们同在。"约瑟醒后，就遵循使者的吩咐，把马利亚娶入门为妻。但直至儿子降生，他一直都不跟马利亚同房。他给儿子起名叫耶稣。

耶稣降生于犹太的伯利恒，当时是希律王当政。他出生后，有几个占星学家从东方来到耶路撒冷，说:“那个生下来要做犹太人之王的孩子在哪里?我们看到他的星宿升起，特赶来拜谒他。"希律王听后异常惊恐，耶路撒冷的全城居民也感到非常不安。希律于把祭司长和犹太人的法学家召集一起，问道:“基督要降生在何处?"他们答道，“在犹大的伯利恒。"他们告诉他，先知预言说:犹大地的伯利恒啊，你在犹大的统治者的眼里，远非是无关紧要的，因为从这里产生一位君王来带领我们以色列人民。"希律王私下又把占星学家召了来，问清楚那星是何时出现的。然后，便派他们到伯利恒去:“去仔细打听一下那孩子的下落，找到后向我意报，我好亲自去拜谒他。

占星学家们遵照希律王的命令起程去查访。他们看到那颗升起的星一直在他们前边移动，到了那孩子所在的地方的上空就停住了。他们看到这情况就十分高兴。进屋后，他们看到那孩子正和他母亲马利亚在一起，便伏地拜见他;然后打开宝盒，把带来的黄金、乳香和没药等礼品献给他。占星学家们因为在梦中得到指示说不要再回去见希律王，于是就从别的路径返回家去，他们走后，主的一个使者便在梦中向约瑟显灵，对他说: 快起来，带着孩子和他母亲一起逃往埃及去吧。你们先住在那儿，以后我再告诉你们该怎么办，因为希律王要寻找这孩子，要置他于死地。"约瑟醒来马上起床，连夜带着母子俩逃在埃及。他在那儿直住到希律王死去。这就应验了主借先知所讲的话，”我把我的儿子召出了埃及。当希律得知自己受了占星学家的欺骗后，便怒不可遏地下令: 按占星学家们指出的时间，凡是伯利恒城或其周围地区的两岁以内的孩子，全都要杀掉。这就应验了主借先知耶利米所说的话:“在拉玛，你会听到号啕痛哭的声音，这是拉结在哭她的孩子们，而目谁也劝不住，因为她的儿女们再也不在人世了。

希律终于死了。天主的使者便在埃及向约瑟梦中显灵，说:“起来，带着孩子和他母亲去以色列吧，因为要害孩子性命的人都已经死了。"约瑟便起来，带着母子俩去以色列。但当他听说亚基老接替他父亲希律作了犹太王的消息后，便又不敢到那里去。并按另个梦中得到的告诫，他转往加利利地区，在一座叫拿撒勒的城里住下。这就应验天主借先知们所说的:他要被称为拿撒勒人

《博士来拜 》

尼古拉·皮萨诺早年在家乡受古典雕刻风尚的影响。据说尼古拉·皮萨诺从一个寺院库房中发掘出古希腊的雕刻，加以研究观察，的确优美生动，洋溢着自由的精神。尼古拉·皮萨诺非常高兴，以后就学习希腊雕刻，领会了它的精神和手法，创作出和原来大不一样的新艺术，这也就是雕刻方面文艺复兴的发端。尼古拉·皮萨诺后移居比萨，他的古典主义倾向受到当地新兴的人文主义思潮的欢迎，并取得巨大发展，其作品成为文艺复兴美术的第一批代表作。皮萨诺割断了和中世纪传统艺术的内在联系。

1260年，他完成了比萨教堂布道坛的雕刻，首次以鲜明的古典风格表现基督教传统题材。讲经台上方形栏板刻画了《基督降生》、《博士来拜》和《基督受难》等故事，分别表现基督降生、受刑等，圣母、诸圣徒及一般群众，形像多直接仿自罗马浮雕，体形壮伟，仪态端庄，人物造型庄重典雅，衣纹处理厚重而有质感，层次变化丰富，明显带有希腊、罗马古典艺术的痕迹，透露出人文主义的萌芽，是文艺复兴美术中最早的作品之一。1265~1268年，作锡耶纳大教堂讲经台，1278年，完成佩鲁贾城的喷水池雕刻。人物造型均庄重典雅，衣纹处理厚重而有质感，层次变化丰富，明显带有希腊、罗马古典艺术的痕迹。就内容而言，这件作品并没有原则上的进步，然而皮萨诺却采用了一种现实主义一目了然的艺术语言，使宗教的抽象概念成为物质的具体形象，这样的形象意味着对现实的直接感受和高度的造型表现力。正是在这一点上，皮萨诺割断了和中世纪传统艺术的内在联系。

　　乔凡尼•皮萨诺（Giovanni Pisano,约 1250-1314）意大利雕塑家，尼科拉•皮萨诺 Nicola Pisano之子，早期曾参加父亲的创作，意大利雕刻中文艺复兴新风格的开创者，罗马式美术画派。对绘画、建筑也有较大影响。他的主要作品有比萨大教堂的布道坛和竞技场礼拜堂的圣母像。

乔凡尼•皮萨诺 作品。

乔凡尼•皮萨诺 作品。

安德烈•皮萨诺（Andrea Pisano）大约活动于1290-1349年。

最著名的要数佛罗伦萨洗礼堂的南面镀金铜门。

［佛罗伦萨洗礼堂的南面镀金铜门浮雕选］

【多納泰罗（Donato di Niccolò di Betto Bardi，別名Donatello)生平簡介】

低调的多纳泰罗，其艺术价值不可忽视。多纳泰罗与文艺复兴运动时期赫赫有名的艺术家、文学家以及戏剧家们相比，这个名字的确比较陌生。

多纳泰罗（1386年 —1466年）年轻时从师于吉贝尔蒂，在老师的工作室里受过严格的艺术训练，意大利文艺复兴早期第一代有影响力的雕塑家、画家。也是整个15世纪欧洲最杰出的雕塑大师，他曾仔细研究古希腊和罗马的雕塑，但他并不一味地模仿，而是善于在继承的基础上进行创新，他对古典美术的推崇和借鉴，可以说是文艺复兴意大利美术家的共同特点。他一生创作了大量生气盎然、庄重从容，精美绝伦的雕塑作品，对后世影响非常深远。

一、复兴雕塑艺术的天才

意大利文艺复兴早期的艺术家已经明白自然现实与科学精神的重要性，他们不断摆脱中世纪的刻板印象，对希腊罗马古典艺术推崇备至。多纳泰罗与其他伟大的开拓者一样，在受到了前辈艺术家的影响之后，雕塑艺术成就逐渐显露出鲜明的个人风格。真正奠定他在文艺复兴早期伟大地位的还是他的青铜雕塑《大卫》(约1430--1432)。这是第一件复兴了古希腊裸体人物雕像传统的划时代作品。他运用古希腊时期所创立的对应构图方式，展现了一位形体比例和人体结构堪称完美的少年英雄。这位圣经中的传奇人物已经不再是概念性的象征，而是一个英姿勃发、有血有肉的鲜活的自然生命。大卫被多纳泰罗塑造成一个可爱的牧童形象，右手握剑，脚下踩着哥利亚的头颅，他表情悠闲而从容，身体自然而放松。 中年时期的多纳泰罗最出名的作品是《祖孔》的先知像。这件作品已经没有了早期的技巧与法则、以及庄严的面貌、飘洒的长髯、巧妙的衣摆。先知没有了理想化的神性与仪态，逐渐被人性化的朴实所代替。他为圣徒造像用真人做模型，而不是理想化地造神。多纳泰罗开启了文艺复兴雕塑史的新纪元，多纳泰罗成为新时代雕塑艺术的一面旗帜。

二、失去神性光环的圣像

多纳泰罗一生都在为自己的雕塑艺术寻找突破，及至中后期，他的雕塑风格变得非常极端，早年那种庄严唯美的形象不见了，取而代之的是更加赤裸裸的人性的真实。神性的光环消失殆尽，人性的朴素成为多纳泰罗心中的创作理想。《抹大拉的玛利亚》是多纳泰罗的一件木雕作品。与古典艺术追求的优雅美不同，他把玛利亚塑造成一位衣衫褴褛、头发散乱、神态疲倦、干瘪苍老、褴褛潦倒的贫寒妇女形象。这件雕塑似乎告诉我们，圣母的肉体已然毁灭，只剩下精神中对神明的热情在燃烧。这件雕塑，影响了十九世纪法国雕塑大家罗丹的作品《欧米里埃》, 一个更富现实意义的老妓女形象。

四、开启雕塑新纪元的大师

多纳泰罗是意大利文艺复兴前期雕塑新纪元的代表人物，研究并继承了古代希腊和罗马雕塑的优秀传统，但又并非刻意模仿，而是在继承古典主义雕塑艺术的基础上进行大胆的探索并创新。多纳泰罗奠定了文艺复兴的现实主义传统。晚年的多纳泰罗虽然放弃了模特的使用，而是凭着想象和理想而创作，刻意追求形式上的夸张与变形，脱离了古典主义崇尚的理想美和英雄气魄。他强调表现的激情，把人性的丑陋和痛苦解读为艺术的灵魂与归宿，似乎多纳泰罗超越了时代，他的创作灵感和革新思想正是十九世纪后期表现主义自由精神的追求，我们从罗丹的雕塑无疑看到了多纳泰罗的影子。

圣乔治像。

【圣马克像（St. Mark）】

1411至1413年，多纳泰罗完成了大理石雕像圣马克（St. Mark）。那是依据了传统思想与传统技巧所作的雕像，是十三世纪以来一切雕塑家所表现的圣者的模样。

圣马可面貌庄严，垂着长须一直悬到胸前，手里拿着一册书，就是所谓福音。衣褶是很讲究地塑成的。多纳泰罗对于圣马克的身体先给了一个很明显的倾侧的姿势，然后可使衣褶更复杂，更多变化。外衣的褶痕，都是垂直地在支持整个体重的大腿方面下垂。这一切都与传统符合。

【圣约翰雕像】

多纳泰罗于1409-1411年间创作的大理石雕像《圣约翰》，收藏于意大利佛罗伦萨圣母百花大教堂博物馆。

这是多纳泰罗早期的作品，这件作品表明多纳泰罗已不再追求晚期哥特式的精致优雅，而开始寻求自然主义和人文主义。虽然人物的脸部、肩部和胸前仍然能看到哥特式理想化风格的影子，但人物的手部和腿上衣褶已接近真实。

【大卫】多纳泰罗，1409年。

《大卫》是真正奠定多纳泰罗在文艺复兴早期伟大地位青铜雕塑。(约1430--1432)。这是第一件复兴了古希腊裸体人物雕像传统的划时代作品。他运用古希腊时期所创立的对应构图方式，展现了一位形体比例和人体结构堪称完美的少年英雄。这位圣经中的传奇人物已经不再是概念性的象征，而是一个英姿勃发、有血有肉的鲜活的自然生命。

【圣乔治像（St. George）】（ 佛罗伦萨国立巴杰罗美术馆收藏）

1417年29岁的多纳泰罗创作了他的著名雕塑《圣乔治》，从这件作品开始，他的雕塑逐渐形成力量美的创作风格。这是件弗洛伦萨圣弥额尔教堂外墙上的装饰雕塑，被认为是最早的中央透视法(central perspective) 的代表之一。

这座雕像，表现圣乔治威武地站着，左手执盾，右手垂在身旁，同样也是那种无可安放的情景。紧握的拳头更增加了强有力的感觉。圣乔治肩上挂着一件小小的外衣，使整个雕像不至有单调之感。这件外衣更形成了左臂上的不少衣褶，：施洗者圣约翰使手腕形成许多阴暗的部分。这样穿插之下，整个作品便显得丰富而充实了。但整个雕像的精神，还是没有摆脱古雕塑的宁静的风格。

【圣乔治像（St. George）】圣弥额尔教堂外墙原址摆放的是复制品。

【哈巴谷像（Prophet Habacuc，俗称《祖孔》Zuccone)（1427-1436）】布面油画 。

中年时期的多纳泰罗最出名的作品是《祖孔》的先知像。这件作品已经没有了早期的技巧与法则、以及庄严的面貌、飘洒的长髯、安排得巧妙的衣褶。先知没有了理想化的神性与仪态，逐渐被人性化的朴实所代替，一切传统的法则都不见了。 他已不是以前作品中所表现的先知者，而是一座忠实的肖像了，这是一个秃顶的尖形的头颅，配着一幅瘦削的脸相，一张巨大的口，绝非美男子的容仪，而是特别丑陋的形象。他为圣徒造像用真人做模型，而不是理想化地造神。多纳泰罗开启了文艺复兴雕塑史的新纪元，多纳泰罗成为新时代雕塑艺术的一面旗帜。

【耶稣受难 - crucifix］

多纳泰罗 - Donatello作于1412-1413。作品尺寸：173x168。作品材质：木 board。

【大卫像（David）】（高158Cm，创作于1440～1443年间，佛罗伦萨巴杰罗国立美术馆收藏）。

青铜雕《大卫》是真正奠定多纳泰罗在文艺复兴早期伟大地位青铜雕塑。这是第一件复兴了古希腊裸体人物雕像传统的划时代作品。他运用古希腊时期所创立的对应构图方式，展现了一位形体比例和人体结构堪称完美的少年英雄。这位圣经中的传奇人物已经不再是概念性的象征，而是一个英姿勃发、有血有肉的鲜活的自然生命。

《大卫》被公认为是文艺复兴时期第一件在青铜铸造过程中没有使用支撑的作品 和 第一座复兴了古代裸体雕像传统的、独立的、无支撑的裸体男子雕塑。

他的所谓开创性，我们可以从一些作品里面慢慢地体会，他创作了一系列的作品， 在1409年就完成了一个大卫的雕像，这是由大理石所作的，有1.9米高。根据**的记载，他把大卫的形象完全做成了一个少年，身体瘦长，还带有哥特式雕塑的影子。 

【关于大卫的故事】

公元前10世纪以色列希律王在位时非利士人兴兵入侵，有个武士叫哥利亚，身高8尺，手持巨戟，出阵40天，以色列人不敢迎战。一日，少年大卫去看望在军中服役的兄长，听说哥利亚如此飞扬跋扈，很伤自尊心，他坚决要求希律王同意他出阵杀死哥利亚以雪以色列人的耻辱。无能的希律求之不得。大卫出阵后，大吼一声，随即用甩石机击中哥利亚的头。被击昏的巨人倒地，大卫机敏地拔出利剑割下哥利亚的头。多纳太罗雕塑的少年大卫正是表现这一情节。

