来到欧洲是一定要去法国巴黎🇫🇷,来到巴黎必须要去卢浮宫博物馆❤️卢浮宫博物馆世界最著名的四大博物馆之一。论名声卢浮宫的展品各有特色,肯定是的卢浮宫声名更显赫一些,展馆里的藏品历史悠久,而且是集全世界之精华,精品!

有人说旅行🧳是对平凡的一次越狱,那卢浮宫就是我的“越狱”!

我喜欢我的旅行🧳是独往独来,在孤独中慢慢体会🤭静静思考😌消化感悟😇

在美丽的塞纳河畔的杜丽乐花园休息片刻⌛️

足迹

乘坐出租车🚕来到了“爱情💓锁桥”

外文名称:Pont des Arts

中文名称:爱情锁桥,原名为艺术桥,因所挂爱情锁众多而得名,又称爱情桥。建于1804年,在两次世界大战期间遭到德军轰炸被毁,在上个世纪80年代重建。

2014年6月,该桥一段长2.4米的安全护栏网不堪承受铁锁的重负被压垮,但是或许受爱的感染,这并没有造成人员受伤。重修之后又焕然一新。

在浪漫之都法国巴黎,不论是当地的还是国外前来旅行的情侣,都喜欢到塞纳河的各座桥梁扣上刻有两人名字的“爱情锁”,象征永恒坚固的爱情。这项始于2008年的“最浪漫的事”,短短6年间席卷塞纳-马恩省河多条桥梁。

每每情侣来到巴黎一定会来到“爱情锁桥”把心❤️牢牢的锁在浪漫之都,象征着天长地久。爱情锁的风潮并非源自巴黎传统,而是来自2006年费德里科·莫恰的一本小说《对不起,我爱你》的情节。小说中主角将带有名字的锁挂在罗马米欧维奥桥,并把钥匙扔进泰伯河以代表永恒之爱。随后,这股风潮最先在罗马兴起,继而席卷整个欧洲,乃至世界。

离开浪漫的桥,远远看到了我人生的另一个梦-奥赛美术馆……

奥赛美术馆

外文名称 Musée d'Orsay

类别 美术馆

地点 法国巴黎塞纳河左岸,和卢浮宫斜对

竣工时间

1986年





奥塞美术馆是位于法国巴黎的一家近代艺术博物馆,主要收藏从1848年到1914年之间的绘画、雕塑、家具和摄影作品。博物馆位于塞纳河左岸,和卢浮宫斜对,(直接隔河和卢浮宫门前相对)。原来是建于1900年的火车站,是从巴黎到奥尔良铁路的终点奥尔赛车站。1939年进入巴黎的铁路取消,车站关闭。1978年被列为受保护的历史建筑,1986年改建成为博物馆,将原来存放在卢浮宫的、在茹德葆博物馆的以及在蓬皮杜艺术中心国家现代艺术博物馆内的有关藏品全部集中到这里展出。大厅中还保留着原来的车站大钟。



奥赛博物馆与卢浮宫、蓬皮杜中心一道被称为巴黎三大艺术博物馆。馆内主要陈列1848年至1914年间创作的西方艺术作品,聚集了法国近代文化艺术的精华,填补了法国文化艺术发展史上从古代艺术到现代艺术之间的空白,使奥赛博物馆成成为联结古代艺术殿堂卢浮宫和现代艺术殿堂蓬皮杜中心的完美的中间过渡。

奥赛博物馆是由废弃多年不用的奥赛火车站改建而成,1986年底建成开馆。改建后的博物馆长140米、宽40米、高32米,馆顶使用了3.5万平方米的玻璃天棚。博物馆实用面积5.7万多平方米,共拥有展厅或陈列室80个,展览面积4.7万平方米,其中长期展厅1.6万平方米。

奥赛博物馆的收藏博大精深,共收藏近代艺术作品4700多件,内容涵盖绘画、雕塑、家具、手工艺品、建筑、摄影等几乎所有的艺术范畴。其中,最负盛名的是19世纪下半叶精美的艺术收藏品。

从历史的阶段来看,奥赛是卢浮宫的延伸,主要陈列 1848 年至 1914 年间创作的西方艺术作品。包括现实主义、印象主义、象征主义、分离主义等等。这次参观奥赛美术博物馆后,我完全惊呆了,原来在资料室里看到的画、穷学生时代购买的世界名画集里的画全都在这里!那时添一本画册要吃半个月的稀饭小菜😂😂😂

当然在大学生时代也看过19世纪法国乡村画展的原作都在这里。招生制度改革后第一届大学生的学费是由国家出资。但是书本📚费、尤其是美术专业的画具😂伙食费用需自理。为了去上海或北京看美术展览需要缩衣减食💪利用周末买上火车票,带上食堂打来的馒头去看美展。有些同学特别困难的只能放弃😂那时是1977年到1981年的事……

