用源于自然的纯真，去书写人生最美的诗画。

《中国画*品逸》

設計/郜鳳霞 文/圖/鄭亞林

編輯/《中國畫》*品逸

正确认识和描绘自然物象是成功创作的必由之路 鄭亞林

　　花卉，自古以来就是历代文人、墨客、艺术家所描绘的对象，这类创作的鲜明主题一直沿用至今，成了对美好生活向往的代名词。而花鸟画则是艺术家们从自身的角度出发，对自然物象的一种自我审美，并通过笔墨程式加以表现，一方面它反映着艺术家的审美情操，同时在更高的层面上则是一种审美理想的寄予。

一般说来，对花卉的认识与描绘是从花的物理属性方面开始的，其各个部分的构造必须首先弄清楚，具体拿一种花来说，花片是厚质的还是薄质的，是单瓣还是复瓣，是桶形的还是喇叭形的，边沿是尖的还是圆的，叶子是短的还是长的，掌形的还是卵形的，是对生的还是轮生的。枝干是粗糙的还是浑滑的，是木本还是草本，是多水分的还是较硬的，是枝干较多还是枝干单一，这些都是描摹中必须体现的，这是创作的基本条件。

再者，花大都有艳丽多姿的色彩表现形式，它与枝干、叶子相辅相成，是在纯自然状态下的和谐与统一。因此，对于花和叶子的设色就得特别注意，设色不当往往会显得俗气，达不到表现效果。

这就要求设色在主观认知的基础上，遵从自然的要求，尽力做到矜而不妖，艳而不俗，如果神情气韵方面表现的好，那将会是花卉画的成功之作。因此在花鸟画的创作上，最终还是要把自然和主观认识有机结合起来，实现主客观的统一。

我学习花鸟绘画已经多年，长期的绘画实践让我深深懂得了理论学习的重要性，没有理论的指导作用，绘画创作将是无的放矢。随着理论层次的提高，我的笔墨技法也得到了相应的锻炼，并逐渐体会到花鸟画创作所表现出的内涵是理论和实践的综合体。绘画创作绝非想象中的那样简单与单纯，其发展需要创新；需要不断注入新的血液，只有这样，创作才算是一个长盛不衰的话题和理念。

近年来，绘画工作者大量涌现，并在绘画的色彩、肌理、情景、构图等方面进行了大胆尝试，这种蕴含了笔墨与程式、这在一定程度上体现着一个艺术家的创新能力和与时俱进能力。其核心所在，就是他们能用超出平常人的思维去洞察大自然。艺术来源于现实生活，同时又反过来服务于生活。身边的生活中有着极其丰富的绘画创作素材，这就是绘画创作为什么首先要正确描绘物象的原因所在。

在绘画的意境表现上，有时材料的应用会直接影响到效果，影响到笔墨表现是否达到预期结果的问题，工欲善其事，必先利其器。也就是通常所说的“红花还需绿叶扶”的道理。所以在处理绘画和材料的关系上，必须做到知己知彼。

例如无色绢和有色绢的应用，生宣和熟宣的应用，国画颜料、水彩颜料、水粉颜料的相互借用和应用，硬軟毫和兼毫的应用，都应把握好。在辅助工具很多，表现手段很多的情况下，应该合理配置，物尽其用。所有这些的出现，都是文化背景繁荣的体现，总之，无论如何，我们始终以绘画的优秀传统为基础，突出传统功力的价值。才能固源加流，这才是对中国画创作的正确理解。

中国画的内涵所表现的是一种情趣，一种意境，有时不是直接从画面的内容去判断，需要结合作者的经历、阅历、笔墨表达乃至综合艺术修养等方面去加以理解。有艺术同仁、前辈，我不敢造次，但是我的每幅作品，都浸透了我的绘画观和审美思想。从对同一事物的不同角度、不同审美的观察和定稿，就可以看出其绘画的水平层次。

俗话说，胸中无文，行将不远。想要自己的作品与众不同，那就要学会在细心研究传统的同时，不断创新思维定式。不能一味、盲目临摹，依葫芦画瓢。说的明白一点，那就是绘画都有一定的品评标准，认为别人都不懂，所以就随心所欲的乱画一气，以此欺骗公众的想法是错的。

因此，在中国画花卉创作的过程中，学习态度十分重要，直接影响到你今后的创作水平趋向。正确的方法是：细心观察，大胆落笔，精心收拾。大自然中的物象众多，而真正细心观察的少之又少。从直观到表现并非易事，这就要求，画家不仅是一位绘画着，同时还是一位想象者，幻想主义和理想主义的结合体。

由于许多客观因素的影响，比如文化背景，接受教育的理念，理解事物的方法方式等不同，使得创作一味按照一个方式表现，即便物象有所变化，实质也是大同小异，缺乏多样性。没有按照个性和传统的结合加以发展。

在我的作品中，现代肌理与传统的花鸟画并用。但同时又与流行于宫廷中的院体画、明清以来盛行的（文人水墨）大写意画不同。不仅仅是用画面的物相结合、文字表述去表现意境。而是通过这样一个过程，归纳为：构图—物象—色彩—题款—不自觉的想象。真正做到构图美、物象活、色彩艳而不俗、款题意指作用得当。