何家英之研究

恒墨书画艺术

• 何家英，
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• 1957年出生于天津；1977年考入天津美术学院绘画系学习中国画，1980年毕业后留校任教。曾任第九、第十、第十一届全国政协委员；现任中国美协副主席、中国艺术研究院博士生导师、当代工笔画协会副会长、天津美术学院何家英工笔画研究所所长、天津画院名誉院长、天津美术馆名誉馆长。 曾获国家“有突出贡献的中青年专家”、中国文联“德艺双馨文艺工作者”、中宣部“四个一批”文艺人才、2012年在巴黎卢浮宫“2012沙龙展”中获绘画类金奖。[1]等荣誉。擅长当代工笔人物画创作。代表作品有《山地》、《十九秋》、《米脂的婆姨》、《酸葡萄》、《魂系马嵬》、《秋冥》、《朝*露*桑》、《舞之憩》、《杨开慧》等。
  

• 1957年3月，生于天津；
  
• 1974年，在天津市宁河县赵本公社大邓大队插队；
  
• 共4张
  
• 何家英
  
• 1977年，考入天津艺术学院（1980年2月更名为天津美术学院）绘画系，学习中国画；
  
• 1980年，毕业于天津美术学院并留校任教；参加中国美协创作班到葛洲坝及三峡体验生活，并创作了水墨画《春城无处不飞花》；
  
• 1981年，加入美协天津分会、中国美术家协会，同年赴敦煌考察，创作工笔画《街道主任》，并参加“天津市庆祝建党六十周年美术作品展”；
  
• 1982年，参加天津美协创作研究班，深入太行山研究创作；
  

• 1983年，创作工笔画《山地》；
  
• 1984年，创作工笔画《十九秋》，与《山地》同时入选第六届全国美展优秀作品展，同年参加第四届中国美协会员代表大会，当选为理事；
  
• 1985年，创作水墨画《惊蛰》，创作工笔画《米脂的婆姨》，并参加“全国高等美术院校教师作品联展”，参加印度举办的“世界绘画双年展”，参加中国美协在香港举办的“当代中国画展”，同年任美协天津分会常务理事；
  
• 1985年，东方美术交流学会成立，任会员；
  

• 1986年，创作工笔画《清明》，并参加东方美术交流学会，与日本南画院交流展在北京和日本展出，创作工笔画《夏》，并参加在香港举办的“东方美术交流学会中画展”，随代表团出访香港；
  
• 1987年，当代工笔画学会成立，任理事，参加“南北方中国画展”，任天津美术学院讲师；
  
• 1988年，创作工笔画《酸葡萄》，并获“当代工笔画学会首届大展”金叉大奖；创作工笔画《女红》、《朦》，并参加“台湾当代大陆工笔画展”；
  
• 1989年，创作水墨画《易水河畔》、工笔画《魂系马嵬》；
  
• 1991年，创作工笔画《秋冥》，任当代工笔学会常务理事，被聘为天津画院院外画家，应邀创作工笔画《中国四大美人》；特邀参加在日本东京的上野之森美术馆举办的“中国的四季美展”，并随团出访日本；《中国四大美人》捐赠给中国青少年发展基金会，为希望工程集资；
  
• 1992年，创作水墨画《丽日》，并参加“天津建党七十周年美展”，参加“庆祝建党七十周年全国美展”，任天津美术学院副教授；
  

• 1993年，《米脂的婆姨》、《十九秋》赴**参加中韩美术协会交流展；创作工笔画《落英》；在上海美术馆举办“白庚延·霍春阳·陈冬至·何家英中国画邀请展”，并在天津美术学院做汇报展；八幅工笔作品参加“1993年度美术批评家提名展——水墨部分”；赴韩国仁川参加天津、仁川美术交流活动；《秋冥》参加“香港亚洲艺术博览会”；
  
• 1994年，应澳门市政厅邀请，在澳门举办“何家英画展”，在广州岭南画派纪念馆举办“何家英人物画展”；
  
• 1995年在海口举办“白庚延、何家英中国画展”；
  
• 1996年创作工笔画《桑露》，并获全国首届中国人物画大展银奖；
  
• 1997年《淡日》获第三届BESET美术节北京展优秀作品奖；速写数幅参加美术院校速写展；任天津美术学院教授；《子君》参加中国当代名家作品珠海邀请展；
  
• 1998年参加“中国美术二十年启示录展览”；任中国工笔画学会副会长；参加“跨世纪中国画名家21人展”；参加第五届全国美代会，任理事；[3]
  
• 1999年，参加全国政协在联合国总部和纽约亚洲文化大厦举办的“中国当代名家书画展览”；
  

• 2000年，在香港举办“何家英画展”；工笔画作品六幅参加“世纪之门·中国艺术邀请展”；参加在日本东京举办的“中国当代名家书画展”；创作工笔画《韩国留学生》，特邀参加“迎接老纪中国工笔画展览”；参加文化部在香港举办的“中国当代绘画书法作品展”；创作《春光初现》、《澳门即景》，并参加“第二届深圳国际水墨画双年展”；《初春》、《消夏图》参加“新中国画大展”；《酸葡萄》、《桑露》参加法国巴黎“中国文化季传统与变革——中国现代水墨画和雕塑展”之后又在欧洲其它国家巡展；
  
• 2001年，作品数幅参加文化部在巴西等国举办“中国现代绘画展”，《米脂的婆姨》参加法国巴黎“中国风格展”，参加“百年中国画展”；共19张作品
• 2002年，在广州逸品堂举办“何家英画展”，在深圳青藤茶社举办“霍春阳、何家英作品观摩展”，创作工笔画《百合花》，特邀参加“当代工笔画学会第五届大展”，参加“世纪风骨·中国艺术五十家展览”；
  