多纳泰罗是意大利文艺复兴前期雕塑新纪元的代表人物，曾耗费大量的精力去研究古代希腊和罗马的雕塑，但他并不一味地模仿，而善于在继承古典主义雕塑艺术的基础之上进行创新。这尊《大卫》就是多纳泰罗进入艺术的成熟期的一件重要的代表作。

【关于对大卫青铜雕像的评价】

大卫像是一座着意表现人的完美体魄和崇高精神的雕塑作品，在黑暗的中世纪已经消失，所以同真人一般大小的裸体《大卫》问世，实在是惊世骇俗之举。裸体的、有血有肉的少年大卫立在人们面前表现了过去时代的结束和新时代的到来，开创了现实主义的表现手法和颂扬人体美的先河，奠定了文艺复兴时期的现实主义传统。他所塑造的大卫是佛罗伦萨人热爱和平、追求自由的心愿象征。《大卫》的身体各部分之间的比例符合古典艺术的理想标准；它的姿态遵守“重心转移”的造型规律，显得放松而自然。《大卫》正陷入复杂沉思的心理状态，他的沉思目光似乎发现了人类自身的美和力量。这种对人类自身价值的发现和认识，正是文艺复兴的根本精神。

雕像塑造的人物大卫是圣经《旧约全书》中的英雄，后来成为以色列王，并使国家得到了统一。

以色列王扫罗在位时，非利士人进攻以色列，其中有一个巨人勇士哥利亚所向披靡，无人能敌；大卫见此情景，主动要求作战，并用智慧和勇气杀死了哥利亚。雕塑表现的就是这个青年勇士杀死敌人后的场景。

在雕像中，用裸体形象表现宗教形象，并强调肉体的美感，表明这个作品具有里程碑的意义。

大卫在雕像中被塑造成了一个可爱的牧童形象，头戴牧人帽子，右手握剑，脚下踩着被割下的哥利亚的头颅，脸上的表情是那样悠闲，似乎还有一点得意。他的身体形态几乎完全是古希腊风格的，显得自然而放松，身体各部分的比例也符合古典主义理想美的标志，似乎又回到了崇尚人体美的希腊和罗马时代。然而，大卫的表情却表现出人物是复杂的心理状态：这位还没有成年的英雄的目光并没有对准巨人哥利亚的头颅，而是对准了自己的身体，似乎是由于他所完成的英雄业绩才使他首次发现了人类自身的美和力量。作品体现了佛罗伦萨人热爱自由和追求自由的心愿，也开创了文艺复兴时期美术作品的一个重要而引人注目的主题，就是对人类自身价值的发现和认识。同时，作为中世纪以来第一尊裸体的圆雕作品，《大卫》就更显得具有划时代的意义了。

《大卫》的头像和牧童帽。

［少女头像］路加•德拉•罗比亚（Luca della Robbia1435-1525）。

罗比亚一生都为美第奇家族服务，创作了大量的彩陶作品。《少女头像》是罗比亚的代表作品。安德烈亚·德拉·罗比亚生于1435年10月24日，卒于1525年8月4日。擅长作品陶瓷作品，并且在他的一生中，创作出了大量的彩陶作品。

安东尼奥・波拉约洛（Antonio Pollaiuolo，1431－1498）

安东尼奥・波拉约洛是文艺复兴时期意大利佛罗伦萨画派著名写实主义画家和铸铜雕塑家。他原来学的是金匠工艺和金银刺绣工艺，后来改学绘画和雕塑，波拉约奥洛是最早运用雕凹线法制作版画的画家之一。版画的雕凹线法(cngraring)是将金属版研磨后,以柔软铅笔作草图,然后直接以雕刀循线镂刻,此法可刻出如毛发的线条,上古陶器上所用的花纹以及欧洲中世纪金属板各种饰物上的纹样都用到。波拉约洛对科学解剖知识的探索和艺术加工的创作方法，为后一代画家开辟了现实主义的道路。安东尼奥·波莱乌罗也是研究风景画的倡导者，这从许多作品以风景作为背景中可以看得出来。作品常常根据一个姿势或从目光的一瞥所暗示出来方向感，能引起眼睛的视觉运动，这种运动所产生的视觉轨迹，是一种属于心理的线条。

【加塔梅拉塔骑马像】

文艺复兴时期，多纳泰罗作于1445-1453年间，立于帕多瓦圣安东尼广场。

1444年左右，多纳泰罗受 威尼斯共和国之邀到帕多瓦为加塔梅拉塔作骑马像。当时多纳泰罗参考了古罗马著名的 "马库斯·奥里路骑马像"， 将人物英勇善战、 果敢的性格刻画得栩栩如生。人物盔甲也综合了当代实际装束以及古装细节，赋对象以真正罗马贵族式的气质。马匹矫健非凡、比例十分高大，骑手除了有过人的奋力，非得有指挥若定的涵养才能驾驭。这是文艺复兴时期人们特有的沉着和自信。无形之中，雕塑家以炉火纯青的技艺为自己留下了一座丰碑。它至今仍放在原处：帕多瓦圣安东尼教堂正门前高大的基座上。多纳泰罗的雕塑创作使意大利雕塑彻底摆脱了哥特式造型的痕迹，树立了一代新的风尚。作品安置在意大利北方城市帕多瓦的圣安东尼广场中央，观众能从四面八方观看它。

加塔梅拉塔生前是威尼斯的雇佣军司令官。雕像中加塔梅拉塔眉头紧皱，两眼圆睁，面部神情刚毅，棱角分明，体积饱满厚重，充分表现了一个威武骑士的英俊形象。 作品完成于1450年，安放于帕都亚圣安东尼教堂正门前，加塔梅拉塔戎装佩剑，双手提缰。神情果敢，充满英雄气概。

实际上这是当时首次出现的完全世俗性质的形象。除此之外，多纳太罗还竭力探索了骑马纪念碑与建筑群的配合和雕像与台座的比例关系等，无疑他取得了成功。从任何一个角度看雕像都是和谐的，在教堂前广场上他又面对伸展的街道，与教堂保持着合适的距离，从而成为教堂广场上的艺术中心。

【哀悼基督 - lamentation over the dead christ］

多纳泰罗 - Donatello 作于c1465年。作品尺寸：70x93。作品材质：青铜雕塑 bronze。

［圣母升天像(布兰卡契墓局部) - assumption of the virgin (detail of the brancacci tomb)］

多纳泰罗作于1427年。作品尺寸：78x53.5。作品材质：大理石雕塑 。

【天使报喜 - annunciation］多纳泰罗 - Donatello 作于1430年。作品材质：板岩雕刻。

［一个男孩的预言allegoric figure of a boy (atys), front view］

多纳泰罗 作于c1430年。 作品材质：青铜雕塑 bronze。

［尼古拉斯·达·乌扎诺(巴斯)像 bust of niccolo da uzzano］。

多纳泰罗作于1430年。 其实到30年以后，多纳泰罗才真正进入到完全成熟的时期，他的很多作品都是非常精彩，耐人寻味的。 比如他给当时一个叫 尼可拉·达·乌扎诺 的人做的一个胸像，是赤陶的。在作品中，这个人的头微微地向一侧歪着，从他的眼神和嘴都可以看得出来，这是一个非常机敏的人。

【天使报喜 - annunciation］多纳泰罗 - Donatello作于1435年。作品尺寸：168x218。

【圣母与圣子和圣弗朗索瓦与圣安东尼】（圣母子在圣弗朗索瓦与圣安东尼二人之间 ）。

多纳泰罗 - Donatello 作于1448年。 作品尺寸：160x147x145。青铜雕塑 bron。现收藏于：帕多瓦主祭坛。

［圣母与子 ］多纳泰罗（意大利）68×40×30cm 赤陶彩绘 15世纪。

这件雕像描述的是圣母与其子坐在椅子上非常亲热的密切关系。圣母光着脚，双手抱着站在腿上的圣子，他们的头部靠得很近。作品细腻地表现了面部特征。贝利尼博物馆收藏的此件圣母子主题的作品再次强调出佛罗伦萨陶塑艺术的端庄，造型的精妙，人物动态表情的生活化典型场景。体现出文艺复兴时期，人文主义精神的光芒。

［施洗者圣约翰 st john the baptist］

多纳泰罗 - Donatello作于1438年。 作品材质：木板画 board。

【抹大拉的圣玛利亚 - st mary magdal】（收藏于佛罗伦萨 圣若翰洗者洗礼堂）。

多纳泰罗 - Donatello。作于c1457。 作品材质：彩木 board。作品高度：188Cm。

【朱迪斯与赫罗弗尼斯］，多纳泰罗作于1455-1460。

浅浮雕的发明者～意大利多纳泰罗。

《圣母与圣子》

多纳泰罗作于1422年，安放在柏林国家博物馆藏一间陈列着众多小型陶制圣母像的展厅中，策展人卡利奥蒂盘点每一件的来历，它们有的来自伦敦、巴黎、柏林，也有的来自底特律和华盛顿。并指出，重新使用陶土作为雕塑材料，是多纳泰罗对那个时代众多伟大的贡献之一。现在藏于维多利亚和阿尔伯特博物馆的“达德利·麦当娜”（Dudley Madonna）是多纳泰罗最著名的圣母像。这是一件非常小的大理石雕刻，运用了一种被称为“schiacciato”的技术，使之看起来像一个浮雕。“这件圣母像被文艺复兴时期很多伟大的艺术家所复制，其中就包括了达·芬奇和米开朗基罗。

［达德利·麦当娜］，由V&A（维多利亚和阿尔伯特博物馆）收藏。

这是多纳泰罗最著名的圣母像展览，通过多纳泰罗与同时代其他艺术家的比较，来说明他对艺术史的影响。

【耶稣受难 - crucifixion］

多纳泰罗 - Donatello 作于1465年，作品尺寸：70x93。作品材质：青铜雕塑 bronze。

【基督在彼拉多与该亚法面前 - christ before pilate and caiaphas］

多纳泰罗 - Donatello作于1465年。 作品材质：青铜雕塑 bronze

【园中祈祷 - the agony in the garden］

多纳泰罗 - Donatello 作于1465年。作品材质：青铜雕塑 bronze。

【希律王的盛宴］

浮雕创作中的透视法。多纳泰罗除了大理石雕刻作品、圆雕非常生动之外，他还有一些透视法的浮雕作品，比如说多纳泰罗于1427年间为意大利佛罗伦萨锡耶纳大教堂的洗礼池制作的青铜浮雕嵌板《希律王的盛宴》。

多纳泰罗在《希律王的宴会》作品里，呈现出的是：希律王之女莎乐美因得不到施洗约翰的爱，竟由爱生恨请求父王夺取约翰的头颅，流露出她强烈的占有欲与报复心。此题材自古以来一直被西方艺术家以不同方式呈现，多纳泰罗的诠释重点在于表现当希律王与众人目睹施洗约翰头颅所流露的惊慌与恐惧时，只有位于画面中央的莎乐美一付镇定模样，无形中凸显了她阴冷险恶的一面。尽管题材如此的血腥，多纳泰罗的呈现方式却偏向抒情与细致，在六十公分见方的画面中他详尽地交代了许多细节，如人物的表情与姿态、衣物的皱褶与质感、墙面与地面的处理等，皆巨细靡遗且自然流畅，可说将十五世纪初期的青铜浮雕成就推至高峰。

《希律王的宴会》是利用线性透视法将空间以建筑物墙面区隔成四个层次，层层推进的效果形成了深远的空间感。线性透视法一开始由布鲁内勒斯基发明并使用在建筑设计上，之后广泛流传并成为当时艺术家们最常使用的视觉错觉技法，不管画家或雕塑家，皆偏好使用此法以便在画面上营造深远的三维空间，而对空间感的热切追求遂成为意大利文艺复兴艺术最大的特征与标志。

罗纳泰罗通过运用绘画性的线性透视方法，对其背景作了引人注目的实验，即在二维空间的平面上，运用高／浅浮雕制造空间深度错觉，从王室的宴会厅里看去，一直看到奏乐的乐工坐廊和后面一部分房屋和阶梯的立体效果，取代了中世纪绘画或浮雕中的平面装饰效果。这种背景处理方法，成为西方美术于文艺复兴时期的一大特色。

上图《复活讲经坛》，多纳泰罗作于1465年，大理石和青铜器，佛罗伦萨圣洛伦佐教堂。

下图《复活讲经坛》（基督升天局部）。

［耶稣受难］布鲁奈莱斯奇（Brunelleschi,1377－1446）

布鲁奈莱斯奇最初从事于雕塑创作，后与多纳太罗同赴罗马研究古代艺术，最后在建筑艺术上取得杰出成就，并在透视学和数学领域作出了重要贡献。他设计过一批代表文艺复兴成就的建筑，其中佛罗伦萨大教堂是其最早的作品。

［天堂之门］洛伦佐•吉贝尔蒂（Lorenzo Ghiberti，1378－1455）

洛伦佐•吉贝尔蒂是文艺复兴早期佛罗伦萨雕塑家，是位体现从哥特式美术向文艺复兴美术过渡的人物，他具有十分广泛的才能，创作活动涉及许多不同的领域。 “天堂之门”被公认是人文主义的纪念碑。

［天堂之门］浮雕选。

［天堂之门］浮雕选。

［天堂之门］浮雕选－南尼•迪•班科(Nanni di Banco，1380—1421)。

【米开朗基罗-博那罗蒂（1475-1564）】

意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家、建筑师和诗人，文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表，他和拉斐尔、达芬奇并称为文艺复兴时期三杰。他一生追求艺术的完美，坚持自己的艺术思路。他于1564年在罗马去世，享年89岁。

米开朗基罗的风格影响了几乎三个世纪的艺术家，他以人体作为表达感情的主要手段，其雕刻作品刚劲有力、气魄宏大，充分体现了文艺复兴时期生机勃勃的人文主义精神。

　　米开朗基罗代表了欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰，他的大量作品显示了写实基础上非同寻常的理想加工，成为整个时代的典型象征。

他的艺术创作受到很深的人文主义思想和宗教改革运动的影响，常常以现实主义的手法和浪漫主义的幻想，表现当时市民阶层的爱国主义和为自由而斗争的精神面貌。

米开朗基罗在艺术作品中倾注了自己满腔悲剧性的激情，这种悲剧性是以宏伟壮丽的形式表现出来的， 他所塑造的英雄既是理想的象征又是现实的反应。 这些都使他的艺术创作成为西方美术史上一座难以逾越的高峰。

