【与印象派巨匠近距离对话】

YJX

　　考陶尔德 美术馆(The Courtauld Gallery)是英国最著名的学院美术馆之一，附属于The Courtauld Institute of Arts，

而这个美术馆也是供学院的学生们学习与研究的场所，收藏着从14世纪到20世纪末的许多名作。

这次，由于美术馆需要改建，60幅名作与24部信件、藏书票、购画发票、考陶尔德写的论文、美术馆所属研究所开办时的讲义、考卷等珍贵文字资料才难得地被借到日本展览，而在此前，几乎沒有前例。

于是，为业内外朋友提供了一次极为宝贵的鉴赏机会。

　　该美术馆的美术品呈现为罕见且奢侈的别墅式陈列

有如进入贵族的高级宫殿

　　不仅出版了精美的画册，

《朝日新闻》还罕见地为此发行了纪念号外。

　　

　　特地挑选了9月的一个周五下午去参观，因为只有这一天，开馆时间可延至晚上8点，使参观可更加从容。

熟悉的东京都美术馆

这次展览和画册是按照三种解读依次展开的。
第1部分:从画家的言论角度解读
第2部分:从时代背景解读
第3部分:从素材、技法解读
因此，同一位画家的作品也常常被分散在不同部分。

为了便于了解，我既参考了展览的顺序，又主要结合印象派形成的过程重新做了排列，把从60幅中挑选出的45幅印象深刻作品，又加入这些画家13幅展外其它代表作，按画家顺序集中起来做出如下介绍。
依次介绍了以下21位画家:
1、惠斯勒

2、莫奈

3、马奈

4、雷诺阿

5、德加

6、毕沙罗

7、希斯来

8、西涅克

9、修拉

10、梵高

11、高更

12、塞尚

13、莫迪利安尼

14、布丹

15、波纳尔

16、卢梭

17、罗特列克

18、杜米埃

19、维亚尔

20、苏丁

21、罗丹

　　【少女与樱花】

139.3 X 73.3cm

　1、詹姆斯·惠斯勒（James McNeill Whistler 1834年~1903年），美国著名印象派画家。在法国期间与莫奈等画家有交往，1859年起侨居英国，并在伦敦成就了自己的事业。

这是展览会第一张作品，虽然耳机导览中没有介绍，但我十分喜欢，叹服画面色调如此统一协调，衬托出少女愉悦的心情，笔触简约而不失细腻，将纱裙的透明感画得惟妙惟肖。

　　

　　回来细看画册，才知道作品源自大幅作品【三位少女】139.1X185.4cm，重绘后只取了其中一位。

　　在那幅画作中，蹲着的少女位于中间， 而其中樱花及伞🌂的元素，是因为1855年到巴黎的惠斯顿，受到当时流行的日本美术的影响。

　　(非这次展览的览品)

　　到英国后，惠斯勒的画便同音乐标题结合在一起。例如《母亲的肖像》被称为《灰与黑的协奏曲》。
　　他受到西班牙画家画风，希腊雕刻，拉斐尔前派以及日本美术等等的影响，创造了独特的艺术风格。

惠斯勒不仅在风景画，连客户定的肖像画也都用颜色与音乐用语所组合的独特名称，这表明，他的意图不在于故事的叙述或现实的再现，而是在这些完全不同的领域里有他的艺术课题，其中尤以色彩的力量占有重要意义。

作品欣赏
《灰与黑的协奏曲：画家母亲肖像》

这是画家的一幅重要代表作。

画面被大面积的黑色和灰色所占据。母亲坐在房间的椅子上，神态安详、面容慈爱，脖子上围着的白色纱巾，手上拿着白色的手绢，身上黑色的衣裙把整个椅子都遮盖了。

大面积的墙壁和地板都是纯粹的灰色，与母亲的黑色衣裙和黑色的窗帘、椅子形成了和谐的对照。窗帘上的白色小花朵，星星点点是，仿佛是跳动的音符。灰色的墙上挂着一幅画框，画上白色的背景与画面上另外几处的白色形成了呼应，如同黑色和灰色的交响曲中突然升起的白色音符，对比鲜明、强烈，使画面增添的生机和情趣，也淡化了画面上黑灰两种颜色的过分单调。

整个画面中，窗帘和上面的小花、地板、衣裙、墙壁、画框……等事物本身的意义已经退居到次要的位置，好像都被画家安排成了不同的音节，随着颜色的增强和层次的变化，发出从低音到中音再到高音缓缓升起的优美音乐。在黑灰两种主要颜色的对撞中，又泛起层层和谐的白色音符，而到了最明亮画框，仿佛达到的最高音。这幅画从造型、构图、形式统统服从于对色彩和谐的追求以及音乐旋律美的衬托。从而营造出了一个充满诗意和神秘色彩的氛围，流畅的色彩和音乐的旋律，美在这里被表现得淋漓尽致。

好高冷！

(非这次展览的览品)

我非常喜欢这张妇人全身像，过目不忘！

画面洋溢着音乐感和节奏，引导你的目光随着画家的意图在画面上移动，先从手，到头部，再到全身......