巴黎奥赛博物馆门前的广场上矗立着两组雕像左边一组是动物:一头肥壮的犀牛🦏 。

🐎一匹健美的骏马与一头肥壮的犀牛相对而立 。

稍远,一只被猎获的小象🐘在那里挣扎,小象被铁链拴住,脚下一只雄狮跃跃欲试要下嘴。

右侧一排六座雕像,代表六大洲,每座像都是女神,形象各不相同,当初设计者大概是要表示十九世纪的法国面向世界,与全球有着密切联系。

《欧洲》,智慧的雅典娜代表欧洲。

《亚洲》,温雅娴静的泰国妇女代表亚洲。坐在大象之上,怀抱佛像。

《非洲》,丰饶女神代表非洲。

《北美洲》,粗旷的印地安人代表北美洲。

《南美洲》,悠然自得的农妇代表南美洲。

《大洋洲》,强悍猎手代表大洋洲,旁边还有一只袋鼠。 (那时的大洋洲是由原住民族居住)。

北美洲,南美洲,大洋洲,亚洲,欧洲等雕塑,作者Ernest-Eugène Hiolle(1834-1886年)创作的。雕像栩栩如生、造型别致、动态优美。

这两个博物馆的展品各有特色,论名声,肯定是世界四大博物馆之一的卢浮宫声名更显赫一些,展馆里的藏品历史悠久,而且是集全世界之精华,法兰西当年雄霸天下的时候抢来的东西都在这里了。奥赛主要是印象派的藏品,藏品时期较卢浮宫近,虽然没有卢浮宫藏品多、广,但是在印象派画作里可以说是非常重要的博物馆了。

奥赛博物馆拥有80个展室、47000平方米的展览面积。这里集中了1848年至1914年有代表性的绘画和雕塑作品。博物馆的大门设在西侧,进入馆内,是一个高32米、宽40米、进深138米的明亮大厅,由于大厅的拱顶和西侧为玻璃覆盖,因而不会产生从户外进入室内的明暗感。中央大厅是进入各展厅的通道,也是休息室,厅内还陈列着吕德的雕塑、巴里的巨大动物雕像以及普拉迪埃的大理石浮雕。在长廊尽头伫立着卡尔波的《舞蹈》雕塑。大厅两侧便是一间间展室。

奥赛的藏品从19世纪中旬开始,油画的宗教色彩逐渐退去,更多的表现真实生活的人和景色。

印象派,是指于1860年代法国开展的一种艺术运动或一种画风。印象派的命名源自于莫奈于1874年的画作《印象·日出》,遭到学院派的攻击,并被评论家路易·乐华挖苦是“印象派”。 印象派画作常见的特色是笔触未经修饰而显见,构图宽广无边,尤其着重于光影的改变、对时间的印象,并以生活中的平凡事物做为描绘对象。

代表的艺术家: 克洛德·莫奈, 皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿, 爱德华·马奈, 埃德加·德加, 保罗·塞尚, 亨利·马蒂斯 等


奥赛美术博物馆里也有三件宝,他们是:

VanGogh_Portrait de l‘artiste 文森特·梵高 Vincent van Gogh (1853-1890) 布面油画 65 x 54.5 cm 奥赛博物馆馆藏

莫奈一生共留下500多幅素描和2000多幅油画。但其作品在国人中知晓度最高的要算《睡莲》系列。莫奈一生画的睡莲作品有数十幅之多,很多都属于组画,所谓“组画”,就是画家在同一位置上,面对同一物象,在不同时间、不同的光照下所作的多幅画作。区分它们的,仅仅只是大师对光与色的瞬间捕捉。这大概是莫奈晚年作品中的一个特色。《睡莲》系列作品,从1897到1926年,莫奈总共画过181幅。

红磨坊的舞会 雷诺阿 法国 1876年 布面油画 131x175cm 巴黎奥赛博物馆

这幅作品描绘出众多的人物,给人拥挤的感觉,人头攒动,色斑跳跃,热闹非凡,给人以愉快欢乐的强烈印象。

在后面介绍的著名经典作品中为排名 6。

奥赛博物馆名画包揽了许多世界顶级的绘画作品,包括库尔贝、雷诺阿、莫奈、马奈、德加、塞尚、高更、梵高、雷东、莫罗、博纳尔、杜米埃、马约尔等画家许多耳熟能详的作品等。在这里我选取了奥赛馆最经典的15幅画作个介绍。这15幅经典作品包括了新古典主义、印象派、现实主义的作品。

1、罗纳河上的星空 凡高 荷兰 1888年 布面油画 72.5x92cm 巴黎奥赛博物馆藏 

这幅1888年作品《罗纳河上的星空》(Starry Night Over the Rhone),是凡高最有影响力的作品之一,是在法国南部城市阿尔的罗纳河创作的。冷色迷人的深蓝短线铺满整个夜空,强而有力的笔触表达出夜的深沉神秘与无法预测,而点缀其上的微明星子,与倒映在河面上的瓦斯灯灯影相互辉映,表达出画家澎湃的内心。寥寥几笔勾勒出河岸线,着重点是天空和河面,右下角的点睛之笔动态的河面拍打停泊的小舟,一对夫妇的散步把画面直接衍生到弧形的河岸。蓝色主调抹上黄调的星光河沿岸灯火,一对男女在河畔牵手夜行,那是罗纳河最典型的浪漫之夜。