他在雕塑中的代表作品有：

《大卫》《哀悼基督》《摩西》 《昼》《夜》《晨》《暮》 等，其作品刚劲有力，气魄宏大，充分体现了文艺复兴时期的生机勃勃的人文主义精神。

【米开朗基罗的石膏头像】

辰晓总结米开朗基罗人体雕塑特点主要有以下几点：

1.他的雕塑吸收了古希腊古罗马雕塑特点，但与古希腊古罗马雕塑不同的是，前者的雕塑强调 静穆典雅、健美纯洁的审美理想。而后者则带有一些更多的悲剧性色彩，以及崇高的英雄气概，形体结构更加科学、严谨。

2.米开朗基罗的雕塑是更具个性化的人物形象，显示其旺盛的个性自由和世俗精神，赞颂了人的内在力量与智慧。代表作品是《大卫》。

3.由于米开朗基罗的雕塑大多是为教堂或者陵墓所做，所以每一尊雕塑体积都巨大。从中更加凸显出了他旺盛的创作力和坚定的文艺复兴精神（想了解更多艺术知识，请关注辰晓爱画画）。

有很多学者已经讨论过米开朗基罗的雕塑的审美属性和技术特点，这里不再赘述，我想强调的是米开朗基罗作品中深遂的思想性。 这一点也可以解释为，为什么会有米开朗基罗 “脾气大”、“敢跟赞助人叫板”。因为米开朗基罗不仅有自己的见解，而且在40多岁之后敢于公开地与美第奇家族 两位比他年轻的教皇和美第奇家族在佛罗伦萨的年轻统治者进行争执，固执地坚持自己的意见。

一件艺术作品只有作为一件重要并具永恒的成就才能跻身于杰作之列。能够创造出这样一件优秀的作品，对于一位艺术家来说是其一生无上的荣耀。而在雕塑、绘画、建筑、诗歌等众多艺术门类中能够取得这样辉煌成就的，在迄今为止的人类文明史上，可以说只有一个人。他，就是与达芬奇和拉斐尔并称文艺复兴“三杰”的米开朗基罗。他的才智是如此杰出，以至于在他活着的时候，人们就尊称他为“神”。

1491年，16岁创作了《半人马之战》现收藏于佛罗伦萨米开朗基罗故居博物馆。

【圣普罗库鲁斯］博洛尼亚 圣多美尼克大教堂收藏。

1494年，法国国王查理八世入侵意大利进入佛罗伦萨，19岁的米开朗基罗离开佛罗伦萨逃亡到威尼斯和博洛尼亚，其间，他创作了圣多名数量的天使和《圣普罗库鲁斯》等。

【酒神巴克斯】佛罗伦萨巴尔杰洛博物馆收藏。

这是米开朗基罗的第一个大型大理石雕塑，作于1496～1497年（时22岁）高203cm。它与圣母怜子图一起，是米开朗基罗 罗马时期仅有的两件幸存的雕塑之一。

雕像描绘了罗马酒神处于放松时的姿势。自1871 年以来，巴克斯与米开朗基罗的其他作品一起在佛罗伦萨的巴杰罗国家博物馆展出，包括布鲁图斯的大理石半身像和他未完成的大卫-阿波罗雕塑。

巴克斯身后是半人半羊的孩童小桑陀尔。

　　1496年米开朗基罗到达罗马开始为枢机主教拉斐尔利拉奥在委员会工作，为其创作一个真人大小的酒神巴库斯雕像。建成后，枢机主教拒绝接受该雕像，随后这件作品被银行家雅格布加利收藏在了他的花园里。《酒神巴库斯》取自罗马神话题材，巴库斯，即希腊神话中的狄俄尼索斯。相传他首创用葡萄酿酒，并把种植葡萄和采集蜂蜜的方法传播到各地。

《酒神巴库斯》中有两个男子形象：主角巴库斯和配角小桑陀尔。酒神巴库斯是一位英俊的青年，米开朗基罗更以葡萄做他的头发，显得别有一番情致。酒神醉醺醺的迈着脚步，像一个凡间的小伙子喝多了酒，走路似乎也不利索，而旁边偷吃葡萄的小桑陀尔更显现出可爱机灵。但是这种欢乐却是通过死亡的对比烘托才展现出来的，小桑陀尔臂膀缠绕的正是代表死亡的狮皮！这尊雕塑作品“告诉人们，人生就如小桑陀尔一样，在死亡抓住它时，它已经尽情的享受了生命的一切快乐”。

【大卫像David】（此原作由佛伦萨美术学院美术馆收藏）

《大卫》是意大利文艺复兴时期伟大的雕塑家（画家）米开朗基罗的代表作，他于公元1501－1504年26岁时着手历时三年雕刻完成，现收藏于佛罗伦萨美术学院。这尊雕像被认为是西方美术史上最值得夸耀的男性人体雕像之一。雕像高2.5米，连基座高5.5米，用整块大理石雕成。雕塑最初于1504 年放置在佛罗伦萨的领主广场，1873 年被移至佛罗伦萨美术学院，保留至今。

《大卫》以男性的裸体之美呈世，那种美主要体现在阳刚上。他那结实饱满的肌腱在凹突中起伏着热辣辣的力量，丰满的面部肌肉紧绷，表情机警，头发卷曲粗糙，动作静中带动，而这尊雕塑的设置高度相对于游赏的人，却具有着挺拨和雄伟的气势，因为为了这种总体效果，大师米开朗基罗适度地调大了大卫的头和手臂的比例，因此其形象的威严、魄力、锐气得到了强化。

这种形体结合着表情、动作表达着一种蓄集的征服一切的精神理想，那种张弛有度的序列力， 那种整体协同性的精神语言， 正是男人们梦寝以求的雄性气质，一种稳重的、内敛的、外松内紧的灵魂冲击力。

《大卫》与断臂的维纳斯大概是世界上认知程度最高的雕塑了，大卫被西方美术史称为最值得夸耀的男性人体雕像之一。一男一女正好配成一对，如果当初亚当和夏娃按此标准繁衍人类，这世上恐怕就全是俊男靓女了。

《大卫》是在一块被人损坏过，而没有雕刻家再敢于动手的，闲置了近半个世纪的巨大大理石上雕刻而成的。

米开朗基罗刀下的大卫是一个充满旺盛生命力，有着必胜信念的健与美结合的英雄形象，用以表现大卫王决战巨人歌利亚时的神态。大卫临战前的一刹那头部微微转向左方，双目紧紧地凝视着敌人，左手握着肩上的投石器，右手自然的下垂，略握拳头，处于迎接战斗的状态。雕像的雄姿成了当时佛罗伦萨市民心目中抵御外敌、保卫祖国的英雄形象的化身。大卫的那双手，能让你感受到血液在血管中流动，筋脉在有力地跳动。

　　米开朗基罗26岁开始雕塑大卫雕像，30岁完成，被推崇为古典艺术品的典范。大卫雕像的宏大的规模与轮廓分明的肌肉线条令人震撼，米开朗基罗使用古典主义传统的对应技法，营造一种视觉假象，让人感觉大卫整个身体向右倾斜，左腿基本没有承重，实际上大卫的左腿支撑着几吨重的大理石。

大卫炯炯有神、犀利而仇视敌人的目光。

【朱利阿诺·美第奇，内穆尔公爵像与《日》《夜》《晨》《暮》】

新圣器室和王子小堂在教堂后面，合称美第奇礼拜堂。美第奇家族50多位成员长眠在王子小堂的地下墓室里。新圣器室是米开朗琪罗设计的第一件建筑作品，里面留存大师九件雕塑作品，包括最著名的新圣器室的二侧的 “日、夜、晨、暮”。

【尤利乌斯二世陵墓纪念碑复原图】

美第奇礼拜堂内景，与初衷相去甚远。因为米开朗基罗与美第奇家族渊源深远，在两任教皇成为教皇之前就与米认识，并且米是他们父辈扶值的艺术家，技压群雄，所以无论是教皇利奥十世、克莱门特七世，还是统治佛罗伦萨的洛伦佐和朱利亚诺都在把自己家的礼拜堂做成什么样子上败下阵来。

【尤里乌斯二世陵墓】

米开朗基罗作于1503一1545年，70岁的米开朗基罗完成了罗马圣彼德堡大教堂内尤里乌斯二世陵寝的雕塑。大理石。

教皇之死是“天灵”，欢迎教皇升天，其坟墓的四周到处有人首，浮雕等各种装饰。总计，坟墓上的雕像共有六十八座，这将是用人体做的装饰的最大代表，如西斯廷教堂的天顶画一样。

合同签定米开朗基罗于七年中完成这巨制，在这七年中，米氏不能接受其它的制作。他没有想到的是，新任教皇 继任尤里乌斯二世 而登上大位的是 梅迪契族的利奥十世。梅迪契族 和尤里乌斯二世的出身的德拉·洛韦拉族本是世仇。利奥十世未登大位之前，在翡冷翠（佛罗伦萨）早以认识米开朗基罗。他做了教皇，自然也想把米开朗基罗召唤前来为他个人效力。米氏也不得不服从利奥十世，正如他服从尤里乌斯二世一样。所以，实际上米开朗基罗在相当平静的环境中只做了一座《摩西》和两座《奴隶》。

【摩西雕像】

1513年，38岁的米开朗基罗创作了置于罗马圣彼得大教堂的尤里乌斯二世陵寝中心装饰部分的雕塑《摩西》1815年完成。大理石雕，高235Cm。

摩西（Moise，又作Mosche）和大卫一样，也是古代以色列的英雄，犹太人中最高领䄂，他是先知中的最伟大的一个。他是战士，又是指挥官，诗人，道德家和政治家，希伯莱人的立法者。摩西诞生时，以色列人正流亡埃及沦为奴隶。由于他们人口繁衍很快，法老害怕奴隶的数目将会超过主人，于是下令将每个新生的以色列男婴溺死。摩西的母亲不忍下手，就将孩子放入一只蒲草编的小舟中置于河畔，叫女儿藏匿在暗处窥视。恰巧法老的公主由侍女陪伴到河边沐浴，听到孩子的哭声，产生了怜悯之心。摩西的姐姐假装碰巧路过，就向公主推荐奶妈撫育孩子，实际上这奶娘就是她母亲。因此，摩西虽然在埃及宫廷中长大并受教育，却始终保持着自己民族的信仰和爱国心。

摩西成年后目睹了同胞们所受的奴役和苦难，一次，他看到一埃及人痛打以色列人，遏止不住心中的怒火，将该埃及人杀了，然后躲藏起来。后来，几经周折，摩西率领全体以色列挫败法老的追截，逃出埃及，渡过红海，来到西奈半岛。摩西赋诗庆贺，显示出他诗人天才。《圣经》上的记载和种种传说都把摩西当做人类中最受神的恩宠和先知。

雕像中，摩西的眼睛大而美，坚定地直望，射出火焰般的光。头发短，胡须却如浪花般直垂下来，长得要用手去捋拂。 摩西的手和臂血管突显，他的手长而美，而巨大的双膝似乎与身体其他各部不相调和（占据全身面积的四分之一），显示出这是一双从埃及到巴勒斯坦到处奔波的膝与腿。其衣服如同米氏其他作品中一样，纯粹是一种假想的；它的存在不是为了写实，而是适应造型上衬托的需要。因为这些衣褶，腿部的力量更加显著；雕像下部的体积随之增加，使全体的基础愈显坚固。

【摩西头上为什么长有二只角？】

以色列人由于长期遭受奴役，神志沮丧，他们迫切需要一位头脑明智，决策果断的杰出人物作为自己的领袖。摩西恰巧就是这样的人。摩西在西奈山上花费四十天时间为以色列人制定了法律，把每人必须尊循的道德准则列为“十诫”，镌刻在两块石板上带下山来。不料由山下的希伯莱人由于领袖多日不在身边，忘掉了他的告诫正在进行他们在埃及见到的偶像崇拜活动，向一头金牛顶礼膜拜。摩西见到大怒，将石板扔下山去砸得粉碎，重新回到山上。 四十天后，又带还了刻有“十诫”的石板，以色列人见到后都不敢走近，因为他“西皮发光”，而五世纪某拉丁文译本的圣经上说：“摩西头上生出了角”，这就是为什么米开朗基罗像以前的艺术家一样，在摩西的头上加了两只角的原因。

摩西头上的角， 亦成为博学艺术史家们争辩不休的对象。 在拉丁文中，角（Cornu）在某种意义上是“力”的象征，也许就因为这个缘故，米氏采取这个小枝节 使得摩西形象更为奇特、怪异、粗野。

除了用角来作为先知的象征之外，米开朗基罗还用长而卷曲的胡子来表达摩西的诗人气质，用挟着的石板来表明他立法者的身份。但这座雕像上最着意刻画的是那种领袖的巍峨感～敏捷的眼神，威武的神态，警觉的姿态，坚毅的眉宇，似乎即时即刻跃然奋起，发出战斗的号召。

在歌颂心目中英雄的长处时，米开朗基罗没有掩饰他似缺点。我们可以觉察到那无法遏制的愤怒在摩西胸中翻腾，促使他一气之下把石板砸得粉碎。还有那鹤立鸡群的自傲。这种骄傲既属于摩西，也属于米开朗基罗自己，米开朗基罗的抱负和秉性正是摩西的缩影。今天，我们面对《摩西》，为他的威严所慑服时，仿佛同时见到米开朗基罗横眉冷对权贵，愤然跃起的神态疑固在大理石中。

这样的一个摩西，米氏用壮年来表现。因为青年是代表尚未成熟的年龄，老年是衰颓的时期，只有壮年才能成为整个民族的领袖，为上帝的意志做宣导使。

【《拉结》与《利亚》的雕像】

左：《拉结》Rachel，大理石，1542年，高197cm。替代米氏计划中的【活动的生命】

右：《利亚》Lia ，大理石， 1542年， 高209cm。 替代米氏计划中的【深思的生命】

在罗马，尤里乌斯二世墓上的，除了《摩西》之外，这两座雕像代替米开朗基罗计划中而未完成的《活动的生命》和《深思的生命》，她们都是《旧约》中的人物。

尤里乌斯二世 的后人提出抗议，並提出合同问题，但他们此刻是失势之人，当时形势很显明，只有退让，不得不放弃1513年的计划。三年之中，米开朗基罗只做了《摩西》和两个《奴隶》的雕像。尤里乌斯二世的继承人没有相当的金钱，他们对死者的回忆也渐渐淡漠，于是，l518年他们决定把雕像的数目减少一半，而也答应米氏九年的时限，结果是一事无成。