(非这次展览的览品)

【南法昂蒂布海岬】

65.5 X 92.4cm

2、克劳德·莫奈
(Claude Monet，1840年~1926年)，
莫奈是法国最重要的画家之一，印象派的理论和实践大部分都有他的推广。莫奈擅长光与影的实验与表现技法。他最重要的风格是改变了阴影和轮廓线的画法，在莫奈的画作中看不到非常明确的阴影，也看不到突显或平涂式的轮廓线。光和影的色彩描绘是莫奈绘画的最大特色，他被誉为“印象派领导者”，是印象派代表人物和创始人之一。

莫奈继1884年地中海创作之旅之后，又于1888年1月中来到南法昂蒂布(Antibes)， 这次在此共逗留了近四个月，创作了38幅作品。

他在写给朋友的信中说:

「 我带回来的都是非常甜美的作品， 白色、粉色、蓝色，一切都像梦那样被美丽的空气包围着。」

这就是其中的一幅，表现了地中海的，与巴黎等地完全不同的由光、水和大气产生出来的，能拨动你心弦的作品。

【日出.印象】

莫奈的代表作！

印象派(Impressionism），是于1860年代法国展开的艺术运动、画风。

印象派的命名即源自于莫奈于1874年创作的这幅画作《印象·日出》。

画作当时遭到学院派的攻击，并被评论家路易斯·勒罗伊（Louis Leroy）挖苦是“印象派（起源）。印象派画作常见的特色是笔触未经修饰而显见，构图宽广无边，尤其着重于光影的改变、对时间的印象，并以生活中的平凡事物做为描绘对象。

　　(非这次展览的览品)

【干草堆】
莫奈的这一系列为众人所熟悉。
2019年5月14日，莫奈的作品《干草堆》在纽约苏富比拍卖行以破纪录的1.107亿美元高价拍出。这是莫奈作品拍卖最高纪录，也是印象派画作在NY苏富比最高纪录。

(非这次展览的览品)

【睡莲】

睡莲似乎已成为提到莫奈时人们的连锁反应。

(非这次展览的览品)

【莫奈自画像】

(非这次展览的览品)

【Argenteuil城的秋之效果】

55 X 74.5cm

作品中占据了画面下半部的河流是塞纳河的支流，而中央横向的才是塞纳河。河对面则是莫奈一家住了七年左右的Argenteuil小城。

这幅作品把莫奈对秋天的印象，他对光感、色彩与大气的捕捉放在主要位置。中央的白色建筑貌似工厂冒烟的烟囱，其实是小城里的教堂尖塔。

作者用这种桔黄与黄绿的对比，描绘出一幅很有光感与透明感的景色。

　　右侧的树梢上有明显的刮削痕迹，使画面更显轻松，也增加了质感。

【花瓶】

100.4 X 81.8cm

1878年~1882年，莫奈画了20幅左右的静物， 往往是由于天气不好，作画便改在室内进行，同时也可以对光感、色彩与质感进行探究。

还有一个重要的原因是当时莫奈经济

拮据，而静物在市场有较高的需求，这也可成为莫奈的一项收入。

这幅画作中，花瓶并没有置中，而且稍稍倾斜，他用短而粗的笔触画了无数粉色和白色的花瓣，表现出了淡雅的色彩和纤细的光感。

1920年莫奈80岁的时候，他在这幅作品上签了名，对花瓣和叶子又做了调整 添加，然后销售出去，并在之后的1923年被考陶尔德购下，这也是他得到的第一张莫奈作品。

【塞纳河岸】
62.3 X 103cm
3、爱德华·马奈（Édouard Manet，1832年~ 1883年）

他是19世纪印象主义的奠基人之一，

1832年出生于巴黎。
他从未参加过印象派的展览，但他深具革新精神的艺术创作态度，却深深影响了莫奈、塞尚、梵高等新兴画家，进而将绘画带入现代主义的道路上。

受到日本浮世绘及西班牙画风的影响，马奈大胆采用鲜明色彩，舍弃传统绘画的中间色调，将绘画从追求立体空间的传统束缚中解放出来，朝二维的平面创作迈出革命性的一大步。

对马奈的这幅【吹笛少年】，熟悉的人一定不少，这是1866年创作完成的一幅布面油画作品。现收藏于巴黎奥赛博物馆。

　该画描绘了卫军乐队年轻的士兵正在吹短笛的场景，画中的少年以右脚为重心站立，左腿向外伸展，上身自然向左倾斜，手指在乐器的孔洞上按压，悠扬的音符流泻而出，他神情专注，谨慎地吹奏着一支木制小笛。

整个画面达到了形与色的统一，画中没有阴影，没有视平线，没有轮廓线，以最小限度的主体层次来作画，否定了三度空间的深远感。

(非这次展览览品)

【草地上的午餐】
89.5X116.5cm
马奈这幅作品与收藏在巴黎Orsay美术馆的另一幅大型作品同名，内容也基本一样。那幅作品在当年发表时的题名为《水浴》。

作品中，席地而坐的两位着装男性和一位裸体女性组合在一起，这与当时的社会规范是不相容的。这种野外题材跨越了过去，表现了融入了现代生活，又更轻松安详的田园风光。

【女神游乐厅的吧台（A Bar at the Folies-Bergère】

96 X 130cm

　　这是马奈晚年的杰作，也是该美馆收藏的最有名的一幅作品，所以这次展览会的入场券、宣传资料及画册封面上印刷的都选用了这张。

画面中超脱的女侍者恐怕也已为许多人熟悉。她身后的镜子映出酒吧里的景象，左上角有一双脚，是杂技团的空中飞人表演。画面右边是女侍者在镜中的背影，相当奇怪也很不合比例。