2、舞蹈课 德加 法国 1873--1876年 画布油画 85x75cm 巴黎奥赛博物馆 

这幅《舞蹈课》是“把印象派画家的绘画生长在写实主义的土壤之中”的最典型的画作。画中着色最多的是舞者们的黄、绿、红、蓝的带子的,轻易地描绘出动态的造型美。一些舞蹈女演员在芭蕾舞教师佩罗的指导下练习跳舞,佩罗站在中央,手里拄着一根长拐杖,另一些挤在尽头的学生在一边休息,一边观看。从画中女孩们在背部向前看,在第一排,第一个坐在一架钢琴上,扭动着身子,在背上抓痒,虽然看不清面部,但小女孩休息时调皮随意的神态完全可以想象得出。正在跳舞的芭蕾舞女演员的魅力与等待跳舞的女演员的不雅动作形成对照。尽管她们都是侧着身的,但从观看者的角度来观察这些舞者并不费力,这就是利用画幅的空白的一个好例子。

3、玩牌者 塞尚 法国 1892-1895年 布面油画 47.5x57cm 巴黎奥赛博物馆

这幅画是塞尚的巅峰作品。在这幅画上,塞尚将两个沉浸于牌戏中的普通劳动者形象,表现得平和敦厚,朴素亲切。虽然主题十分平凡,然而画家却通过对形状的细心分析以及通过诸形式要素的微妙平衡,使得平凡的题材获得崇高和庄严之美。在这里,相对而坐的两个侧面形象,一左一右将画面占满。一只酒瓶置于桌子中间,一束高光强化了其圆柱形的体积感。这酒瓶正好是整幅画的中轴线,把全画分成对称的两个部分,从而更加突出了牌桌上两个对手的面对面的角逐。两个人物手臂的形状从酒瓶向两边延展,形成一个“W”形,并分别与两个垂直的身躯相连。这一对称的构图看起来是那样的稳定、单纯和朴素。全画充分显示了塞尚善以简单的几何形来描绘形象和组建画面结构的艺术风格。画面的色调柔和而稳重。一种暖红色从深暗的色调中渗透出来。左边人物的衣服是紫监色;右边人物的是黄绿色。所有远近物象都是用一片片色彩所组成。不同的色块在画中形成和谐的对比。

4、草地上的午餐 马奈 法国 1863年 布面油画 208x264.5cm 巴黎奥赛博物馆

这幅画1863年在落选者沙龙中展出,引起轰动,在题材和表现方法上都与当时占统治地位的学院派原则相悖。马奈直接表现尘世环境,把全裸的女子和衣冠楚楚的绅士画在一起,画法上摆脱了传统绘画中精细的笔触和大量的棕褐色调,代之以鲜艳明亮、对比强烈、近乎平涂的概括的色块。这一切学院派都不能忍受。图中女主角为模特维多琳·默兰,男主角是马奈的弟弟古斯塔夫·马奈和小舅子费迪南·蕾荷芙。此画在构图上,把人物置于同一类树木茂密的背景中,中心展开了一个有限的深度,中间不远的地方那个弯腰的女子,成为与前景中三个人物组成的古典式三角形构图的顶点。在技法上,把绘画作为二度表面的主张又向前推进了一步,在对外光和深色背景下出现作了新的尝试。

5、悠闲 高更 法国 1892年 布面油画 75x94cm 巴黎奥赛博物馆

这是高更最优美的一幅描绘南太平洋岛屿的风情画。1891年,43岁的高更开始厌倦巴黎社会,离家到了南太平洋的塔希提岛(Tahiti夏威夷与新西兰之间的法属小岛),在这里拼命作画,描绘了塔希提如梦如幻的诗意境界,直到1903年去世。这幅画中,两位坐在草地上的塔希提少女,袒露着饱满丰腴的褐色胴体,一个悠然地吹着牧笛,一个专注地侧头凝视。前面有一只红色猎犬在警觉地嗅着,后面绿色草地上徜徉着慵懒闲散的土著男女,旁边热带大树上开满鲜花,一切都显得温馨而宁静。整个画面富有异域情调,并透出一种神秘的气息,表现了画家对塔希提风光和土著居民的热爱。正一艺术原创首发。此画原画名为《阿里阿里阿》,塔希提语,“消遣”的意思。

6、红磨坊的舞会 雷诺阿 法国 1876年 布面油画 131x175cm 巴黎奥赛博物馆

这幅作品描绘出众多的人物,给人拥挤的感觉,人头攒动,色斑跳跃,热闹非凡,给人以愉快欢乐的强烈印象。画面用蓝紫为主色调,使人物由近及远,产生一种多层次的节奏感。画家把主要精力放在对近景一组人物的描绘上,生动地表现出人物脸上的光色效果及光影造成的迷离感,渲染了舞会的气氛。就总体看,他保留着印象派对外光与色斑的留恋,使画面的总体色调、气氛有一种颤动、闪烁的强烈效果。