十六年后，坟墓工程还是那样毫无进展，意大利正过着暗谈的日子。罗马被法国波旁族攻入，大肆蹂躪。佛罗伦萨革命后，正被美第奇族的军队包围着。

随后是美第奇家族出身的又一个教皇～克雷芒七世，他为了要米开朗基罗根本放弃尤里乌斯二世的坟墓起见，命令他做美第奇墓。最后，这两件工程做不到一半，都没完工。

又过了十年，即1542年，什么还没做，教皇保罗三世又命米开朗基罗做西斯廷大壁画《最后的审判》，接着又做 波里纳教堂的壁画。

【朱利阿诺·美第奇，内穆尔公爵像与《日》《夜》《晨》《暮》】

1534年，59岁的米开朗基罗完成美蒂奇家族幕地《朱利亚诺·德·美蒂奇》之𦻒的雕塑。 新圣器室和王子小堂在教堂后面，合称美第奇礼拜堂。美第奇家族50多位成员长眠在王子小堂的地下墓室里。新圣器室是米开朗琪罗设计的第一件建筑作品，里面留存大师九件雕塑作品，包括最著名的 “日、夜、晨、暮”。 “日夜”守护着力行者朱利亚诺。

“晨暮” 陪伴着思想者“洛伦佐·德·姿蒂奇”。 1534年，59岁的米开朗基罗完成了美蒂奇家族幕地《洛伦佐·德·美蒂奇》的雕塑。

【美第奇家族两位君主的雕像】

 左为【《思想者》洛伦佐，乌尔比诺公爵像】，

右为【《力行者》朱利阿诺 ，内穆尔公爵像】。

这两位美第奇君主的雕像，标着《思想者》和《力行者》的题目。 他们都坐着，腿的姿态与《摩西》相同。表情沉重、严肃，恰与全部的雕塑一致。

两个雕像的衣饰很难确定，朱利阿诺（右像）的胸前披着古代的甲胄，然而胸部的肌肉又是裸露的；他的大腿上似乎缠着希腊武士的绑带，但脚是裸的。

“晨暮”陪伴着洛伦佐，“日夜”守护着朱利亚诺，两对雕塑代表光阴的流逝，也象征时间支配的命运。《晨》与《暮》的姿态显得是那么的柔和，哀伤，有了阴影愈显惨谈。在人体上表现极度疲乏，其线条是调和的，平静的。

【洛伦佐·德·美第奇（思想者）雕像】

米开朗基罗作于1524～1531年。大理石，高178.5Cm。佛罗伦萨 圣老楞佐圣殿的美第奇小圣堂。

洛伦佐是科西莫大公的孙子，佛罗伦萨共和国的第六位统治者，史称“豪华者洛伦佐”。 豪华者洛伦佐 1469年成为美第奇家族的继承人。跟他祖父一样，也是文艺复兴时期著名的艺术赞助人，马基雅维利为答谢庇护者的浩荡龙恩，将著名的《君主论》题献给他。 洛伦佐27岁死于梅毒，女儿凯瑟琳嫁给法国国王亨利二世，生下三位法国国王，弗朗索瓦二世、查理九世与亨利三世。另一位女儿玛格丽特嫁给纳瓦拉国王亨利，也就是日后波旁王朝的开创者亨利四世。后来亨利四世与玛格丽特离了婚，娶的还是美第奇家族的玛丽·德·美第奇，生下法王路易十三。

【朱利阿诺·梅迪契（力行者）的雕像】

《日》和《夜》是朱利阿诺·美第奇 墓上两座装饰雕像， “晨暮”陪伴着洛伦佐，“昼夜”守护着朱利亚诺，两对雕塑代表光阴的流逝，也象征时间支配的命运。他们巨大的裸体倾斜地倚卧着，仿佛要堕下地去。他们似乎都十二分瞌睡，沉浸在那险恶的噩梦中一般。全部予以人以烦躁的印象，这是人类痛苦的象征。米氏有一段名言，便是这两座雕像最好的注解：“睡眠是甜蜜的，成了顽石更是幸福，只要世上还有羞耻与罪恶存在着的时候，不见不闻，无知无觉，便是我最大的幸福，不要来惊醒我！啊，讲得轻些罢！”

《日》是背向的，《夜》是正面的。他们的身体弯折如紧张的弓，人体的线条显得神经紧张，显得斗争而强烈。

洛伦佐与朱利阿诺的雕像应该是死者，然而它们全然不是。米开朗基罗说：“千百年之后，谁还去留神他们的肖像是与否？”。朱利亚诺是美第奇家族的第七位统治者，豪华者洛伦佐的叔叔，教皇利奥十世的弟弟，只活了37岁。

【《昼》的雕像】（守护着朱利亚诺的“日”和“夜”）。

1534年，59岁的米开朗基罗完成了美蒂奇家族幕地雕塑《昼》。 “白天”醒来了，但还带着宿梦未醒的神态。他的头，在远景，显得太大，向我们射着又惊讶又愤怒的目光，似乎说：“睡眠是甜蜜的，为何把我从忘掉现实的境界中惊醒？”

使这痛苦的印象更加鲜明的是，《昼》的拘挛的手臂之姿态与双腿的交叉。

【《夜》的雕像】

1531年，56岁完成 美蒂奇家族墓地的雕塑《夜》， “夜”的头深深想地垂在胸前，头部在阴影中，肢体与身材的巨大，胸部的沉重，思想也显得在大块的白石中迷蒙。

《夜》的细部。

【《晨》的雕像】（陪伴着洛伦佐的 “晨””与“暮”）

1526年， 51的米开朗基罗完成了美蒂奇家族墓地的“晨”。 “晨””与“暮”的姿态显得柔和，哀伤，有了阴影愈显惨谈。在人体上表现极度疲乏，其线条是调和的，平静的。

【“暮”的雕像】米开朗基罗于1525年50岁时完成了美蒂奇家族墓地雕塑《暮》。

胸腹肌肉群。

【抽箭的阿波罗］1530年，米开朗基罗55岁时完成，佛罗伦萨 巴杰罗国家博物馆收藏。

【奴隶1～垂死的奴隶】（濒临死亡的奴隶）大理石，高1513～1516年。

【卢浮宫内米开朗基罗长廊】摆满了意大利十六到十九世纪的雕刻杰作。 其中最著名的是意大利文艺复兴时期的伟大艺术家米开朗基罗的二件云石雕塑：

《被缚的奴隶》和《垂死的奴隶》（总称《奴隶》）和《摩西》是米开朗基罗同一时间的作品，也是他雕塑中最普遍知名的作品。

作者通过两尊奴隶雕像，传达被束缚、被奴役的奴隶，渴望自由和寻求解放的呐喊。

　　这尊雕像是米开朗基罗在1513年创作的《垂死的奴隶》。奴隶双目紧闭，不像垂死，而像在微睡，被绳索捆绑的他没有表现出极度的痛苦，而呈现出一种摆脱了苦难的昏迷。他左手枕在仰起的脑后，右肘弯曲在胸前，似乎是沉重的劳动已使他疲惫不堪。这尊雕塑再现了奴隶饱受折磨、奄奄一息的神态，奴隶在睡梦之中既有对现实压迫的挣扎，又有着游离在现实世界之外一种安详。 

《垂死的奴隶》是关于生与死、肉体与心灵、物质与精神矛盾的思考，对生命的根本矛盾的思考。米开朗基罗赋予这座雕像以一种将强健化为慵懒而优雅的悲悯、感伤的力量，使整个作品呈现出一种深沉浑厚的冥想的品质。这种冥想是对死亡的恐惧，因此，形体开始扭曲，但是，冥想找到了生命中最深刻的宁静，因此，扭曲的身躯又转向放松与平和，整个雕塑展现了人物丰富的精神世界。在这座雕像中，奴隶仿佛不再是一个奴隶，而是一个英勇的斗士，人的尊严得到了完美的体现。这也是文艺复兴时期雕塑创作题材以自然和人为主的体现。

尤里乌斯二世的坟墓建成后，没被应用这两座《奴隶》，米氏把它们送给了一个意大利革命家，他随后亡命到法国时，一起把二座雕像带到了巴黎。 后来，不知怎么落到蒙莫朗西公爵手里，1631年，蒙莫朗西送给路易十四朝的权相黎塞留（RiChelieu），整个十八世纪它们就站在黎氏的花园里，法国大革命后才被运到卢浮宫至今（罗开朗基罗的作品基本上都在意大利，很少见地被法国卢浮宫所拥有，就是因为这个历史的变迁而成）。

这二座雕塑原来有二种意义，

【奴隶2～被缚的奴隶】

这二座雕塑原来有二种意义，一是代表自由艺术，因教皇尤里乌斯二世的薨逝亦成了死的俘虏。二是它们有一种造型的作用，因为它们是底层柱头的装饰：一个奴隶是正面的，因有它是正西柱头上的装饰。另一个奴隶是侧西的，因为它是两旁柱头上的。既然它们的作用是建筑装饰，所以它仿的动作亦是自下而上的高度。

在这二件作品上，因为全身肌肉的拘挛，更充分显出光暗的游戏。

【叛奴（被缚的奴隶）】

米开朗基罗为教皇于勒二世（Jules ll）的陵墓雕刻了这尊奴隶像。最初的计划 包括十六名俘虏围置在基座四周， 然而1513年教皇逝世，使得方案大大被简化。

这座作品仍然未完成，可以看到右臂还没有从大理石石材中脱形出来。工具的各种遗痕使我们可以追溯这一雕塑制作的不同阶段：用尖锐工具打出方形石材的痕迹，在人物背后质地粗糙的石材上依稀可辨，以及脸部下方凿子形成的条状痕迹。所有这些不同实施阶段同时存在，还包括身体某些巳经完成打磨光滑的部位，透露出艺术家是碍于大理石材的缺陷，被迫将作品终止在未完成的状态。

《觉醒的奴隶》（Slaves: The Awakening Slave, 1519-1530）米开朗基罗未完成的作品。

《圣马太》（Saint Matthew, 1505-1506）米开朗基罗未完成作品。

在完成《大卫》两年后，《拉奥孔》雕塑在罗马的提图斯浴场遗址附近出土，米开朗基罗亲临出土现场。这座群像所体现的古希腊艺术中最为动人的悲剧性冲突、与命运搏斗的痛苦与恐惧深深影响了米开朗基罗的后期创作。为教皇尤里乌斯二世陵墓所作的代表七种自由艺术的奴隶雕像，他最终仅完成两座，其余未完之作，与同样未完成的《圣马太》一道，陈列在通往完美之神大卫的囚徒长廊（The Gallery of The Slaves）两侧——生命从大理石挣扎而出的震撼感，某种程度上竟比完作更加强烈。

【布鲁日圣母像】

米开朗基罗于1501年26岁所作。大理石，高128cm。布鲁日圣母教堂。布鲁日圣母像是米开朗基罗在世期间唯一一件离开意大利的雕塑。1514 年，它被布商的家人买下后，捐赠给了圣母玛利亚教堂。这座雕像数次离开教堂，第一次是在法国独立战争期间，之后于1815 年归还，在二战期间再次被纳粹士兵掠走。

【哀悼基督】（圣彼得教堂馆藏最杰出的三件珍品之一）。

圣彼得大教堂里三大珍品之一的是《哀悼基督》。这是米开朗基罗在24岁时完成的他人生第一尊旷世杰作～《哀悼基督》，也叫“圣殇”或“圣母怜子”。 圣母玛利亚怀抱死去的儿子耶稣基督，悲痛而庄严。

《圣母哀痛》（《圣殇》）生动地刻画了年轻柔弱的圣母玛利亚无助地坐在那里，膝上躺着刚从十字架上卸下来的耶稣。雕塑了 耶稣和圣母造型的 “一死一生，一横一竖”。耶稣已死，圣母因强烈的痛苦而身体稍向后倾。这尊雕塑将圣母和圣子两个人物完美和谐地结合在一起。圣母面容年轻、和蔼、宁静，怀抱着基督瘫软无力的躯体，目光中流露着淡淡的悲悯，那哀伤的眼神将母爱展现出来，而她头巾上，衣服上参差不齐的褶裥却透发着不凡的肉体与精神之力。

这件雕塑中的圣母玛利亚非常年轻，这对于一位有着大约33岁儿子的母亲来说，显得有些不可思议，圣母的青春可能象征着永远的纯洁。米开朗基罗曾对他的传记作家阿斯卡尼奥·康迪维说："难道你不知道贞洁的女人比不贞洁的女人更能保持青春吗？圣母从未经历过可能改变她身体的欲望，所以她能够保持青春。"

圣母的如同少女一般明媚的面容，与基督没有任何生命气息的身体形成了鲜明对比，这种强烈的反差令人感受到不合理的现实所造成的悲剧。按照中世纪宗教艺术的传统，"哀悼基督"一般是谴责性的，目的是为了唤起人们的悔恨与自责，不过米开朗基罗在这里并没有强调基督受难所引发的冲突，而是美化了基督的牺牲和母性的力量，以一种善良和优雅的方式实现了与现实的和解。这件作品中流露出来的宽广的人文主义显示出米开朗基罗在美第奇学院中受到的新柏拉图主义的影响。

《哀悼基督》的结构是金字塔式的，玛利亚的头部是顶点，再逐渐从衣服上的层层褶皱，到她膝盖上的基督，再到基座，形成一个稳定的三角形构图。人物的身体结构并不是完全符合比例，因为在一个女性的膝盖上放置一个成年男性有些困难，所以作者让玛利亚的身体被宽大的衣袍遮盖起来，这样的处理方式十分巧妙，既掩饰了玛利亚实际上的身体比例，同时又恰到好处地表现出玛利亚的四肢，两臂拥抱着基督，两脚支撑在地上，力量分布均匀，人体比例在错觉中也感觉很和谐。

基督裸露的身体在圣母厚重衣袍的衬托下，显得瘦弱冰冷，当圣母的眼神落在儿子的身体上时，可以感受到一位母亲无尽的慈爱与温柔，这种浓厚的感情甚至超过了悲伤。死去的基督在身体上并没有多少创伤，仅在肋下有一道伤痕，他的手臂和腿部都无力地下垂，头部后仰，米开朗基罗对于尸体的描绘很写实，考虑到了重力的作用，但也经过了理想化和戏剧性的处理，让尸体显得不过于僵硬，以方便于圣母的拥抱。