• 2003年，创作工笔画《幽谷》、《心语》，参加中国政协举办的“天津优秀作品十人展”，任第十届全国政协委员；参加“开放的年代——中国美术馆建馆五十周年纪念展”。参加“今日中国美术大展”获最受观众欢迎奖，参加“北京国际双年展”，参加第六届全国美代会，任理事；工笔画三幅在文化部文化艺术促进会、韩国汉城世宗文化会馆举行的“汉城·中国书画艺术展”获金奖，作品《苍桑》特邀参加“精致与微观·小幅工笔画展”；
  

• 2008年奥运会后，何家英去看望萨马兰奇时带去自己的画册；
  
• 2009年12月4日，在上海美术馆举办“何家英画展”；
  
• 2010年6月5日，参加圣地亚哥智利国家美术馆主办《穿越地平线-中国当代艺术展》；
  
• 2010年12月28日，应邀入展“时代心象”中国艺术研究院中国画院第二届院展；
  
• 2011年4月20日应邀入展第八届工笔画大展—暨中国新农村建设成就绘画展；
  
• 2011年，由山东省美术家协会、山东艺术学院、山东画院主办的“桃李英华——何家英师生美术作品展“在山东省美术馆展展出；
  
• 2012年，巴黎卢浮宫“2012沙龙展”，获绘画类金奖。
  
• 2016年12月，当选中国文学艺术界联合会第十届全委会委员。
• 2018年12月24日，中国美术家协会副主席。
  

• 成就荣誉
  
• 获奖作品 获奖时间 奖项名称
  
• 海田归
  
• 1979
  
• 天津第二届青年美展二等奖
  
• 春城无处不飞花
  
• 1980
  
• 全国第二届青年美展二等奖
  
• 山地
  
• 1983
  
• 天津第三届青年美展一等奖
  
• 山地
  
• 1984
  
• 入围第六届全美展优秀作品展
  
• 十九秋
  
• 1984
  
• 入围第六届全美展优秀作品展
  
• 米脂的婆姨
  
• 1986
  
• 天津鲁迅文艺奖优秀作品奖
  
• 酸葡萄
  
• 1988
  
• 首届当代工笔画学会大展金奖
  
• 易水河畔
  
• 1988
  
• 中日国画合同展金奖
  
• 魂系马嵬
  
• 1989
  
• 第七届全国美展银奖
  
• 秋冥
  
• 1991
  
• 第二届当代工笔画学会大展一等奖
  
• 桑露
  
• 1997
  
• 全国首届中国人物画大展银奖
  
• 米脂的婆姨
  
• 1999
  
• 全国九届美展铜奖
  
• 濠江花路
  
• 1999
  
• “庆祝澳门回归祖国中国艺术大展”优秀奖
  

• 人物评价
  
• 社会总评
  
• 何家英为中国工笔人物画向当代性的转型做出了自己的贡献。他创造性地借鉴了中国工笔画的传统和西画中严谨扎实的造型技法，结合当代人的审美观点，创作出一大批洋溢着时代气息的作品。读他的画，会从中找到一种真诚细腻的激情和梦幻般的理想色彩。[6]
  
• 何家英在工笔画领域能取得重大成就，自然与他独特的创作理念分不开。在他眼里，继承传统和创新其实是“一事两步”，哪一个都不能丢，丢了一个也就丢了另一个，真有传统者总想为创新开路，真求创新者不会拿传统祭刀。他的这一思路既是对当下中国画领域的时尚潮流的反思，也是对自己创作的要求。他力求在东西方不同的传统中探求相同的规律、彼此的契合点。[10]
  
• 何家英除了对传统有着独到的认识外，对中国画吸收西画营养的方式也有自己的见解。他反对那种只吸收概念，只做表面文章的做法，借鉴具体方法解决问题。[8]
  
• 他的探索找到了一种艺术与市场的最佳结合点，从而给人们以启迪。努力开拓，不断创新，兼融百家，自备一格。[11]
  

• 个人点评
  
• 潘天寿先生认为：中国的、西方的、日本的、印度的、现代的、古典工笔画本来不宜太大，但他发现日本的浮世绘美人画尺寸并不小，效果也不错，却陷入到要市场还是要艺术的两难抉择中，何家英的作品却以其雅俗共赏、韵味绵长获得了“双赢”，或许他的探索找到了一种艺术与市场的最佳结合点。
  

• 社会活动
  
• 2014年2月17日，由中国美术家协会、中国艺术研究院、中国国际文化艺术中心、海南省文学艺术界联合会、海南省文化广电出版体育厅、海南世界联合公益基金会联合主办的“何家英画展”在海南省博物馆开幕。[16]
  
• 2014年12月27日上午，市委宣传部在天津迎宾馆举行聘任仪式，聘请中国美协副主席、中国艺术研究院工笔画院院长、原天津画院院长何家英为天津画院名誉院长。市委常委、市委宣传部部长成其圣颁发聘书并讲话。市委宣传部常务副部长陈浙闽、市委宣传部副部长赵鸿友出席；院党组书记张桂元参加。[17]
  

• 我的老师
• 
  
• 天津画院院长何家英说：“如果说我这一生当中，挑出一个最重要的老师，那就是白庚延先生，因为他从根本上使我认识到了绘画的规律，而不是从一招一式，一笔一墨来学到老师的一招半式，这样使我们能够超越一种传统的样式，用自己的心去看待自己，看待对象，去感知对象，去画那些美好的事物。他塑造我们的是一种独立创造性的这样一种思维。”
  

• 白 庚 延
  
• 1940 年出生于山东省德州市，祖籍河北景县。1962 年毕业于天津美术学院并留校任教，曾任天津美院教授、硕士生导师、全国美展评委等职，在美院教学期间，对教学体系的形成起到了重要作用。现为中国美术家协会会员，天津市高职评委。擅长山水，兼工人物、书法、画论。
  