7、画室 库尔贝 法国 1854-1855年 布面油画 361x598cm 巴黎奥赛博物馆 

《画室》的全名叫《画家的工作室——一个现实的寓意,概括了我7年来艺术生活的情况》。在这幅画中描绘了三十多人,每个人物都有自己的寓意:画面中间是画家自己正在画一幅风景,画前小孩代表“无邪的眼睛”;裸体女模特儿代表画家心目中的缪斯,或真理;画幅背后一个十字架上钉着圣徒圣赛巴先,代表僵死的学院派艺术。总之画中出现的人和物都有一定的寓意,看来十分费解,但它体现了画家的民主思想和现实主义的艺术方向。这幅画构图完整、画面气氛和谐,以及色彩的统一是无与伦比的,画面中心的裸体更是美妙绝伦,丢在地上的粉红色衣服就是一幅极好的静物画。这幅巨画显示了画家很强的把握复杂构图的能力以及画家写实的造型和色彩技巧,画的物象具有充分的质感和量感,这一切都表明库尔贝是伟大的现实主义大师。

8、纳韦尔人的耕作 博纳尔 法国 1849年 布面油画 134x260cm 现实主义作品,藏于巴黎奥赛博物馆 

画家以明朗的笔调,鲜亮的色彩,歌颂了在田野里劳动的农民。牛群是画面的主角,沙罗勒-纳韦尔出产的牛膘肥体壮、精力旺盛,这一特点通过一个大胆的视角跃然纸上,它们与人处于平等的地位。农民们在这初秋的阳光下用牛拉犁翻开土地,让它在冬天来临前透气,这是一幅充满明媚阳光的劳动画卷,画家由衷地赞美了平凡生活的意义。《纳韦尔人的耕作》是受刚刚诞生的第二共和国所托订制的,这幅画是动物题材的巅峰之作,它颂扬法国土地的慷慨和丰饶,是画家向普通农民辛勤劳作的致敬。 

细部的刻划真是令人惊叹❗️

内心深处的刻化👍

9、里姆斯基科萨科夫夫人 温特哈尔特 德国 1864年 布面油画 117x90cm ,新古典主义作品藏于巴黎奥赛博物馆 

在西方历代画家们的笔下,表现贵妇人与美少女似乎是亘古不变的主题,这幅作品把贵妇人的高贵纯洁,典雅气质融为一体。温特哈尔特在肖像画艺术上有着独特的表现魅力,他以松弛而流畅的笔法绘制了这幅气质优雅的肖像画。画中19世纪晚期俄国音乐家里姆斯基·柯萨科夫Nikolai Rimsky-Korsakov(1844.3.18 - 1908.6.21.)的夫人Nadezhda Nikolaevna Rimskaya-Korsakova (1848年10月19日 - 1919年5月24日,俄国钢琴演奏家和作曲家),身着华丽蓝白条纹长裙,松散而秀美的长发披在胸前,风姿潇洒地坐在椅子上,显露出这位夫人高贵的气质和浪漫的性格。

10、牧羊女和她的羊群 米勒 法国 1863年 布面油画 81x101cm 巴黎奥赛博物馆 

米勒的这幅著名作品在1864年的官方沙龙上广受好评,被选中在1867年的巴黎世博会上展出。画中人物兼具童年的纯真和少年的懵懂,焕发出诗意和近似于神秘的静谧气息。她微躬的身影与专注的神情,宛如祷告般的虔诚,让人联想起米勒《晚祷》的氛围。少女衣着简朴,专心于编织,凸显于一片单调的平原背景之上,在金色光线衬托下的羊群毛发栩栩如生。米勒再次成功地把田园之梦和他所处时代盛行的写实主义风格结合在了一起。

11、灰与黑的协奏曲:画家母亲肖像 惠斯勒 美国 1871 年 布面油画 144x163cm 巴黎奥赛博物馆 

这幅画被20世纪誉为最伟大的肖像画之一。作者以满腔热忱与崇敬之情塑造了一个严肃虔敬、质朴无华的典型的美国母亲的形象,具有感人至深的魅力。在这幅画中,画家惠斯勒的母亲侧身呈对角线形端坐在房间里,黑色衣裙占据了画面的中心位置。她神情恬淡,面容慈祥庄重,是位修养高尚、温柔中蕴含坚强的母亲,环境以横竖直线分割,形成黑白灰色块对比,这是一幅具有现代感的出色肖像画。