　　圣母玛利亚双眼低垂，左手微微摊开，右手搂着遍体鳞伤的耶稣，无限疼惜，无限悲痛地凝视着自己亲爱的儿子。

米开朗基罗赋予圣母以凡胎肉体的人间母亲的形象和感情，他非常美丽，神态宁静安详，只是在眼角、眉心和似乎颤抖的手臂中流露着隐隐的哀伤。他将母亲失去儿子的悲痛与无奈何对上帝虔诚的信赖与顺从感，在作品中刻画得淋漓尽致，洋溢着一种静谧而又圣洁的美。人们称其为整座教堂中最优雅的雕塑作品，是圣彼得大教堂的 “镇山” 之宝。

值得注意❗️的是：米开朗基罗首次将自己的名字刻在圣母像胸前的衣带上。

【哀悼基督】局部～死去的耶稣。

【台阶上的圣母子】

大理石浮雕，55.5Cmx40Cm。米开朗基罗作于1491～1492年。收藏于佛罗伦萨 博纳罗蒂之家博物馆。

【胜利之神】

米开朗基罗作于1530～1533年。大理石，高261m。1533年58岁的米开朗基罗创作完成了雕塑《胜利之神》，现收藏于佛罗伦萨维奇奥宫500人的大厅中。

【胜利之神】

【胜利之神】

《布鲁特斯胸像》 米开朗基罗，佛罗伦萨国立美术馆藏。

【耶稣与十字架】

【耶稣与十字架】局部。

［参孙和两个非利士人 ］米开朗基罗。

【蹲着的奴隶］冬宫博物馆的镇馆之宝之一。创作背景：

《蜷缩一团的小男孩》 又名《蹲着的奴隶》, 高54厘米，是米开朗基罗1530-1534年间晚年的雕塑。 它生动雕琢了一个右脚受伤的小男孩蹲下用双手紧紧握着伤口。男孩背部的肌肉结构起伏, 高度紧张，说明男孩正在承受剧烈的疼痛，但是，形成巨大反差的是，受伤的男孩，脸上的表情却显得很静穆，平静。

为什么受伤忍着剧烈疼痛的男孩，表情居然如此静穆平静？为什么米开朗基罗，钟情于雕刻奴隶？

《蹲着的奴隶》的雕刻风格与之《垂死的奴隶》《被缚的奴隶》有相似之处， 特别是 《垂死的奴隶》， 画家雕琢了一个迎接死亡，疲惫不堪的奴隶。垂死的奴隶，身体应该是挣扎痛苦的，但是米开朗基罗大师雕琢的奴隶，没有垂死挣扎的痛苦，而是表情静穆，仿佛死亡来临时对解脱的向往，解脱苦难时的安详的神情，与垂死的状态形成巨大的反差。《被缚的奴隶》，双手被反绑着，力图挣脱绳索，延伸流露不屈的精神，渴望自由的意志。

米开朗基罗，一生坎坷，经历过大风大浪。童年时母亲去世，三十岁时创造陵墓雕塑时被建筑家抢走风头，遭穿小鞋。甚至，建筑学家为了让米开朗基罗出洋相，安排不会壁画的米开朗基罗画西斯庭天顶画。

意大利佛罗伦萨遭受外族侵略发动起义时，米开朗基罗参加起义，失败后被迫为教皇服务，世事多变历经人世沧桑的米开朗基罗，一直在雕琢中发泄自己悲愤，苦闷的悲壮的命运。

米开朗基罗生活的文艺复兴时代，是国家动荡的年代，米开朗基罗是一个追求自由的个性艺术家，但是有时候必须服从统治者教皇服务，这是佛罗伦萨宫廷艺术家的宿命。被缚的奴隶的绳索，仿佛是米开朗基罗被统治者，教皇压制，被世俗束缚想要挣脱想要反抗的压迫。垂死的奴隶，其安详静穆的神情，是米开朗基罗自身极度渴望自由，极度渴望解脱的无奈与孤独。

　　《蜷缩成一团的小男孩》是文艺复兴历史条件下的产物，是意大利雕塑家米开朗罗基的其中一个雕塑作品。作品表现出来的是的是一个小男孩右脚受伤了，蹲在地上双手捂住伤口，虽然他很疼很痛，但是他一个人默默承受，脸上一点都看不出痛苦的表情，可他背上高度紧张的肌肉反映了他正忍受着剧烈的疼痛！

第二，14--17世纪的欧洲，也就是文艺复兴发生时期，是正在形成中的资产阶级在复兴希腊罗马古典文化的名义下发起的弘扬资产阶级思想和文化的运动。它发源于意大利，然后在西欧各国得到广泛传播和高度发展。在这些文化影响下，很多作品描写现实生活和各色人物，抨击教会的贪婪腐化和封建统治的黑暗残暴；强调人的 “自由意志”，反对封建教会宣扬的宗教宿命论，歌颂有远大抱负和坚毅刚强的英雄豪杰，从而表现了新的人文主义思想的曙光，米开朗罗基也是意大利其中一个艺术造诣的大师。

第三，米开朗罗基很小的时候就失去了母亲，所以生活背景也很凄惨，因为爱画，遭受家人毒打，学画时因为老师妒忌，被迫转入雕塑学校，后来由于宗教信仰的冲突，又被迫离开。在给教皇尤里乌斯二世造陵墓时，又遭陷害，被迫去画他不擅长的教堂天顶画，之后一直被各种繁琐的差遣，做着不满意的工作，郁郁不得志，穷困潦倒。1527年又卷入一场革命漩涡，被连累，差点死去，命运就这样被各种干涉，米开朗罗基很是不得志。

第四，从蜷缩成一团的小男孩这个作品可以看出他内心的痛苦和隐忍。

所以《蜷缩成一团的小男孩》是文艺复兴时期的作品，当时历史背景是文艺复兴、宗教改革与启蒙运动的三大思想解放运动。

背部肌肉的线条。

【朗弗兰奇的磨刀工人］

米开朗基罗·博那罗蒂 的《朗弗兰奇的磨刀工人》用高佛理那岩石雕成。这部雕塑16世纪时藏于朗弗兰基宫殿内；潘多夫·迪迪1751年作了详细描述，将其视作米开朗基罗·博那罗蒂的作品。1865至1888年，《朗弗兰基的磨刀人》被保存在巴尔格罗博物馆的“米开朗基罗的流派或作品” 展厅。随后它又转为私人收藏，直到120年后才重见天日。

根据上文提到的研究和后续贡献，专家认定该作品于在16世纪前30年间创作，客户来自比萨。2012年，这幅作品在哥德堡首次公开展览，人们再次认为这是米开朗基罗或与其相关的艺术家的作品。

【未完成的《隆达尼尼的圣母哀悼基督》］

1564年2月18日米开朗基罗离开人世，终年89岁。死前数日仍在雕刻《隆达尼尼的圣母哀悼基督》。7月14日去世，世人在佛罗伦萨圣十字教堂的“圣洛伦佐”大教堂为其举行隆重的葬礼。这是他生前未完成的《隆达尼尼的圣母哀悼基督》。

终其一生，米开朗基罗都以雕塑家自居，并认为雕塑是绘画的指导。米开朗基罗的雕塑浑然开成，有一种由内而外不受束缚的力量。对他而言，人像本来就存在于石头之中，他所能做的只不过是将其从中释放出来而已。他强烈地追求灵魂之美与理智之美，这时候的自然与物质之美已经无法束缚住他的刻刀了。

《巴拉斯屈那圣殇》（Palestrina Pieta, 1550）米开朗基罗。

此外，米开朗基罗一生共创作过四座以Pietà（可译作圣殇/圣母怜子/哀悼基督等）为主题的作品，藏于学院美术馆的《巴拉斯屈那圣殇》为其晚年所作，饱受疾病所苦的米开朗基罗在这座圣殇上，道尽了生命之烛即将燃尽的悲哀与恐惧。

【圣母邻子像】

米开朗基罗作于1552年创作了《圣母子》，时48岁。大理石，高226Cm。现收藏于佛罗伦萨 圣母百花大教堂。

［米开朗基罗的墓］

米开朗基罗1564年逝世于罗马，他生前想葬回佛罗伦萨，但罗马希望将他葬在圣彼得大教堂内，于是他的侄子偷着将他的遗体运回佛罗伦萨，佛罗伦萨为他举行了庄严隆重的葬礼，瓦萨里为他设计了这座陵墓，墓在佛罗伦萨圣十字教堂。

米开朗基罗的全名叫米开朗基罗.博那罗蒂（Michelangelo Buonarroti，1475–1564)，享年89岁。三杰中（与拉斐尔和达芬奇并称为文艺复兴时期三杰）人生最痛苦的就是米开朗基罗，但他却活的最长，也是三杰中唯一葬在佛罗伦萨的。

石棺上方的木开朗基罗半身像。作者叫G.B.Lorenzi。下面的三个雕像据说代表大师的三大才能：绘画、雕塑和建筑。最左边的雕像代表米氏的“绘画”才能，中间的雕像代表米氏的“雕塑”才能，作者是佛罗伦萨雕刻家瓦来里奥.乔利（Valerio Cioli，1529–1599)，最右边的雕像代表米氏的“建筑”才能。 “绘画”，“建筑”和 米开朗基罗半身像的作者都是 G.B.Lorenzi(洛伦佐)。

　　米开朗基罗在佛罗伦萨圣十字教堂的墓，上有基雕塑头像。

（五）《海神尼普顿喷泉雕塑》雕塑家阿曼纳蒂作品（佛罗伦萨大皇宫广场）

《海神喷泉》是意大利佛罗伦萨领主广场的一个喷泉，由雕塑家巴尔托罗梅奥·阿曼纳蒂（Bartolomeo Ammannati) 设计，创作于1563—1575年，是阿曼纳蒂受柯西莫一世之聘所作。这座喷泉的建立除了庆祝柯西莫之子法兰西斯科与奥地利的乔安娜婚礼外，也是为了彰显柯西莫一世的海军成就，因而采用海神为题材，亦将海神的脸做成柯西莫一世的模样，站在八角形喷泉池中央，傲视四方。尼普顿是罗马神话里的海王，即希腊神话中的波塞冬。

雕像群有两个主题，一是立在中央的海神尼普顿大战章鱼；二是喷泉四周伴有丘比特的海中仙女涅瑞伊得斯和海象。海神喷泉竖立在八角形喷泉中间高高的底座上，底座装饰着被铁链锁住的神话人物斯库拉和卡律布狄斯。据说中间的海神大战章鱼雕像是在19世纪后加上去的。作品中海神肌肉健壮、勇猛无比，海神尼普顿的面孔跟科西莫一世相似，暗喻佛罗伦萨的海上统治权。有意思的是，当作品完成后，并未受到佛罗伦萨人的赏识，佛罗伦萨人将海神称为“白色巨人”。

阿曼纳蒂作为一位善于制作高度装饰的雕塑家，成功地解决了多人物喷泉雕塑的处理问题，他把风景、雕塑与流水都归纳到一起布局。稍晚于阿曼纳提的乔维尼·波隆纳，在处理多人物喷泉雕塑和园林雕塑方面亦占有重要地位，代表作有 表现大自然、巨人的作品喷泉《幼发拉底河》、《亚平宁山区人》。这些都记录了文艺复兴时期出现的以反映自然和社会生活为题材的雕塑作品，不同于以往依附在建筑和宗教上的雕塑。

巴尔托罗梅奥·阿曼纳蒂（Bartolomeo Ammannati，1511年-1592年），意大利雕塑家和建筑师，代表作品有海神尼普顿喷泉雕塑等。他是16世纪中后期在佛罗伦萨工作的杰出雕塑家和建筑师，他被认为是意大利风格主义时期的关键人物 。

他最初是巴乔·班迪内利（Baccio Bandinelli）的学生，之后在雅各布·桑索维诺（Jacopo Sansovino）和乔瓦尼·安杰洛·蒙托索利（Giovanni Angelo Montorsoli）手下工作。1550年，阿曼纳蒂与乌尔比诺的劳拉·巴蒂弗拉（Laura Battiferra）结婚。1555年，阿曼纳蒂回到佛罗伦萨，在科西莫一世·德·美第奇公爵手下服务，他为这个家族服务标志着他职业生涯的高峰，并见证了他风格的完全成熟。1592年去世。

［阿曼纳蒂(1511—1592) ］

他是班迪内里的学生，在雕塑形式的处理上追求理想化的概括和抽象的倾向。他擅长使造型显得细腻柔和。三十年代他在威尼斯、帕都亚、罗马工作期间，就是一位制作高度装饰的雕塑家。他在1555年回佛罗伦萨开始的创作活动中，力求使所塑造的形象具有强烈的室内性质，并使人物形体比例、动作服从于程式化风格主义法则，以及图案化和节奏感。见《安东尼奥·狄·蒙特纪念碑》，这一雕像就是此类雕塑的明显例子。它体现了当时佛罗伦萨风格主义的冷隽精致的理想。 他成功地解决了多人物的喷泉雕塑的处理问题，把风景、雕塑与流水的动态都归纳在一起的统一布局。他在市政厅广场海神喷泉的雕塑设计中取得了一定效果。

海神波塞冬塑像的体态丰满，他的背被认为是中年男人最美的后背。

［大力神赫拉克勒斯制服卡库斯雕像］

巴齐奥·邦迪奈力的作品则展示了希腊神话中的大力神赫拉克勒斯降服卡库斯的画面。 赫拉克勒斯是希腊神话故事中的大力神。这故事发生在英雄赫拉克勒斯的第十个任务中，他的任务是带回革律翁饲养的红牛。赫拉克勒斯成功夺取革律翁的红牛后，在归途中经过台伯河，遇上三头巨人卡库斯，卡库斯是火神赫淮斯托斯和美杜莎之子。他趁赫拉克勒斯不注意时偷走了红牛，牛的鸣叫惊动了赫拉克勒斯，大力神赫拉克勒斯立刻追上来杀死了巨人。

　　 赫拉克勒斯是希腊神话中最伟大的半神英雄，男性的杰出典范，然而他却不乏一些同性恋人，甚至有这样一种说法“赫拉克勒斯是同性恋的鼻祖”。

同性之爱的历史，可以上溯到公元前9660年到公元前5000年的西西里岛。到古希腊时代，男性之间的亲密关系不仅是贵族社会中的流行时尚，也是古希腊社会的显著特征。从苏格拉底、柏拉图到推翻雅典僭主政治的英雄哈尔摩狄奥斯和阿里斯托革顿，这些令人文主义者仰慕不已的人物全部都是同性恋者。