据说这个背影是马奈画时临时想到，故较为随意。而另一种说法，则认为马奈是故意为之。因为女神游乐厅曾是巴黎著名娱乐场所，公开提供性服务。这里的侍者，需要满足客人的一切需求。而这种不合比例的透视则强调了这层暧昧。

　　该作细部画得十分深入， 右下角的一个酒瓶上有红色三角形标签，这是英国的某种名酒。

　　而下面放大的左下角的一个酒瓶上，就有马奈的亲笔签名。

【Chatou之春(巴黎郊外)】

59.6 X 73.7cm

4、皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿（Pierre

Auguste Renoir，1841年~1919年）

印象派重要画家。1841年生于法国Haute-Vienne的小镇里蒙（Limoges），后来随家搬迁到巴黎。印象画派成员之一。以油画著称，亦作雕塑和版画，

而雕塑则是在他72岁已经是靠轮椅生活的时候才开始学习的， 建议他学做雕塑的，正是他画过的画商好友Vollard， 不禁令人感慨画家的艺术之树🌳常青。

他早年当过徒工，画过陶瓷、扇子、窗帘等。曾从学院派画家格莱尔(Charles Gabriel Gleyre, 1806—1874)学画，后受德拉克洛瓦和库尔贝的影响，对鲁本斯及法国18世纪绘画有较深的研究。在创作上能把传统画法与印象主义方法相结合，以鲜丽透明的色彩表现阳光与空气的颤动和明朗的气氛，独具风格。代表作有《包厢》、《游船上的午餐》、《小玛高脱像》、《煎饼磨房的舞会》等。

Chatou是位于巴黎西部14公里处的小镇，周末去郊游的人很多。

这张作品表现了阳光下绿草茵茵的原野，而在上方浓密的树木之间，可以看到塞纳河的一部分，白色描绘的或是小舟。画面中戴草帽的游人点景，以表现 这片原野的宽广。

【Vollard 的肖像】

81.6 X 65.2cm

雷诺阿的好友Vollard是一位极为成功的画商，有着超一流的美术修养及鉴赏水平。

这幅暖调子的作品刻划出高大的画商的相貌特征，他的一双大手握着一个女人体的小雕像，以犀利的专业目光正在鉴赏。

【包厢】

80 X 63.5cm

这幅超级名画的有趣之处在于是在室内完成的印象派绘画。

雷诺阿成功地表现了剧院中包厢里的气氛，虽然只画了两个人，但画家明显地突出了盛装贵妇形象，化了妆的贵妇与身后的绅士形成鲜明对比。
《包厢》的色调是温馨的，它由玫瑰、黑、白三色组成，贵妇人身上黑条纹衣服非常醒目，粗阔的黑条与白色相间的浅色，使她显得光彩照人。以细小的笔触体现黑色，产生了一种丰富、浑厚的层次，使画面增加了视觉美感。
由于其构图与色彩的成功，有一种自然逼真感。
舞台上的灯光照过来，使包厢呈现温暖柔和金红色调，增强了少妇面容的光艳和柔美。少妇那黑色眼睛和红的嘴唇的对比，使这用笔简洁的面容楚楚动人。雷诺阿在表现女性面容时善用高调手法，用重色突出其双眼，其余则用肉色浅淡描绘，少妇那圆润的形象及那似乎带点儿轻佻的活泼的性格得到极好的体现。

画家还别出心裁、恰倒好处地运用“黑色”魅力。画中的青春少妇在那撩拨人心的乐声中显露了她单纯而又平凡的内在素质，与其说她是在观赏剧情，还不如说她在凭借观众的眼睛自我欣赏，这也是雷诺阿笔下所有女性的特点。

少妇面容的光艳和柔美， 甚至可以感觉到皮肤的润泽和弹性美 。

【 舞台上两个跳舞的孩子】

61.5 X 46cm

5、埃德加·德加（Edgar Degas，1834年~1917年）印象派重要画家。

他出身于金融资本家的家庭，祖父是个画家，因此他从小就生长在一个非常关心艺术的家庭中， 一直有当画家的情结。

德加终身未娶，却一直眷恋画女性，他说:「我只有一颗心，并将此献给艺术。」

中学毕业后，德加即报考了美术学校，他还在意大利学过意大利的艺术，特别是文艺复兴时期的艺术。

与此同时，他又在让.奥古斯特·多米尼克·安格尔（Jean-Suguste Dominique Ingres）的一位得意门生路易·拉莫特（Louis Lamott）的画室里学过画。

　

　"芭蕾舞女”主题于德加来说，就像睡莲于莫奈；向日葵于梵高；墨虾于齐白石；奔马于徐悲鸿，几乎成为了艺术家的标签和代名词。

谜一般的德加，或许在这世上，从来没有人他这般，深情眷恋、真诚真实地再现芭蕾舞的世界。德加他喜欢纤细、连贯而清晰的线条，认为那种线条是高雅风格的保证和达到他所倾慕的那种美的唯一方法。线条成了他的欲望。在线的运用上，他达到了所有安格尔的弟子及其追随者没有一个能够企及的、妙笔生花的地步。