“母亲”在2018年墨尔本展出时我曾看过原作,手法非常细腻,尤其在明暗交界线的处理上真是完美无暇👍👍👍


12、年轻的共和国 罗尔 法国 1908年 布面油画 205x134cm 巴黎奥赛博物馆

这幅画把年轻的姑娘象征为年轻的共和国。法兰西第三共和国,国号为法兰西共和国。1870年9月4日,共和国在第二帝国因普法战争失败而倒台、巴黎公社被镇压后而成立。共和国采用议会民主模式,一直到1940年因纳粹德国入侵而垮台。第三共和国是法国第一个长久而稳定的共和国政权,赢得法国人对共和政体的支持。当时,画家罗尔进入法兰西学院后,成了第三共和国的编年画师,记录年轻共和国的成长。这个政权从开创一直延续着,画家选择玛丽安娜(画中人)作为国家象征,寓意年轻的第三共和国还将长久的延续下去。

13、手拿长棍的牧羊女 毕沙罗 法国 1881年 81x64.7cm 布面油画 巴黎奥赛博物馆

毕沙罗从19世纪80年代开始,就把人物绘画作为创作的中心,只把风景作为人物日常活动的场景。这幅画就是人物创作的代表作。整个画面以人物为中心,小女孩穿着朴素,身体歪斜,坐在草地上,手里拿着一根树枝,眼睛专注地看着树枝的末梢,神态悠闲,一个活泼可爱又对生活无奈的农村小女孩的形象跃然纸上。这幅画参加了1882年第七届印象派画展。在印象派诸位大师中,毕沙罗是唯一一个参加了印象派所有8次展览的画家,可谓最坚定的印象派艺术大师。

14、全家团聚 巴齐耶 法国 1867年 布面油画 152x230cm 巴黎奥赛博物馆 

这是巴齐耶牺牲前所作的群体肖像。画中并没有指哪一个家庭的团聚,这并不是人们要探求的。重要的是画家以古典主义写实的造型方法,塑造了具有鲜明身分、地位和个性特征的人物形象,每个人的姿态神情都与众不同地表现了自己的个性。但这幅画与传统的古典主义写实方法不同的是在于运用外光画法,使画面充满室外的清新空气与明朗透彻的阳光,显示出由写实主义向印象主义过渡的画法。 

15、风景中的羊群 雅克 法国 1861年 布面油画 176x280cm 巴黎奥赛博物馆 

雅克是巴比松画派的代表画家。此画派的主要画家都住在巴黎南郊约50公里,枫丹白露森林附近的巴比松村,主要画家有卢梭、柯罗、米勒、杜比尼等。他们虽都是风景画家,却各具特色,如卢梭描绘的风景常带有一丝浪漫派的味道;杜比尼则希望更客观地将风景如实描绘出来;而雅克则喜欢描绘水池边、田野中的羊群与牛只,比如这幅画,与其说是刻画风景,不如说是以动物为主题、优美的田野风光为背景来呈现农村的生活与大自然的风貌。

这幅莫奈的作品也是很有人气👍Madame Monet and Her Son, 1875,图片来自wikiart

画里的人,是卡米耶和他的儿子。

那一天他们去散步,莫奈拿起画笔,画下阳光明媚,蓝天流云,莺飞草长,卡米耶的面容虽然没有被精雕细琢,但是能看到她向着画家投来一瞥,裙子和发丝被风吹起。

文森特·梵高(Vincent van Gogh,1853年3月30日-1890年7月29日,白羊座),荷兰后印象派画家。梵高是表现主义的先驱,并深深影响了二十世纪艺术,尤其是野兽派与德国表现主义。

梵高的花卉

梵高很爱星空。“我通常认为,夜晚的色彩比白天更为丰富,像那些热烈的紫罗兰的色彩,以及蓝色,绿色。”——他画过许多有星空的画,最著名的,自然是他在1889年画的《星空》(the starry night),绝美的漩涡星空,明亮的月亮,宁静的村庄,还有柏树。

奥赛博物馆里珍藏的星空画作,是那幅《星夜》(Starry Night), 法文原名La nuit étoilée,为了跟上面那幅区别,也被叫做《罗纳河上的星夜》(Starry night Over the Rhone)。

法·米勒是伟大的农民画家《拾穗者》布上油画 纵83.8×横111.8厘米 巴黎奥赛博物馆藏

这幅画你一定见过吧?但你知道它背后的故事吗?

