博物馆之法国奥赛博物馆（一）

安德斯丹

奥诺雷·杜米埃、米莱、居斯塔夫·库尔贝、卡伯、爱德华·马奈、克劳德·莫奈、皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿、埃德加·德加、保罗·塞尚、奥古斯特·罗丹、保罗·高更、文森特·梵高、加莱、吉玛德、拉利克、雷东、莫罗、爱德华·维亚尔、皮埃尔·博纳尔、布尔戴勒、马约尔等 19 世纪下半叶至 20 世纪初期最著名的艺术家，你认识几位？能分辨出他们的作品吗？

塞纳河上的春天

飘着一丝革命的味道

远处的妈妈院里

还有撞钟人吗

塞纳河是法国北部大河，全长776.6千米，包括支流在内的流域总面积为78,700平方千米；它是欧洲有历史意义的大河之一，其排水网络的运输量占法国内河航运量的大部分。自中世纪初期以来，巴黎就是在该河一些主要渡口上建立起来的，河流与城市的相互依存关系是紧密而不可分离的。 奥赛博物馆是一家国立博物馆，位于塞纳河左岸，与卢浮宫和杜伊勒里花园隔河相望。博物馆坐落在建筑师维克多·拉鲁（Victor Laloux）为 1900 年万国博览会设计修建的火车站中，馆内主要陈列 1848 年至 1914 年间创作的西方艺术作品包括绘画、雕塑、装饰品、摄影作品、建筑设计图在内的精彩藏品，显示出一个现实主义、印象主义、象征主义、分离主义、画意摄影主义等流派大师辈出的时代所具有的令人难以置信的艺术创造力。奥赛博物馆是由废弃多年不用的奥赛火车站改建而成，1986年底建成开馆。改建后的博物馆长140米、宽40米、高32米，馆顶使用了3.5万平方米的玻璃天棚。博物馆实用面积5.7万多平方米，共拥有展厅或陈列室80个，展览面积4.7万平方米，其中长期展厅1.6万平方米。奥赛博物馆的收藏博大精深，共收藏近代艺术作品4700多件，内容涵盖绘画、雕塑、家具、手工艺品、建筑、摄影等几乎所有的艺术范畴。 从卢浮宫跨过塞纳河，往奥赛博物馆去的桥上挂满了爱情锁，这知道这是中国人的创意还是西方人的，我是在1990年的华山上第一次见到，而后在各地见到，这一把中国人的锁比我们早到法国一个月。 这把只有称呼没有名字，更没有时间的锁，能否锁住他们的爱情。

 阿基里.翁波埃尔 塞尚 法国 1868年 布面油画 120x200cm 。

　　塞尚画的这个畸形人物及背景看上去有些恐怖。张爱玲在1940年代谈到《翁波埃尔》这幅画时说：“里面也有一种奇异的，不安于现实的感觉，……人体的比例整个地错误了，腿太短，臂膊太短，而两只悠悠下垂的手却又是很长，那白削的骨节与背后的花布椅套相衬下，产生一种微妙的、文明的恐怖。”翁波埃尔到底是个什么样的人？这幅存于巴黎奥赛博物馆的《翁波埃尔》是塞尚早期的名作。

保罗·塞尚 (1839-1906) 后期印象画派的代表人物，毕生追求表现形式，对运用色彩、造型有新的创造，被称为“现代绘画之父”。保罗·塞尚于1839年1月19日诞生于法国南部普罗旺斯地区艾克斯的一个银行家。1858年到巴黎学画，并与文学家左拉、诗人波特莽尔等人结识，60年代初，支持过库尔贝反对古典主义学院派的斗争，从而与印象派画家莫奈、毕沙罗、雷诺阿等相结合，1872年，塞尚全家迁居瓦兹河谷的蓬图瓦兹城，在毕沙罗的影响下，积极参加印象主义运动。但是，塞尚努力探讨物体内在结构的思索使他不得不对印象主义发生怀疑，他指出：“世界上的一切物体都可以概括为球体、圆柱体和圆锥体”，从而在画面上做到极大的概括。他反对传统绘画观念中把素描和色彩割裂开来的做法，追求通过色彩表现物体的透视。

玩牌者 塞尚 法国 1892-1895年 布面油画 47.5x57cm。
　　这幅画是塞尚的巅峰作品。在这幅画上，塞尚将两个沉浸于牌戏中的普通劳动者形象，表现得平和敦厚，朴素亲切。虽然主题十分平凡，然而画家却通过对形状的细心分析以及通过诸形式要素的微妙平衡，使得平凡的题材获得崇高和庄严之美。在这里，相对而坐的两个侧面形象，一左一右将画面占满。一只酒瓶置于桌子中间，一束高光强化了其圆柱形的体积感。这酒瓶正好是整幅画的中轴线，把全画分成对称的两个部分，从而更加突出了牌桌上两个对手的面对面的角逐。两个人物手臂的形状从酒瓶向两边延展，形成一个“W”形，并分别与两个垂直的身躯相连。这一对称的构图看起来是那样的稳定、单纯和朴素。全画充分显示了塞尚善以简单的几何形来描绘形象和组建画面结构的艺术风格。画面的色调柔和而稳重。一种暖红色从深暗的色调中渗透出来。左边人物的衣服是紫监色；右边人物的是黄绿色。所有远近物象都是用一片片色彩所组成。不同的色块在画中形成和谐的对比。 苹果和橘子 塞尚 法国 1899年 布面油画 74.5x93cm 。
　　这是塞尚最有代表性的一幅静物画。画中桌布在尽力揽住水果，因为它们快要滚到皱痕里去了。背景里有织毯，旁边是刺绣的布，它们似乎也限制了所有的水果，这些家伙常常要滚得七零八落。水壶的根基不太牢靠。果盘有些倾斜，似乎不确定自己的形状，蓝色镶边的盘子被苹果的重量压得翻向一边。画中的物体都在滑动，将要逃离。这些华丽的背景设置，以及绘画对象即将倾散的状态，一般都象征了生命的脆弱。这里，对果盘威胁最大的，不是它可能掉在地上摔个粉碎，而是它可能变得失去形状，无法识别。画作没有保证它永不变形。苹果们可以维持自己美丽浑圆的外形，代价是要不断移动。画家给予自己犯错的空间，他软化了绘画对象的轮廓，在应该是什么样子、实际是什么样子、以及真正可能看到的样子之间，找到一条路。 从埃斯塔克看马赛湾 塞尚 法国 1878-1879年 布面油画 59.5x73cm 。这是塞尚著名的一幅描绘马赛郊外这座阳光明媚的海滨渔村埃斯塔克的风景画。在埃斯塔克，可以说没有比反映在塞尚眼中的景色更美更富有变化了。左拉对塞尚的这幅创作描写如下：马赛的尽头，处于封闭港湾的岩石深处的城镇……这一片富饶的土地。港湾两侧，岩石向两旁突出。海上的岛屿，多得简直隔断了水平线。海是一个宽大的池子，天好的日子里就是个一片深蓝色的湖。在山脚下，马赛就是在低岗上由房屋堆积而成的。在大气清澄的日子里，从埃斯泰克可以看到白帆点点的拉·乔里埃特的灰色防波堤。在前景背后的森林中间，有高耸的白色诺特丹·特拉·伽尔德寺院。马赛的海岸旁边，在至埃斯泰克这一方面，嵌入一块盆地，分布着偶尔冒烟的工厂。阳光直射的时候，海几乎成为色，好像在白色而又被茶色和黄色烘染的岩石地岬中睡眠。松树是在红褐色土上作出的深绿色斑点。画面宽广辽阔，十分美丽。 浴者 塞尚 法国 1890-1892年 布面油画 60x82cm。
　　塞尚画了许多以众人出浴为题材的沐浴画，都是在水边林下，除了女性沐浴外，也描绘了男性的沐浴图，《浴者》就是一幅描绘男人洗浴的油画。画家塞尚把少年时河边戏水的情景用明快的色调轻松的描绘出来。在背景中，还可以看到艾克斯的象征——圣维克多山。但这类沐浴图有一个共同的缺点，就是画家明明画的是沐浴，但画上却看不到水，或者水只占次要地位。比如这幅画，只是在画的中间部分画了个小水坑，这对画家所要表达的主题来说，岂非牵强附会？画上的人物或还未沐浴，或已沐浴完毕，几乎总是在岸上休息。 自缢者之家 塞尚 法国 1873年 布面油画 55x66cm。
　　这幅 作品给人以耳目一新的感觉，画面用体积揭示空间，有了纵深感。右侧高大的屋脊与左侧房屋之间，是急剧下降的道路。在中景方面，只能看到村中房子的屋脊。远景是奥维尔村明亮的旱田与天空。前景中的屋脊与建筑物、道路，显现得坚固有力，给以厚重的感觉。在这里看不到在印象派作品中常有的那些平坦的原野。前景中巨大的物体阻碍了向远处的眺望，在平和、稳定的风景中，犹如打进了一个大楔子。用这样的构图、以及选择《自缢者之家》这样的主题，不能不使人联想到塞尚本人的内心活动与其精神状态。1874年塞尚将此画参加了第一届印象派画展，收获一片奚落和嘲笑，但是多利亚伯爵买下了这幅画。 粉色的裙子 巴齐耶 法国 1864年 布面油画 147x110cm 。
　　这幅《粉色的裙子》是巴齐耶的代表作，原本巴齐耶是要在自己家的大露台上画一幅家乡的风景画，可当他看到小表妹坐在露台上，粉色条纹的裙子在阴凉处依然熠熠生辉，衬在阳光灿烂的背景上，真的是迷人至极，从而改变了画的构图。画这幅画的时候，巴齐耶23岁，画中的表妹叫泰雷丝，是一个漂亮的美人儿。画家把一个年轻女子的侧影放在半明半暗的光线中，她摆出随意的姿势，看着远方的风景，人与风景巧妙地融为一体。这幅画朴实无华，对比明快，刻画细腻，初露了印象派的画风。

 弗雷德里克·巴齐耶（Jean Frederic Bazille 1841—1870）,法国印象派先锋人物，1841年出生于法国东南部的古老而又重要的城市蒙彼利埃，于1862年的秋天，在巴黎进了画家夏尔·格莱尔（1806年-1874年）的自由画室，不久，他在那里遇见了莫奈、西斯莱和雷诺阿，他们组成了“四好友集团”，经常走出画室到大自然中去写生。巴齐耶成了比他大一岁的莫奈的最亲密朋友和崇拜者，同时，出生于富裕人家的巴齐耶，也是莫奈和雷诺阿的经济支持者。不幸的是，被认为天才的印象派先锋人物巴齐耶在1970年的普法战争中身亡，年仅二十九岁。