• 他一生致力于中国山水画的研究和探索。他在用水墨表现水景方面拓展了中国画的传统语言，赢得中国画界高度的肯定，被誉为“白氏水法”他的许多作品早已享誉海内外，他独到的艺术风格，也早就引起了书画界收藏家的关注。白庚延先生作品多次全国美展和国际画展。
  
• 2005年2月14日至5月25日，白庚延个人画展在纽约联合国总部举行，成为我国第一位到联合国举办画展的国画家，他获得了联合国颁发的“世界艺术成就金奖”。作为在中国画坛有深远影响的艺术家，白庚延先生在天津生活和工作了近50年，在天津美院担任教授的几十年中，建构了一套完整的中国画教学体系，为天津地区培养了大量的美术人才，是天津艺术界的骄傲。
  
• 他有一个情结，有一个从未动摇的信念，就是“山水画要为民族造像！”这成为他生命活动的主要指归。他以特有的坚韧，义无返顾地沉潜奋斗几十年。创作出一件件情调古雅凝重的杰作，表现出他对中华民族终生不渝的爱。
  

• 何家英说
  

“在我看来，工笔和写意都是手段。工笔可以描摹得比较深入细致，写意可以发挥得更加舒展随性。如果用文学打比方，工笔好像是大部头的章回体小说，严谨细微，最后表现出的是有质度和内涵的东西；写意则好像是诗歌和散文，随意闲适，最后表现出的是文人的品格和追求。写意本身就是从工笔发展而来的，比如元代的写意画就很工整，不过在工笔的基础上增加了更多的灵性和体悟。写意创作中难的是做到“松”和“格”。“松”是对笔墨上的要求，有灵气；“格”是对格调的把捏。格调是心性滋养出来的，只有知道养心才能达到高的画格。这一点理解起来容易，但做起来很难，往往易于流俗。

何家英作品《舞之憩》
我在工笔绘画上一直追求的是晋唐时候的精神和技法，在工笔上希望能追求创作更沧桑、宏伟的作品。其实我画写意也习惯打稿，人物造型也很严谨准确，但在同时也很难出偶然效果，少了特别生动的东西。所以我想在写意创作上追求一些更加松动、灵活的作品，突出一个“闲”字。
何家英作品《朝·露·桑》
我承认绘画是需要天分的，有时候在创作时我会有“犹如神助”的感觉，但绘画更需要的还是真诚和努力。”

• 何家英为中国工笔人物画向当代性的转型做出了自己的贡献。何家英创造性地借鉴了中国工笔画的传统和西画中严谨扎实的造型技法，结合当代人的审美观点，创作出一大批洋溢着时代气息的作品。读何家英的画，会从中找到一种真诚细腻的激情和梦幻般的理想色彩。何家英除了对传统有着独到的认识外，对中国画吸收西画营养的方式也有自己的见解。他反对那种只吸收概念，只做表面文章的做法，借鉴具体方法解决问题。
  

• 何家英教授是当代中国画坛的著名人物画家,对中国工笔画有传统的古典形态有现代形态转出重要的贡献，对古代工笔画传统有过深入的研究，为表现现代人物又有技巧语言的新创造，他的设色考究，既注重意境、情感与质感的表现，又追求沉着中的华美与斑斓。何家英用线力求和造型融会一体，既可见出书法的灵性与美，又不失工笔画的工致与力度。他的造型得力于他的素描基础他把西方造型手法和中国造型观念巧妙结合起来。何家英既继承了传统又发展了传统古典形态向现代形态转变作出了重要贡献创造性的借鉴与吸收前人艺术精华的基础上，取得了令人瞩目的成就。
  

• 何家英把传统工笔画的精髓和西方绘画扎实的造型技法相结合，走出一条新的路线。何家英工笔人物画中女性形象居多，画家笔下人物形象清新自然、雅致而清丽，无论是技法还是描绘的人物形象都在传统的基础上有所创新。人物形象的特点就与人物的动态造型及面部表情紧密不可分，在作者的笔下，人物大多清雅怡人，柔媚而婉转，人体的轮廓线，衣纹转折的墨线，把画面中人物的动态及表情表现的生动形象，又将自己的绘画精神通过画面表现出来，这使得何家英成为当代工笔人物画创新的典范。
  

素材确定后，何先生受一张日本画的启迪，让人物入画一半，留白以后便有了境界，这幅《米脂的婆姨》画龙点睛之处就在于桌子上的那只熟睡的小猫。何先生有意让猫尾轻垂，轻垂的猫尾不仅顺了画面竖幅之势而且有拖静之旨，一般猫睡觉时是很警惕的，外界稍有一点动静，它就会翘起尾巴，只有睡熟了它的尾巴才会瘫软的垂下来。何先生对猫尾的处理非常巧妙，能够衬托出晌午的寂静，烘托一种静谧安宁的氛围，营造一种祥和，恬静，自在的生活状态。
　　这些看似顺其自然，水到渠成的作品，其实都是经过何先生深思熟虑，百般斟酌的。

• 作品诞生于1981年。“文革”过后，“伤痕文学”影响文坛，影响蔓延至其他艺术领域，美术创作突破公式化、概念化的愿望强烈，开始注重对人的真性情的描写。
  
• 　　与此同时，改革开放所带来的资讯刺激了中国美术的发展，何家英不可避免地受到东西两种不同文化的影响。他意识到，当时中国绘画的写实还停留在概念写实上，不真切，更不深刻。西方人物画对人本身价值的发现，成为他突破阈限的参照。
  
• 　　他想起小时候父亲说过的一句话：“你们看书看电影，就知道分成好人、坏人。总是不是好人，就是坏人。可没这么简单，人是很复杂的，人可能会有多面性。”父亲的话，影响到他后来对人物的认识。
  