他笔下的芭蕾舞女形态挺拔，舞姿优美，芭蕾舞者的动作轻盈飘逸，有爆发力，动作明快。蓬松的纱裙和华丽的丝缎更多是出现在舞台上，画中多是表演前的准备居多。

因为德加是某舞蹈团体的会员，所以他可以常常出入舞台，也能像抓拍一样捕捉到很多近距离的舞者。

从服装上分析，这是莫里哀创作的芭蕾舞《唐璜》中玖瑰舞的片段。

太生动了！

(非这次展览览品)

【打伞的女子】

75.3 X 85cm

这是一幅上未完成的作品，应该是作者早期所作，他去世后被留在了画室。

整体看好像只是速写，但是女性的侧面的轮廓线和帽子的装饰都画得很细致 。女子打着一把阳伞， 看来德加是想表现在阴影下人物的光线。

作品的反面贴着一张旧标签，上面写着《赛马场》。

赛马场是巴黎上流阶层社交的场所。聚集了穿最流行服饰的男女。这幅作品就是当时的一个场面。

马奈和德加都是在富裕的家庭里长大 ，选择赛马场作为主题，当然不是与画家的出身无关。

【窗边女子】

61.3 X 45.9cm
这幅作品的背景是普法战争刚刚结束时期。那时食物缺乏，所以德加把肉作为模特费付给了这位当模特的妓女。

作品中的剪影的效果给人留下深刻的印象。

【Lane车站(伦敦郊外)】

44.5 X 72.5cm

6、卡米耶·毕沙罗（Camille Pissarro

1830年~1903年)法国印象派大师。高更称：''他是我的老师。''

而塞尚在自己的展出作品目录中更是恭敬地签上:"保罗·塞尚一一毕沙罗的学生''。
在印象派诸位大师中，毕沙罗是唯一参加了印象派所有8次展览的画家，可谓最坚定的印象派艺术大师。

毕沙罗是始终如一的印象派画家，是印象派的先驱，有印象派“米勒”之称。

1870年底，为躲避普法战争，毕沙罗一家来到了伦敦，作品中表现了伦敦郊外最初建立火车站，刚刚开发的景象 ，也是印象派画家作品中，最初出现的铁路。

画面中火车的迎面疾驰没有造成压迫感 ，而是化成像玩具一样很轻松可爱的感觉。这是因为毕沙罗有着描述向现代化急速变化的巴黎郊外的经验。

画面虽然没有人物出现，但不防碍表现恬静的田园生活。

原来在右面的草坪斜坡上，画有一个割草的男性，后来被作者涂掉。

【Lafayette广场(鲁昂)】

46.3 X 55.7cm

鲁昂(Rouen)位于法国西北部，塞纳下游，距海110公里，离巴黎140公里，是一个有千年历史的古城，古迹颇多，著名的鲁昂大教堂可追溯到公元4世纪末期。

莫奈有表现过鲁昂大教堂的一系列作品，而毕沙罗则是关注它作为商业港口的情景。

作画时的视点比较高，且近景与远处的教堂尖顶等相呼应，全幅作品中人物与风景融为一体，用的都是小笔触，可以看出他受到修拉等人影响的一种尝试。

【塞纳河的船】

37.2 X 44.3cm

7、阿尔弗莱德·西斯莱
他与莫奈属于纯正印象派的代表，代表作为《莫雷的划船比赛》、《圣马尔丁运河》、《马尔港的洪水》等。
　比较其他印象派画家，西斯莱的画色彩相对保守，但是很精确以及细腻，可以捕捉到空气的质感和厚度，天空的渐变和高度、湖水的纹路和多彩。莫奈画水是很出名的，但是西斯莱的水更自然，更丰富，更细腻，虽然莫奈的水更多变、更印象、更流动，但只有不同，没有最好。
　西斯莱的光线不如莫奈明亮，但只是画家性格的一种体现，他是相对温和的，至少在审美知觉上，他所感受的美是平静的，静谧的，有时候是孤独和寂寞的。

总是无人的自然景色，让人觉得被人们遗忘，不入主流，自生自灭，但是它又表现出一种平静而淡定，虽被冷落但从不否认自我的气质，一种内敛的力量，一种生长的定力，最后自成了一种生命的美丽。

西斯莱画的树多种多样，变化全依靠笔触的变化。春天的树技，他会使用细长而坚挺的笔触，张显生命的零原始和张力;夏天的树叶，他会用短而圆的笔触，让树叶层层叠叠，让酷暑的空气穿过它们而变得清凉和通透。更有意思的是，似乎树是他作画时笔触的一种标准(benchmark)，整幅画的笔触，是由那棵树的笔触决定的。
　总之，他的画是一种优雅，一种平等，一种温和的伟大。

【圣特罗佩海港】
18.8 X 27.1cm
8、保罗·西涅克(Paul Signac，1863年~1935年)
他生于巴黎，也逝在巴黎，

是法国新印象派(Neo-impressionism)点彩派(Pointillism)创始人之一，他主要画风景，常使用点彩派技法作画 。

早年学建筑，后转而学绘画。1884年与G.修拉交往后，开始接受新印象主义理论，并成为这一运动的骨干人物， 同时他也是一位伟大的航海家，很多作品都以海洋为题材。

【Courbevoie桥】

46.4X55.3cm

9、乔治·修拉（Georges Seurat，185年~1891年）

法国画家，1859年12月2日生于巴黎，受过完整的美术学院教育，曾师从安格尔的学生亨利.莱曼（Henri Lehmann）学习古典主义绘画，后来又研究过卢浮宫中的大师作品，对光学和色彩理论特别关注并为之做了大量的实验，也许正因为他太过致力于方法和理论研究，他短暂的一生创作的作品不多。

