千古第一艺术家：米开朗基罗

静水

严伯钧西方艺术课，文艺复兴三杰——米开朗基罗。

背景音乐：巴赫第一号Ｇ大调无伴奏大提琴曲组前奏曲

一、米开朗基罗大理石雕像的炼成。

米开朗基罗可以说是“千古第一艺术家” ，他和达·芬奇一样，集各种身份于一身，是文艺复兴时期伟大的雕塑家、画家、建筑师和诗人。其中雕塑艺术成就最高，是文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表，与达·芬奇和拉斐尔并称为“文艺复兴三杰”。

米开朗基罗（1475 -1564），全名米开朗基罗·博那罗蒂，出生于意大利佛罗伦萨附近的城镇，他是一位长寿的艺术家，活到89岁，有70余年的艺术创作生命，为后世留下了足够多且优秀的艺术作品。代表作包括西斯廷教堂天顶画《创世纪》、雕塑作品《大卫》等。

 虽然米开朗基罗有西斯廷天顶画这样恢弘的绘画代表作，但是他始终觉得自己是雕塑家，将毕生的精力都奉献在雕塑艺术上，以雕刻家的身份稳定了自己艺术家的地位。米开朗基罗主要的雕塑作品都是大理石雕塑，是雕塑工艺中最难的一种形式，可见他的技艺非凡。

雕塑常见的材料之一是陶土，是门槛最低的雕塑材质。陶土是一种加法和减法都能做的软性介质，既可以用捏的手法添加塑形，也可以用小刀雕刻去除。艺术家完成造型后，交给工人放进窑炉中烧制成形即可。这种雕塑形式因为成本低，技术要求不高，成为当时很多艺术家的选择。但褐色的色调不如大理石那么洁白高贵，米开朗基罗还是用了虽然更难，但更能符合他作品主题的大理石雕塑。

 陶土雕像示例

陶土雕像示例 —局部

米开朗基罗选择的大理石雕塑门槛最高，在材料的选择环节就有很高的要求。和我国的玉器雕刻一样，大理石雕塑也特别讲究石头的出产地，既要质量好、颜色洁白，还要块头足够大，能够有创作发挥的空间。据说米开朗基罗经常光顾的佛罗伦萨克拉拉采石场，就以盛产块头大、色泽好的石料而闻名。

大理石雕刻过程，一手拿着凿子，另一手拿着锤子。

 在雕刻技艺方面，大理石雕塑要求更高。与黏土不同，大理石是没有“后悔药”的材质，只能做减法，他们一般是先雕刻一个木头的，然后按照木头的形象再在大理石上动工。艺术家每一下雕刻都需要成竹在胸。由于大理石非常坚硬，需要用锤子和凿子，花很大力气一点一点雕刻。既要使劲，又要防止用力过猛，否则可能就会毁掉一块好石材，而且大理石又比较贵。传说30年前有一块的大理石被一位平庸的雕塑家因为用力太大，弄坏了一个角，所以干脆放弃，米开朗基罗用了这块大理石，顺势让大卫踮起一只脚，被损坏的一个角就是大卫抬起脚的位置，可见米开朗基罗的过人功力。

米开朗基罗 - 《大卫》大理石雕像

 另外一种常见材料是青铜，由于材质太硬，所以不能用小刀雕刻，而是先用蜡雕刻，然后在蜡像外部用黏土做一层壳，高温加热后，蜡像融化，再将铜加热到2千度将其融化，再在黏土壳中注入铜水，冷却后敲碎黏土壳，最后打磨抛光，青铜像就制作完成了。青铜的技艺也不是么样的复杂，这三种技艺里最难的还是大理石，最好看的也是大理石，青铜雕塑由于色彩太深，没有办法过多的体现雕塑的局部细节，而大理石雕塑却可以仔细雕琢细节，并且完整地呈现出来。以《大卫》雕像为例，多纳泰罗注重的是外在的线条，他的大卫是比较纤细的一个少年的形象，米开朗基罗的大理石大卫像与青铜大卫像相比就显得更加饱满，就连肌肉的纹理都非常明显。