公元前630年，一枚在克里特岛发现的牌匾最早记录了多利安人贵族和青少年男性之间建立的这种被称为古希腊少年爱的社会现象。虽然古希腊男性之间的婚姻并不被法律所承认，但是男性可以保持长达一生的少年爱，这种伙伴关系不同于异性恋婚姻，重要的是年长的一方充当着年轻一方的教育者和导师的角色。

公元前385年希腊男性雕塑，柏拉图出版了《会饮篇》希腊男性雕塑，其中斐德罗、阿里斯托芬以及其他古希腊学者明确提出：最高贵的爱是男人之间的爱。

公元54年，尼禄成为罗马皇帝，他先后与两名男性公民通过合法的仪式结婚。直到公元4世纪，基督教会首先禁止同性恋者参加宗教活动，信仰基督教的统治者开始颁布法律以禁止同性性行为。

从此，同性恋者开始被社会视为邪恶之人，并被施以严酷刑罚。到了公元14至16世纪，天主教通过宗教审判，对同性恋行为的迫害达到高潮。

［本韦努托·切利尼（Benvenuto Cellini，1500年11月3日－1571年2月13日）］

本韦努托·切利尼出生于佛罗伦萨， 意大利文艺复兴时期的金匠、画家、雕塑家、战士和音乐家，写有著名的自传。 其名「本韦努托」是義大利語「歡迎」之意。父亲乔万尼·切利尼是一名音乐家和乐器工匠，與妻子伊莉莎白结婚18年后才生下第一个孩子。本韦努托是家中的第二个孩子，也是長子。乔万尼最初希望本韦努托成為傑出的長笛吹奏者，竭力阻挠他对金属藝品制造的爱好。 当他15岁时，他的父亲不情愿地同意他成为金匠的学徒。本韦努托到16岁时，已经因和年轻伙伴参与斗殴引起注意。他逃到锡耶纳 6 个月躲避处罚，受雇于一名金匠。他又从锡耶纳迁往博洛尼亚，成为娴熟的长笛演奏者，作为金匠也有进步。他访问比萨，又住在佛罗伦萨两个时期，到19岁时前往罗马。 

本韦努托.切利尼曾為幾個教皇和皇室服務過。他最有名的作品為saliera(金盐盒)，如今在奧地利維也納藝術史博物館 。他被視為是最重要的文藝復興時期金匠大師， 他小時著迷於他的父親發明的一些巧妙玩意，也可能看過李奧納多和米開朗基羅的工作室，所以他在很小的時候，就決定要成為一名藝術家。 在他一、二十歲時，遊歷過弗羅倫萨、錫耶納，博洛尼亞 ，比薩 和羅馬之間，停留過一些金匠和畫家的工作室，使浮雕，花瓶，戒指，燭台等（現在都丟失，無法識別），幾乎在每個大師底下都學習數個月。 

《金鹽盒》是切利尼的唯一倖存的黃金作品。他在巴黎逗留在1540至1543年期間時，由弗朗索瓦一世 委託，1570年为法王查理九世 與奧地利大公伊麗莎白結婚所作，這個極為寶貴的餐桌用具，是用手工錘打成其精緻的造型。其中按照他自己的說法，切利尼用很寫意的手法鍛造出這件黃金作品，來寓意地球。 他在自傳中說：“ [金盐盒]顯示海是如何與陸地結合，我做了兩個軀體，如一對手掌，高坐在旁邊，他們互相交織在一起的腳，就像我們所看到的大地給滔滔海洋的懷抱。而大海，我描繪成一個男人，舉著一艘精緻的黃金鍛造的船，這裡可以容納足夠的鹽，其下有四隻海馬，海神右手裡拿著三叉戟。我把地球化作為一個女人，我為這樣一個美麗的人物來展現我所知道大地的優雅。她的旁邊的地上，放著豐富裝飾的寺廟辣椒罐。 [...]在其一側是，地球所帶來的許多美麗的形態。” 在此底座（八方裝飾），有寓言四風（四季）與一天的時間（黎明，白天，傍晚，黑夜）。

本韦努托·切利尼是一位相当自负、喜好交际、爱慕虚荣的人，希望自己成为受众人倾慕的大师。为此他总是别出心裁地创作，尽量让自己的作品惊世骇俗，不同凡响。如为法王所作的《金盐盒》，青铜雕《珀耳修斯与美杜莎》等。

本韦努托·切利尼的油画手稿。

［萨利埃拉盐罐，维也纳艺术史博物馆的镇馆之宝］

这件由意大利著名雕塑家、金匠本韦努托·切利尼为法王弗朗西斯一世（Francis I，1494-1547）制作的盐碟和胡椒盒被艺术史博物馆称为“雕塑中的蒙娜丽莎”。

“萨利埃拉盐罐”的八方和底座还刻有寓意为四季和一天时间（黎明、白日、暮色、黑夜）的图案。

本韦努托·切利尼在自传中说：“我制作了两个手掌一般大的躯体，相对而坐，双脚交织，仿佛大海的波涛延伸到陆地。大海被我刻成男性，他拥有一艘豪华大船，里面放足了盐巴，船体上刻了四条海马，男性右手执拿一把三叉戟。地球则被我刻成女性，是我想象中最美丽而优雅的女子形象，她脚下有个装饰华美的寺庙，里面置放着胡椒，身旁则有地球上最漂亮的动物们。”

链接： 维也纳艺术史博物馆是一座专为展出典藏设计的宏伟建筑，由哈布斯堡建设而成。室内采用高贵的材料，聘请代表时代潮流的著名艺术家和工艺家来共同装饰博物馆。

此外，博物馆的预算和工期上并未受到任何限制，使博物馆在建造工作在无压力的情况下能力求完美。1891年，维也纳艺术史博物馆竣工，但美术馆仍未由皇帝正式宣布开放。随着第一次世界大战结束，奥地利共和国的成立，博物馆终于成为了国家所有，全民共享的宝贵财富。

［盐罐］细部。

上方的男性为手持三叉戟的海神尼普顿，他下边是四匹骏马在海中奔腾，右手侧的小船便是盛盐的碟子，寓意盐从海中来。与海神相对而坐的是大地女神忒勒斯，她右手边的古希腊神殿是用来盛胡椒的小盒，寓意胡椒从地上生，斜卧盒上的裸女正好作为盒盖的提手。

基座上装饰着代表四季和四时的图案。

［盐罐］细部。

在2003年，它被盗了。随后艺术史博物馆悬赏一百万欧元捉拿窃贼，最终于2006年在警方公布了窃贼的监控画面后，窃贼自首并带着警方到维也纳以北90公里的森林中挖出了装在铅盒里埋到地下的盐碟。

想不到“萨利埃拉盐罐”的偷盗者却在投案自首后给出了一个令人瞠目结舌的理由。他对警方说：“我只是想告诉博物馆，你们的防盗设施毫无用处！”语惊四座。这个偷窃理由让舆论一片哗然，报道铺天盖地，有些甚至把偷盗者写成勇士。刚刚年满半百的肇事者原来是位经验充足的防盗报警专家，作案之前，他与当时的艺术史博物馆馆长及其团队碰过头，就博物馆的防盗设施给出了自己的意见。但馆长大约觉得他杞人忧天，对其方案很不以为然，此事便不了了之，没了下文。很快，这位防盗报警专家深夜入馆，轻而易举地搬走了“萨利埃拉盐罐”。如今，失而复得的 “萨利埃拉盐罐” 身价百倍，作为博物馆的重中之重，被小心翼翼、奉为神明般置放于珍宝馆的正中央。它在那偌大的玻璃罩内，在完美的灯光射照下，似乎也多了一份高贵的气场。

【珀耳修斯与美杜莎】1549年本韦努托·切利尼创作著名的青铜雕像。

雕塑刻画了希腊神话故事：传说美杜莎原是一位美丽的少女， 因自恃长得美丽，竟然不自量力地和智慧女神比起美来， 而被雅典娜一怒之下将美杜莎的头发变成毒蛇，任何直望美杜莎双眼的人都会变成石像。 从来没人可以杀死这个女妖，结果宙斯的儿子，聪明的珀耳修斯就利用镜子反射的原理，让女妖无法施展妖术，最后砍下了美杜莎的头颅，英雄珀耳修斯右手持剑，左手高举美杜莎刚刚被斩首，还在滴血的头颅。

据说立这个铜像是为了把女妖映射为反对政府的政敌，将落得如此下场。．

【珀耳修斯与美杜莎青铜像】（意大利佛罗伦萨佣兵凉廊，原作收藏在巴杰罗美术馆，此处是 复制品）。

是 本韦努托·切利尼（Benvenuto Cellini）的作品～珀耳修斯青铜像，表现这位希腊神话英雄右手持剑，左手耀武扬威地高举美杜莎被斩的首级。

珀耳修斯的身体比例匀称、肌肉发达，用右腿支撑站立。珀耳修斯情绪节制，控制着自己的情感。鲜血从美杜莎的头部和颈部涌出。

其装饰华丽的底座同样是切利尼的作品，有四尊优雅的青铜小雕像：朱庇特、墨丘利、弥涅耳瓦和达那厄。 底座上的浅浮雕，表现 “珀耳修斯释放仙女”。

切利尼制作这尊青铜像几乎花费了十年时间（1545－1554年）。他的蜡样立即得到了科西莫一世的认可。他遇到了无数困难，按照他的自传记载，几乎将他带到死亡的边缘。这尊青铜雕像的制作已经失败了几次。当再次进行尝试时，熔窑温度过高，损坏了青铜铸件。切利尼下令将他的家具，以至于大约 200 个盘子和厨房器具投入熔炉，这才使青铜再次流动。在青铜冷却以后，这尊雕像奇迹般地完成了，只有右脚的三个脚趾是后来加上去的。

［《俄尔甫斯》（Orpheus）］克里斯朵夫·迪·布拉恰诺 Cristofano da bracciano作（1556-1619 )

《木卫三》本韦努托·切利尼 (Benvenuto Cellini) 高清作品欣赏。身骑大鹰。

《萨蒂尔（Satyr）》，本韦努托·切利尼作于1545年，青铜雕，尺寸144.8×48.3×26.9cm。

［詹波隆那Giambologna（1529年－1608年8月13日））］[弗兰德斯] 无名氏，1570年代，木板油画，89 x 66 cm。英国爱丁堡 苏格兰国家画廊藏。

詹波隆那是文艺复兴后期雕塑家，以风格主义的大理石雕刻和青铜雕刻闻名。他是从文艺复兴盛期的雕塑大师米开朗基罗到巴洛克时期的雕塑大师贝尼尼之间一位重要的雕刻代表，他的作品富有动感，为后来的巴洛克风格奠定了基础。

詹波隆那出生在佛兰德的杜埃（今属法国），年轻时在安特卫普师从建筑师、 雕塑家（Jacques du Broeucq)。 1550年前往意大利，到罗马学习。詹波隆那详细研究古代雕塑，也深受米开朗琪罗的影响，但是发展了自己的风格主义，较少强调情感，而较多强调优雅的外观、冷静的雅致和美。教宗庇护四世给了詹波隆那第一项重要的任命：博洛尼亚海神喷泉巨大的海神铜像和附属人物。

詹波隆那大部分的创作期都在佛罗伦萨，1553年他在该市定居，成为美第奇家族的宫廷雕刻家，效力于该佛罗伦萨城的实际统治者美第奇家族，此后美第奇家族再也不让他离开佛罗伦萨，因为他们担心奥地利或西班牙得哈布斯堡王朝用永久职业来诱惑他，直到79岁时在佛罗伦萨去世 。他埋葬在自己设计的佛罗伦萨圣母领报大殿的一个小礼拜堂内。

詹波隆那著名作品选：

《墨丘利》是 詹波隆那最著名的作品之一，用一只脚保持身体平稳，上帝举起一只胳膊指向天空，手势借鉴了詹波隆那的maniera特有的古典手法（与拉斐尔的《雅典学派》中描绘的柏拉图比较）。

詹波隆那的几幅维纳斯建立了匀称的规则，影响了意大利和北方的两代雕塑家的女神雕塑的模式。他创造的寓言大大促进了美第奇家族的政治宣传。如

《佛罗伦萨击败比萨》1562年。

《参孙杀死非利士人》（注：一个美第奇喷泉的大理石像，这尊詹波隆那唯一的大型大理石雕塑离开了佛罗伦萨，先后送给莱尔马公爵、威尔士亲王查理（西班牙赛事（Spanish Match）谈判时），又由英国国王乔治三世送给托马斯·沃斯利爵士；1953年，伦敦维多利亚和阿尔伯特博物馆用艺术基金购买)

《强掳萨宾妇女》（1574-82）中，以解决交缠在一起的三个人物的复杂立体空间难题为乐，被安放在佛罗伦萨领主广场上的佣兵凉廊。 

《赫拉克勒斯与半人马涅索斯》（1599年）是他的天才之作，安放在佣兵凉廊。

《科西莫一世的骑马雕像》位于佛罗伦萨佣兵凉廊，由他的助手Pietro Tacca完成。　

《科西莫一世的骑马雕像》詹波隆那的雕塑作品，位于意大利佛罗伦萨的领主广场。

这座雕像是由斐迪南一世·德·梅第奇为纪念他的父亲，15年前去世的第一任托斯卡纳大公科西莫一世而建。1587年，他将这项任务委托给当时活跃在佛罗伦萨最重要的雕塑家詹波隆那。这将是佛罗伦萨第一尊大型骑马雕像。詹波隆那成立了一个专门的委员会来解决大尺寸的铸造工作。他接近多那太罗在帕多瓦和威尼斯的示范作品，而梅第奇收藏的马头收藏于佛罗伦萨国家考古博物馆。

《科西莫一世骑马雕像》

［海王喷泉⛲️］

位于波河与亚平宁山脉之间的博洛尼亚（Bologna），与威尼斯、佛罗伦萨或米兰相比不遑多让。1088年，在这座富饶而自由的城市里诞生了西方最古老的大学，但丁、彼得拉克、伊拉斯谟、哥白尼……一个个耳熟能详的名字都出自博洛尼亚大学。这座历史悠久的文化名城1563年从佛罗伦萨请来雕刻家詹波隆那，从此平添了一座壮美的雕塑杰作——海王喷泉。