• 　　因此，当时代将人重新拉回人的层面时，他有意寻找一个形象，一个心理复杂的人物形象。是个有个性、有思想、有感情、有血有肉的形象。他既不丑化也不美化他，更不强行用阶级属性为他归类。他选择了儿时最熟悉的街道大娘。
  
• 　　画至半截，刚从中央美院研究生毕业的汪国风路过何家英房间，见他画画，进来观看。何家英诚惶诚恐地请汪国风指教。汪国风一言不发，半晌，点上一支烟，深吸一口，对何家英说：“你画出了我们当代人想画却没有画出的东西。”
  
• 　　何家英忙问：“是什么东西？”
  
• 　　“是形象，是活生生的人的形象。”
  
• 　　《街道主任》令当时的中国美术界大为震惊。
  
• 何家英对中国美术最大贡献在于把普通人画入中国工笔画中……开创了一代清新、幽静、自然、雅致的画风！

• 何家英老师对中国人物画的重大贡献还在于对画面的革命。
  
• 古人的中国人物画都是人物、背景平均分配构图或人物占比例略小。但何老师的人物画是重点突出人物、适当补景！
• 人物画……顾名思义、就是“人物”为主、画人物的故事、思想与精神！何老师正是用作品证明了这个真理。

记者：您觉得绘画的根本是什么？

何家英：空间、感觉和节奏。这是绘画的根本属性，离开这三条，绘画就不存在了。但是绘画又不止于此，他要有其审美的内涵，一是抒写心中之意趣，二是要有创造性，三是具有高超的技艺，当然，这些是对大师的要求，用八个字形容是：开宗立派、不可逾越。要有鲜明的个人风格，达到别人无法逾越的水平。

记者：知道您一直钟情于写意画，您的写意画有什么特别之处？

何家英：我的写意是从工笔派生出来的，具有半工笔性质的写意，所以比较严谨。写意是非常有力度，也很有趣味的语言表现。我太过于计较，放不开自己，所以达不到真正写意画的境界。工笔画更需要的是写意的精神。

记者：目前工笔画发展的隐忧在哪里？

何家英：模仿。在这种问题的伴随之下，自然会反映出对创作构思的简单化、概念化，八股化甚至庸俗化的现象，这不是工笔画界独家所有，而是美术界普遍存在的问题，但工笔画界表现的更加突出。

记者：现在工笔画整体很繁荣，您觉得这种繁荣表现在哪些方面？

何家英：年轻一代工笔画画家中，不乏一些有文化和历史思考的才俊，他们不背离传统，却巧妙的将传统绘画进行解构，从而达到精神上的再造，以表达当代人对社会、对文化的关注与忧虑。也有的画家试图以哲学的理念构建自己的世界。正是新工笔画家的参与，使雍容的工笔画阵容注入了新的活力，也使多元的工笔画领域更加的丰富多彩。

记者：工笔画急需解决的大问题是什么？

何家英：重要的还是独立的创新精神，是审美意识问题。格调也是大问题。再有就是材料、技法问题始终跟不上工笔画的发展，许多作品不了解工笔画的完整程序，一方面缺少传统技法的了解，另一方面，对外来技法使用不当。有些作品画面简陋，色彩脏乱，有些作品岩彩堆积，已无工笔画本身之韵味。除此之外，陈旧、单一的绘画理念，仍影响着工笔画的走向。

谈创作主题——

女人的纯洁是男人的心理需求和审美要求

记者：在您的工笔人物画中，女性形象占据了绝大多数，这是出于何种考虑？在她们身上，倾注了您怎样的美学思考？

何家英：女性自古以来都是被表达、被审美的对象，因为她们身上存在各种各样诗意的美的形态。在生活中，女性之美远远超越了男性之美。女性具备高尚的品德，女人的纯洁、天真，具有诗意。女人更有情，更能表现出情感。女人对情的重视远远超过男人。所以，在女人身上，寄托着我们对美好事物的情思。

我在画中首先表现的是女人的纯洁。曹雪芹在《红楼梦》中讲女人是水做的，女人最可贵的就是纯，男人对女人的要求在于其纯，男人欣赏女人也在于其纯。女人的纯洁在男人看来是最高境界，是一种心理需求和审美要求。

其二，女人是具有情感的人类类型，这种情感并不表现在快乐的嘻嘻哈哈上，女人在孤独时表现出的带有一点点忧伤的境界，恰也是女人最典型和最深刻的心理境界，这也恰恰是我们在审美上的选择。有句话叫做“悲剧的东西更具感染力”，虽然这种感伤不一定是一种悲剧，但它是淡淡的忧伤，就有淡淡的回味，很有意思。

记者：您喜欢南唐后主李煜的词，您觉得自己从中汲取了怎样的文化营养？

何家英：读李后主的词能焕发出一种忧郁忧伤的情思来，艺术创作就是需要这样一种情思，这是内心的反映，在读诗词时能增加这种心情，这很重要。在个人生活中，难免遇到忧伤。比如说，1974年，我初中毕业上山下乡，插队到了天津宁河县，那时插队不是学农劳动，学一两个月还能回来，那可真是被抛到了那里，还能不能回到城市，是个未知数。那时你知道将来的社会是什么？我们谁也没想到今天的社会变得这么好，有了这么高的自由度。那时候只知道下乡之后就是苦力，能不能完成画画的愿望和理想，真是一个未知数。尽管那个时期，我们是如此刻苦，在劳动之余坚持画画，心中有未磨灭的理想，但是也真正体会到命运是个什么东西。有了宿命的体验，再读这样的文学作品，包括看电影读小说，都会很钟情于这样一种体验，最终会在审美选择上选择这样的类型。我表现女性的忧伤，也是当时我的心性的反映。