多纳泰罗 —《大卫》青铜雕像

大理石雕塑难度大，成本高，对艺术家的技术要求也非常高，但洁白的大理石更能表现雕塑的线条与细节，颜色也更典雅高贵，对雕塑作品的主题表达有极大的帮助。从这一点也可以看出，在古典艺术的大环境下，技术和美感通常是成正比的，这只有在古典艺术的框架下才能成立的，这也是这么多年我们总是误解把技术当成艺术的一个原因，直到杜尚才把这个界限彻底打破。

文艺复兴时期的大理石像很大程度是在仿照出土的古希腊时期雕像，其实这些雕像在古代是有颜色的，只不过在常年风霜侵蚀下褪色了，被文艺复兴时期的艺术家误以为是白色的。这是一件歪打正着的好事，如果一尊雕像涂满了颜色，就失去了重点，喧宾夺主。

彩色的维纳斯大理石雕像。

二、米开朗基罗：大师少年成

 米开朗基罗是一位长寿的伟大艺术家，他的艺术生涯以西斯廷天顶画为分水岭，前后两个时期的艺术风格有很大不同。创作这幅画之前的青年时期，是米开朗基罗极为旺盛的创作时期。他十几岁时就选择雕塑作为艺术道路，从此开始展现极为耀眼的才华，为世人留下了很多艺术价值极高的雕塑作品，包括《圣母哀悼基督》、《大卫》等。

米开朗基罗的祖上是贵族，还出过伯爵。他的家庭在当时算是中产，父亲是当地的最高行政长官。在米开朗基罗小时候就送他去学习文学，所以米开朗基罗文学功底深厚，诗人也是他的艺术身份之一。良好的家庭条件，给了米开朗基罗相对殷实的物质条件，让他能够去追寻自己的艺术道路。

米开朗基罗13岁时就加入了佛罗伦萨著名画家吉兰达约的工作室，并收为弟子，初次接触到绘画艺术，并且以神速掌握了它。但吉兰达约并不好好教他，就教了一年，米开朗基罗就换了个师傅，又跟随文艺复兴“雕塑之父” 多纳泰罗的徒弟贝尔托尔学习雕塑，算是多纳泰罗的“徒孙”，由此正式开始了雕塑艺术家之路。

多纳泰罗意大利文艺复兴雕塑家

和很多文艺复兴时期的艺术家一样，米开朗基罗也受到了美第奇家族资助，不同的是，他当时还只是个孩子。年仅十五六岁的米开朗基罗，因为才华超群，受到美第奇家族第三代掌门人洛伦佐的重视和爱护，甚至让他和自己的孩子同吃同住。宫廷中的生活经历，给米开朗基罗很多机会可以向当时最优秀的学者、艺术家学习，给他的艺术创作生涯打下了基础。

美第奇家族第三代掌门人洛伦佐

米开朗基罗的艺术生涯的一个重要的分水岭就是西斯廷天顶画，在西斯廷天顶画的之前和之后的艺术风格有重大的转变。在之前他有三件作品值得一提，已知的最早期的雕塑作品《梯边圣母》，是初道以来的第一件作品，是一件浮雕作品，是他15岁时创作的。这件作品艺术价值可能不是最高，但是对于理解米开朗基罗来说意义重大。最大的特点就是圣母的左手非常大，对于女性来说，那是一只太过粗壮的手。在他未来几乎所有的作品中，这种充满阳刚之美的审美形象，贯穿始终。这算是米开朗基罗开宗明义的“世界宣言”，用这件作品说明了自己的审美观。

米开朗基罗 —浮雕作品《梯边圣母》

第二件作品是《圣母哀悼基督》，是年仅23岁的米开朗基罗创作的雕塑作品，这个题材曾经乔托也画过，韦登也画过，几乎所有的艺术家都要创作一遍《圣母哀悼基督》，年轻的米开朗基罗受法国红衣主教委托，为圣彼得教堂创作这尊雕像。这一作品一经问世，就震惊了世人。因为实在太过精美，人们都不敢相信这是23岁的青年人所创作。恃才傲物的米开朗基罗竟然半夜潜入，在圣母的胸口处刻上了自己的名字。虽然这是文艺复兴时期最常见的一个宗教主题，但是米开朗基罗非常出彩地完成了这件作品。如果要对文艺复兴时期的雕塑作品排名，它一定位列前三。

