古典音乐品赏(四)上

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<h3>一个爱艺术的民族、</h3><div>一个学艺术的民族、</div><div>一个对教育和美非常崇尚的民族,</div><h3>一定是非常伟大的民族。</h3><h3><a href="https://mp.weixin.qq.com/s/Abr6h9fYGDdzL2qTNWmAkg" target="_blank" class="link"><i class="iconfont icon-iconfontlink"></i>听古典音乐,一定要知道的四大家族 </a></h3> <h3><a href="https://www.meipian9.cn/1elk17ru?from=groupmessage&amp;share_from=self&amp;share_user_mpuuid=4e254d5ed7a6b260027875e3ec0a3a59&amp;user_id=20086014&amp;utm_medium=meipian_android&amp;utm_source=singlemessage&amp;uuid=d95618a0bb7c8710ac3cb84fcc876fea&amp;v=4.12.0" target="_blank" class="link"><span class="iconfont icon-iconfontlink">&nbsp;</span>古典音乐品赏(三)</a><br></h3> <h3><a href="https://www.meipian9.cn/1gjjejuo?from=groupmessage&amp;share_from=self&amp;share_user_mpuuid=4e254d5ed7a6b260027875e3ec0a3a59&amp;user_id=20086014&amp;utm_medium=meipian_android&amp;utm_source=singlemessage&amp;uuid=d95618a0bb7c8710ac3cb84fcc876fea&amp;v=4.12.0" target="_blank" class="link"><span class="iconfont icon-iconfontlink">&nbsp;</span>古典音乐品赏(四)中</a><br></h3> <p>  浪漫主义音乐与古典主义音乐所不同的是,它承袭古典乐派作曲家的传统,在此基础上也有了新的探索。如强调音乐要与诗歌、戏剧、绘画等音乐以外的其他艺术相结合,提倡一种综合艺术;提倡标题音乐;强调个人主观感觉的表现,作品常常带有自传的色彩;作品富于幻想性,描写大自然的作品很多,因为大自然很平静,没有矛盾,是理想的境界;重视戏剧,研究民族、民间的音乐文学,从中吸取营养,作品具有民族特色。在艺术形式和表现手法上,是继承古典乐派,但内容上却有很大的差异,夸张的手法也使用的特别多。在音乐形式上,它突破了古典音乐均衡完整的形式结构的限制,有更大的自由性。单乐章题材的器乐曲繁多,主要是器乐小品,如即兴曲、夜曲、练习曲、叙事曲、幻想曲、前奏曲、无词曲以及各种舞曲——玛祖卡、圆舞曲、波尔卡等。在众多的器乐小品中,钢琴小品居多。声乐的作品中出现了大量的艺术歌曲,并将诸多的声乐小品串联起来形成套曲,如舒伯特的《美丽的磨坊女》、《冬之旅》等,就是浪漫主义音乐派创新的艺术题材。和声是表现浪漫主义色彩的重要工具,不谐和音的扩大和自由使用,7和弦和9和弦以及半音法和转调在乐曲里的经常出现,扩大了和声范围及表现功,增强了和声的色彩。作曲家创立了多乐章的标题交响曲和单乐章的标题交响诗,这是浪漫主义音乐的重要的形式。</p> <h3>韦伯歌剧《自由射手》</h3><h3> 歌剧的故事情节是:青年猎人马克斯在一次射击初赛中失败了,他正为第二天的决赛发愁,因为如果继续失利,按照猎人的风俗习惯,他就不可能同自己的恋人阿迦特成婚。这时,一个已经将灵魂出卖给魔鬼的声名败落的猎人卡斯帕尔乘虚而入,他因为自己的死期将至而急于找个替身,便诱骗马克斯到鬼魂出没的狼谷炼制百发百中的弹。决赛开始了,马克斯的目标是从花丛中飞起的一只小白鸽,殊不知这是阿迦特的化身。一声枪响白鸽落地,奇迹出现了,智慧与公正的隐士用法术将马克斯的枪口移向躲在树上的卡斯帕尔,存心害人的卡斯帕尔受到了应有的惩罚,马克斯和阿迦特终于得救。剧本反映了善良与爱情战胜邪恶,光明战胜黑暗的主题。</h3><div> 管弦乐《自由射手》序曲十分有名,常常在音乐会上作为单独曲目演奏,其以奏鸣曲形式开始,精炼的提示出全剧的几大主题,管弦乐的运用自如,圆号的出场尤为精彩。