这幅画创作于1857年,是最能够代表法国画家米勒风格的一件作品。

它没有表现任何戏剧性的场面,只是秋季收获后,人们从地里拣拾剩余麦穗的情景。

画面的主体不过是三个弯腰拾麦穗的农妇而已,背景中是忙碌的人群和高高堆起的麦垛。

这三人与远处的人群形成对比,她们穿着粗布衣衫和笨重的木鞋,体态健硕,谈不上美丽,更不好说优雅,只是谦卑地躬下身子,在大地里寻找零散、剩余的粮食。

然而,这幅内容朴实的画作,却给观众带来一种不同寻常的庄严感。《拾穗者》超越了一般的田园美景的歌颂,而成为一幅人与土地、与生存息息相关的真正伟大的作品。

从库尔贝和米勒时代起,写实主义就从未以简单的对现实的模仿为己任,因为这意味着摆脱一切主观性、断绝了所有与艺术世界的期许相连的纽带。

 奥赛珍品展将遵循在法国制度格局中的奥赛博物馆年表,探索1848-1914年间贯穿法国艺术的写实主义脉络。

写实主义的体裁一反常态的从有产阶级转为无产阶级🤭以乡村、贫民和风景为创作题材。

画家倾向于颂扬劳动人民勤劳生活的崇高情怀。

 写实主义远非边缘小众的一条支流,它是一种探究世界的新角度、一种定义艺术的新方法,它不仅影响了绘画和雕塑。

米勒与巴比松画派的其他重要成员一样,都追求宏大与静穆的艺术格调,表现艺术家对客观世界充满内涵的思 想感情。

写实主义:由于1750年到1850年工业革命的兴起,使得工商业的发达,机器取代人工以及资本家的专横,导致农村破产,大批劳工失业以及人们对财富的追求。同时,社会结构与思想都发生了变动,于是产生了劳工阶层的绘画。

写实主义的人体,不在注重故事情节,也不再用光和色捕作画面的瞬间。更加注重人体的结构和情感👍

农妇 116 x89.7。藏于奥赛博物馆。米勒现实主义代表作对天空的色彩彼此烘托呼应,麦穗的金黃色与罂粟花的红冠唱和著,明亮的白色上衣与棕色裙子呼应著。年輕的农妇微敞著胸口,神情优雅地摘下手中小小白色菊的花瓣,可能正想她的心上人!





描绘真实动人的自然景色和田园风光,描绘亲切淳朴的牧者和畜群。他们肯定和赞美劳动人民的生活以及法国绮丽多彩、千姿百态的自然景象。法国自然主义作品-米勒库尔贝。


现实主义画派特色是:强调艺术的时代特点,直接描写当前的时代风貌。 代表人物,米勒、 贝、夏尔丹等。 1、让·弗朗索瓦·米勒 Jean-Francois Millet 〔1814-1875年〕,19世纪 最杰出的现实主义画家、 巴比松派画家,以表现农民题材而著称。

以库尔贝为代表的现实主义画派反对学院派绘画的僵化了的表现程式和弄虚作假的陈腐内容时,提出绘画只应该去画眼睛直接看到的东西的真实感。

 最著名的写实主义画家是库尔贝,他反映底层人民的生活,他们的牛,他们的农舍。他曾有一句名言:“我不会画天使,因为我从没有见过他”。

现实主义的创作观念赋予风景作品以真情实感,是创作者感情的自然流露,而绝非之前时代中仅追求象征意义或对意境主观营造的片面的风景画创作观。通过现实主义风景作品,艺术家得以敞开心扉寄情于山水田园。

写实主义不仅仅意味着一种风格,同时也代表着一种态度、一种方法和一种思维方式。

19世纪中期法国写实主义美术家们发展了美术作品的写实技法,特别在风景画中对表现光线和空间感,作了富有成果的探索。

以库尔贝为代表的一批艺术家喊出“现实主义”口号。他们反对矫饰的幻想和浪漫,反对闭门造车和模仿抄袭,要求艺术家面对大自然作出忠实的记录。在深受法国启蒙主义思想“返回自然”的启示下,巴比松画派的艺术家们提出“面向自然,对景写生”的口号。崇尚自然,真实地再现生活的细则。


19世纪中期法国的写实主义美术运动是法国文艺史上光辉的篇章。它对19世纪欧洲各国的文艺运动影响深远,开阔了民主艺术的新阶段。

为庆祝波罗的海国家独立一百周年,奥赛博物馆策划大型展览《野性的灵魂——波罗的海国家的象征主义艺术》。对于波罗的海国家来说,欧洲象征主义的发展和意识解放与其独立是密不可分的。此次展览聚焦爱沙尼亚、拉脱维亚和立陶宛三个波罗的海国家1820年到1920年间象征主义艺术成果,向我们展现其特殊文化语境下象征主义的艺术面貌。

波罗的海国家是指地缘政治学概念上的北欧的波罗的海东岸的爱沙尼亚、拉脱维亚和立陶宛三国。十九世纪下半叶,这个在波罗的海东边的地区属于俄罗斯帝国。然而其人口众多,其中主要是农村人口表现出对沙皇统治的反抗;波罗的海地区北部的德意志人中也不乏杰出人才;以及在南部的立陶宛,为使其摆脱波兰影响而实行的俄罗斯化政策......这些复杂因素混合发酵,最终促成了一场“民族觉醒“。随之而来的共同的财富积累,语言或文字形式的资源收集,以及语言的统一,形成了这个地区的文化身份认同。