记者：您如何评价目前中国工笔画现状？

何家英：当代中国工笔画发展得十分迅猛，以中国工笔画学会为核心的工笔画大展，带动了全国的工笔画队伍不断壮大，涌现了大量的优秀作品，并且朝着多样化的方向发展。其格调也有了很大的提高。在整个中国画领域工笔画占据了多大半江山。这反映出工笔画蓬勃的生命力。由于展出作品过多不免夹杂着许多格调不高、水平较低的作品。在肯定的同时，也要清醒的意识到工笔画有待于更进一步的提高。

谈“抄袭风”

——我的思想和审美取向不是模仿者能重复的

记者：现在工笔人物画界掀起了一股对您的画作的抄袭风，您如何看待这个现象？

何家英：这个现象的确很严重，它是我最不愿看到的！一个人的创造如果有价值的话，一定会受到很多人追随和效仿——这很正常，其中既有人们对你的肯定和认可，也有惰性的传统，即以模仿为能事，不能像我一样更客观地认识绘画的本质真谛，而是停留在表面的模仿上。如果画家在起步阶段，特别是将工笔画这种古老的绘画语言形式用于当代人物的表达时，来借鉴我的东西，我想是正常的，但如果仅仅停留在此，而没有从根本上以及表达能力上有进一步的深化的话，便只能是一种表面样式。他们在表现时根本看不透我的本质是什么，完全不懂传统工笔画的本质精神和韵味，不懂中国绘画的内涵，所以难以把握好自己的画面，会出现由于审美品味不高，使得画面庸俗化，使得“何家样”庸俗化。

中国画既有以“外师造化”为前提的创造性传统，也有着以承袭古人为能事的惰性传统，而当今的中国人不仅仅承袭古人，也承袭外国人，“天下文章一大抄，看谁会抄不会抄”，都是以这样的方式在模仿别人，太缺少自己的悟性，自己对自然、对人、对客观事物的感受，对审美的认知力，对文化的认同，也太缺少民族的文化自信、文化担当。所以，会在学习外国时一股脑地屈从于西方，完全按照西方审美标准来评价绘画，甚至将品质高的西方绘画传统丢弃。

齐白石先生说：“学我者生，似我者死。”我的工笔画之所以能有今天，主要是因为在别人都按西方的意识走的时候，我沉静下来回头看我们的工笔画，思考中国的写实绘画是否已经走到尽头。就是说，在人们一股脑朝圣西方时，我没有跟着潮流跑。改革开放之后，我们能够有条件看到中西方绘画的成果。我们站在较高的角度，全面审视观察定位，才看出我们的坐标在哪？问题在哪？可能性在哪？所以我感觉到中国工笔画仍然有广阔的前景可以挖掘，有许许多多深厚的元素和文化内涵可以挖掘。

我坚决站在中国文化的立场上，同时大胆地汲取着外来文化的营养。这样就从本质上认识到绘画的根本性，很自然地将学到的中西方语言融合在一起，很有效地形成一种新的工笔画传统和样式。同时，时过境迁了。我所遇到的时代、老师、机遇等，都不是今天的人能够重复的。我们经过了艰苦的岁月，经过了没有商品冲击的时代，经过了单纯对艺术理想的向往，这和今天的画家完全不一样，我们可能是农业文明的最后一代画家了。今天的人们经过工业社会后又进入电子时代，不可能跟我们有着共同的思想和审美取向，因此也不可能再有像我这样的人。

记者：作为天津美术学院的教授，您在教学方面有何心得？

何家英：我首先让学生弄明白中西两种绘画的道理和本质规律，从西方素描学起，同时掌握中国绘画语言，更严格地弄明白中国画的品质、表达方式和思想内涵，教学生提高他们的审美感受力，而不是让他们停留在学习老师的一招一式上。所以，今年搞师生巡回展，我选择学生时都选各种各样不同类型的，过于像我者、抄袭我者，基本上不选。

让人欣慰的是，我的很多学生都有自己的强烈个性和风格，有完美的表现语言。有的学生开始根本没学我，因为我们有些机缘，成为师生；有的学生开始是学我，后来逐渐摆脱我的阴影，找到了自己的语言。所以，我还是主张最终要按自己的心性走。

何家英工笔画鉴赏

何家英的工笔画在深入发掘晋唐绘画精神的基础之上，以饱满的造型有力地改变了明清以来人物画的纤弱、萎靡之风，将大气、浑厚、简约、质朴的审美气度与精微缜密的手法相结合，营造出了文雅、恬静、高贵、精致的艺术意境，如《十九秋》、《米脂的婆姨》、《酸葡萄》等作品。

何家英对中国当代艺术的特别贡献是他成功地完成了传统工笔画的现代转型。他把西方绘画的学习纳入到中国画的体系之中，在融合中西方绘画视觉经验的基础上，重新激活传统工笔画的伟大品质，使其在表达现代生活的过程中，完成了现代工笔人物画形态的建构，从而促使了工笔这一古老的艺术形式由古典向现代工笔人物形态的蜕变，以新经典的姿态焕发出崭新的光彩。

在画面表现上，何家英在写实造型的基础上，切入了以线造型、骨法用笔的传统方式，将传统程式的钉头鼠尾描、兰叶描和西方人体结构、透视结合起来，既显示线的独立的形式美感，又传达了对象真实的面、体、空间。在衣物和道具上，多选择有花纹图案的入画，通过装饰的花型，围绕衣纹转动，结合透视显示其体积，并尽量追求平面化效果，仅在脸、头发、手、脚部有体积，但又不是纯西画的体积关系，而是主观成分介入比较多的形体塑造，或多或少带有结构素描成分，画面始终保持着线的主体，形成了中西结合的最佳方式。

何家英：千笔万笔 勾写诗情画意

中国的工笔画，从汉、六朝用墨线双勾轮廓，以线条为框架平涂设色，发展到中唐神形完美统一的鼎盛，再到明末以后走向诗情画意的境界，这个最具中国传统的画种广泛融入百姓生活。然而到了20世纪70年代末，持续十年的“不破不立”的大革命让它衰落到低谷，就在这个时候，20岁的何家英考进了天津美术学院。

何家英说“我一直都认为，工笔画不要拘泥于固定形式，丑也是美。”

谁都没料到何家英真正的工笔画处女作会是：《街道主任》

著名画家汪国峰看到《街道主任》时对何家英感叹道：“你画出了我们这代人想画而没能画出来的东西!”