有人认为，1891年5月，31岁的修拉的英年早逝标志了“新印象主义”的结束。但他的理论和技法对后世艺术家的影响是不可忽略的。
他是点彩派创始人， 即用细小的各色画点组成画面，形成不同调子，造成全新的视觉印象及感觉。

【钓鱼人】
24.1 X 15.2cm
这幅画的背景是法国北部的一个小的港口城镇，画于修拉去世前一年的夏天 。画面是作者观察到的眼前风景，但是表现手法相当抽象、简练。

【水中的马】

15.2 X 24.8cm

这张作品中，修拉主要用了短粗的横向笔触，

画作原来为个人收藏，并长期借给考陶尔德美术馆，并最终被考陶尔德以

400英镑购得。

【桃花盛开】

65X81cm

10、文森特·梵高（Vincent van

Gogh，1853年~1890年)

荷兰后印象派画家。

代表作有《星月夜》、自画像系列、向日葵系列等。

1888年，他从巴黎转到南法阿尔勒居住，两年中，接触了许多日本的浮世绘版画，这张作品远处的山脉，就犹如象征日本的富士山。

这次展览中，梵高的作品仅此一幅。

　

梵高的《向日葵》反映的是他当时的心理态度。

虽然他的事业遭到很多人的排斥和贬低，但他的内心却任然对自己的梦想抱着极大的热情跟感情，如热烈绽放的向日葵般燃烧跟绚烂着。

(非这次展览的览品)

【妇女在洗衣服的阿尔勒吊桥 】

(克勒勒-米勒博物馆藏 )

1888年2月21日，梵高到达法国南部的阿尔勒，住在卡列尔饭店。这一张是他到达后的3月间所画。他在一封信中写着："今天的工作是画一张15号的画——那是在蓝色天空下，一辆小马车正通过的一座吊桥，和天空同色的河水、绿草，橘色的河堤，还有一群穿着各色衣服的浣衣妇女。

这一张画的色彩清澄而果断，有如金属管乐器奏出的嘹亮声响。天空是一片蓝，水波荡漾的深邃运河，均远离巴黎的喧嚣，漫游在郊外的梵高，彷彿可以听到他自己快活的声息。这座吊桥在第二次世界大战时被破坏，现在已另外在别处建筑新桥。

(非此次展览展品)

回想起2016年金秋，我们有过一次难忘的地中海沿岸国之旅，特别是在南法追寻了印象派大师的艺术足迹。

阿尔勒(Arles)是南法普罗旺斯地区最具吸引力的小镇之一，它以古罗马的古迹、风情的小巷而著名。而且，小镇也为都德、司汤达、巴尔扎克等文豪所钟爱。

阿尔勒如此闻名，还因为荷兰画家梵高。当时不被世人理解的天才画家在这里创作了数百幅作品。

在这里，梵高将满腔热忱化作浓烈的色彩与恣意的笔触，创作出了《夜间的露天咖啡馆》、《罗纳河上的星夜》、《在阿尔勒的房间》、《阿尔勒的朗卢桥》等传世名作。将这座小镇永远定格在艺术的光辉中。

更为人称道的是，阿尔勒还见证了梵高与高更的“相爱相杀”之交。

梵高曾邀请高更来阿尔勒同住，二人共同度过了一段美妙的时光，但却终因艺术理念和性格的种种差异而分道扬镳，还留下了那段关于“割耳的自画像”的故事……

或许我们无从窥探天才与天才思维交汇时的火花究竟是怎样燃烧的，但他们留下的种种传奇却驱使着我们踏上他们走过的路，去触摸他们生活中曾经的一草一木，感受他们留下的艺术之光。

乃平于阿尔勒小镇的朗卢桥前

　　

此时，我很为自己是画家夫人庆幸 ，听着乃平的讲述，准备了充裕的时间，深入这座小镇，循着梵高的艺术足迹，去寻找那些美与感动的源头，也去体会他在这个小城经历的，他生命中最后的悲欢离合......

【不再来】

60.5 X 116cm

11、保罗·高更(Paul Gauguin，1848年~1903年)

法国后印象派画家、雕塑家，与梵高、塞尚并称为后印象派三大巨匠。

这幅作品的题目似一个谜，据说高更在作画前读了一首诗，诗中乌鸦不停地叫着:不再来，不再来。

我们可以看到画作的上方偏左处确画有一只乌鸦。

请注意！

这位妇人的表情，特别是她的双目告诉我们，她正聚精会神地听着背后两人谈话的内容。

【梦】
　95.1 X 130.2cm

高更曾在一封信里对这幅画有简单的说明，他说:
「画中的一切都是梦，不管是孩子，还是母亲，还是小路上骑马的男子。或许这是画家的梦，或许有人会说这些都与绘画无关，有谁知道呢！反正都是无解 。」
　　这间房间可以认为是高更生活的小屋，墙上挂有新西兰原住民Maori族的雕像， 这是不是高更想象的世界呢？
　　总之这些暧昧不清之处也是该作的魅力所在。