米开朗基罗 -《圣母哀悼基督》

《圣母哀悼基督》完美地展现了一个柔弱的女性形象，对一个高大的男性形象的“公主抱” 姿态，不别扭，甚至还非常和谐自然。米开朗基罗将圣母的腿部有意放大，裙摆的处理适当地夸张，让整个雕塑的底座更稳。此外，还有绘画密度的理论，比如齐白石在一幅写意的莲蓬当中左上角空出了一大块空白，就会明显感觉右下角太重，为了平衡，他在左上角画了一只蜻蜓，但一只蜻蜓个头太小，没有办法震住整个左上角，于是齐白石采用了工笔画法来画蜻蜓，给蜻蜓更多的细节，让你的眼神有了更多的注意力，这样会产生一种平衡。同样的技法米开朗基罗也用到了，他让圣母胸口的衣服有很多褶皱，以此来吸引视线，用密度来平衡耶稣身材比较长的空间，从整体上看，“弱”就支撑住了“强”。 

米开朗基罗 - 《圣母哀悼基督》局部，圣母胸口衣服的褶皱以及米开朗基罗刻下的字。

齐白石的水墨画作品，用虚实画法来平衡画面密度。

《圣母哀悼基督》还体现出了米开朗基罗超现实的艺术观。在一般的艺术作品中，圣母是一个哀伤的老妇人，但米开朗基罗刻画的圣母还是一个年轻女子的形象。他认为，人世间邪恶的情欲会让人衰老，而圣母是没有情欲的，应该始终是纯洁的女性形象，所以她一点也不老。米开朗基罗的艺术能力，已经有了超现实的艺术观念，他的超现实的魅力得到了极致的发挥。

第三尊雕像就是《大卫》，《大卫》是米开朗基罗29岁完成的最知名的作品，代表了一个时代雕塑艺术作品的最高境界，体格雄伟健美的大卫被认为拥有理想化的男性美。但是，大卫雕像的右手有着米开朗基罗刻意为之的“不完美”。对于一个少年来说，右手比例过大，青筋暴露的样子过于苍老有力，而米开朗基罗刻意这么做，是为了表达在上帝的祝福下，大卫才能以弱胜强，给予大卫上帝的力量，为了在雕塑中表现这一点，米开朗基罗就给了大卫一只“上帝之手”。

米开朗基罗 -《大卫》局部，过大的右手是米开朗基罗刻意雕刻的“上帝之手”。

在完美的《大卫》雕像中，米开朗基罗甚至雕刻出了瞳孔的高光。仔细观察你会发现，大卫的瞳孔是两个桃心的形状。这是文艺复兴时期佛罗伦萨新的雕刻方法，当时的肖像画中，开始有了“画龙点睛”的方法，在肖像中，瞳孔中点上一些白光，显得眼睛更加有神。米开朗基罗为了在雕塑中表现出这一点，就用了这种凹凸的雕刻方法，给大卫的眼睛雕刻出了高光的效果。

 米开朗基罗 -《大卫》局部，桃心状的瞳孔是米开朗基罗为了表现高光的效果

拉斐尔的肖像画作品，瞳孔中画出了高光的效果。

在这些伟大的作品中任何风格、主义都是多余的，无法概括这些艺术作品的伟大。风格、主义只不过是当你熟悉了这些作品之后的一个总结、一个线索、一个概括而已，不能本末倒置，米开朗基罗他的伟大、他的天才没有单个形容词，文艺复兴这四个字也概括不了他的伟大和天才之处。

米开朗基罗《酒神巴克斯》

雕像说明：1、这个作品在匈牙利曾被一个疯子砸坏过，这是毁坏前的图像。2、小孩是可爱机灵的妖精，所以他的腿是羊蹄子，3、酒神是一位英俊的青年，以葡萄做他的头发。

三、西斯廷天顶画：雕塑大师的绘画神作

西斯廷天顶画是米开朗基罗画在梵蒂冈西斯廷教堂天花板上的壁画，1508年开始，花费了长达四年的时间，是米开朗基罗著名的绘画代表作之一。壁画分布在教堂长36米、宽13米的巨大屋顶上，内容是《圣经》中“创世纪”的九个故事，绘画总面积接近500平方米，场面宏大，非常震撼，是艺术史上无可替代的伟大杰作。 梵蒂冈西斯廷教堂