“她是个活生生的人，她具有小市民的习气，心里头可能也有某种阴暗的东西，她有权利，欺负人，挺霸道的，也在做着服务工作，所以这就是人性的善和恶的双重性格，因此，街道主任的出现就是我的作品进入现代化的一个关键，一个转折。”何家英说。

《街道主任》几乎是20世纪80年代中国工笔画真实和独立的一道分水岭。

何家英从写意转向工笔画领域，仅用了短短的一年时间，但随着70年代末80年代初，中国美术进入一个全面反思时期，何家英的艺术也在不断的自我推翻和重新构建中进入一个新的领域，那个时期，生活体验和对自然人性的赞美成为美术界的风潮，在河北狼牙山体验生活的何家英，把创作的触角直接深入到了泥土之中。

《山地》的出现，人们看到何家英一种新的美学思想的成熟，即“衡中西以相融”。既要打破写意的局限，又不能拘泥传统工笔严格的“三矾九染”制作程序，何家英灵活地将色线游离于原有的墨线之上，突破传统工笔人物画勾线后填色的模式，采用内外皆染的方法，一个土的掉渣的中国农民，被大胆的置入西方油画的古典色调中，而背景则在晦暝中逐渐隐没，使人物坚硬的脊背结构提升至一个民族脊梁的宏大主题层面。就是这张《山地》让何家英开始真正在工笔和写意之间索要属于自己的艺术表现语言，这种相混的斑斓的山水画笔墨表现令美术界大为惊讶，其材料的运用更是业内的话题。

80年代末，何家英的工笔人物画创作达到最高峰，如果说他的早期作品让我们更多的感受到视觉的惊奇化，那么此时的作品，则让人们获得极大的愉悦，或伤感，或迷茫，乃至莫名的心灵感伤，何家英不仅成功引领了中国工笔画的变革，以及影响到后来工笔重彩和岩彩画的兴起，其最大价值还在于对中国工笔画新的开发和挖掘，以及从根本上对工笔绘画进行突破性的创新和革命。

人们在赞叹画家独具匠心的同时，更惊诧于何家英对女人，无论从神态、服饰、还是女红的那种精到表现!

绘画是心性的表达，

孤独时刻，内心澄净

一打眼，形象映照到眼中

画者内心产生强烈或轻微的情绪触动

内心触动与过往积累相撞

诉诸笔尖，构成画面。

——何家英

何家英工笔画之研究

中国工笔人物画的当代发展迈进了新纪元,出现了一个多样并呈的新局面。传统线型语言在写实主义造型的影响下发生了转型。以下是学习啦小编分享给大家的何家英工笔人物画的特色，一起来看看吧!

　　工笔人物画简介

　　我国的工笔人物画历史悠久。早在远古新石器时代的彩陶上已有了人物画的图案。从出的距今两千多年的晚周帛画中，可以找到中国人物画源头——以线条为主描绘人物形象并 具有了独立意义的绘画。这些绘画奠定了中国工笔人物画用线造型的基础。

　　人物画在中国画艺术中是最早成熟的一个画科。两汉、晋唐、五代期间，一直占者主导地位。虽然宋、元以来出现过低潮，但人物画在若干方面仍在不断地变化发展，产生了很多 成就卓著的大画家，为我们留下了一座座人物画历史上的丰碑，其影响延续至今。

　　何家英工笔人物画的特色

　　何家英的工笔人物画继承了我国历代人物画的优秀传统，同时汲取了“西画”造型、色彩艺术中有益的营养，取精用宏，推陈出新，其作品不仅开创了新的绘画风格，而且把她推向了相当完美的境地。概括而言：何家英工笔人物画的艺术特色有三点：一、丰富的直觉感觉悟与深厚的素描功力;二、的思维与清雅明朗的色彩;工笔与写意结合的意境。

　　一、丰富的直觉感悟与深厚的素描功力

　　重视直觉感悟是何家英的着眼点，同时也是他工笔人物画的突出特点。传统中国画的继承，一直以来主要是靠临摹前人作品入手，而非直接面对对象写生。尤其是人物画更是如此。这样不仅忽略了画家对客观对象鲜活、生动地直觉把握，最终导致高度概念化的形象处理和形式语言的程式化的形成。何家英打破了一味承袭传统的模式，在西方素描里洞见了传统工笔画所不具备的深入程度以及工笔与素描、东方与西方的共性 与个性、相融性与差异性。这为实现他的绘画理想打开了一扇大门。

　　何家英曾这样说过：要真诚地大感受生活，用艺术语言表现人的心性，人的情感，不能丧失直觉和感受。他注重“外师造化”。因此，写生是何家英找回直觉所采取的最为有效的方法。他借助现当代绘画形式尤其是素描所提供的丰富真实的直觉感受展开了富于刨造性的工作，以此填充传统演化轨迹中的薄弱环节。这是在新的层面上对传统的拓展，是对“外 师造化，中得心源”真正延续。何家英注重对基本艺术规律的阐发，其绘画技法上也是围绕着这一思路展开的。在空间层次处理、勾线、着色、染法等具体手法上，他既保留了传统中国画的精神特质，又有所突破。比如画家追求人物二度半空间的塑造，它既没有西方化，也超越了传统中国画的单一平面性;既有厚度，又很空灵。