【干草】

92 X 73.3cm
高更厌恶了近代大都市巴黎的生活， 希望回到过去朴素的生活中去，于是 后来移居到法国的西北部乡村。

这幅作品，画了牵着两头牛的男性以及七位劳作中的女性，他们在为过冬储备生畜的粮草。

画面并没有令人感到劳动的严峻和生活的辛苦， 形态和色彩都追求简练，以呈现出装饰性效果。

【Osny之池】
60X73.5cm
12、保罗·塞尚(Paul Cézanne，1839年~1906年，法国著名画家，后期印象派的主将，从19世纪末便被推崇为"新艺术之父"，作为现代艺术的先驱，西方现代画家称他为"现代艺术之父"、"造型之父"或"现代绘画之父"。

【圣维克多山之松】

66.8X92.3cm

塞尚在画室就可以看到这座山。

该作的色彩和形式具有相同的重量。

构建新视角的主要方法包括冷色和暖色的并置以及形式的大胆重叠。光线不再是被描绘物体的“局外人”; 而是从内而外发出的光芒。看到作者渴望得到二维真理，而不是三维技巧。

右下角留下了塞尚极为珍贵的签名。

【弯曲之路】

73 X 92cm

这是塞尚风景画作品中最大幅的之一 ，且并未完成，是他去世的前一年画的。

我们的视线会循着这条弯曲的路， 一直延伸到教会的尖塔。

正因为没有完成，可有助了解他的绘画过程。

该画作是冷色调，运用了很丰富的各种蓝色和绿色。

【玩纸牌的人】（The Card Players）

　　60X73cm

　　塞尚共画了五幅这个题材作品，均为名作。其中一幅在2011年以将近3亿美元的价格由卡塔尔皇室收藏，成为史上单价最高的美术作品。

坐在左边的玩牌者的上衣是紫蓝色，右边玩牌者的上衣是黄色的阴影，两者形象相对比是十分和谐的，而肤色的肉红调子，桌面的棕黄色调子也构成了一种和谐对比。这些对比造成了形象的立体感。

人物刻画是有力的，性格特征十分明朗，构图平稳而对称。没有一块妨碍整体统一的色调。假如画家再勾上几条连贯的轮廓线，反而会导致人物形象的孤立。画上所有远近事物都用一片片色彩组成。塞尚是"变调"来代替"造型"的，即是说，色彩的各个色域的有节奏变换加强了形象的塑造。应该说，这幅画是塞尚成功地找到了自己的艺术性格的例证。如他对拉尔盖所说："画画--并不意味着盲目地去复制现实；它意味着寻求诸种关系的和谐。"

听着耳机导览，才知道桌子的倾斜以及左边人物不合比例的小头、过长的上身，都是塞尚有意为之， 目的是让艺术拉开与纯现实的距离。

【叼烟斗的男子】
　　73X60cm

该人物与上幅作品中左侧人物为同一人。

【盆花与水果】

　　46X56.3cm

　塞尚画花的作品留存很少，而将盆花与水果组合在一起更是特别。

【有丘比特石膏像的静物】
　　70.6 X 57.3cm

塞尚在这幅作品中处理空间关系显得非常暧昧，地面是倾斜的，里侧的苹果好像随时要滚落下来，物体远近的透视关系也不同寻常。

这应该也是作者的一种探索。

这次展出的60幅作品中塞尚的作品多达10幅，是相当奢侈的。

年轻的塞尚曾许下诺言，他要“用一个苹果震撼巴黎”。他确实做到了这一点。塞尚对苹果情有独钟，就像梵高钟情向日葵，莫奈钟情睡莲一样。透过塞尚的苹果，我不仅看到了塞尚对苹果这种美好事物的关注和爱恋，而且还看到了我们人类对赖以生存的大自然的感激之心。

作为一个画家，塞尚懂得与被画对象进行情感上的交流，即使被画的对象是一个苹果，一个无生命的物体。在塞尚看来，那些苹果、桃子、梨，都有着自己的思想。这不仅是一个苹果，而是艺术家的伟大的思想和技艺！

塞尚画的与苹果相关的作品达100幅以上。

(非这次展览的览品)

　

2016年金秋，我们还去参观了【塞尚画室】（Musée Atelier de Cézanne），这是著名的印象派代表画家塞尚曾经工作过的地方。

二层小楼的画室位于市中心米拉波大道(Mirabeau)上，依然保持着当年的原貌，别栋还放映有关于塞尚的记录片。

    塞尚1839年出生在普罗旺斯的埃克斯，后到巴黎求学发展，于1896年重返家乡，在1901~1902年间，他在市区北部创建了这座画室，并在此创作了大量优秀的画作，直到1906年突然病发去世。

　　

来到自己格外崇拜的大师画室，乃平难免触景生情

　　

在埃克斯，从市区到近郊，除了画室，还有许多留有塞尚足迹的故居及家族遗产。

我们在塞尚的画室，看到当时用来作画的各种静物、画具，还在小院漫步，仿佛亲耳聆听到大师的教诲，也似乎完成了一次与大师的对话，不禁心潮澎湃。

【裸妇】

92.4 X 59.8cm
13、阿美迪欧·莫蒂利安尼(Amedeo Clemente Modgliani，1884年~1920年)意大利表现主义画家与雕塑家，犹太人。
这位天才35岁即早逝，以至更多人还未及认识他的艺术成就。

他的夫人珍(Jeanne Hébuterne）在他死后两天跳楼自杀，自杀时已怀有即将足月的胎儿，令人唏嘘不已。
这张作品1917年在巴黎画廊个展上公开展出时，因为某些敏感部位画得过于细致暴露而认为伤风败俗，以至引来警察要求撤下。