西斯廷教堂内米开朗基罗所绘的天顶画

西斯廷天顶画《创世纪》里九个圣经故事

西斯廷天顶画对米开朗基罗来说是一个重要成长过程，让他和他的作品从一个优雅和谐、身材匀称的少年，长成了一个肌肉发达、身材魁梧的壮年。作为一个雕塑家，他的艺术分水岭却是这幅壁画作品。在西斯廷天顶画之前，他的雕像作品以优雅和匀称为主；之后的雕塑中，人物形象更加硬朗，肌肉也更加发达。哥德曾经说过你如果不到西斯廷你永远没有办法了解一个人的能力能够大到什么样的地步，米开朗基罗的四年创作就是一个反人类的经历。

西斯廷天顶画中女先知形象，同样也是肌肉发达。

米开朗基罗作为一个雕塑艺术家，一开始对这项教皇要求的绘画任务是拒绝的。之所以后来答应，是因为教皇准备用一笔巨款为自己修建陵墓，米开朗基罗希望能在陵墓建造中，把自己在雕塑方面的毕生绝学都发挥出来。他为这座陵墓设计了非常宏伟的蓝图，有四十尊像《大卫》一样的雕像。有人就笑话他，说一个大卫雕了四年，那四十尊雕像岂不要造160年，还没雕完就要用这个陵墓了。后来布拉曼特给教皇说人还没死呢就想着死后的事，这样不吉利，还是抓紧做圣彼得大教堂，所以才会委托米开朗基罗画西斯廷天顶画，非常可惜的是，后来教皇听信谗言，陵墓修建的事被搁浅，米开朗基罗就被调去画了这幅天顶画。

米开朗基罗的素描作品

西斯廷天顶画的最早计划并没有这么恢弘雄伟，只是打算画上《圣经》中耶稣的十二使徒而已。教皇尤利乌斯二世，不是一个有艺术修养的人，审美品位不高，又喜好政绩工程的人，只想完成西斯廷天顶画这个政治任务而已。开始米开朗基罗本来也想草草了事。但他后来幡然醒悟，觉得自己是一个优秀的艺术家，也是一位虔诚的基督教徒，不能这么敷衍，他把几乎要完工的壁画全部毁坏，重新设计了占满整个西斯廷天顶的大作，这才有了我们今天能看到的这幅无与伦比的巨作。从这里我们也在米开朗基罗身上学到他对艺术认真追求的精神，哪怕不情愿也要做到最好。

一个雕塑家怎么能将绘画画得这么完美呢？在这之前米开朗基罗接受的正规教育也只有一年，就是在吉兰达约那里学习的一年，据说吉兰达约是个嫉贤妒能的人，没怎么好好教米开朗基罗绘画。做为一个优秀的雕塑家必须要有好的素描功底，这是由于当时雕塑材料的成本太高，需要在正式雕塑之前，先在纸上对一尊雕塑进行详细地描绘，包括各个角度的造型。米开朗基罗对素描是有偏执的追求，甚至教导他的学生也是要不断的去画，千万不要停歇。米开朗基罗虽然是雕塑家，但是素描功底极为深厚，凭借着自己的天赋，和在雕塑中积累下来的极强的素描功底，这才以一个雕塑家的身份完成了原本不可能完成的西斯廷天顶画。

米开朗基罗西斯廷天顶画的素描草稿

米开朗基罗的绘画功底之深厚，先不说色彩，就造型而言也是一等的，他将自己的雕塑技法融入到了西斯廷天顶画中，画面中的人物都有很强烈的雕塑感。由于平时的创作都是摆弄三维的雕塑，所以米开朗基罗对画中人物的形象和动作非常有想象力，形态各异，充满戏剧性和震撼力，整个西斯廷天顶画，面积巨大，但在布局和构图上堪称完美。这就是一个雕塑家为什么能把西斯廷天顶画画得这样完美的原因。