　　在画面表现上，何家英在写实造型的基础上，切入了以线造型、骨法用笔的传统方式，将传统程式的钉头鼠尾描、兰叶描和西方人体结构、透视结合起来，即显示线的独立的形式美感，又传达了对象真实的面、体、空间。在衣物和道具上，多选择有花纹图案的入画，通过装饰的花型，围绕衣纹转动，结合透视显示其体积，并尽量追求平面化效果，仅在脸、头发、手、脚部有体积，但又不是纯西画的体积关系，而是以主观成分介入比较多的形体塑造，或多或少带有结构素描成份，画面始终保持着线的主体，形成了中西结合的最佳方式。

　　他着眼於中西方绘画的相通之处，把西方造型手法和中国造型观念巧妙结合起来，在两者的契合点上参悟因革，尊重传统而不束於旧范，问途城外而不流於追随。他的创作高扬写实精神，注重生命体验。作品刻画细微，经营位置谨严，人物清丽莹洁。

　　

　　二、融会中西的思维与清雅明朗的色彩

　　融会中西的思维与清雅明朗的色彩是何家英工笔人物画的特点，融会中西的思维源于他多年对传统文化与西方文化的不断学习和长期积累。笔者认为：首先是他只有艺术天赋，其次又深入传统民族文化的影响。在学习中国画过程中，何家英除了对传统有着独到的认识外，对中国画吸收西画营养的方式也有自己的见解。他反对那种只吸收概念，只做表面文章的做法，认为“与其接受那些大而不当的概念，不如借鉴些具体方法解决问题。西画的观察、审视、理解和提炼，和晋唐传统并无二致，可对应、契合。很多的西画作品能更直观地给我们实践上的参照，这种实实在在的启悟益人神智”。

　　何家英技法全面，从国画的写意、工笔到西画的素描、油画、水彩、水粉，无所不通，因此探索新的艺术形式时，较之他人局限要小些。可以说，《山地》给人的感觉是震撼性的。画家借鉴油画手法，用高光强化光线效果，将整幅作品处理成偏红的暖色调，突出了烈日灼烤的感受。作为对工笔人物画的尝试，似乎是前无古人的。

　　何家英在中国传统绘画以线造型、骨法用笔的基础上不同程度地融入了透视、明暗、光影等西方写实造型的表现方法，同时又注意充分利用绘画材料的丰富性，使得画面突破了传统绘画主观布形的二维平面感，但又有别于油画重客观再现的三维空间感，线的主体性及其独立形式美感得以保持和显现，从而既增强了现实感和鲜活气息，又保留了传统绘画的东方韵味。在色彩方面，他借鉴了西方油画的追求质感、量感的特点和日本画的高雅情调，采用了不过多分染而接近平涂的着色方法，同时又注意色彩间的过渡和呼应，配合以花纹、图案和几何线条的使用，形成了单纯而不单调、生动而又雅致的特点。

　　当然，何家英对中西传统的融会贯通并不仅仅体现在绘画语言上，他说：“我的信念是中西绘画在语言及思想与精神上的共融。” 他认为，得益于其认识论的哲学背景，西画长于观察和感受，这一点值得中国画家研究和学习。实际上，观察和感受本来也是中国传统绘画的优良传统，晋唐绘画之所以能达到雄浑雅健、造型饱满、高逸充盈、朴素自然这样高的水准，除了画家们的才气、学养、心态外，原生的深刻的直觉感受应该起了很关键的作用。晋唐人所创立的艺术范式不会是无根之木，应该也是从切身的感受中生发的，其间一定经历了反复观察、审视、理解和提炼的艰苦过程。只可惜，明清以降和“文革”十年，晋唐这一优良传统被轻弃了。以西画为镜，我们可以看清在传统绘画的发展演变中我们的得与失，明白我们应该舍弃什么，重拾什么。

　　何家英认为，感觉和体验很重要，面对传统，他们是命脉所在。他认为，中国画造型的恒定性与西方造型的永恒性都同样源于对偶然因素的捕捉与肯定，画家只有真诚地感受生活，潜心地去感觉和体验，才能有“来不可遏，去不可止”的“应感之会”。他说，“我在创作实践中便常常把偶然易逝的东西抓住。我的期求是‘一经相遇，便成永恒’。”《桑露》中对光的偶然因素的运用，《秋冥》中对少女微妙情态的捕捉，都凝聚了他刹那间的心灵感受。

　　融合中西的思维以其特殊的力渗透于何家英的工笔人物画中。具有了何家英式的工笔人物画的特点。它体现出作者独特的审美观，达到了创作的最高境界。这是何家英的高明之处。

　　何家英在色彩上倾心于西方印象派的色彩，基于对西画的认识和对传统设色的理解，使他形成了色彩单纯化的风格。他又在日本画中体会到画面情调上的高雅，制作上的精审，由此而造成的画面珍贵的质感都使他受益非浅。

　　何家英工笔人物画的色彩，无邋遢浑浊之虞。美在清雅，美在明净。这是因为他“作画贵静、净，静则雅，净则美，静在心灵之修养，净在技巧之养”。在单纯宁静的画面中融入了画家强烈的生命体验和精神追索的印痕。

　　笔者认为，何家英人物画的设色在保持中国画注重物象固有色的运用这一特点的同时，在更大程度上，又吸纳了外来优秀文化的理念和方法。他的画细腻、美妙、感人。是其滤去了耀眼的光泽和淳华艳丽的色彩。以探索和创造的心理愉悦为目的，审美趣味冲淡了功利性。他既没有西方化，又保留了传统中国画的精神特质，又有所突破。