詹波隆那的《海王喷泉》，1563-1566年，青铜铸像。意大利博洛尼亚海王广场。

詹博洛尼亚Giambologna这个名字原本就是Giovanni da Bologna的缩写，意即“来自博洛尼亚的乔万尼”，足见他与这座城市的不解之缘。出生于弗兰德斯的詹波隆那当时已经在佛罗伦萨定居，该城的实际统治者美第奇家族以及迁居至此的弗兰德斯显赫门阀都对詹博波隆那的艺术才华鼎力支持，其一路飙升的声望甚至受到了教皇庇护四世的重视。于是，詹波隆那接到了来自教皇的第一项重托：为博洛尼亚城建造一座令人过目不忘的喷泉。

詹波隆那一眼相中了博洛尼亚城中心的广场，不久一尊高大雄伟的海王青铜像就在那里矗立起来。那是罗马神话里的海王尼普顿，即希腊神话里的波塞冬，只见他虎背熊腰，须发虬密，右手执三叉戟，左手向前点指，那副傲慢的神情仿佛在说：哪个不服，拍马来战！

［海王喷泉⛲️］

尼普顿是罗马神话里的海王，即希腊神话里的波塞冬，只见他虎背熊腰，须发虬密，右手执三叉戟，左手向前点指，那副傲慢的神情仿佛在说：哪个不服，拍马来战！

【掠夺萨宾妇女】

《掠夺萨宾妇女》是詹波隆那的著名作品，创作于1583年，被称为意大利文艺复兴时期的顶级作品之。雕塑表现了罗马士兵正不顾一切刧夺邻邦萨宾妇女为妻的场景，他脚下是女人苍老的丈夫，女人望着无助的丈夫，眼角流下了泪水，但嘴角却带着笑意。这件作品达到了后人难以企及的高度。

这件作品给人印象深刻的是，用一块运送到佛罗伦萨最大的有瑕疵的白色大理石所雕刻而成。 画家詹波隆那想要创作一部 “蛇形图” （figura serpentina），从各个方向看，都是向上呈蛇形螺旋运动的作品。 这是欧洲雕塑史上第一次表现超过一个人物的作品，其没有优势角度，它可以从各个方向都能同样地令人欣赏。

大理石底座也是詹波隆那德作品，为同一主题的青铜浅浮雕。这些大理石和青铜雕塑自1583年就安放意大利佛罗伦萨的佣兵凉廊。

【赫拉克勒斯和半人马涅索斯战斗】

大理石雕塑，詹波隆那创作于1599年，1841年安放于意大利佛罗伦萨佣兵凉廊。

希腊神话故事：大力神赫拉克勒斯娶了卡吕冬的得伊阿涅拉为妻，带妻子去特拉基斯途中遇到了好色的半人马涅索斯，𣵀索斯专爱诱拐新娘，奸淫女宾。这次他驮着大力神 赫克里斯的夫人过河， 行至河中央，手在夫人身上乱摸，欲将大力神妻子掠走， 赫克里斯一怒之下杀了半人马。

《阿波罗青铜雕像》詹波隆那（意大利）

詹波隆那是从文艺复兴盛期的雕塑大师米开朗基罗到巴洛克时期的雕塑大师贝尼尼之间一位重要的雕刻代表，他的作品富有动感，为后来的巴洛克风格奠定了基础。

詹波隆那对当时流行的繁复造作而优雅的风格主义情有独钟，施展了对三维空间形体的娴熟的技巧。他的《阿波罗》运用了古希腊波利克里特斯提出的对立均衡的方式，是被美第奇家族收藏的一尊姿势复杂、强调形式美的青铜小雕像。

阿波罗 的躯体上部分斜向一边，而下部分扭曲至相反方向，但仍保持平衡状态并中心垂直于地面，古代造型知识在詹波隆那借用风格主义的手法上，达到了登峰造极的程度。美第奇家族为了满足人们在360度任意角度都能观看雕像的意愿，在放置它的壁龛下设计了一个机关，可以让阿波罗慢慢地徐缓旋转，以便能方便地欣赏到它摆动的臀部、优美的身体曲线，以及夸张弯曲的四肢。

詹波隆那作品选赏。

詹波隆那作品选赏：大力神赫拉克勒斯铜雕。

詹波隆那作品选赏。

詹波隆那作品选赏。

《赫尔墨斯》 詹波隆那

赫尔墨斯是宙斯的儿子。他是奥林匹斯山诸神的使者，掌管交通、商业、竞技和演说。他多才多艺，有一双飞毛腿，来无影去无踪。他在传说中的形象是身裹长袍，肩披斗篷，头戴插羽盔帽，手执盘双蛇的和平之杖，脚登羽翼高筒靴。后来西方视他为商业交通信息的守护神。雕刻家詹波隆那将赫尔墨斯塑造成裸体青年，作腾飞姿态，手执蛇杖，双脚带羽翼，左脚踩在一个人的头上。雕像光洁润泽如镜，在阳光照射下，显得活泼流畅，轻巧悦目。这尊雕像作为喷水池的装饰，既有样式主义特点，又显示出激烈运动的巴洛克风格萌芽。

［皮埃尔·普杰Pierre Puget一法多功能艺术家］（1620年10月16日至1694年12月2日）

皮埃尔普杰，法国画家、雕塑家，工程师和设计师。1620年出生于马赛市一个普通家庭中，从小就展现出超人的艺术天赋。14岁的少年时就为家乡建筑物进行雕刻装饰工作。勤学上进的他，16岁时，又开始参与船只的设计和装饰工作。这些工作对他来说，不仅是学习，更是提高，为后来的创作也打下坚实的基础。

坚定的信念，执著的精神，在参加船只的设计和装饰后，不满足现状，只身徒步来到了意大利，并遇见了自己的恩师，当时遇到著名画家彼得罗·达·科尔托纳（ Pietro da Cortona），进入他的画室学习绘画技巧，在老师指导下，他的绘画技巧得到很大的提升，学成之后，在1643年，皮埃尔·普杰回到了自己的家乡马赛，创作了一些人物肖像画作，雕塑一些战争人物的作品。在他的一生中，先后去过很多的国家，但是却一直保持了作品风格不变。

皮埃尔普杰主要在家乡创作，然而也不时地周游列国，汲取不同国度的艺术养分。他到过埃及、罗马、多次去意大利等国家游览。这些阅历，使他的创作在保持不变风格的同时，汲取着不同艺术表现形式带来的灵感。无论是绘画还是雕塑作品，都追求着哲理的蕴含，在静态中有着抒情的气息，清新明朗中藏着宁静。雕塑作品静态的强劲有力，融入生命力的展现。

他的作品大多以人物肖像为主，即使雕塑作品也是取材战争和传说中的人物，展现出人物内在的精神蕴涵。雕塑细节上，有着法国古典主义的痕迹。因为，17世纪的法国，路易十三、路易十四时期，宫廷艺术以古典主义内容来颂扬国王的才能和国家的繁荣，生活在同时代的皮埃尔普杰，自然也有着当时的艺术趋向，作品上亦有着时代的烙印。

1694年，皮埃尔普杰在家乡去世，一生创作的画作和雕塑作品多收藏在凡尔赛宫。

［邮票上的千年千人 普杰（1620—1694）］

法国雕塑家、画家，在路易十四时代众多的阴柔有余的艺术家中，普杰算是有个性的另类。他反对官式雕刻的温和理想主义，渴望用凿子传达现实社会的悲惨、愤懑与力量。他一心向往古典大师，年轻时徒步到意大利学习雕塑技艺。回国后，普杰承担为土伦市政府雕作办公楼支柱装饰的任务。他所选取的对象是码头脚夫，对他们贲张的肌肉和痛苦扭曲的脸，赋予一种革命性的呼号——正是被压迫的劳苦大众承担着世界，亦如柱子支撑大厦。

1688年，“粗糙的”普杰应邀来到巴黎参与凡尔赛宫的装饰工作。当他发现，自己的棱角分明的作风及傲性，与朝廷的心思和艺术格格不入，于是返回马赛。普杰尊崇艺术之神米开朗琪罗，把强烈的自尊和人类永不满足的禀性结合起来，永远放在首位。尊严正是他最为重视同时也希望别人拥有的

人物头像。

［克罗托那的(Milo of Croton) ] 大理石雕塑，高269厘米，巴黎卢浮宫博物馆收藏。

法国十七世纪下半叶的著名雕塑家 皮埃尔·皮热(Pierre Paul Puget, 1622-1694)，创作于1671--1682年，

这件作品是皮热被选入凡尔赛宫的三件作品之一，也是最能体现他雕塑风格的作品。该雕塑表现的是古希腊大力士米罗正在和一头狮子搏斗的场景。米罗是公元前六世纪的巨人，因具有超凡的神力而屡次获得奥林匹克运动会的冠军。然而他的命运却是不幸的，在一次和狮子的搏斗中，他的衣角被树枝刮住，不能挣脱，最终被狮子咬死。另一种说法是：他用手劈开树干，手被夹在其中而不能挣脱，疼得肌肉紧绷，祸不单行的是一只雄狮从后面咬住了他的腿，英雄的生命危在瞬间。紧张的场面，悲剧的气氛有如《拉奥孔》，作品旨在歌颂人与命运的搏斗，歌颂战斗的勇气。不管是哪一种说法，都可以看出，作者在雕塑中强调了巨人被狮子撕咬的痛苦。米罗处于生死攸关之际，却苦于不能去与狮子相博，整个身体在剧烈扭曲着，脸上露出绝望的表情，嘴里发出痛苦的呐喊。他全身肌肉健美、有力，充满了男性的阳刚之气；而雄狮则矫健、凶猛、残忍。整个作品通过米罗身体强烈的扭曲运动，突出了一种浓厚的悲剧色彩，和一种紧张的戏剧气氛。这个场面让人想起舞台上英雄的悲剧。人物的命运是不幸的，然而他的意志是坚韧不拔的。这也反映了作者当时不平静的心情，因此具有强烈的感人力量。

这件作品既具有法国巴洛克的艺术特点，充满激情和动感，同时又具有古典主义的理性原则，人体比例准确，雕塑手法细腻纯熟，是皮热的代表之作。

　　皮埃尔·普杰所选取的对象是码头脚夫，对他们贲张的肌肉和痛苦扭曲的脸，赋予一种革命性的呼号——正是被压迫的劳苦大众承担着世界，亦如柱子支撑大厦。

［劳苦大众］

耶稣受难（下图）。

法国雕塑家皮埃尔·普杰作品。

法国雕塑家皮埃尔·普杰作品。

［解除锁链］法国雕塑家皮埃尔·普杰作品。

法国雕塑家皮埃尔·普杰作品。

［圣母子］大理石石雕。法国雕塑家皮埃尔·普杰作品。

［弗朗索瓦·吉拉尔登(François Girardon)头像］

弗朗索瓦·吉拉尔登（1628年－1715年） 弗朗索瓦·吉拉尔登的艺术门类主要是油画。

1657年，他被选为巴黎皇家绘画与雕塑学院（1659年的教授）。 吉拉登是纪念性和装饰性雕塑大师。他创作了雕塑团体（珀尔塞福涅的强奸案，大理石，1699年）、凡尔赛宫和公园的装饰花瓶、索邦教堂里的黎塞留枢机主教纪念碑（大理石，1675-94年）、巴黎文多姆广场路易十四的马术雕像（青铜，1683-99年；被摧毁，1792年），以及许多半身像。

［巴黎文多姆广场路易十四的马术雕像］

（青铜，1683-99年；1792年被摧毁）弗朗索瓦·吉拉尔登Francois Girardon作品。

弗朗索瓦·吉拉尔登作品。

【众宁芙侍奉阿波罗(Apollo tended by the Nymphs of Thetis)】

弗朗索瓦·吉拉尔登 作于1666年－1675年。大理石雕像。置于巴黎凡尔赛宫后花园。

这组群雕，共有七位人物，阿波罗和六位宁芙。阿波罗是希腊神话中的太阳神，每天早晨驾驶太阳车上天巡视，晚上回到神界；宁芙本来是一个统称，象征大自然中充满生机的事物，在希腊神话中，则表示神界里的侍女，她们年轻美貌、能歌善舞，职责是侍奉诸位天神。

在这组雕像里，六位宁芙围绕着巡视回来的阿波罗，为他洗去人世间的尘埃。她们体态丰满圆润，神情端庄大方又带有殷勤和关怀。阿波罗的表情则是温和而不失威严；他端坐着，任由众宁芙为他洗手濯足，净面熏香。细看作品局部，每一个人物都是精雕细刻，线条流畅，姿态各不相同；整体看则主次分明，处处呼应，尽管人物众多却井井有条。整个雕塑的风格优雅、清丽、宁静而庄严，遵循了古典主义的创作原则，具有希腊化时期作品的特点。

这组雕像位于凡尔赛宫的花园中，被一片密林遮掩着的“忒提斯”山洞洞口。洞口除了这组群雕外，还有几根颇为壮观的圆柱，暗示着山洞深处是阿波罗的住所。山洞前面的一片池塘，更增添了几分仙境的色彩。整个雕刻与大自然完美结合，也正是凡尔赛艺术的一大特点。

吉拉尔登的这件作品，极具“法兰西”情调。与皮热的《克罗托那的米罗》相比，这件作品并没有那种起伏动荡的高度激情，但优美精致，对人物的刻画细致入微，代表了凡尔赛艺术的最高成就：

【强夺波吕克塞娜】彪凡迪（Pio Fedi）作于1865年的倾斜的雕塑。

雕塑描述了希腊英雄 阿奇里斯 强夺 特洛伊公主 波吕克塞娜的故事。现存放在意大利佛罗伦萨佣兵凉廊内。

《胜利神》（安放在维琪奥大皇宫内）。

［赫拉克勒斯与安泰俄斯］（佛罗伦萨的画家兼雕塑家安东尼奥·波拉约洛所创作）。

在希腊神话中，安泰俄斯是海神波塞冬与地神该亚所生的巨人儿子，住在利比亚，力大无穷，并向每一个路过的人挑战格斗，所向无敌。希腊最伟大的英雄赫拉克勒斯路过利比亚时与之决斗，发现只要安泰俄斯不离开地面，就可以从大地母亲那里源源不断地获得力量，于是将他举在空中用强有力的臂膀将其杀死。雕塑表现的就是希腊英雄战胜敌人的最后瞬间。赫拉克勒斯表情坚毅，双臂紧紧抱住敌人的腰部，全身肌肉紧绷，体内力量的使用似乎已经到达了极限。安泰俄斯则正处于濒死的挣扎中，他张嘴狂叫着，全身的肌肉是近乎痉挛的，左手按住赫拉克勒斯的头，似乎还在为能从他的手臂中逃脱而作出最后的努力。