全家团聚 巴齐耶 法国 1867年 布面油画 152x230cm。
　　这是巴齐耶牺牲前所作的群体肖像。画中并没有指哪一个家庭的团聚，这并不是人们要探求的。重要的是画家以古典主义写实的造型方法，塑造了具有鲜明身分、地位和个性特征的人物形象，每个人的姿态神情都与众不同地表现了自己的个性。但这幅画与传统的古典主义写实方法不同的是在于运用外光画法，使画面充满室外的清新空气与明朗透彻的阳光，显示出由写实主义向印象主义过渡的画法。 地板刨工 卡耶博特 法国 1875年 布面油画 102x146.5cm 。
　　卡耶博特是著名的法国印象派画家，他的作品绝大部分来自他那个时代的生活，这幅《地板刨工》（The Floor Scrapers）描绘的便是当时刨工刨地板的场景，作品中的三个刨工两个一边工作一边讨论，另外一个则是专心致志的整理刨过的地板的瑕疵。黄色为主色调使整个画面显得高贵而却又不失朴实，具有浓厚的生活气息。作品结构严谨，形象概括，光感突出，明暗对比强烈，是卡耶博特早期的代表作。1876年，卡耶博特两个版本的《地板刨工》参加了第二届印象派作品展览。

 居斯塔夫·卡耶博特（Gustave Caillebotte），法国印象派画家。1848年生于巴黎一富有之家，1873年在美术学院学习时是列昂·博纳的学生，博纳是当代绘画艺术学院派的代表。但他很快就放弃了学业，转而进行印象派绘画的探索。1876年，他的两个版本的名作《地板刨工》(1875，分别由奥赛博物馆和私人收藏)参加了第二届印象派作品展览。此后举办的各届画展他没有一次缺席过，一直到1882年。而后他放慢了创作活动的节奏，直到他干1894年过早地离开人世。卡耶博特还是个收藏家，从1876年起，他经常资助印象派画家朋友，出钱购买他们的一些作品，其中包括莫奈的《圣拉扎尔火车站》的多个版本和雷诺阿的《加莱特磨坊》。去世之前，他个人藏品中有63幅画全都捐给了国家，官方对此虽然未作怎样的表示，但印象派的画却从此大量成为国家的收藏，而卡耶博特当年收藏的那些画至今仍是奥赛博物馆的瑰宝。

自画像 德加 法国 1855年 布面油画 81x65cm。
　　这是德加1855年21岁时的自画像。1854年德加中学毕业，同年，来到了意大利，1854-1859年在那里的一所美术学校学习，同时，又在安格尔的一位得意门生拉莫特的画室里学画，练就了扎实的古典写实功夫。这幅自画像就具有古典主义的风格，从中也可以看出德加将成为大师的艺术特征：富于创新的构图、细致的描绘和对动作的透彻表达。德加通常被认为是属于印象派，但他的有些作品更具古典主义、现实主义或者浪漫主义画派风格。他最著名的绘画题材包括芭蕾舞演员和其他女性、以及赛马。

埃德加·德加（Edgar Degas 1834－1917） 是印象派人物画家，又是现实主义巨匠。他是印象派中以传统精确素描与印象派色彩风格绝妙结合的画家，被称为“古典的印象主义”。德加自己说他是“运用线条的色彩画家”。德加出身于银行家家庭，极为聪明敏锐，主张靠记忆作画，常用彩色粉笔把那些芭蕾舞演员、浴女画得极为生动。他也画下层社会的生活，如《苦艾酒》、《洗衣妇》等。他技巧的完美与高超是少见的。德加从1865年以后转向现代题材和肖像画创作。最初他描写赛马的场面，继而以极大的兴致描写歌剧院和芭蕾舞的排练场。他的色调温暖、轻快、鲜明。他的画不造作，保持观察的第一印象，他自称，被他摄入画面的情景好像是从钥匙孔里看到的。　 舞蹈课 德加 法国 1873--1876年 画布油画 85x75cm 。
　　这幅《舞蹈课》是“把印象派画家的绘画生长在写实主义的土壤之中”的最典型的画作。画中着色最多的是舞者们的黄、绿、红、蓝的带子的，轻易地描绘出动态的造型美。一些舞蹈女演员在芭蕾舞教师佩罗的指导下练习跳舞，佩罗站在中央，手里拄着一根长拐杖，另一些挤在尽头的学生在一边休息，一边观看。从画中女孩们在背部向前看，在第一排，第一个坐在一架钢琴上，扭动着身子，在背上抓痒，虽然看不清面部，但小女孩休息时调皮随意的神态完全可以想象得出。正在跳舞的芭蕾舞女演员的魅力与等待跳舞的女演员的不雅动作形成对照。尽管她们都是侧着身的，但从观看者的角度来观察这些舞者并不费力，这就是利用画幅的空白的一个好例子。
　 芭蕾舞剧场的休息室 德加 法国 1872年 布面油画 32x46cm。
　　这幅《芭蕾舞剧场的休息室》是一幅迷人的精致的作品，构图很好，空间深度展开得也很好。古典主义的互描细致、优美地展现出舞女的全部优美姿态。灰蓝色加暗黄色的主调子上是新娘一样的舞女，她们羽毛般透明的短裙，像霜，又像是轻盈的雪花，粉色的鞋尖凝聚所有诗意的语言。似乎只要穿上这鞋、这短裙，就算是普通女子也能成为一片云朵，飞起来。 舞台上的芭蕾舞排练 德加 法国 1874年 布面油画 65x81cm 。
　　德加表现芭蕾舞场景的作品甚多，为他赢得了“舞蹈女演员画家”的称誉。舞台上的舞女不是名演员，也不是社会名媛，而是普通演员。德加以她们的舞姿为媒介，刻意追寻光与色的表现。通过对舞女的造型描绘，表现出强烈的灯光反射效果。这幅以室内灯光为描绘对象的作品，成为印象派绘画中最脍炙人口的佳作。舞台上的布景与浅色的地毯，衬托着光照下的舞女，显得虚无缥缈、绚丽变幻，成为一个美的世界 。 巴黎歌剧院的乐师 德加 法国 1870年 布面油画 56.5x46cm 。
　　这幅油画是德加杰作中的一幅，是对他的朋友德赛·迪奥欧—剧院乐团巴松管演奏家的致敬。画家以写实风格描绘了正在为芭蕾舞伴奏的乐手们。这里没有外光的作用，诸多人物的头像都处在一种自然状态中，黑色的服装衬托出他们演奏时的神情。台上演员的远景把乐队推向前景，造成一个特殊的角度，给人以不完整的局部印象。显然，德加在这幅画中对人物形象不做社会学的考察，只求造型的美感，从而达到了特定效果。 熨衣妇 德加 法国 1884-1886年 画布油画 76x81.5cm。
　　这是德加最有名的的一幅画。在这里，他以印象主义式明亮的色彩和柔和的色调表现了两位由于辛苦的工作而筋疲力尽的熨衣女工形象，把作为贵族的德加所体验到的人生经验传达给我们。它也同样影响了20世纪立体派大师毕加索——他在他的“蓝色时期”的作品中也借助类似题材表达了他对下层普通人的同情。 中世纪的战争场景 德加 法国 1863年 色粉画 85x147cm 。
　　这幅《中世纪战争场景》描画了中世纪战争时对妇女的劫掠和杀戮。画面上士兵只是张弓对准绑在树上的裸体女子，场面并不象两军对垒那么血腥残酷。当然，在德加这幅画面前，切不可被其历史性的标题迷惑，这并非一幅“历史绘画”，这幅画就像戈雅的《战争灾难》系列版画一样，是在探索人类的残酷本性而已。德加对历史题材、宗教题材、神话题材基本上不感兴趣，他感兴趣的只有现实题材，特别是在他的创作成熟期。 贝列里一家 德加 法国 1860年 布面油画 200x253cm 。
　　这是德加青年时期最出名的一幅作品，展于1867年巴黎沙龙。这幅画以写实的手法描写画家的舅父母和两个表妹。画家在这里把全部注意力都集中在人物形象的描绘上了。人物似乎并没有摆姿势，但也不能说画家是一下子就抓住了他们。画中表现了贵族家庭文质彬彬的“良好教养”、他们的拘礼守法、他们那种绝不轻举妄动的不可一世和目中无人的神气。德加从背面去表现坐在扶手椅中的贝利尼先生，画家对舅母的相貌表现得细腻入微，所有的人物，正如在德加的心目中一样，主要是唤起一种肃然起敬的感觉。
　 手持紫罗兰花束的贝尔特·莫里索 马奈 法国 1872年。
　　莫里索是法国印象派团体中最出色的女画家。19岁的莫里索在罗浮宫临画时邂逅了年长她9岁的马奈。他身上有着饱满的沧桑，而她，恰处于最爱做梦的年龄，她习惯仰着优美的脖颈来凝视他，视他为人生导师，甘心成为他的模特。在这幅肖像画中，莫里索黑头布高高地将头发包裹起，黑围巾，黑裙子。而她青春焕发的脸穿透了马奈式的特有的浓黑。她的眼睛好大好亮。当她藏着青春的心事，以这忧愁的目光凝视着他，他竟不知，一颗芳心正在为自己而激烈跳动。这时的马奈正与他家的家庭教师热恋，她后来 于1874年嫁给了马奈的弟弟尤金，就再也没有为马奈充当模特。生活宁静，绘画有成，1895年莫里索53岁那年去世。 吹笛少年 马奈 法国 1866年 布面油画 161×97cm。
　　这幅画表现的是一个皇家卫队的年轻轻骑兵正在吹短笛的情形。这个吹笛少年以右脚为重心站立，左腿向外伸展，上身自然向左倾斜，手指在乐器的孔洞上按压，悠扬的音符流泻而出，脸上神情专注，谨慎的演出。这幅画中运用三种基本色调--红色裤子、黑色上衣以及赭石色的背景。红色裤子两边的黑色边线，与黑色上衣连成一气，红、黑两色间的关系，被马奈以金黄色的衣扣和吹笛少年肩上的白色披带突显出来。赭石色的背景，是既无横面又无竖面的抽象背景，赭石色的底色，以人物为中心，渐次向外加深，使吹笛少年处于明亮的空间中。这幅1866年的作品被官方沙龙拒绝，100年后它的价值达8亿人民币，原由私人收藏，后捐赠给政府。