米开朗基罗的素描作品

西斯廷天顶画中我们可以感受到米开朗基罗的艺术理念，画中所有人物都肌肉发达，哪怕是女性人物，这体现出了米开朗基罗的审美观。很多人猜测米开朗基罗迷恋男性身体，也有可能是个“直男癌”。其实，他对男性人体之美的刻画，应该是源自于他对上帝的信仰，而并不是像有些人说的他对同性肉体的迷恋。《圣经》中明确说到，上帝是按照自己的形象创造人，但上帝又一定是优于人类的，米开朗基罗为了表现这一点，就将人物形象处理成正常男性体型基础上的理想化体型。

我们现在看到的这样肌肉发达的人物形象并不奇怪，因为现在人可以通过健身方式和科学的饮食才能获得完美的体魄。文艺复兴时期虽然社会进步，但物质还是不够丰富，在当时物质极为落后的情况下，包括英国国王、法国国王身高才只有1米5几，皇族都有营养不良的风险，所以这种肌肉发达的人体形象在当时来说绝对是一种神化、优化、理想化的人体。

 

西斯廷天顶画中亚当夏娃的故事，不论男女，都肌肉发达。

对米开朗基罗总是喜欢塑造男性的裸体再结合他终身未婚这一事实，（包括牛顿、达·芬奇都是终生未婚）有人解读为是同性恋，这完全是一种狭隘的想法，享乐层级最高级的是“自己像上帝一样”。怎样才能像上帝一样，那就是发现真理，牛顿发现万有引力，这个世界上只有他一人知道为什么星星会围绕太阳转，这种巨大的快感绝对是站在最顶层的，包括达·芬奇、米开朗基罗的艺术创作所带来的快乐也是最顶层的。他们整天被最高级的快感充斥，哪里有时间去想儿女私情，对他们来说就是浪费时间。

下面让我们欣赏西斯廷天顶画《创世纪》中九幅画中的九个圣经故事。

创世纪九故事：

1、《创世纪》—诺亚的醉酒 

2、《创世纪》—大洪水。

3、《创世纪》—诺亚的献祭

4、《创世纪》—偷食禁果

5、《创世纪》—上帝造夏娃

6、《创世纪》—上帝造亚当

7、《创世纪》—上帝分开水和陆

8、《创世纪》—上帝造日月

9、《创世纪》—上帝分开光和暗

四、《末日的审判》：米开朗基罗的再次突破

“铁打的米开朗基罗，流水的教皇”，长寿的米开朗基罗一生服务过七个教皇，在他年过六十的时候，又接到当时教皇保罗三世的邀请，为西斯廷教堂绘制另一幅壁画—— 《末日的审判》。从1534年开始，米开朗基罗花了近7年的时间完成了这幅宏大壮丽的壁画，这是又一件艺术价值极高的作品。它对于米开朗基罗来说，是艺术生涯的第二个分水岭，象征着他又一次艺术风格的突破和转变。

西斯廷教堂里的《最后的审判》壁画

《末日的审判》也被译为《最后的审判》，位于西斯廷教堂祭台后方的整面墙上，是米开朗基罗完成西斯廷天顶画25年后，在这座教堂的第二次大创作。虽然没有《创世纪》的面积那么大，但毕竟是60多岁了，对上了年纪的他来说，这是一项工作量极大的任务。绘画面积接近200平米，一共400多个人物，气势磅礴又充满细节，为世人留下了很多可以研究学习的艺术表达方式。

米开朗基罗 - 《末日的审判》

《末日的审判》以《圣经》中天堂地狱的整个体系为神学背景，描绘了世界灭亡的一刻到来时，耶稣派遣七个天使在火山处吹响末日号角，所有已死的人和活着的人都苏醒过来，接受上天堂或下地狱的审判。米开朗基罗把整个画面分为四个阶层，最上层是天堂的天使，中间是耶稣基督，下层是受裁决的人群，最底层是地狱。在《莫扎特传记》里他说长号是最具有神性的乐器，一般人是不太理解这句话的，但当你看到这幅画后就秒懂了，在这幅画中会得到最贴切的解释。