头发处明显有刮削的痕迹，这是为了增加画面的质感。

　　

上海龙美术馆的刘益谦与王薇夫妇几年前在佳士得纽约拍卖会上买下了拍卖史上价格排名第二的艺术品，将莫迪利亚尼价值1.7亿美元的【侧卧的裸女】（Nu couché）纳入囊中。

有人称其为最销魂的女人体作品。

( 非这次展览的展品)

【Trouville海滨】
12.5 X 24.5cm
14、欧仁·布丹 （Eugene Boudin 1824~1898年)，法国19世纪风景画家。
布丹出生于水手之家，他的父亲职业是领航人，从小就将大海的印象深深烙印在布丹童年记忆之中。

这也是布丹喜爱描绘港口及大海情景画作的原因所在。

这张画好像是展出中最小幅的一张，但是画了20多个人物，表现非常丰富。

【Deauville 海滨】
50.8 X 74.2cm
画面中天空占到3/4，足见被称为画坛「天空王者」的布丹画出来的广阔晴空、大快的云团与海滩的黄色，住家的红、绿对照，而近景又有马车与当地的 劳动者，处理得心应手，表现了一派祥和景象。

布丹终其一生热爱法国西部海岸的景致，因为那里就是他的故乡诺曼底。

【室内年轻女性】

48.9 X 44.5cm
15、皮尔.波纳尔（Pierre Bonnard)1867年~1947年，波纳尔是纳比派代表画家。

波纳尔以色彩而闻名，被誉为20世纪最伟大的色彩画家之一。然而，他最大的艺术色在于他不简单地描摹自然，善于通过对空间、光线、色彩、构图等绘画元素的探究，对描绘对象做主观处理，故而他的画达到了一种随心所欲的艺术境界。
这是作者捕捉到的一个生活画面，女子手拿一小串葡萄，嘴微微张开，是正要吃的瞬间，而桌上堆的东西也比较凌乱，确是真实生活的写照。这位与画家多次合作的模特玛尔泰，后来成为了他的夫人。

　　

艺术家波纳尔40岁时创作了这幅以妻子玛尔泰为模特儿的优秀作品

【逆光下的裸女】。

画面中的妻子赤身站立，阳光通过明亮的窗户射在她的身上，就像古希腊雕像一般优美而富于活力。画家运用颤动而精练的小笔触来描绘这种逆光下的室内感觉，使整幅画的色彩愈发显得生动明快。

波纳尔的这幅作品成为“纳比派”的代表作，几乎包含了“纳比派”需要的全部元素，唯美的构图，斑斓的色彩，轻松愉悦的画面，浴后的女体对着薄如蝉羽的窗帘或诉或唱；跳跃的笔触让女人的吟唱和着透过窗纱的阳光，弥漫在室内。无不释放着那丰满女体内蠢蠢欲出的渴求，或委婉的压抑。

波纳尔在逝世前的三十年创作中，一直将作品中的重心放在色彩上。他喜欢从记忆中发掘素材，在回忆与想象中捕捉瞬间的精神：窗前一瞬间的风景、刚离开房间的身影、刚刚吃完晚餐的家、或者对于爱人偷偷的一瞥……

(非这次展览的览品)

【蓝色阳台】
52.5 X 76cm
在一次莫奈的个展上，波纳尔深深地被作品打动，他访问了莫奈，并在他的附近住了下来。
这幅作品就是他画的当时自己的家，集中表现了住房和庭院。
受到印象派的影响，他把阳光灿烂的草地表现得非常美妙，阳台上有一位女子正弯腰作着什么，而小路的尽头的桌旁，可以看到穿裙装的另一位女子。
这样的住所和庭院正是那个时期他喜欢描写的题材，树木🌳装饰性的曲线与草地融为一体，而阳台和小路则都是用的直线。

【有橄榄树与教会的风景】

48.3 X 61cm

这幅画在左右两侧的🌳上，用了红绿的强烈对比， 这是波纳尔长时间观察自然所获得的感受，体现了因阳光的移动而造成色彩细微的变化。

【海关(税卡)】
40.6 X 32.7cm

16、亨利·朱利安·费利克斯·卢梭（Henri Julien Félix Rousseau,1844年~1910年）
卢梭完全是自学的，毫没约束，有着率真纯朴的美感。

记得看完展览，乃平问我对哪一幅作品印象深刻？我随口说了几幅，其中就包括这幅，最打动我的是因为卢棱用的绿颜色那么干净，感觉可以洗涤心灵！

这位法国卓越成就的伟大画家，也是法国后期印象派画家。生于法国西北部的拉瓦尔市。父亲朱利安·卢梭是马口铁工匠。青年时期他当过军乐队队员，后离开巴黎做了海关官员。

他的代表作有《村中散步》、《税卡》、《战争》、《睡着的吉普赛姑娘》、《我本人·肖像·风景》、《乡村婚礼》、《抱木偶的女孩》、《梦》等等。

他用那纯真无瑕的眼睛去观察世界和感受生活的真谛，这使他的画作具有强烈而鲜明的个性。

【JaneAvrin在艺术沙龙入口处】
102X55.1cm
17、亨利·德·图卢兹·罗特列克(Henri de Toulous-Lautrec 1864年~1901年)