 爱德华·马奈(Edouard Manet 1832-1883年)，法国印象主义画派的奠基人，于1832年出生在一个巴黎的中产阶级家庭，父亲是司法部官员，母亲是外交官的女儿。这位富家公子违背父亲希望他成为律师的愿望，投身绘画艺术，并以非凡的才能，打破艺术常规，开辟了西方绘画的一个新时代。马奈虽然常常被归为印象派画家，但他从没有参加过印象派画展，却积极向官方主导的绘画沙龙提交作品。《草地上的午餐》、《吹笛少年》均在官方沙龙落选，《奥林匹亚》虽入选沙龙却被斥为“粗俗”和“不道德”。直到1881年，马奈的作品才在沙龙中得到二等奖；次年，他的作品得以免审进入沙龙；然而1883年，马奈就与世长辞了。马奈去世后，人们才发现了他的艺术天才，著名作家左拉在一次展览前言中写道：“从前挖苦和嘲笑他的人，都向他脱帽致敬，并说他是全民公认的艺术大师。”

左拉肖像 马奈 法国 1867-1868年 布面油画 146.5x114cm 。
　　法国作家和艺术评论家左拉是马奈的好友。1866年，马奈的画作遭到巴黎沙龙展的拒绝，左拉撰文支持他。不久，马奈邀请左拉到自己的画室当模特，为他画了这幅肖像。这幅画被1868年的沙龙展接受，却遭遇大量的指责。从表面上看，画作像是在用传统的绘画技法展示作家在他的书房里的情景，然而，画中涉及的大量关于马奈的因素，使得这幅画更像是艺术家本人和作家之间的对话。在画面中，左拉面前展开的书页，文中讨论的正是马奈最崇敬的两位画家戈雅和委拉斯盖兹，马奈著名的画作《奧林匹亚》挂在墙上，同时，墙上挂着一幅日本版画，显示马奈对日本绘画的喜爱。桌子上，摆放的是由左拉撰写的，发表于1867年1月的，支持马奈的评论文集，文集的名字，恰好也同时成为整幅画作的签名。

1866年马奈作品落选后，左拉撰文评价马奈：“不会唱歌，也不懂什么哲学。他知道怎么画画，就这些。”左拉还写道：“我们前一辈人嘲笑了库尔贝，到了今天，我们都在他的画前流连忘返；今天又在嘲笑马奈，将来又该在他的画前出神羡慕了。马奈先生一定是巨匠，我对此坚信不移。”马奈写信给左拉，感谢他：“亲爱的左拉，你的精彩的文章，是给我的多么巨大的新年礼物啊，我感激不尽。这篇文章发表得正合时宜，在像你这样的人的支持下，我准备铆劲干了，相信我一定能够成功！”马奈一直在巴黎生活，拥有大量文学圈、艺术圈、音乐圈和政治圈的朋友，正是这些朋友，支持他的作品，充当他的模特，也成为他灵感的源泉。马奈把自己对朋友的感受、和朋友的关系融入进他的画作中。
　

马奈父母肖像 马奈 法国 1860年 布面油画 112.5x91cm 。
　　这是马奈第一次在官方沙龙展出的画。马奈1832年1月23日出生于法国巴黎的小奥古斯丁路5号，父亲是法国内务部首席司法官，母亲是法国驻荷兰公使的女儿，还曾被瑞典国王认作干女儿。父母起初希望他学法律或入海军学校，将来在法律行业任职。但他却两考不中，于是到一艘船上当了见习水手。在一次前往巴西的航海旅行中，他深深为大自然的美丽所吸引。回国后，他就说服双亲，于1850年进入古典画家库退尔的画室做了学生，1856年离开画室，1860画这幅画时，他已是一个具有扎实的传统功夫的画家了。1861，他在官方沙龙首次展出了《弹吉他的人》和这幅《马奈夫妇像》。画中马奈父母的表情都非常严肃，但能给“不务正业”的儿子当模特儿已经非常不容易了。 阳台 马奈 法国 1868-1869年 布面油画 170x124.5cm 。
　　马奈一生都在寻求学院派沙龙的认可，《阳台》最终为1869年的沙龙所接受。在这幅画中，马奈试图探究户外强光跟室内形象暗影之间的对比。画作右边的淑女连个像样的鼻子都没有，这样的处理方法在当时的人看来十分幼稚无知，但在户外阳光普照之下，圆凸的形象有时确实看起来是扁平的，仅仅像一些色斑，马奈真实记录了这种效果。整幅画的总体印象充满了真实的深度感。栏杆被画成鲜明的绿色，横切画面，全然不顾关于色彩和谐的传统规则。人们会感觉自己跟那一组阳台上的人物对面而立。《阳台》中有四个人物，左边的把胳膊放在阳台栏杆上目光忧郁的女人为女画家贝尔特·莫里索，后来嫁给了马奈的弟弟。右面是年轻的女小提琴演奏家芬尼·克劳斯，画中的她正在脱下自己的手套。中间这个显得踌躇满志的是风景画家安东尼·基勒梅，而画作后面隐约出现的男孩，正是被马奈称为“小弟弟”的莱昂。 洛拉·德·瓦朗斯像 马奈 法国 1862年 布面油画 123x92cm 。
　　这不是一幅真正意义上的印象派画作，在这幅作品中，马奈没有把造型完全溶入“光”与“色彩”的表现中、而是体现出对固有色的敏感，如瓦朗斯的白色纱巾、黑花裙子等，都成为他绘画的基础。同时，他在大面积明暗对比中，展示出技艺高超的古典技法。这幅肖像画标志着马奈炉火纯青的油画艺术与独特的艺术思考。 真理 勒菲弗尔 法国 1870年 布面油画 265x112cm 。
　　这是具有象征意义的构思。真理被一个美丽纯真的裸体少女，一手高举着“光明”，一手紧握一根绳索，形象他说明了真理既复杂又单纯。画家以浪漫主义绘画的手法，描绘了身材修长的窈窕少女，少女纯净的眼睛凝视前方，体态匀称，曲线流畅，富于青春活力。无疑，美丽的裸体少女是真理的象征，也是艺术理想的象征。少女纯净的眼睛凝视前方，恰如其分的表现出追求真理过程中的平静和执着。这幅作品的出名在于：“经过艺术家们的进一步加工修改，成为美国自由女神像的最初的造型”。

埃朱尔斯·约瑟夫·勒菲弗尔（Jules-Joseph Lefebvre 1834-1912）法国画家。1836年3月14日出生, 1852年进入国立高等美术学院学习。像一个典型的学术派艺术家，他以传统题材的历史和其他的叙事开始了他的职业生涯。后来专注于人像，特别是女性裸体画，给他带来了成功。1861年，他以历史画《普里阿摩斯死亡》赢得了著名的罗马大奖。在1855年到1898年期间，他在巴黎沙龙展出了72幅肖像画。他的许多画作都是单一的美女肖像，最著名的人体画是《真理》。

裸女和狗 库尔贝 法国 1868年 布面油画 65x81cm 。
　　这幅画中女主角的脸孔和躯体皆比不上传统公认的标准美人，维纳斯。库尔贝是以他的朋友莱奥婷·雷诺为模特儿。库尔贝用自己的方式诠释女性气息，长得匀称具备农村女人的结实打破传统浪漫主义审美观，他执意为存在的对象找寻最完美的存在表现，而不是幻想堆砌浪漫。画面上，纹理清晰的岩石，不远处快隐匿的光线，一圈一圈往上堆积奔涌的潮水，在灰暗的冷色调中，坐著一个肥胖裸女，她正在逗弄狮子狗，她的左手挽著牠毛茸茸融的背，獗著嘴迎接狗儿的亲吻。这个女人，细腻的笔法，自然的色彩描绘出娇嫩润滑的皮肤，身体弯曲优美成弧线，她褐色的头髮蓬松散乱著，眼神专注，姿态优雅，手依附在大腿上，双腿倾斜著，洁白高耸的乳房，丰满的屁股，还有遮掩不住微微拢起的小腹，右脚的大拇指略微激动的上扬，整个人却臃懒的软软靠在左腿，裸女翘起脚趾并亮出橘红色的大脚底板。这只憨厚可鞠的狗，温顺谦卑的半蹲在地上，前肢搭在裸体女人左膝盖，用它灵敏度一向极高的鼻子企图嗅出宁静空气中隐藏的味道，嘴紧闭却不慌张，眼神与女人四目相对，狗的眼神显示出特有地忠诚。 受伤的男人 库尔贝 法国 1854年 布面油画 98x82cm ，库尔贝把自己画入作品中，反映了这个35岁的年轻艺术家对从北欧到威尼斯的前辈艺术的折衷主义思考，以及对后期浪漫主义风格的兼收并蓄。库尔贝在画中彰显了已经定型的气质和他对自己赖以成名的才华的自信。这张双目紧闭、浑然忘我的脸庞还流露出了内省的情绪。他把自己比做失败的决斗者或是刚和恋人分手的受挫男子，仿佛在吐露内心的感受。这幅作品的笔法虽然是写实主义的，却也被赋予了沿袭浪漫主义肖像画中所特有的充沛情感。库尔贝后来因巴黎公社起义被捕入狱，直到在他生命最后几年创作的《圣佩拉吉的艺术家肖像》，艺术家本人的形象在画中都是无所不在的。他主要采用寓意等方法来表现。   系皮带的自画像，居斯塔夫·库尔贝（Gustave Courbet 1819－1877）是法国大名鼎鼎的画家，是现实主义大师。他生于奥尔南一个农场主家庭，早年学过法律，以后改学美术，1839年他到巴黎学画，1841年，他的父亲送他到巴黎念大学，要他学习法律，但他却立志做一名画家，创作了许多优秀的现实主义作品。他也是一位革命者，1871年，他参加了著名的巴黎公社起义，被选举为巴黎公社的美术委员会主席，他在巴黎公社失败后被捕入狱，出狱后流亡瑞士，在贫困和疾病中死去，终年58岁。 雷雨后的峭壁 库尔贝 法国 1869年 布面油画 133x162cm。
　　画家以面向生活的原则，以写生为依据，描绘了雷雨后的峭壁、海湾、小船。特别是峭壁的描绘雄伟壮观，成为整幅作品的焦点，并支撑着画面的结构。这是画家胸襟与精神的艺术映象，它坦荡、辽阔、博大，奔腾不息的奇伟景象给人以深刻印象。   《画室》（居斯塔夫·库尔贝）的全名叫《画家的工作室——一个现实的寓意，概括了我7年来艺术生活的情况》。关于此画的内容﹐画家本人在致友人的一封信中作了解释:“我在中间作画。右边是我的同道﹐我的朋友﹑工人们﹑热爱世界和热爱艺术的人们。左边是另一个世界﹐日常生活的世界﹐人民﹑忧愁﹑贫困﹑财富﹐以及那些损害他们的人﹐还有生活在死亡边缘的人们。”画家的立意在于展示自己从1848年以来的艺术创作生涯，并寄寓一种意味深远的社会哲理。在这幅画中描绘了三十多人，每个人物都有自己的寓意：画面中间是画家自己正在画一幅风景，画前小孩代表“无邪的眼睛”；裸体女模特儿代表画家心目中的缪斯，或真理；画幅背后一个十字架上钉着圣徒圣赛巴先，代表僵死的学院派艺术。总之画中出现的人和物都有一定的寓意，看来十分费解，但它体现了画家的民主思想和现实主义的艺术方向。这幅画构图完整、画面气氛和谐，以及色彩的统一是无与伦比的，画面中心的裸体更是美妙绝伦，丢在地上的粉红色衣服就是一幅极好的静物画。这幅巨画显示了画家很强的把握复杂构图的能力以及画家写实的造型和色彩技巧，画的物象具有充分的质感和量感，这一切都表明库尔贝是伟大的现实主义大师。1855年，巴黎举办世界名画展览，评审委员会拒绝接受库尔贝的这幅《画室》，原因是太具有社会主义性质。于是画家决定就在世界名画展附近租一间房子单独展出这件作品，并题名为“现实主义展览馆”，同时发表“现实主义宣言”，现实主义艺术流派因此而得名。 拾穗 米勒 法国 1857年 布面油画 83.5x111cm。
　　这幅画是米勒最重要的代表作，这是一幅十分真实的，亲切美丽，而又给人以丰富联想的农村劳动生活的图画，描写了农村中最普通的情景：秋天，金黄色的田野看上去一望无际，麦收后的土地上，有三个农妇正弯着身子十分细心地拾取遗落的麦穗，以补充家中的食物。她们身后那堆得像小山似的麦垛，和她们无关，表达了米勒对农民艰难生活的深刻同情。