我的运气非常好👍《野性的灵魂——波罗的海国家的象征主义艺术》正值我在巴黎期间4月10日-7月15日在奥赛美术馆展出。

展览总共分为三个部分,分别以“神话与传说,灵魂,自然为主题,向我们展开一幅波罗的海象征主义艺术全景。

其中,波罗的海国家的艺术家响应着欧洲其它国家的艺术文化运动。他们大多受俄罗斯艺术影响,如当时的俄罗斯画家尼古拉斯·洛里奇(N. Roerich);也有德国艺术的影响,和斯堪的纳维亚艺术,如爱德华·蒙克(E. Much);甚至以巴黎为中心的各种艺术运动及其艺术革新者,如罗丹、高更、詹姆斯·惠斯勒等。

。——拉脱维亚画家Janis Rozentāls

二十世纪初,波罗的海国家在第一次世界大战之后独立,但其才华和独立的果实——象征主义却没能收到应有的关注。一直以来法国的现代艺术受到了全世界的关注,而波罗的海国家的艺术由于其历史原因被排斥在外。此次庆祝其独立一百周年,在巴黎奥赛博物馆策划的展览,便是希望在巴黎这个备受瞩目的艺术中心向公众展示波罗的海国家的象征艺术的成果。

象征主义对于事物有其主观性的表达,试图对真实进行“主观再现”,旨在通过多义的、但却是强而有力的象征来暗示各种思想。象征主义把宗教神秘主义与反正常和色情的兴趣结合起来,把对所谓“原始性”的兴趣与复杂微妙的颓废崇拜结合起来,所以象征主义艺术家常常从民间故事和神话传说中汲取元素,形成其独特的语言。

“在色彩、形状的世界里,在虚拟世界里,新的途径已经被开辟。它们揭示的是人类神秘且非凡的内在,是魔鬼附体一般的力量——它揭示人性及环绕在其周围的自然现象”。—爱沙尼亚画家Kristjan Raud

象征主义,从十八世纪九十年代开始到第一次世界大战之前,在波罗的海国家取得了很大的发展——即使相对于其它欧洲国家来说,这个过程开始得更晚。象征主义作为一个世界性的艺术运动,试图揭示藏匿于物质世界之后的不可捉摸的真实。象征主义艺术家有的拥有跳出时代背景的奇思妙想;有的用阴郁且颠覆性的表现方式追求着世纪末“世界主义”的灵魂完整;有的则通过最大限度的丰富风格表现自然之美…….这些艺术尝试一旦发生在波罗的海国家,因为其特别的政治文化背景,表现出其独一无二的“民族浪漫主义”。象征主义艺术家从民间故事、流行传说、本土文化出发,这也参与构建了波罗的海国家艺术层面的身份认同

“一个画家与自然的关系不可能是客观的。艺术风格不可避免的取决于艺术家的灵魂特性和灵魂组成,取决于他主观的看待自然的方式。”

在第二层展室中陈列的是雕塑作品,作者有罗丹、马约、布尔戴尔等。

罗丹的《思想者》。这个巨人弯着腰,屈着膝,右手托着下颌,在静静的思考。

罗丹的《地狱之门》。《地狱之门》是罗丹受法国政府的委托,为法国实用美术博物馆大门设计的一件规模宏大的雕刻。《地狱之门》的构思来自但丁的“神曲”,以其中的诗句“你们进到这里,丧失一切希望”为核心进行的创作。表现了一大群痛苦挣扎的人体。整个雕塑共有186个形体,创作历时37年之久,倾注了罗丹大量的精力和心血,直到罗丹去世时还未最后完成。作品《地狱之门》的上方正中间,有一个沉思的人物坐像,称为《思想者》闻名世界。

蓬朋的《北极熊》。这只跟真熊一样大小的北极熊大理石雕塑,看上去很可爱,它高高地昂着头,摆出迈步前行的姿势,四只爪子略微分开,让人想起大熊猫的憨态。作者是法国雕塑家弗朗索瓦·蓬朋(Francois Pompon)。

德加的《十四岁的小舞蹈家》。德加是印象派大师七星中的一员。这是德加生前唯一公开展示的雕塑,在1881年第六届印象主义画展中展出了这件《十四岁的小舞蹈家》。蜡质雕像独特的色彩、真实的头发,纤薄的的短裙和丝质的胸衣, 生动刻画了巴黎歌剧院芭蕾舞团新晋舞者玛丽·凡·格特姆(MarievanGoethem)的形象。

《吻》(Kiss),作者罗丹(Auguste Rodin)。这是法国雕塑家罗丹在1889年完成的大理石雕塑。它融合了情欲和理性主义,产生的一个表达人类性与爱的艺术作品。

卡尔波的《小王子和他的狗》(Le Prince impérial et le chien Néro),这个大理石雕塑是卡尔波1865年的作品。他是位伟大的现实主义的雕塑家。

《成熟的年纪》(The Mature Age),又称《生命之路》,作者卡米尔·克劳岱尔(Camille Claudel)。

让.雨果的《俄狄浦斯在科隆》(Oedipe à Colone,)。作者让.雨果(Jean Hugues或Jean-Baptiste Hugues,1849-1930年),法国雕塑家。

刹普的《圣女贞德》

亨利·米谢·刹普(Henri Michel Chapu,1833-1891),是法国十九世纪重要的雕塑家,毕业于法国艺术学院,他十八岁那年(1851年)就获得法国艺术学院雕刻银质奖。