米开朗基罗 - 《末日的审判》局部，末日来临的一刻，耶稣派遣天使吹响号角。

《末日的审判》和米开朗基罗年轻时的作品大不一样，不再是让人看了觉得轻松享受，而是充满紧张感。画中的人物姿态造型都有极强的冲击力，所有的表达都很激烈，甚至带有很多夸张的色彩，这种恣意狂放是米开朗基罗在晚年时期对自己的新突破。

为什么说这幅画是米开朗基罗又一次艺术风格的突破和转变呢！有三点需要了解：一是《末日的审判》创作背景是欧洲1517年马丁·路德领导的宗教改革运动，而教皇为了抑制这次运动，就组织起了“反宗教改革”的力量。天主教非常看重并且依赖于艺术作品对信徒的教化作用，好的绘画作品雕塑作品是对信徒的信仰能够加深，反宗教改革的一大武器就是优秀的艺术作品，因此保罗三世就请米开朗基罗画这幅壁画，期望起到警醒世人的作用。

第二点《末日审判》的神学背景是根据《圣经》说法耶稣被罗马人钉死了后复活升天，但秋后算帐总是要来的，世界总有灭亡的一天，哪怕是死了的人，埋葬在阴间的人都要复活从地底下爬上来接受审判，这就是末日审判的大背景，是《圣经》神学体系的自然展现。

《末日的审判》局部，下层是受裁决的人群，最底层是地狱。

第三点也是最重要的一点，是米开朗基罗大师对自身艺术方式的突破，文艺复兴盛期的时期整个绘画所展现的气息是和谐、优雅、自洽、完备的，看上去的感觉是舒服的，但在末日审判中绝对看到的不是舒服的感觉，他要的是警示的感觉，我们可以对比扬·凡·艾克的宗教画，从构图上看，之前的宗教画都暗含着一定的规则，耶稣、圣母、天使、神职人员等，都有各自相对有固定的位置，大家排排坐，像是在理智的开会，但是《末日的审判》打破了这种和谐，都末日了大家怎么会理智的排成队呢！肯定是呼天抢地的拥挤的上天堂。

扬·凡·艾克 -《祭坛画》，画中的人物都很规整地按次序排好，不像《末日的审判》中混在一起。

米开朗基罗在这幅画中表现、创造出一种极为“不和谐”的构图，极有冲击力的画面感，并且带有夸张的色彩，比方最地层的人哪怕化成白骨也要从地里爬上来去接受审判，还有最低下很多人乘坐着妖怪划着的船去接受审判，这里的人物姿态各异，还有一些是倒立着的人物。

米开朗基罗 - 《末日的审判》局部，可以看到画面下方从坟墓中醒来准备接受审判的白骨。

在画面的中间，一位圣徒手中拎着一张人皮，人皮上的人头就是米开朗基罗自己，他是想借此表达自己的灵魂已经摆脱了肉体的束缚，进入了更高的境界。60岁的米开朗基罗当时的声誉如日中天，能和他并驾齐驱的艺术家都去世了，自然也就是当之无愧的“天下第一”，世人甚至称他为“神圣的米开朗基罗” ，可见他当时至高无上的地位。所以他在画中也理直气壮地给了自己比较高的待遇。另外同时也表现了他对宗教的敬畏之心，一种罪恶感的体现，这张人皮画的是非常真实和恐怖，恣意狂放的表现也是米开朗基罗最大的特点。在混乱的末日场景里，米开朗基罗以耶稣为中心构图，把众多人物和复杂的情节融合在一起，描绘了末日的恐怖和混乱，以达到警示的目的，形成了一种新的和谐。

米开朗基罗 - 《末日的审判》局部，画面中间圣徒手中的人皮，是米开朗基罗自己的形象。

《末日的审判》中，原本所有人物都是全裸体的，在米开朗基罗去世后，宗教人士找了一批专业画家给裸体加上了遮羞布，这批画家也很惨，落了一个内裤制造商的恶名。米开朗基罗的这种做法在当时是被神职人员看不上的，也是不被接受的，尤其这还是一幅教堂里的壁画，但米开朗基罗争辩说：上帝一开始造出的人就是赤身裸体，而且亚当和夏娃一开始也是裸体，要不是人类犯罪偷吃了禁果，是不会觉得羞愧的，你们这些神职人员觉得肮脏污秽那是因为你们自己的思想肮脏污秽，这些神职人员被反言相讥的非常羞愧和无语。