 让·弗朗索瓦·米勒 Jean-Francois Millet 〔1814-1875年〕，是法国近代绘画史上最受人民爱戴的画家，也是法国巴比松派的代表画家。出生在诺曼底省的一个农民家庭，青年时代种过田。他创作的作品以描绘农民的劳动和生活为主，具有浓郁的农村生活气息。他用新鲜的眼光去观察自然，反对当时学院派一些人认为高贵的绘画必须表现高贵人物的观念。他爱生活、爱劳动、爱农民。他在巴比松的第一幅代表作品是《播种者》。以后相继创作了《拾穗者》和《晚钟》等名作。他说：“我的一生中除去田野外我什么也没有看到过，我只想尽我的能力把它们表现出来 。”

温水浴室 夏塞里奥 法国 1853年 布面油画 171x258cm。
　　这幅表现浴女场面的大型作品，是按照严格的透视法来描绘的，人物依照建筑物的景深而做了相应的配置。最先跃入人们眼帘的是画中央正在扬起双臂而裸露上身的女人，她面容姣美，身体健美白皙，流线形的曲线优美动人。身前的另一位着衣露背的女性似乎被她的美所吸引，其余的女性都围坐在大型的台状炉旁。人物的姿态各异，画面很宁静。画家想通过所描绘的古代风俗来表现女性的肌肤和人体美。只活了37岁的夏塞里奥，在肖像画方面显示出超人的才能，他于1853年从庞贝浴室遗迹得到灵感创作了此画。

泰奥多尔·夏塞里奥（Theodore Chasserian 1819-1856年）是法国浪漫主义画派画家，他因为曾经到阿尔及利亚旅行所以画过许多东方风味的绘画。他出生于中美洲的圣多明各岛，3岁时随父移居巴黎，11岁时进入安格尔画室接受系统而严格的学院派艺术教育。在他15岁时安格尔重返意大利，他从此又接受德拉克洛瓦的艺术影响，于是在他终生的艺术活动中都似乎在做一种努力，即把安格尔冷漠而坚实的造型与德拉克洛瓦热情而响亮的色彩结合起来。他是综合其老师安格尔新古典主义画风和德拉克洛瓦的浪漫主义色彩的最有代表性的后继人。他所描绘的女性形象，具有独创性，而且有一种奇特的诗意，可惜他的艺术生涯太短了些，由于肺病难治，于37岁时离开了人世。

悠闲 高更 法国 1892年 布面油画 75x94cm。
　　这是高更最优美的一幅描绘南太平洋岛屿的风情画。1891年，43岁的高更开始厌倦巴黎社会，离家到了南太平洋的塔希提岛（Tahiti夏威夷与新西兰之间的法属小岛），在这里拼命作画，描绘了塔希提如梦如幻的诗意境界，直到1903年去世。这幅画中，两位坐在草地上的塔希提少女，袒露着饱满丰腴的褐色胴体，一个悠然地吹着牧笛，一个专注地侧头凝视。前面有一只红色猎犬在警觉地嗅着，后面绿色草地上徜徉着慵懒闲散的土著男女，旁边热带大树上开满鲜花，一切都显得温馨而宁静。整个画面富有异域情调，并透出一种神秘的气息，表现了画家对塔希提风光和土著居民的热爱。正一艺术原创首发。此画原画名为《阿里阿里阿》，塔希提语，“消遣”的意思。

 高更（1848—1903）幼年时住在秘鲁的首都利马，那儿是世界有名的“无雨之城”，终年没有降雨，更别说下雪了，在高更的记忆里充溢着阳光、绿荫和五彩缤纷的南国风物。因此，在描绘欧洲大陆的雪景时，始终以“异乡人”自居的高更倾述于笔下的恐怕是满腹的乡愁吧。不管怎样，他在运用色彩方面的“主观性” 是与生俱来的，是完全不同于莫奈与西斯莱的光影混色法的。画面中的暗部是由深浅不同的赭色涂抹而成，而赭色之于高更，正如同墨色之于任何一个中国水墨画家，是一刻也缺少不得的。这种赭色是深耕过后的土壤的颜色，是饱经日晒的印第安土著人的肤色，也可以毫不夸张地说，是高更血液中流淌的颜色。

沙滩上的塔希提女人 高更 法国 1891年 布面油画 69x91.5cm 。这是一幅描绘塔希提普通女人的画。一提到高更的塔希提画，就会让人想起蓝蓝的天空海洋，茂密的热带丛林，丛林间的绿色草地，草地上嬉戏的男女，淳朴、善良而痴情。画中两位坐在沙滩上的少女，一个闭目养神，一个用黑白分明的眼睛疑惑地看着我们，不知道是好奇，还是惊慌。画的背景并不复杂，黄沙、绿海、红衣，一切都显得宁静浪漫。正一艺术认为，高更的塔希提画作就是这样，洋溢着神秘浪漫的情调，充满了原始古朴的风味，既有丰富的象征意义，又有奇特的装饰美感，使得高更的作品独树一帜，深受人们的喜爱。 午间休息 凡高 荷兰 1890年 布面油画 73x91cm 巴。
　　这幅画是梵高在圣雷米精神病院治疗期间，临摹米勒同名画。描绘的是一对农民夫妇在正在收割成熟的麦田，累了一个上午，中午饭后躺在麦垛边休息的情景。梵高在这幅画作中，将乡间盛夏宁静午后的热情都释放了出来。画面除了左上方的一小块蓝色天空外，其他部分全部被黄橙橙的麦田、麦垛所覆盖。男人的边上放着脱下来的鞋子和两把镰刀，将草帽遮住脸，头枕双手，似乎并没有睡着；而他边上的妻子，感觉好累好累，依偎在丈夫的胸前，沉沉睡着了。

　　这幅画是梵高临摹的法国第一位伟大的风景画家米勒的作品，是向大师的致敬。米勒是法国最伟大的田园画家，一位现实主义大师。梵高一向对米勒推崇备至，他对米勒的敬仰终生未改。梵高像米勒一样关注世人疾苦，内心蕴藏着深厚的爱，并借助作品来传达爱。梵高对米勒画作的临摹和再创作，人们能够体会到二者对同一主题的不同理解和不同表现手法，也能看出两种绘画风格的鲜明对照。从两两对应的作品中，既可以领略梵高是如何将米勒的简练、朴素、凝重演绎成梵高的色彩鲜明、生气勃勃、狂野奔放。米勒的《午间休息》收藏于美国波士顿美术馆。