罗丹的《乌格里诺》。作品描述了乌格里诺(1220-1289年)是意大利的贵族,政治家和海军指挥官。在但丁(1265-1321年)的作品中,多次提及乌格里诺。由于乌格里诺的叛逆行为,他和他的两个儿子和两个孙子被关押起来,在即将饿死的时候,他的孩子们央求他吃掉自己的尸体。

《潘和小熊》(Pan et oursons),作者Emmanuel Fremiet。 小仙女应该是动物化身的,好像是马的化身,两只狗模狗样的动物狗熊前来听命,这是古希腊罗马神话传。

《丽达与天鹅》(Leda and swan)。作者Auguste Clesinger。希腊神话:丽达是斯巴达国王廷达柔斯(Tyndareus)的妻子,她的父亲是另外一个希腊邦国埃托利亚(Aetolia)的国王 西斯提亚斯(Thestius)。宙斯看上了列达的美貌,就化身天鹅,诱惑列达,结果生下四个孩子:一个女儿是希腊历史上“最著名的美女海伦”,还有海伦的两个哥哥,一个姐姐。“列达与天鹅”是西方最常见的艺术题材之一,有关的作品非常多。

罗丹的《思》。“思”的雕像,其突出的特征在于它仅仅呈现"思"——只有一座人的头颅成为艺术作品的主体,而身体,则被省略,或者说,仍然在材质——石头的掩埋当中。人的头在凝然沉思,目光坚定地凝视大地,而身体,仍然没有摆脱石头,身体仍然在蒙昧当中.人的这一处境似乎是现代人的一种象征:头颅上升到最高的位置,它意味的是理性,现代人对理性的膜拜:而同时,身体却仍然不得自由.整个雕像看起来是凝重的,痛苦的,似乎在昭示人们:理性之"思"并不能带来身体的自由.也许,身体的自由不在于人理性的头颅,而在于具有信仰的心 。

《年轻女囚》(La jeune Tarantine,英语:Young Tarantine),作者Alexandre Schoenewerk。这件作品是根据法国诗人安德烈·舍尼埃(André Chénier,1762-1794年)的著名的诗篇《年轻女囚》创作的。

《地中海》(La Méditerranée),作者马约尔(Maillol,Aristide,1861~1944)法国雕塑家,画家。马约尔是一位善于刻画女性美的艺术家,《地中海》是他用女人体来比喻大自然的雕塑作品之一。

《永恒的源泉》(Eternal spring),伟大的雕塑家罗丹(Auguste Rodin)。克劳岱尔是个悲剧人物---造就那些伟大艺术,甚至是造就罗丹的人,同时又是最大的牺牲者,她后来疯了,在精神病院一住30年,于1943年逝世,就在她被关进精神病院的那一年(1913年)罗丹突然中风,这是巧合还是心灵感应,我们已经无从得知,他们俩已经将生命留在作品中了!

罗丹的《巴尔扎克》。巴尔扎克是法国19世纪文坛巨星,罗丹对他非常敬慕,所以1891年法国文学家协会委托罗丹雕塑一尊巴尔扎克像时,他当即表示:“我要做一番非同寻常的事业。”罗丹塑造的巴尔扎克是个夜间漫步的形象。文豪习惯于夜间穿着睡衣工作,所以罗丹让他披着睡衣在星空下沉思,那宽大的睡衣包裹着屹立的巨人。

《舞蹈》(la danse),作者让.巴蒂斯.卡尔波(Jean-Baptiste Carpeaux)。这件作品原件在奥塞博物馆,复制品在巴黎歌剧院的门口。这件卡尔波的作品描述的是纵酒狂欢的裸体---那时巴黎肯定没有蹦迪和吃摇头丸一说,是1869年作为夏尔.科尔蒂亚设计的剧院正面的雕塑装饰,它的展示当年引起了轩然大波---淫邪、亵渎神灵,有观众甚至拿墨水泼向雕塑。

看上去像半毛坯,其实恰到好处的成为一个粗旷的、虚虚实实,个性张扬的好作品👍👍👍虽然没有查出出处,这是我个人非常钟爱的作品!

同一个作者所为😍

与上两图同一种类型,让我突发奇想:此时无声胜有声!绘画常常妙就妙在那偶然的一瞬间👍👍👍

有大雕塑也有小雕塑,小雕塑清一色的都是年迈刻板成熟的男性,应该是历史上统治法国的领袖人物,皇帝、国王、总统、教皇之类。

小雕塑只有拳头👊大小,个个栩栩如生,表情各异,千姿百态👍👍👍

变形、古拙!件件精品枚不胜数❤️

在奥赛博物馆我虽花了一天半时间,恍如隔世🤭彷佛行走在天堂😇深切的感悟着…感悟着……我再次把心中的那份美好和深切的感悟留在了我人生的路上❤️❤️❤️(巴黎-艺海拾贝)中集