《末日的审判》这幅作品完全彰显了米开朗基罗晚年的艺术思想上的转变，从文艺复兴追求和谐、完美转变到狂放的表现手法，按后世的看法这完全是浪漫主义精神，跟文艺复兴的精神是背道而驰的，其实艺术没有必要拘泥于具体是什么形式，不同种类的艺术，比如音乐和绘画，即使不是艺术把科学也放进来；就好比爬一座山，山顶只有一个，那个顶叫做真理，但一座山有不同的道路可以爬，美术和音乐走得是不同的路，但最终目标都是山顶，社会的层次越高不同领域里的艺术也好科学也罢，它们之间的距离就会越近。对于艺术不要抱着太专业的眼光去看，层次越高学术之间的界限越模糊，从这里我们看出触类旁通的重要性，就比方说莫扎特说长号是最神性的乐器，如果你整天研究音乐就永远不知道为什么，但回过头一看米开朗基罗的《末日的审判》就会立刻明白了。

五、“未完成的完成”，造就大师中的大师

米开朗基罗一生致力于艺术创造，创作出了大量巅峰级的作品，尤其是众多雕塑作品，深刻的影响着后世的艺术家们，是雕塑史上不可逾越的高峰。米开朗基罗代表着一种感性的、极具情感张力的艺术风格，要想理解他，看懂他的作品，一定要理解他的艺术理念，弄清楚他对雕塑、对艺术的看法。

米开朗基罗在绘画方面的成就极高，但他始终把自己看作是雕塑家，他对石料有着天然的敏锐。曾经看到一块从佛罗伦萨卡拉拉采石场刚刚采来的石料，米开朗基罗走过去拍了拍石块，说：“嗯，这里面坐着摩西。”米开朗基罗觉得自己做的，只是将已经存在的雕塑形象从一块石料中解放出来。

米开朗基罗做雕塑的方法非常独特，和很多雕塑艺术家不太一样。大部分人拿到一块石料，是上下左右前后同时开工，慢慢雕塑成形。而米开朗基罗是只从正面入手，就感觉像一个人沉在水底、而后慢慢从水面上浮现出来，他的鼻尖先从水面上浮现出来，然后整个雕塑从石材中脱胎而出，似乎他所做的只是帮雕塑把周围多余的材料去掉，让它自己显现出来。这很像我们中国的一句古话，“文章总天成，妙手偶得知”。米开朗基罗独特的雕塑手法，显示出了他作为艺术大师的核心能力—— 对艺术的想象力。他在下手雕刻之前，就已经知道这件作品长什么样，神韵也已经确定好了，因此也就注定会是一件有主心骨的作品。对于艺术大师来说，技术固然重要，就好比你把一首曲子练好不再于你的技术有多好，最关键的是你知道好听的曲子应该是怎样的，更重要的是知道什么是好的艺术作品，对艺术有想象、有设计。再反观一下我国的音乐教育的领域，我们国家的孩子比赛都很在行，但是很难出顶级的大师。就是因为大师知道好的东西是什么样，并且对好的东西有想象，艺术不是通过技巧锤炼出来的，米开朗基罗对于雕像的这种观念看法就决定了他是非常有想象力的人。一个人的审美观才是优秀艺术的核心。

米开朗基罗 -《摩西坐像》，他看到这块石料时，走过去拍了拍说：“嗯，这里面坐着摩西。”