花园里的玛格丽特 凡高 荷兰 1890年 布面油画 46x55cm 。
　　这幅《花园里的玛格丽特·加歇 Marguerite Gachet in the Garden》是凡高创作于1890年6月的一幅油画。画中的女子是加歇医生的女儿玛格丽特·加歇。花园是瓦兹河畔奥维尔花园。画家把景色的美与女孩的美描绘在一起，表达出梵高内心对美的追求。并且，梵高运用色彩关系，使效果好到极点，超越了现实美。 日本花瓶里的玫瑰和银莲花 1890年6月 奥维尔 布面油画 51x51cm 阿尔的女人 凡高 荷兰 1888年 布面油画 92.5x73.5cm 。
　　这幅作品 是凡高描绘的具有阿尔当地特征的妇人肖像。1888年2月，梵高在朋友推荐下来到法国南部小城--阿尔，并很快爱上了这儿。阿尔的女子以具有“地中海地区特有的美”而著称,凡高花了几个月的时间寻找具有此种特征的模特。他终于找到了一个合适的阿尔人，名叫玛丽·吉努，她跟丈夫一起经营一家档次不高的车站咖啡馆，梵高和高更都经常去，并以她为模特。凡高把这个咖啡馆画进了《阿尔夜间的露天咖啡馆》那幅作品里。在吉努太太的这幅肖像里，梵高用很多脸部轮廓线来表现吉努太太陷入沉思，手套和阳伞为女主人公的普罗旺斯装束增添了新潮气息。 铜花瓶中的皇冠贝母 凡高 荷兰 法国 1887年 布面油画 73x60cm 。凡高1886年来到巴黎，受到最后一次印象派联展的回响以及点描派所主张的新理论的影响，使他改变以往晦暗的描绘方式。这幅《铜花瓶上的皇冠贝母》是他尝试新画法的早期作品，表现铜制圆花瓶中茂密的花卉，是凡高作品中骤现清澈明亮色彩的证明。在其相当平面的透视中，也显示了来自日本版画的影响。这幅画作的着色方式因运用橘和蓝的对比色而使主体更加突出。蓝色的背景充满许多明亮的小笔触，显得极富活力及表现性，可以说是对点描派技法的回顾。 自画像 凡高 荷兰 1889年 布面油画 65x54.5cm。
　　这幅画经常被奥赛博物馆作为广告。凡高创作过20几幅自画像，这是最后第二幅自画像，梵高把这幅自画像看作自己神志正常的标志。他在弟弟的信中说：“我希望你能看出我面孔比过去平静得多了，尽管在我自己看来我的神色比以前茫然呆滞了些。我带有另外一幅，那是我在病中试着画的，不过我觉得你会更喜欢这一幅，我在创作这幅画时有意画得简约质朴些。等你见到老毕沙罗时，把这幅画给他看看。”与梵高自己看法正相反，这面孔绝非平静，表情也绝非茫然呆滞；更准确地说应该是坚定、专注、决不退缩。作者用旋动的冰蓝色笔触描绘出似乎在颤动的背景，背景衬托出身着中产阶级上衣和坎肩、留着桔红色头发和胡须的画面主公，同时画家的面孔又出现了我们所熟悉的气质性光彩。凡高这幅作品的目的即是暗示自己要恢复信心

 文森特·威廉·梵高（Vincent Willam van Gogh，1853－1890），中文又称”凡高”，荷兰后印象派画家。他是表现主义的先驱，并深深影响了二十世纪艺术。1853年，梵高生于津德尔特，早期因为表达内心的悲痛，曾割断了自己的耳朵。1890年在法国瓦兹河畔因患精神病自杀身亡，年仅37岁。早年经商，后热衷于宗教，1880年以后开始学习绘画。曾在巴黎结识高更等画家。 早期作品受印象主义和新印象主义画派影响,后来受革新文艺思潮的推动和日本绘画的启发，大胆探索自由抒发内心感受的风格。代表作：《向日葵》、《夜晚的咖啡馆 》、《星月夜》、《割耳朵后的自画像》、《奥维尔的教堂》、《罗纳河上的星空》、《梵高在阿尔勒卧室》、《加歇医生》、《鸢尾花》、《乌鸦群飞的麦田》等，包含着深刻的悲剧意识以及强烈的个性和形式上的独特追求。

奥维尔的茅草农舍 凡高 法国 1890年6月 布面油画 72x91cm 。凡高在去世前一个月画下了最美的一幅茅草农舍。凡高在信中说过：“奥维尔这地方非常美，那些越来越少的古老茅屋，更美！”1890年5月21日，梵高从阿尔附近的圣雷米 精神病医院搬到奥维尔接受加歇医生的治疗。奥维尔小镇位于巴黎近郊30公里的瓦兹河右岸，古色古香，极具19世纪风格。此时37岁的梵高在奥维尔度过他生命中最后的七十天，在此创作了七十余幅巨作，《奥维尔的茅草农舍Thatched Cottage at Cordeville》便是其中一幅。这幅画凡高继续用自己擅长的深青色、藏青色，笔法更显得自在阔达，宛如深藏在自然中魅惑的根源，被他的笔尖诱上了画布。柔软的笔触时而强、时而轻，缓急轻重，挥洒自如，整个画面让人惊叹不已。 奥维尔的教堂 凡高 法国 1890年6月 布面油画 74x94cm 。
　　这幅画是凡高晚期作品的代表作。1890年5月21日凡高来到距巴黎不远的小镇奥维尔接受加歇医生治疗，并继续创作。在奥维尔, 凡高的画以深青色、藏青色为主。他一生中对于社会的不理解所作的抗争, 对于真善美所作的追求, 还有生存中的苦恼与欢乐, 似乎都孕育在这天空的蔚蓝里。他那浓重而扭曲的笔画、所用的厚厚的颜色可以看出他十分强烈、几乎疯狂的内心感受。他写给妹妹的信中说:“这一张画与在纽南画的古塔、坟墓等习作, 似乎很相似, 只是现在所用的色彩, 或许更富于表现力、更为华丽。”凡高由纽南的教堂开始, 经过不同的时期, 最后走到奥维尔教堂, 完成了他生命和绘画的旅程。1个多月后，1890年7月29日，他自杀身亡了……  阿斯尼尔的美人鱼餐厅 1887年春 巴黎 布面油画 54x65cm 加歇医生的花园 1890年5月 奥维尔 布面油画 73x51.5cm  加歇医生 凡高 荷兰 1890年6月 布面油画 68x57cm。
　　这幅画凡高于1890年6月，也就是在自杀前一个月，为精心照顾他的加歇医生画了这幅肖像。凡高说:“我希望画一位艺术家友人的肖像，他满怀伟大的理想。我希望把我对这个人的感觉和爱慕之心画进作品里。我夸张了他的头发的金黄色，在头像后面我不画小屋的普通墙壁，而用我调配得极为丰富、极为强烈的蓝色涂出无限深远的背景。由于这种单纯的配合，使金黄色头发的头部，在这丰富的蓝色背景上发光，像星星嵌在深沉的碧空中。”他画这个像的时候，他写了一句话:“人们也许会长久地凝视它们，甚至在100年后，带着渴念追忆它。”他的话有幸被言中了，正好一百年以后，1990年5月15日另一幅《加歇医生》在纽约克里斯蒂拍卖行以8250万美元成交，创下了当时艺术品拍卖价格的世界最高纪录，这个纪录一直保持到2004年5月5日，稳坐世界最昂贵艺术品宝座长达14年之久。

加歇医生生于1828年, 死于1909年, 是一位精神科医生, 与许多印象派画家有交情, 他自己也作画, 并收集许多美术品, 尤其是印象派作品。凡高在信中记述他们初次见面的情形, 说他给人一种与众不同的印象。以加歇医生为模特儿的肖像画, 有油画两张, 版画一张。关于这一幅, 梵高认为与他在圣-雷米时期所画的自画像同调, 而弯曲螺旋式的线条, 则与阿尔时期的肖像画中单纯化色面可视为一体, 正可以表明加歇医生沉郁、心烦的情绪。背景、笔触方向、色彩的装饰与转调等等一切形体的要素, 都凝聚其间, 因而这张画成为控优越的肖像画之一。另外一幅在1990年纽约克里斯蒂拍卖行3分钟内以8250万美元的价格被日本第二大造纸商Ryoei Saito拍得，已被私人收藏。两幅画的区别就是第二幅画在桌上摆了两本黄颜色的书。