37岁英年早逝。自幼身有残疾，因而发育不全。

法国贵族家庭出身、后印象派画家、近代海报设计与石版画艺术先驱，为人称作”蒙马特尔之魂“。
罗特列克承袭印象派画家莫奈、毕沙罗等人画风，以及日本浮世绘之影响，开拓出新的绘画写实技巧。他擅长人物画，对象多为巴黎蒙马特一带的舞者、女伶、妓女等中下阶层人物。其写实、深刻的绘画不但深具针砭现实的意涵，也影响日后毕加索等画家的人物画风格。在巴黎学画期近景有马车与当地的 劳动者间，结识贝尔纳、梵高，深受德加绘画题材和技巧的影响。他十分喜爱浮世绘版画。他的不少作品题材取自周围的生活，描绘资产阶级沙龙、咖啡店、夜总会、妓院的生活场面。他善于用精练的笔触，用鲜明的大块色彩对比组织画面，刻画人物性格。
除绘画上的成就以外，罗特列克的彩色海报带动了海报设计的创新；他使用石版画技术，舍弃传统西方绘画的透视法，以浮世绘中深刻的线条表现观赏者眼中的主观空间，搭配巧妙的标题文字，成功吸引观赏者的目光，与皮埃尔-勃纳尔同为当代最具影响力的海报设计者。

【单间里】
55.1 X 46cm

单间是供上流社会的客人和高级妓女利用的 。

画面中的女性似高级妓女，塗着浓艳的口红， 和果盘中水果的红色相呼应。

而身旁男子看不到面部，他和女性的关系留下各种推测。

【唐吉珂德与隨从桑丘.潘沙】

100 X 81cm

18、奥诺雷·杜米埃(Honoré Daumier

1808年~1879年)是法国著名画家、讽刺漫画家、雕塑家和版画家。

他是当时最多产的艺术家，也是法国

19世纪最伟大的现实主义讽刺画大师。

【在有屏风的房间里】

35.8 X 23.8cm

19、维亚尔 爱德华(Edouard Vuillard )
1868年~1940年
维亚尔是法国纳比派代表画家。纳比描绘现实的方法，不依中心透视法，而是依纳纯粹主观与装饰性的观念所带出的形式。
他在巴黎美术学院学画时，认识了勃纳尔、塞律西埃和瓦洛东，加上后来交往的德尼、鲁塞尔，组成纳比派。
这幅作品运用了独特的技法， 用纸的肌理很粗糙而留下了质感。
女人体的画法相当省略，而把目光引向了画面中非常醒目的屏风。
窗外看得到晴朗的蓝天，似乎他已经习惯了的画室中的光感与空气都留存在纸面上。

【 穿白衬衫的年轻女子】

45 X 34cm
20、 柴姆·苏丁(Chaim Soutine)
1894年~1943年。
出生于一个贫穷的俄国犹太人贫穷的裁缝家庭，是十一个兄弟姐妹中的第十个。为了逃脱犹太区的贫困，他来到明斯克，然后又到威尔诺，入美术学校，靠在一家照相馆洗印照片，过着半工半读的生活。一位医生慧眼识才，帮助他来到法国。他于1911年抵达巴黎，入巴黎美术学院高尔蒙画室。象梵高一样，苏丁是痛苦的人，沉溺于狂暴和喜怒无常的过度行为之中。

1919年，他在比利牛斯山脉一个叫做色雷的镇子里待了三年。山中的景色，使他产生了一种自由的、笔法狂乱的表现主义绘画。他在技法探究与表现力方面均堪称一流。

【呼喊】
　25.1 X 31.5 X18.5

　21、奥古斯特·罗丹（Auguste Rodin，1840年~1917年），

法国雕塑艺术家。他在很大程度上以纹理和造型表现他的作品，倾注以巨大的心理影响力，被认为是19世纪和20世纪初最伟大的现实主义雕塑艺术家。

罗丹在欧洲雕塑史上的地位，正如诗人但丁在欧洲文学史上的地位，罗丹同他的两个学生马约尔和布德尔，被誉为欧洲雕刻“三大支柱”。他不愧是一个伟大的雕刻家。

这件作品不是特定的人物，身体略向前倾，头部抬起，从他的眼睛和嘴的 状态，我们可以感觉听到了他悲壮的呼喊。

【花子】
16X12X15cm
花子本名太田Hiki ，是有名的日本演员，她在欧洲活跃了近20年。

由于她的表情中有一种毅然的美感，

11年间罗丹共塑了50多尊花子的雕像。

这些展出的文字资料，看着看着，似乎就能感悟到些什么了。

观展中不许照相，只是在最后安排了一处模拟美术馆的一角，而挂的正是雷诺阿的那副名作。

拉近一些

与贵夫人合张影

这本画册半个多月来，已被我翻阅了不知多少遍，许多部分都印入脑海。

历史将永远铭记考陶尔德夫妇以拔群鉴赏水平的收藏以及一系列公益活动，为传播印象派，为世界美术事业做出的杰出贡献!

我在展场从头到尾仔细地看了两遍， 慢慢体味原作的无穷魅力，直到夜幕降临，才依恋不舍地离开。

非常感谢这些如雷贯耳的印象派巨匠将瑰宝级作品送到家门口，带给我非常温馨的艺术享受 ！ 也督促我这半个月来用心查阅了许多相关资料，成为一次很系统的学习！

(说明:

作品题名均从日文画册翻译而来，不确切之处以国内翻译为准)