这件作品在西方雕塑史上第一次让人体脱离底座的约束而飞舞在空中，两个人物紧凑地扭结在一起，体现了力量的对抗和平衡，给人以力量和节奏的美感；青铜材质反射出的光影效果，则更增加了雕塑的紧张动态和生动感。

【张弓的士兵】（大理石原作藏于卢浮宫）。

雅克·布梭（Bousseau）于1715年完成这件作品， 作为自己在法兰西绘画雕塑学院的入院作品。 作品遵循严格的规定， 在如此小尺寸的大理石上， 无论是细节的完美呈现，还是对不同材质质感以及光滑表面的处理，都展现出艺术家的精湛技术。整体构图突出雄健並优雅的的裸体垂落的衣布褶痕及配饰的布局。

【克罗托纳的米隆】（大理石原作藏于卢浮宫）。

作品由爱德梅·杜芒（Edme Dumnt）在1768年创作，作为法兰西绘画雕塑学院的入院作品，标志着十八世纪后半叶趣味追求的变化，即单纯地向古代回归。这个神话主题表现了 “竞技者克罗托纳的米隆” 具有超人的力气，年老之后，仍试图徒手劈开一棵开裂的橡树根，却因为双手不能从树中取出，而被狼吞食了。

【奔跑中的 阿特兰特（Atdante）（一）】 （大理石原作藏于卢浮宫）。

皮埃尔·勒博特尔（Pierre·Lepautre）作于1703～1705年。（与下图伊波门纳成双）。

作品中的短衣的纹褶比与之相配的伊波门纳像处理得更为得当，贴近真实。它是件古希腊人的无袖短袍。事实上，皮埃尔·勒博特尔的这件作品是参照皇家收藏中的一件古代样式的服装纳入这一组 极具路易十四时期典型艺术特征的作品，正表现了那个时期的雕塑家在阐释希腊、罗马艺术时期所有的极大自由。

【奔跑中的伊波门纳（Hippomene）（二）】（大理石原作藏于卢浮宫）。

纪尧姆·库思图（Coustou）作于1703～1705年。 作品是路易十四于1703年为“马尔利（Mariy）花园” 向纪尧姆·库思图委托定制的，与“阿特兰特像” 并列成双。 这对雕像表现了奥维德所著《变形记》中的一段故事，讲述阿特兰特通过奔跑向自已的追求者挑战：跑赢她的人可以娶她为妻，跑输了则被杀。在奔跑中，伊波门纳抛出维纳斯给他的三个金苹果，使阿特兰特因为捡苹果而落后。最终，跑赢的伊波门纳成功地娶了阿特兰特为妻。

【女猎神狄安娜】 （青铜原作藏于卢浮宫）。

让一安东尼·乌东（Jean一Antoine Houton）作于1790年首先用石膏，之后用大理石，最终用青铜完成这件作品。这尊雕像的体量壮观，高度超过两米，且全裸，十分罕见。作者又将它缩小三分之一，制作成小尺寸雕像，广受好评。高超的技艺表明作者不仅是一位有才华的雕塑家，而且是一个难得的铸造师。很少有雕塑家能够自己完全掌握一系列的铸造过程。

　　［弗朗索瓦·吕德（Francois Rude, 1784-1855) ］法国19世纪浪漫主义雕塑家。在雕塑上，他与另一位浪漫主义雕塑家德拉克洛瓦并驾齐驱，与19世纪法国最杰出的雕刻家乌顿、罗丹等人齐名。1833年，他的作品《那不勒斯渔童》获得荣誉军团十字章，并得到为正在设计的凯旋门装饰的委任，其中是巴黎人民妇孺皆知装饰在巴黎凯旋门上的群像浮雕《马赛曲》（也叫《1792年志愿军出征》）成为吕德的不朽作品。在浪漫派雕刻史上，他这尊浮雕被认为是不朽的。

吕德出生于法国中东部的第戎的一个工人家庭，直到16岁他都在父亲的火炉作坊中工作，一起为人修造炉灶，那时立志要当名艺术家。23岁时到了巴黎，进入巴黎美术学校皮埃尔.卡特里埃工作室学习雕塑，1809年从第戎的艺术学校毕业到巴黎深造，1812年两次获“罗马大奖”。

波旁王朝复辟后，他去布鲁塞尔工作，在那里和拿破仑女儿的朋友索菲·弗伦艾结婚，又回到巴黎工作。当时因法国政治局势不稳，国库空虚而未能去意大利深造。在1815年“百日事件”中，他拥护拿破仑，参加了帝政活动，“百日事件”失败后，被迫流亡到比利时首都布鲁塞尔。1830年，亡命他乡整整15年后，吕德回到了祖国时，他已46岁。第二年便创作了这座《玩乌龟的那不勒斯渔童》雕塑。 

流亡的生活使他备感痛苦，但政治上渐趋成熟。回国后，在法国人民革命浪潮的激励下，他很快成了一位浪漫主义的雕刻家。他的作品既有古典主义的严谨，也富有浪漫主义的激情。 他重要作品还有《拿破仑像》《圣女贞德像》《赫柏和裘比特的鹰》《爱神的胜利》等。

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［玩乌龟的那不勒斯渔童］静中有动，充满童趣 

该作品表现了一个少年渔童的形象，他坐在渔网之上，戏耍一只小海龟。动作舒展，面带笑容，深刻表现了少年与大海息息相通的情感以及对自己前途的向往。

渔童雕塑轰动巴黎：1833年，在巴黎美术展览会上，有一座小雕塑竟然引起了轰动。见惯了艺术大市面的巴黎观众在这座雕塑前细细地欣赏着，轻轻地议论着，久久不肯离去，就连爱挑剔的美术评论家也将赞美之词毫不吝啬地一齐献给了它。而它只不过是座天真活泼的男孩雕像，名叫《玩乌龟的那不勒斯渔童》。 

雕塑中的男孩裸露全身，只在颈项上挂着一条项链，蓬松的髦发像一股清泉从那顶那不勒斯便帽檐下涌出，流露出男孩无拘无束的性格。他盘腿坐在铺着渔网的海滩上，脸上洋溢着笑容。顺着他那快乐的眼光看去，原来是有一只乌龟正昂起头，四肢在地上使劲爬动，企图挣脱男孩手中的绳索，逃入海中。 这是一幅充满劳动生活情趣的杰作，洋溢着渔村质朴的气息，使得看惯了矫揉造作、陈陈相袭的艺术品的巴黎人顿觉呼吸到了一股清新的带有海腥味的空气，精神为之一振。 

　　　　此时的吕德在艺术上已经成熟了。他经过长久的思考，毅然抛弃了学院式的传统规范的表现手法，决定走忠实于表现对象、忠实于自我观察感受的创作道路。他找了一个可能生长在那不勒斯的男孩当模特，让男孩随意玩耍，观察中他选择了一个他认为最生动自然的、又符合金字塔构图的姿态，然后精心地将其雕刻出来。 

在作品中，男孩的两臂和两腿姿态丰富多变，头部与肩线、肩线与腿线朝相反方向运动，面部与胸部形成转折状态，以及对手指、脚趾等细节上的生动刻画，都使得这座雕塑静中有动，充满天真活泼的情趣。难怪人们称誉它是“西欧雕刻史上从古典主义过渡到浪漫主义的一件名作。”这件作品后来被卢浮宫博物馆收藏，吕德也因此被授予一枚金质奖章。 

在《玩乌龟的那不勒斯渔童》问世后，吕德的学生卡尔波创作了一座叫《那不勒斯的听贝壳声音的渔童》的雕塑，亦十分出色，但是可以明显看出是从《玩乌龟的那不勒斯渔童》演变过来的。甚至可以说，卡尔波塑造的所有儿童、少女、青年妇女都受到了这件作品的深刻影响。 

［马赛曲］

　 浮雕《马赛曲》分为两个部分：上半部是一位象征自由、正义、胜利的自由女神，她右手持剑，左手高举，在号召人民向她指引的方向冲去。她那张开的羽翼,飞舞飘动的衣裙，和召唤性的内在激情，表现出急速的运动和奔放的革命热情。两腿大步向前迈进，更加强了浮雕形象的前进感。女神占据整个浮雕的上半部，正从人们头顶上疾驰而过。下半部是一群志愿军战士，在女神的热情号召下蜂拥前进。其中心人物是一个有着大胡子的战士，他带领自己年轻的儿子一起参加战斗，少年依傍着父亲，走得更加坚定有力。和这个跃跃欲试的激动少年相对应的，是走在其后的沉着刚强的老人，他仿佛多次为自由而战，今天为了祖国又从容奔赴疆场。行列的最前面，号手正在吹响进军号，其余人物有持盾牌和宝剑的战士，有弯腰系结兵器的弓箭手，这些细节预示着战斗即将开始。所有这些人物被组成一个整体，显示出一种剑拔弩张的声势。

《马赛曲》无论从造型上，还是从人物情绪的表现上看，都大大强于凯旋门上的其它三幅浮雕。当它完成时，作者已经52岁了，这尊《马赛曲》使吕德荣获万国博览会的雕刻金牌奖，并享受终身的荣誉。

凯旋门的浮雕也是世界艺术的瑰宝。在其内墙刻有拿破仑以宣扬战功的96个胜利战役的浮雕。在外墙西侧有“1810年胜利”，“和平”，“抵抗”，“马赛曲”四组浮雕，其中有的人物高达4.5米。而刻在右侧面向爱丽舍大街的《马赛曲》造型最美，描绘威武雄壮的义勇军于1792年高唱《马赛曲》出征的光辉场面。这是浪漫大师弗朗索瓦.吕德不朽的杰作，他塑造了手持武器，雄赳赳地走向战场，为自由为平等，博爱而战，为法兰西而战1793年革命时期英雄群像。一个带翅膀的女神右手持剑，站在人群之上正在号召人们向敌阵冲击，在下面的人群中，有一个满脸胡子的战士最为突出，他右手高举，左手牵着他的儿子走向战场，正在为新生的共和国而战斗。这些美丽的浮雕使凯旋门显得更加庄重。在大门内侧刻有曾经跟随拿破仑远征的386名将军的名字，顶楼盾牌上铭记着著名战役和558名对法国有功将领的名字。凯旋门正对爱丽舍大街的一面是1920年11月11日设立的无名战士墓。墓前镌刻着“为祖国牺牲的法兰西战士在此长眠”的铭文。墓前经常有人献上表示法兰西国家旗色标的红，白，蓝三色鲜花。

在这件不朽的作品中，雕塑家特别突出地表现了具有革命爱国主义精神的法国人民的特征。雕刻家在这座高浮雕的处理手法上也是巧妙的，他运用了联想和照应的处理手法，通过一面向前迈进，一面伸手向后召唤的自由女神与蓄髯男子的动势，人们自然地会感觉到跟随在他们身后的汹涌澎湃的进军人流，而不是把这种革命热潮局限在少数人身上。由于雕刻家运用照应的手法把人群分为上下两层，女神向前飞跃的形象加强了人群的动势，下面人群中勇敢坚定的英雄形象则回答着女神的热情呼唤，使人感到他们的真实性。艺术家在这里广泛运用了浪漫主义的象征手法，显示了人民气势磅礴的反抗力量。为了保卫祖国，这股战斗的洪流将从墙上冲出，给人以巨大的感染力。

《拿破仑成为不朽》1845—1847青铜。

在这件不朽的作品中，雕塑家特别突出地表现了具有革命爱国主义精神的法国人民的特征。雕刻家在这座高浮雕的处理手法上也是巧妙的，他运用了联想和照应的处理手法，通过一面向前迈进，一面伸手向后召唤的自由女神与蓄髯男子的动势，人们自然地会感觉到跟随在他们身后的汹涌澎湃的进军人流，而不是把这种革命热潮局限在少数人身上。由于雕刻家运用照应的手法把人群分为上下两层，女神向前飞跃的形象加强了人群的动势，下面人群中勇敢坚定的英雄形象则回答着女神的热情呼唤，使人感到他们的真实性。艺术家在这里广泛运用了浪漫主义的象征手法，显示了人民气势磅礴的反抗力量。为了保卫祖国，这股战斗的洪流将从墙上冲出，给人以巨大的感染力。

《圣女贞德像》圣女贞德听到召唤她的声音。

《赫柏女神与朱庇特的鹰》大理石 八尺高 第戎美术馆收藏。

弗朗索瓦·吕德创作于1846，原为大理石材质，后又被翻制成青铜版本。底座上雕刻着荷马、赫西奥德、欧里庇得斯、奥维德、维吉尔和卡图洛的名字，赋予了作品诗学的意义并反映出艺术家对于古代所掌握的丰富知识。作品在表现青春女神的精神与风韵方面是非常独特的。雕塑中的赫柏，体态极为优美，她头戴花环、高举金杯，洋溢着青春的美感。然而这还不是最特殊的。这件雕塑最特殊的地方在于对老鹰的处理上。雄壮的老鹰展翼于赫柏的身后，整座雕塑由此脱胎换骨，举着金杯的青春女神竟因此而呈现出胜利女神和自由女神的形态，正符合对自由青春和青年人喷薄昂扬精神的赞美，可以说，这件雕塑作品完美地体现了青春女神所特有的内涵。

赫柏女神是朱庇特（宙斯）和朱诺（赫拉）最小的女儿，是为众神斟酒献食的青春女神。朱庇特的鹰是神的化身，象征着权力。虽然这件作品表现了“永恒青春”的神话主题，但是艺术家采用与前人不同的手法，以精湛的自然主义表现人物的身体。吕德在表现中将赫柏女神提升为女性的象征，而鹰则成为愿望和爱的象征，大概希望以此来强调生命周期的力量和持续的循环。正如第戎美术学院指出的，吕德的这件作品可以称之为“艺术的遗嘱”。因为这样的重要性，作品后来产生了青铜版本。熔炼工蒂埃博是制成第一个青铜件的匠人，西蒙基金会收藏的这件来自他的继承人弗尼埃和加维涅的作品。

1846年，第戎城委托弗朗索瓦·吕德创作一件雕塑，他便开始创作《赫柏女神与朱庇特的鹰》。这件作品直到吕德去世都还未完成——它是在吕德遗孀的指导下、他工作室的助手保罗·卡贝的帮助下最终完成制作的。建成的纪念碑1857年在巴黎市政厅公开亮相，得到了批评家的赞赏，泰奥菲勒·戈蒂埃就称之为“遗作展出的伟大胜利”，且融合了柏拉图对美最充分的定义。

《奈伊元帅像》，1853年，青铜，Place de l'Observatoire，Paris.

《爱神的胜利》