两个女孩 1890年6月 奥维尔 布面油画 51.2x51cm  凡高在阿尔的卧室 凡高 荷兰 1889年 布面油画 57.5x74cm。
　　这幅画是凡高最著名的作品之一。鲜明的色彩、非凡的透视效果和亲切的主题，不仅是凡高最受欢迎的作品, 也是他自己最中意的作品。阿尔是法国南部普罗旺斯一座小城，凡高是1888年9月搬入阿尔这间“黄房子”, 靠弟弟提奥供给的生活费, 把住宅布置一新。梵高的的卧室是宁静平和的象征，但这幅作品给人一种旋转的感觉，从梵高画的角度来看，所有的墙壁和装饰带有视觉冲击的感觉，给了我们在波涛汹涌的大海上船舶机舱里的印象。奇怪的是两把椅子对着一张笨重的木制床，家具阻挡着两扇紫色的门，墙上的画给人感觉几乎随时都会掉下来，而且墙壁本身不是方形的，斜角的天花板和黄色的百叶窗显得非常困乏，整个房间似乎都拥挤到后面窗口边上狭窄的一块地方。但不管怎样，整个效果给人感觉是非常愉快的。 意大利女子 凡高 荷兰 1887年 布面油画 81x60cm 。
　　凡高这幅1887年作品《意大利女人》，采用象征性的背景构图风格，人物的装束和手上两枝垂头的康乃馨都表现了这是一个来自乡下的姑娘，裙子颜色红配绿、背景黄配金色都表现出活力。这个意大利女人也曾出现在凡高别的作品中，名叫阿戈斯蒂娜·塞加托里，巴黎克里西大街上堂布岚饭店经理。正一艺术原创首发。这幅画原作名为：Italian Woman (Agostina Segatori)翻译过来就是《意大利女人》，括号里的是人名。国人将它译作《手拿康乃馨的女人》，纯属看图说话式的编撰，作者只是画了康乃馨，但题目中根本没有这个词语。 自画像  尤金·博赫的肖像 凡高 荷兰 1888年 布面油画 45x60cm 。
　　这是凡高朋友的肖像。凡高是个孤独的天才，他的朋友很少，虽然他画了很多肖像画，但跟他有交往的朋友肖像寥寥无几，有精神病专家加歇医生，有颜料商唐基老爹，有兵营军官米利耶中尉，有放牛老汉埃斯克利耶，有邮递员鲁林，还有就是这个在天青石蓝背景衬托下穿着黄西装的博赫。尤金·博赫（Eugene Boch 1855-1941）生于圣瓦斯特，他和劳特累克曾经是法国历史画家柯尔蒙（1845-1924）的学生，后来成为比利时画家，凡高的好友。他的画名气不大，倒是凡高给他画的这幅画名气很大，因为许多人把他当作凡高了。 罗纳河上的星空 凡高 荷兰 1888年 布面油画 72.5x92cm 。
　　这幅1888年作品《罗纳河上的星空Starry Night Over the Rhone》，是凡高最有影响力的作品之一，是在法国南部城市阿尔的罗纳河创作的。冷色迷人的深蓝短线铺满整个夜空，强而有力的笔触表达出夜的深沉神秘与无法预测，而点缀其上的微明星子，与倒映在河面上的瓦斯灯灯影相互辉映，表达出画家澎湃的内心。寥寥几笔勾勒出河岸线，着重点是天空和河面，右下角的点睛之笔动态的河面拍打停泊的小舟，一对夫妇的散步把画面直接衍生到弧形的河岸。蓝色主调抹上黄调的星光河沿岸灯火，一对男女在河畔牵手夜行，那是罗纳河最典型的浪漫之夜。  红磨坊的舞会 1876年，　　雷诺阿（Pierre Auguste Renoir，1841-1919年），法国画家，印象派运动的领导人之一。作为最受欢迎的印象派画家之一，他的画反映了对人类的关注和对生活的热爱。雷诺阿运用了明亮的色彩、温和的轮廓线和柔软的笔触来刻画19世纪末期原生态的，迷人的巴黎生活场景，他的作品中渗透着一种温暖和宁静。他所画的女性丰满娇丽、妩媚动人，目光中常常流露着淡淡的忧郁。很多艺术史学家认为雷诺阿是表现女性题材最为出色的画家之一。他画儿童，天真纯洁。他是位卓越的人物画大师。这幅作品描绘出众多的人物，给人拥挤的感觉，人头攒动，色斑跳跃，热闹非凡，给人以愉快欢乐的强烈印象。画面用蓝紫为主色调，使人物由近及远，产生一种多层次的节奏感。画家把主要精力放在对近景一组人物的描绘上，生动地表现出人物脸上的光色效果及光影造成的迷离感，渲染了舞会的气氛。就总体看，他保留着印象派对外光与色斑的留恋，使画面的总体色调、气氛有一种颤动、闪烁的强烈效果。这幅画在1990年5月17日纽约苏富比拍卖行拍出7810万美元高价。
雷诺阿《弹钢琴的女孩》 布面油画 116x90cm 。作于1892年，是法国政府向雷诺阿购买并永久收藏的第一幅作品。其表现主题依然是天真烂漫的少女，两位女孩认真阅读摆放在钢琴上的琴谱，一个坐着抬头仰视，一个站在旁边，一手撑在椅子上一只胳膊放在钢琴上，低头看琴谱，构图精美，色彩极为柔和优美，线条顺畅，整个画面充满一种甜美纯真的氛围。而作者当时已经身患重病，境况非常不好，这些我们在其作品中是根本没法看见的。   蒙马特露台咖啡馆 凡高 荷兰 法国 1886年 布面油画 49x64cm 。这是凡高画的无数咖啡馆中的一个，不是在阿尔，是在蒙马特。记得有一首诗非常有意思：一千年一万年，也难以诉说尽，这瞬间的永恒，你吻了我，我吻了你，在冬日里，在朦胧的清晨，清晨在蒙马特，蒙马特在巴黎，巴黎是地上的一座城，地球是天上的一颗星。这个“蒙马特”，又叫“蒙马特高地”，其实是巴黎北部突然隆起的一座小丘，海拔130多米，这对于处在盆地之中的巴黎而言，可谓是上帝造就的一处最佳的“观景阳台”。这观景阳台上的咖啡馆是不是也很特别啊！把一间像篱笆围起来的咖啡馆点染成茫茫世界上一个浓色暖调的温馨角落。

1853年凡高出生于荷兰南部的布拉邦特。虽然父亲只是一个新教牧师，但梵高家族在荷兰却是赫赫有名：一个叔叔是荷兰海军的最高指挥官；另外三个叔叔都是画商，控制了当时世界上最大的画店——古比尔画廊一半以上的股权。在梵高16岁那年，没有子嗣的文森特叔叔安排他进了古比尔画廊的海牙分店当店员，后来又调往伦敦分店。在那里，20岁的梵高发了昏地爱上了房东的女儿厄休拉——一个已经订了婚的姑娘。这场失败的初恋使得梵高全无工作状态，失去了这个对他意义重大的工作，失魂落魄地回到荷兰。考大学失败之后，他想成为一个正规牧师的希望也破灭了。只能接受一个非正规的教职，去最穷的矿区担任教士，每月只有可怜的50法郎。即便是这样一个工作，最后也丢掉了。再次回到父母身边的梵高，又灾难性地爱上了丧偶不久的表姐凯·福斯。这场不体面的单恋，让亲戚们感到厌恶和难堪。从此，他不再是家人眼中的宠儿，而是一个失败者、一个让家庭蒙羞的人。家人对他的这种态度，刺激了梵高得到他人承认的渴望。1882年，不到29岁的梵高，前往海牙开始学习绘画，他决心成为一个职业画家。四年后，梵高来到巴黎与弟弟提奥住在一起，开始接触印象派绘画。他和提奥一样，都是法国浪漫主义画家蒙蒂切利的忠实拥趸。梵高此后的作品几乎总是把油彩涂得很厚，就是受了蒙蒂切利的影响。他说：“蒙蒂切利教会了我用色。”在提奥的引荐下，梵高很快就与毕沙罗、西涅克、劳特累克等人成为好朋友。这幅《蒙马特露台咖啡馆》就是凡高来到巴黎不久画下的。　

两浴女 雷诺阿 法国 1918-1919年 布面油画 46.5x38.5cm。
　　1918年，雷若阿临终前一年，完成这幅浴女图，可谓他的“天鹅之歌”，就像天鹅将死之前发出的最嘹亮的鸣叫。这幅画在颜色饱满充实的风景中勾勒出由同心圆组成的裸女形象，弯曲的身躯恰似起落的山丘，淡红色的脸庞被置于颤抖的颜色变化之中。画中的裸女之美已然表现得淋漓尽致。画面可见五个浴女，近处两个斜卧的裸女体态作了夸张，她们的胸、下巴、手肘和膝盖都浑圆大度，显现出雷诺阿对人体曲线美的独到体验。画中的模特儿是蒂蒂，后来作了他的儿媳妇，她也有雷诺阿喜欢的身材，小而坚挺的胸脯和小腰身，在雷诺阿的晚年作品中，她扮演了重要角色。比之古典画家们的裸体，雷诺阿表现的更多的是一种雷诺阿式的温柔和肉感，流淌着炽热的情欲，肌肤表面的用色非常红润，甚至你会觉得太红了点，好像这些裸女都沐浴在朝霞中。但雷诺阿的人生大半实在不如他的画那样灿烂。从小贫寒、文雅的雷诺阿，从照片上看，体型偏瘦、其貌不扬。上过普法战争战场的他也一准儿是小兵蛋子一个。既不能在战场上建立功勋，又无力在现实中获得尊荣，除了画画一无所成的他，估计前半生没有得到过同性的太多尊重。41岁时，雷诺阿开始被越来越严重的风湿性关节炎控制，疼痛无时无刻不在折磨着他，对画家来说最要紧的手指也严重变形了。可是，他没有停止过作画。他画了很多裸体画，从来不给人以色情的感觉，反而深具纯洁、优美、健康的格调。终于，雷诺阿晚年被法国政府授予了荣誉骑士勋章。1919年，78岁的雷诺阿迎来了他一生中最重要的标志性事件：他的作品被挂到了神圣的卢浮宫。巴黎美术学院院长为表达对这位艺术家崇高的敬意，将宏伟的展厅只为他一个人开放。衰残的雷诺阿被人们抬着，从一个展厅慢慢看到另一个展厅。此时，距离他逝世，只有四个月。多么浪漫、多么荣耀、多么独特的向生命告别的仪式！ 乡村之舞 雷诺阿 法国 1883年 布面油画 90x180cm 。
　　雷诺阿的《城市之舞》和《乡村之舞》两幅画是成对设计的。《城市之舞》是在优雅的舞厅，而《乡村之舞》是在乡村的树下。《城市之舞》温文尔雅，服饰凉爽；《乡村之舞》热情奔放，尽管餐桌狼藉，帽子丢弃于地，女主角的笑容，给人以温暖。这两幅作品中，画家试图用更精确更细楚的笔触，以脱离他早期的印象主义风格。《乡村之舞》中这位圆脸带笑妙曼起舞的女郎，便是雷诺阿的妻子亚琳。亚琳那种天真单纯的快乐，是雷诺阿最喜爱的女性特质。

三十九岁时的雷诺阿，有一天在画室附近的餐厅遇见一位名叫亚琳的女子，亚琳成为雷诺阿日后的生活伴侣。亚琳·夏丽格（Aline Charigot, 1859-1915）是法国埃索尔人，1859年5月23日出生，母亲是裁缝师，父亲是肉贩。少女时期的她丰腴、俏丽，拥有南方人的善良纯朴个性。1879年两人相识，亚琳正值芳龄20岁，开始出现雷诺阿的绘画之中。两人的关系从《船上的午餐》作品开始转为密切，画面前景逗弄小狗的女孩就是亚琳。不愿被婚姻子女束缚的雷诺阿，无意到乡间居住，亚琳的爱情让他颇感压力，再加上创作遇到了瓶颈，于是1881年雷诺阿开始到南方旅行，从诺曼底、阿尔及利亚和意大利等地。翌年他回到了巴黎，仍无法忘怀对亚琳的爱意，于是两人复合。1883年《乡村之舞》中系着红色头巾翩翩起舞的女孩就是她。1885年两人的第一个孩子皮耶出生，1890年才正式举行结婚。1894年生次子尚，1901年生三子克劳德。此外，1887年三位《浴女》中间的金发女子，《母与子》中哺乳的母亲，也是以亚琳为模特儿。从少女到为人父母，雷诺阿记录了亚琳各阶段的动人身影。