米开朗基罗和达·芬奇是人类艺术史上极为耀眼的两位大师，这两位并驾齐驱的大师最大的分歧在于对艺术的功用的理解，也就导致了他们对绘画和雕塑的不同看法。崇尚科学的达·芬奇认为绘画是科学性的，是基于感性观察后的理性求证，是研究自然的一种方法，所以比雕塑要强；米开朗基罗则认为艺术的任务是为了描绘造物主的伟大，造物主创造的世界就是三维的，所以雕塑才是最好的表达 方式，米开朗基罗说：雕塑是太阳，绘画是月亮，月亮光只是反射太阳的投影而已。所以这是最终米开朗基罗看不上绘画的基本原因。从这个态度上他和达芬奇是截然相反的。米开朗基罗对雕塑的热爱，还在于他认为雕塑的感受维度更多。绘画只能用眼睛从一个角度欣赏，而雕塑能从不同角度去看，还能抚摸感受质地和纹理。从这一点也能看出，米开朗基罗的艺术理念是感性的，追求感官上的直接享受。

米开朗基罗的中晚期雕塑作品，表达了他对艺术品“未完成的完成” 的理解。《圣母与圣子》这尊雕塑，乍一看会让人觉得非常粗糙，不够精美，很多人认为是米开朗基罗未完成的作品。然而，艺术品和它的环境组成的共同的视觉效果，才是完整的艺术品。同一件艺术品，放在不同的背景下，艺术感受会完全不同。因此，米开朗基罗的晚期作品不一定是未完成，很有可能那些没有被去掉的石头，就是米开朗基罗为你创造的“环境”。同一个艺术作品放在不同的背景下，艺术感受是完全不一样的。

米开朗基罗 -《圣母与圣子》，很多人认为这件作品没有完成，但这很可能是一种“未完成的完成”

比方奥赛美术馆做了一次重大的翻修，为了让雷诺阿的这幅画作更有冲击力，特意将背景白色的墙面涂成深灰色，就突显了这幅画鲜艳的程度。所以说环境和背景是能够改变你对艺术的观感。到底什么是艺术品这个界限非常的模糊，我们不能脱离这件艺术品所处的环境来看艺术品，所以用这种眼光来看米开朗基罗的晚期作品也并不是没有完成。如果在看到疑似没有完成的作品你就可能一口气杀到19世纪的罗丹了。

奥赛美术馆翻修时，为了让雷诺阿的这幅画作更有冲击力，特意将背景的墙面涂成深灰色，可见，艺术品是和它的环境共同构成的。

相隔300年后，我们在罗丹的雕塑作品中，再次看到了疑似未完成的作品，可见米开朗基罗的超前。

米开朗基罗在晚年做出“未完成的完成”的艺术品，是对自己艺术地位和风格的一种超越。这是真正的大师应当去完成的一种自我突破，不只是米开朗基罗，多纳泰罗晚年时敢于做出“丑的美”，提香晚年时创作出“黑暗的光明”，贝多芬晚年的作品有着“难听的好听”，伟大的艺术家都不满足于自己的顶峰时刻，完成了超越，成为了大师中的大师。

米开朗基罗代表一种感性的、一种极具表现力的、极具情感张力的艺术风格，之后我们还会发现米开朗基罗代表的引发的包括巴洛克浪漫主义源头都可以追溯到他这里。美术的二元论也就是达芬奇和米开朗基罗，以后所有不同时期、风格、领域都可以归到这两个人名下，这就是美术当中最重要的二元论。

米开朗基罗中晚期作品《昼》、《夜》、《晨》、《暮》四尊大理石雕像是米开朗基罗最具代表性的作品，创作时间是1520—1534年，雕像表达了不安、紧张与带着辛酸的屈从，是脱胎于河神的形象。这四尊肖像要去佛罗伦萨美第奇家族的圣洛伦佐教堂才能看到，这间教堂里还有多纳泰罗的作品，非常值得去参观欣赏。

《夜》是一个身材优美的女子，但肌肉松驰，右手抱头，正深睡着，枕后的面具象征着她恶梦缠身，她似乎已精疲力竭，渴望从梦中得到安宁。

《昼》似一个未完全成年的男子，好像刚刚从睡梦中被惊醒，右手支撑着身体，凝视着前方。

《暮》是一个强壮的中年男子，脸上沉浸在平静的反醒中，又像是在苦闷中发呆。

《晨》中的女性身材丰满而结实，全身焕发着活力，似正从昏睡中挣扎苏醒，但没有欢乐。