　　在色彩处理上，他追求更丰富、更有层次的色彩效果，统一或对比的色凋，过度色的运用，冷暖变化与色彩层次的丰富性。在画面底色的处理上常采用和谐的灰色做背景。沉着而明朗。画面设色多以邻近色为主，求和谐。还过多分染而接近平涂的着色手法，不仅避免了刻板，同时突出了线条的独立审美作用。利用色彩间铺垫呼应，在单纯中画出了色彩的对比度。如《秋冥》作品加强了色彩的对比度，特别用兰、黄色对比，提高了色彩表情的强度。

　　几近平涂的兰色空间衬托出草地上穿着毛衣的少女。冷与暖、简与繁的相互衬托，形成了鲜明对比。画面重而不浊，华而不浮，雍容典雅，人物形象既厚实又突出。又如《桑露》中的少女们不仅形象、性格各异，同时还充分利用色彩的冷暖与色彩层次的丰富变化，巧妙地刻画出乡村姑由于长期从事露天劳动，面部所特有的鲜活生动地皮肤质感美。画面没色上虽然采用了红与绿等对比色，但又十分和谐，使色彩不喧嚣，这是画家运用墨色和各种不同灰色做平衡的结果。

　　总之，何家英的工笔人物画不仅人物传神，画面单纯宁静，而且色彩处理明朗而又有着不可思议的和谐。这些作品在用色上体现了何家英清淡、平和、明净高洁的美学风格。

　　三、写意与工笔结合的意境

　　方熏说：“有画法而无画理非也，有画理而无画趣亦非也。画无定法，物有常埋。物理有常，而其动静变化机趣无方。出之于笔，乃臻神妙”。理解何家英的工笔人物画，不仅仅停留在工笔画工整的表象上，而要分析其写意趣味。他提出：“艺术不是教育人要抽象化，而是能让人抽象地去欣赏的。可以让人百看不厌、中国画也应该是这样，既有深刻的内容或没有深刻的内容但是有高深的品格在里面，或者是可供人欣赏的笔墨，让观者即可看整体、又可看局部”。他的写意作品也能别创新意，含蓄、虚豁、自然大方。作品注重对心灵的卓越表现和对人性的深刻关注，为中国人物画的创新作了富有成就的探索。

　　何家英笔下的人物富有创作激情和精练的表现技巧。开拓出工笔与写意结合的崭新艺术境界，他追求的是有诗意有意境的作品，并不断提出未知的，可思考的有内涵东西。众所周知，写意画是中国画艺术最高追求。创作一幅好的人物画，不仅需要很强的造型能力和笔墨能力，还要有真切的感受，没有感受，对象的精神气质抓不住，就没办法写意。在何家英近年来的人物画中，充满着写意趣味。他将工笔和写意的手法，巧妙地结合起来，相互对照，又相互衬托，既避免了工笔画的呆板和刻意又避免了写意画易犯的粗糙的陋习。他探索和提升了一种写与工结合的最佳状态，并且有意追求绘画趣味。写意画多用生宣纸，这是极难掌握的。象《倚梦》、《花落东君》、《静待》等作品，面部都用极细致的白描钩线。一笔下去，，转折、顿挫、粗细、浓淡干湿都十分讲究。在面部的渲染时，融“西法”于中国画中，立体感很强。层次分明，画面简炼、扼要、干净利落，无一废笔。而线的洗炼、变化、刚柔、快慢处理的不刻板，富有自然淋漓的趣味，并始终服务于造型的需求。此外，他用来题字落款的行楷书法，既不呆板，也不张扬，在平和中带着灵动，也有助于展现作品的喻意。

　　在他创作的作品中，有关表现女性的题才占据了相当的比例。当代女性可以说是何家英惯用的题材。他自己也曾说过：“我的画，偏重于女性描绘。”这种题材很难画，因为很容易让作者和读者堕入一种思维定式：把女人当美女看。何家英在创作中特别警惕这种概念化、俗气的倾向。他在创作中非常注重“求异”，认为创作必须要“充分刻画，从外在形象到精神气质，体会其微妙之异”。而且，“必须要赋予对象以我的思想、感情、格调，这才是我的画”。他所描绘的对象无论是风韵犹存的少妇，还是纯情少女都一样使人感到亲切、自然。形体轻丽、恬静，线条流畅，色彩清雅、明朗，温柔而富有情感。取得了写意与工笔结合的趣味。尽管如此，他绝不以此满足，在近期的一些作品中，又进行了新的探索和创造。在处理手法上少了一些工整而多了一些写意。作品，淡日》在技法上，他吸取了西洋水彩画的优点，结合中国画的“没骨”画法，在色彩处埋上不刻板，富有自然淋漓的趣味。《韩国留学生》等作品用线越发圆厚劲挺。从《山地》、《十九秋》到《桑露》至今。他创造的作品立意造境越发深厚充实，人物刻画越发丰富浑然。他在风格不断变革中寻求创造快感和活力的同时，又在相对稳定的风格中追求深入与完美。可以说，何家英不仅开创了新的绘画风格，而且把它推向了相当完美的境地，正如著名画家画家，原中国美协副主席秦征先生所讲：“何家英，其画其人，天赋澄明，心地清纯，笔底人物呼欲出……惟其我行我素，偶有顾盼，流连步;默然不语，如艾如诉，却赢得知音无数”。

　　综上所述，何家英的工笔人物画所探索和开拓出来的丰富的直觉感悟，融会中西的思维，清雅、明朗的色彩和写意与工笔结合的意境，给人感觉丰富而整体，深厚而大气，明朗而有力，谨严而缜密，呈献-一种经典性品质，他的画不仅技艺高超，更具有高尚的精神内涵，这些不仅令我们赏心悦目，而且激励我们要以何家英艺术开拓精神为楷模，把我国的传统国画艺术提高到更新更美的境界。

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