城市之舞 雷诺阿 法国 1883年 布面油画 90x180cm 。
　　这幅画是雷诺阿在1883年受著名画商杜朗·鲁耶之托完成的，同时完成的还有另外两件作品《乡村之舞》和《布吉瓦尔之舞》。《城市之舞》、《乡村之舞》两幅藏在法国巴黎奥塞艺术博物馆。《布吉瓦尔之舞》被美国波士顿艺术博物馆收藏。这幅优雅的城市之舞，由一位本身也是画家的女性苏珊.瓦拉东为模特。苏珊曾给巴黎许多知名艺术家当过模特，过着放荡不羁的生活，但雷诺阿无意显示她的专业特质，依旧将她描绘成柔婉的传统女性。  这位女模特苏珊·瓦拉东（Suzanne Valadon, 1865-1938）不是等闲之辈。她原是一名洗衣女的私生女，自幼际遇坎坷，9岁时开始打零工维生，后来又在马戏团担任特技演员。16岁时在替母亲送洗烫好的衣服时遇到了大贵人，也是象征主义绘画大师夏凡纳，开始了模特之路，之后好运气一直伴随。她曾先后担任夏凡纳（1824-1898）、劳特累克（1864-1901）雷诺阿、德加等画家的模特儿。她和巴黎艺术家交往密切，性自由奔放，艺术家的情人后来也成了艺术家，1894年，瓦拉东成为在国家古典艺术展会参展的第一位女画家。她的绘画题材比较广泛，包括静物、肖像和风景，其裸体女性绘画最为知名，且画面色彩鲜明。她一生未婚，18岁时也生下一私生子尤特里罗（1883-1955），也成了一名画家。雷诺阿的《布吉瓦尔之舞》的女舞者、《编辫子的女孩》和《浴女》前景的女子都可以见到苏珊的身影。 阳光下的裸女 雷诺阿 法国 1876年 布面油画 64x80cm 。
　　这是雷诺阿生前所作的最具争议的一幅画。1876年的雷诺阿显然对自己还不是很自信，他将这幅画拿去送展时将其称为“半身像与阳光效果的习作”，以避免指责。但评论家们却对他刻薄依旧，“那么，让我们告诉雷诺阿先生，一个女人的上半身不是一堆布满只有完全腐烂的尸体才有的绿色的紫色斑点的腐肉。”其实，这正是画家的独具慧眼。雷诺阿观察到，在阳光照射的女人体上，由于受到周围环境的影响，那一般从习惯上认为总是粉白的肉体，实际上呈现出千变万化的色彩，有的地方是冷色调，有的地方是暖色调。只有捕捉到丰富的种种色彩组合，才是捕捉到了现实中真实的瞬间景象。画中这位19岁的姑娘安娜，就是这样出现在我们跟前的，那轻快点染上的一个个色彩笔触，使她具有了无限生动的真实感。   蓝色睡莲 莫奈 法国 约1916-1919年 布面油画 81x92cm。
　　莫奈的巨幅“睡莲”系列作品共有181幅，是他一生中最辉煌灿烂的“宏伟史诗”。这幅《蓝色睡莲》是莫奈晚年创作的重要作品之一。群青、湖兰的水面上，“睡莲”的红花白蕊简洁、飘逸，而画面中央的白睡莲被周围池水渲染出了淡淡的蓝色效果，蓝色系色彩的明度变化勾画出水面轻微的波动；画面上的的蓝、白、红等色彩得以充分体现，给人以强烈的视觉印象。这幅作品用率意的方法，以超出写实的严谨，体现出一种精神自由状态中的梦幻感；构思奇特的画面、灵动的笔触，都显得美妙无比。
克劳德·莫奈（Claude Monet，1840年11月14日－1926年12月5日），法国画家，被誉为“印象派领导者”，是印象派代表人物和创始人之一。
莫奈是法国最重要的画家之一，印象派的理论和实践大部分都有他的推广。莫奈擅长光与影的实验与表现技法。他最重要的风格是改变了阴影和轮廓线的画法，在莫奈的画作中看不到非常明确的阴影，也看不到突显或平涂式的轮廓线。光和影的色彩描绘是莫奈绘画的最大特色。
2019年5月14日，法国印象派画家克劳德·莫奈的作品《干草堆》在纽约苏富比拍卖行以破纪录的1.107亿美元（1美元约合人民币6.87元）高价拍出。这是莫奈作品拍卖价格的最高纪录，也是印象派画作拍卖最高纪录。
草地上的午餐 莫奈 法国 1865年 布面油画 248x217cm 。
　　这幅画因原作品潮湿被损坏，1884年画家把它剪裁成现状，即保留了原作品的中间部分。25岁的莫奈在舍依曾画过一幅长20尺的巨作《草地上的午餐》（4.5×6米）。那时库尔贝也在舍依作画，他很喜欢莫奈，常来看他并给《草地上的午餐》提修改意见。此画完成后，莫奈十分后悔听了库尔贝的意见，对作品很不满，决定不送沙龙展出。在离开舍依时因缴不起房租而将此画作抵押，可惜因房屋潮湿，这幅巨作被损毁了。现在这幅是剪裁而成的。从题材和构图来看这幅画肯定是受马奈的《草地上的午餐》一画启发而作，也可能是想和马奈一比高下。这幅画是在户外完成的，因此和马奈的《草地上的午餐》比较，在描绘外光的生动和景物的真实自然方面，确有过之。画中阳光透过林木洒在人物身上和地面景物上，透明灿烂，令人耳目一新。   蒙特戈依街道，庆祝1878年6月30日巴黎世博会 莫奈 法国 1878年 布面油画 81×50.5cm。莫奈的这幅画与巴黎世博会有些关系，却不是艾菲尔铁塔揭幕的1889年那届，而是对现代人生活方式产生重大影响的1878年的巴黎世博会。这届世博会上，隆重推出了贝尔的电话，以及爱迪生的留声机。莫奈见到蒙特戈依街上为庆祝世博会的举办，四处张灯结彩，红白蓝三色旗淹没视野，便用颤动的笔触留下了那一瞬的印象。真分不清，究竟是巴黎的街道在狂欢，还是红白蓝三色在画布上狂欢。画面上只是一个又一个的小点，人不成人形，旗也没有旗帜的样子；但这些本来抽象的点与块组合在一起，结果竟创造出来一条充满了蓬勃生命力的动感街景！ 我们很着迷于莫奈这幅画作的动感，街道上喧嚣的人潮，沸腾的空气，飘飞的彩旗，都是移动着的，变化的；但这明明是一副二维的平面画，为什么这种细碎的笔触，层叠交织的色点色块，这种看似毫无规律的涂抹方式会产生一种超越绘画视觉平面之上的触感、听觉及立体动态呢？莫奈的《蒙特戈依街道》“关键之处就在于所有的笔触都向一个中心点聚集，碎而不乱，产生一种强烈的向心力。”原来莫奈真的看到了我们普通人所看不到的色彩与光谱间的密切关系，难怪塞尚要惊叹：“老天，那是怎样的一只眼啊”！
　 圣拉扎尔火车站 莫奈 法国 1877年 布面油画 75.5x104cm 。
　　圣拉扎尔火车站位于巴黎的西北部，莫奈在1877年迁居巴黎，在同年春天召开的第3届印象派画展中，莫奈展示了7幅描绘该车站及它周边场景的油画作品，这幅画是该系列画中最美的一幅。火车到站时升腾起的蓝紫色蒸汽与玻璃屋顶透射下的灿烂阳光交织缠绕，给周围的一切都镀上了一层梦幻的金黄。这富丽堂皇而又轻柔美丽的色彩谱写了一首工业文明的赞美诗。可是这时候莫奈的妻子卡米尔正身患绝症，他期待着科学奇迹的出现，能够将奄奄一息的她从死神手中抢夺回来，还他生活以色彩；他用画笔将这份期盼凝固，成为不朽的杰作。   夏末早晨时的干草堆 莫奈 法国 1891年 布面油画 。
　　莫奈的作品以色彩和光线的精巧运用著称，长期探索光色与空气的表现效果，常常在不同的时间和光线下，对同一对象作多幅的描绘，从自然的光色变幻中抒发瞬间的感觉。莫奈的这一组《干草堆》一共画了十五幅，就是为了赌气证明：同一样东西在不同光线下的不同效果。从这幅画中还可以看出印象派画家的另一个曾经倍受众人嘲笑的信念：影子也是有颜色的。  绿色和谐的睡莲池 莫奈 法国 1899年 布面油画 89x93.3cm。
　　睡莲池是莫奈将他对东方艺术的体验转换到了花园营造上，日本桥、竹林都是日本园林的元素，但是，莫奈仍然坚持园林设计是来自视觉的需求，池边的花草依然严格按照四季时令和植株高低来种植；而睡莲池畔的植物，则可以透过水面的反射，产生倒影，以营造梦幻的气氛。诗人马拉美曾描述过他眼中的睡莲池：“它浓浓的白，包含着一个空无所及的梦，包含着一种永不存在的快乐。我们所能做的只有继续屏息，向那幻影致敬 ，在意外的脚步来临之前，在我走开的时候，这朵完美的花儿在升起的水泡中清晰可见”。 1883年，莫奈在朋友的资助下搬进了塞纳河畔的一栋农屋和庭院，他逐步把存粮的仓库改建为画室，把庭院变成了大花园。莫奈热爱大自然，广袤的田野、潺潺的流水、变化无穷的天空，这些都是他绘画的对象。庭院池中的睡莲，红的、白的、紫的，静静地躺在绿色的大“床”上，展示着它们的美丽。不管刮风下雨、阴雨绵绵，还是阳光灿烂、微风习习；无论是白天还是傍晚，莫奈总是坐在池塘边，观察自然，感受光线，用画笔记录下来。他以花园中的睡莲、百子莲、垂柳与日本桥为对象，画出了一系列为世人所景仰的传奇之作。他的这些画经常是无题的，他说：“重要的不是主题，而是画家自己的观察和感受。” 鲁昂大教堂，从正面看到的大门，棕色的和谐 莫奈 法国 1894年 布面油画 107x73cm 。十九世纪八十年代以来，莫奈开始了系列绘画创作，第一个系列作品《鲁昂大教堂》就是在不同的角度和一天中不同的时间来画。这幅《棕色的和谐》显然是在一天下午画的，当时天气阴冷，气氛忧郁，光线晦暗而又沉闷，只见大教堂耸立于一片灰色的天空下，画面上用的是赭石色。灰色的大钟，四周细细涂抹了一点既蓝而又带深灰的颜料，中央部分用的却是黄褐色。中央三扇大门如同三个黑沉沉的洞穴；那木门的深暗色今日仍可从画面上看出来。在以灰色为主的这种深暗色度的调和之中，我们仍可看到停留在各种雕塑上的光的符号，因为这些雕塑是用少量活跃的色彩绘出的。彩绘玻璃窗上的蔷薇花饰，在正中大门小尖塔后面用的是沉浊的蓝色，因而清晰可见。莫奈所关注的正是这一点；总之不是建筑物本身，而是光线所演绎出的“悲喜剧”。  花园里的女人们 莫奈 法国 1866年 布面油画 255x205cm 。
　　1866年莫奈创作了一幅大型油画《花园里的女人们》，这是莫奈早期重要作品。创作是在租来的房子的庭院里进行的。由于画幅很大，为了便于挥笔，他在庭院中挖了一个大坑，把画布降了下去。画面上的四个女人，都由一位模特儿充任，因此要不断改变她的装束、发型、姿态，画家需事先分别画出草图，然后再组合到一起。这位模特儿就是1865年与莫奈邂逅的卡米尔，后来的莫奈夫人。为了突出这几位浅色着装的女性，使之更显华丽，画面上使用了大量的浓绿色，尤其是眼前坐在地上展开白色裙子、手持遮阳伞的女人，在她的身上既有林间射入的阳光，又有树木的阴影，的确是真实的再现。作品虽然相当的新颖，但未被1867年的沙龙选中。   手拿长棍的牧羊女 毕沙罗 法国 1881年 81x64.7cm 布面油画 。毕沙罗从19世纪80年代开始，就把人物绘画作为创作的中心，只把风景作为人物日常活动的场景。这幅画就是人物创作的代表作。整个画面以人物为中心，小女孩穿着朴素，身体歪斜，坐在草地上，手里拿着一根树枝，眼睛专注地看着树枝的末梢，神态悠闲，一个活泼可爱又对生活无奈的农村小女孩的形象跃然纸上。这幅画参加了1882年第七届印象派画展。在印象派诸位大师中，毕沙罗是唯一一个参加了印象派所有8次展览的画家，可谓最坚定的印象派艺术大师。

毕沙罗（Pissarro，1830-1903)，法国印象派大师。1830年生于安的列斯群岛的圣托马斯岛，1903年卒于巴黎。在他去世前一年，远在塔希提岛的高更写道：“他是我的老师。”在他去世后3年，“现代绘画之父”塞尚在自己的展出作品目录中恭敬地签上“保罗·塞尚，毕沙罗的学生”。 毕沙罗的父亲是法国犹太商人，指望子承父业，在毕沙罗11岁时被送往巴黎学习，17岁回家经商，但他倾心绘画，不得不在22岁时弃商从艺。1855年初到巴黎的他遇上了万国博览会，浩如烟海的美术名作令他陶醉，更令他激动的是柯罗的风景画，从此倾心风景写生，他70年代的作品深受柯罗影响。1871年因战乱逃往英国结识了莫奈，从此决定了他们的事业终生连在一起。1874年，莫奈提出搞个独立展览，跟沙龙对抗，毕沙罗等画家大力支持。于是，一个以“无名艺术家、画家、雕塑家和版画家协会”为名组织的联展开幕了，这就是印象派第一次画展。自此，他的命运就和印象画派紧紧联系在一起。他是唯一一个参加了印象派所有8次展览的画家，可谓最坚定的印象派艺术大师。毕沙罗是始终如一的印象派画家，是印象派的先驱，有印象派“米勒”之称。

缝纫的女子 卡萨特 美国 1882年 92x63cm 布面油画 。
　　卡萨特是美国画家，善于描绘女人，尤其是母子关系的作品。这幅画描绘了在花园里做针线活的少女。在近乎平涂的色彩中，融入了少许的明暗关系，并以流畅的线条在结构部位进行表现，用笔奔放，无所顾忌。脸部和手描绘得极为细致，脸上颜色丰富，透出一种专注的神情，使少女形象生动逼真。这幅画参加了1886年第八届也就是最后一届的印象派画展。

 玛丽·史帝文森·卡萨特（Mary Stevenson Cassatt 1844—1926）是十九世纪未至二十世纪初期的一位杰出美国女画家。甚至可以说是那个时代最重要的美国画家之一，1844年5月22日，玛丽·卡萨特出生于美国宾西法尼亚州匹兹堡市的工业区，她的家族是当地的名门望族，父亲既是个富有的资本家，也曾是当地的市长。但玛丽·卡萨特这位上流社会的小姐的志向，却是成为一名艺术家。她的这种想法当然地遭到了家庭的反对，但她终于克服了各种阻力，于1861年进入了费城的宾西法尼亚美术学院，开始了自己的艺术之路。她虽是美国画家和版画家，但她一生中大部分时间是居住在法国，并成为印象派画家。

年轻的希腊人在斗鸡 热罗姆 法国 1846年 布面油画 204x143cm 。
　　这是一幅有着典型学院派绘画风格的作品。画家以极大的热情描绘了在庭园中斗鸡娱乐的希腊青年的形体。画面充满着精心布置的细节和细致搭配的色彩，人物采取极其柔和简练的素描方式，人体产生鲜嫩而朦胧的感觉。画家甚至减弱了人体的轮廓线，更使其产生一种圆润柔美、几近于不真实的质感。在2004年4月19日，法国邮政为画家热罗姆逝世100周年发行一枚纪念邮票，选用的就是这幅画。这幅画背景是那不勒斯乡村，在卢浮宫举办的沙龙上获得了三等奖，得到了作家和艺术评论家戈蒂埃的赞扬。

 让·莱昂·热罗姆(Jean leon Gerome 1824-1904) 是法国十九世纪学院派的著名画家和雕塑家，表面上他是新古典主义的继承者，实际上他是浪漫主义的热衷者。虽然热罗姆并不有意识地在作品中揉进浪漫主义的色彩，但是在古典主义严谨的构图、色彩之中所表现的强烈的东方情调，异国气氛，又不得不让人感到他的浪漫主义倾向。热罗姆于1856年曾远赴埃及和近东旅行，对东方文化发生浓厚的兴趣，并因此画了许多描绘埃及和近东风土人情的作品。在巴黎沙龙展出后，轰动一时。1868年，他又随地质学家们穿过西奈沙漠，到达开罗的亚历山大港。这次游历，非常艰险，但是东方文化留给画家以深刻的印象，他对阿拉伯市场，土耳其浴室及宫女的沐浴，伊斯兰的宗教仪式，以及东方的具有某种神秘色彩的闺阁，这些在欧洲人的眼里深感神秘又深感奇特、有趣和美的事物，十分迷醉，以为深具魅力，从而频频入画，绘制了不少充满东方情味的佳作。

维纳斯的诞生 卡巴内尔 法国 布面油画 1863年 225x130cm 。
　　这幅作品1863年在沙龙展出时，引起轰动，拿破仑三世立刻购买，作为私人收藏。美国艺术历史学家Robert Rosenblum评论说：“这幅作品徘徊在古代女神和现代梦幻之间”，“她的眼睛半睁半闭，神态似睡非睡，而一个半睡半醒的裸体女性对一个男性是最为可怕的”。大文豪雨果也说过一句类似的名言：“一个裸体的女人，就是一个全副武装的女人”。 卡巴内尔画的《维纳斯的诞生》曾被批评为“画了一个粉嫩光滑，放荡而又肉感的裸体。”当然，他画的维纳斯比不上波提切利的维纳斯那么清纯，也不如布格罗画的维纳斯那么端庄健康，只能说是过分地慵懒、娇媚了，还谈不上“放荡”。而且睡在海面上的姿态是画家的创造，色彩的明亮和小爱神的飞舞，都给人以愉快、欢畅的感受。这是一幅著名的作品，作于1863年，这幅画总共绘制了两幅，第一幅现藏于奥赛博物馆，第二幅现藏于纽约大都会博物馆。

 亚历山大·卡巴内尔（Alexandre Cabanel，1823年9月28日－1889年1月23日），法国学院派画家。卡巴内尔出生于法国埃罗省省会，地中海沿岸城市蒙彼利埃。他的绘画以学院艺术风格著称，取材以历史，古典，及宗教题材为主。卡巴内尔的艺术可作为法国第二帝国和第三共和国时期沙龙学院派艺术的代表。卡巴内尔的历史画和宗教画追求表面的艺术效果，他的装饰壁画和外表华丽的盛装肖像画在上流社会享有很高的声誉。

收割者的报酬 莱尔米特 法国 1882年 布面油画 215x275cm。
　　画家以现实主义的目光、对生活现实进行敏锐观察，捕捉到了这一富于特色的场景，栩栩如生地刻划出几个典型的农民形象。辛苦一天的农民，在等待劳动的报酬。显然，劳动是沉重的，报酬是微薄的，左侧的老者已因生活的重压变得表情麻木，中间哺乳的妇女正在接受那不合理的报酬。以写实的手法，以艺术手段鞭挞无情的社会现实。

 莱昂·奥古斯丁·莱尔米特（Leon Augustin Lhermitte 1844―1925年），出生在法国皮卡第大区的埃纳省，并在那里生活了20年。这正是他眷恋农村生活，几乎所有的作品都用来描绘农事劳作的原因。1874年在法国沙龙取得成功之前，他一直往返于法国和英国之间，靠卖画为生。1880年后，他用几张大幅描绘家乡圣佩尔山乡亲们生活和劳作的画作参展并大获成功。

做梦的女人 蒂索 法国 1876年 布面油画 60x35cm 。
　　这幅画作于1876年，这一年蒂索在伦敦遇见了年轻有魅力的离婚女子凯思琳，坠入爱河并同居，对他的生活和创作产生了巨大的影响。此后他闭门不出，潜心画了大量的女性和爱情的作品，凯思琳经常在他的画中出现。《做梦的女人》画的是一个年轻、漂亮、懒散、爱幻想的女子，展现了她迷人优柔、深沉忧郁和迷茫慵懒的气质。这个愁病交加的女人散发出一种淡淡的倦意，有一种不可抵抗的魅力。

詹姆斯•雅克•约瑟夫•蒂索 (James Jacques Joseph Tissot 1836-1902)，是英国维多利亚时期新古典主义画派代表画家。出生在法国南特（法国西部港口城市）一个中产阶级家庭。他最初在巴黎的 Beaux 艺术学院学习。1871年搬到伦敦居住。为生活所迫，他画了许多伦敦上层社会生活的作品，受到异议。1876蒂索在伦敦遇见了年轻有魅力的离婚女子凯思琳，坠入爱河。这段不被社会认同的爱情仅仅维持了六年，1882年凯思琳去世时只有28岁。一周后他搬回了巴黎，开始热衷于宗教绘画。1902年8月8日在法国去世。一个伟大的艺术家与他美丽堕落的女人及其悲惨的爱情故事，这就是他的一生。蒂索有很多表现女性与爱情的作品，深受喜爱。