第一幕中,射箭比赛失败的马克斯所唱的宣叙调和咏叹调"无法忍受失败的痛苦",由带有波希米亚风格的圆舞曲引出,轻快的节拍一转而失,将马克斯的低调放大,开始是结构松散的宣叙调来讲述自己的失败,接着是抒情的咏叹调带出往日欢乐的回忆,表达自己心中的绝望,当中宣叙调与咏叹调反复交替,旋律速度变化,最后单簧管奏出卡斯帕的主题将全曲推向一个高潮,这样一来就暗示出马克斯内心矛盾的产生,为后来他向恶的力量屈服作了铺垫。另外,这一幕中的三重唱及合唱也很有特色,马克斯唱出了沮丧的心情,护林官库诺安慰他,而卡斯帕则心怀阴谋,三种个性由三种曲调表现,相互交织伴着合唱将矛盾冲突推至舞台前。全剧中阿加特有几首十分优美的咏叹调,如第二幕的祈祷歌"微风轻吹,将我的祷告带上天"和第三幕的"即使云层密布,阳光依旧灿烂",阿加特这个角色代表着人性中的善一面,属于她的音乐在序曲中及结尾都有出现,表示善终胜恶。第三幕第六景的带有民歌风格的"猎人大合唱",极为雄壮,可以听到熟悉的圆号声勾勒出一片山上森林的自然景色。除此之外,次要角色安琴也有不错的唱段,如第三幕中的"新娘的脸上不需要眼泪"等,其音乐色彩轻松活泼。</div> <h3><font color="#010101">韦伯歌剧《自由射手》序曲斯图加特管弦乐团演奏小克莱伯指挥</font></h3> <h3>韦伯歌剧《自由射手》(当我将要睡着一一安静,安静,虔诚的智者)</h3><h3> 韦伯从小接受良好的音乐薰陶,母亲是一名歌手,父亲是巡回剧团的经理,他随父亲在各地旅行的时候积累了丰富的生活经验并接触到繁多的民间音乐,这成为他后来所创作的民族主义题材歌剧的源泉。10岁时跟随海顿的弟弟米夏埃尔学习作曲,1798年去慕尼黑深造,之后定居维也纳。从1804年开始,先后在布雷斯劳、布拉格和德雷斯顿等地担任指挥。1824年为英国皇家歌剧院写作《奥伯龙》,两年后首演时作曲家亲往伦敦指挥,但经过长途的劳累他的身体情况恶化,于首演两个月后客死异乡。《自由射手》(《魔弹射手》)是他最成功的歌剧,另外还有1823年的《欧丽安特》,这部歌剧中没有口白,音乐持续不断,虽然脚本比较晦涩,但完全地复制出中世纪骑士社会的气氛。</h3><div> 韦伯十分钟爱钢琴的音色,因此写作了许多优美的钢琴曲,其中要数1819年献给其妻子的钢琴独奏曲《邀舞》最为出色。这支曲子描绘的是在舞会上,一位绅士彬彬有礼地邀请一位害羞的淑女共舞,小姐拒绝了,男子更加恳切地相邀,小姐红着脸将手递给男子,两人步入舞池,他们随着优美的圆舞曲翩翩起舞,一边亲切地交谈着,曲终人散时,男子向小姐致谢,带她走出舞池。</div><div> 韦伯的堂姐康斯坦斯·韦伯是莫扎特的妻子。</div><div> 韦伯早期创作的歌剧作品,如 《森林少女》、《彼得·施莫尔和他的邻居》和《西尔瓦纳》等,已孕育着浪漫主义倾向。在他的10部歌剧中,最具有代表性的《魔弹射手》以从未有过的浪漫主义气质和民族风格,为歌剧创作开创了一条新的道路。对1823年写的《欧丽安特》进行了新的尝试,丰富了重唱、合唱在歌剧中的功能,改说白为朗诵调,对突破关闭式分曲结构作了探索,配器及和声运用也有进一步发展。但这部歌剧在题材方面没能摆脱骑士传奇的神秘色彩,音乐也缺乏个性,以至演出后遭到冷遇。</div><div> 他的最后一部歌剧《奥伯龙》是1826年应英国科文特加登歌剧院之邀而作,是一部典型的浪漫传奇,其序曲是音乐会上经常演奏的曲目。韦伯还作有不少戏剧音乐、器乐和声乐作品,其中协奏曲占有一定地位。他为钢琴和乐队而作的小协奏曲是具有浪漫派特点的新型协奏曲,第一、第二钢琴协奏曲和单簧管协奏曲采用奇特的配器手法,同样富有浪漫气息。他的钢琴曲《邀舞》具有一种华丽的技巧和管弦乐效果,曾两次被改编为管弦乐曲,经常在音乐会上演奏。韦伯还写了不少音乐评论文章,其中较重要的是带有自传性的小说《音乐家的生活》。他作为浪漫主义音乐的先辈,在创作、演出、指挥和社会活动方面都进行了积极的努力,为新的浪漫主义音乐艺术开辟了道路。<br></div> <h3>韦伯钢琴曲《邀舞》</h3> <h3>  浪漫主义音乐以它特有的强烈、自由、奔放的风格与古典主义音乐的严谨、典雅、端庄的风格形成了强烈的对比。如果贝多芬的音乐只是黑白电影或版画的话,那么浪漫主义音乐派作品则像水彩画和五颜六色的油画。这一时期产生了两种不同的浪漫主义音乐流派。一种是以勃拉姆斯为主要代表的保守浪漫主义,另一种是积极浪漫主义。浪漫主义音乐时期也是欧洲音乐发展史上成果最为丰富的时期,它极大丰富和发展了古典主义音乐的优良传统,并有大胆的创新,这一时期的许多音乐珍品至今仍深受人们的喜爱和欢迎。</h3><div>人物分析</div><div> 在古典派作曲家贝多芬、罗西尼和韦伯的晚期作品中,已经明显流露出浪漫主义音乐的风格,正是他们开创了浪漫派的先河。1800年前后出生的作曲家们,形成了初期浪漫主义的中心。舒伯特和柏辽兹可谓初期浪漫派音乐的代表人物,他们从格鲁克、海顿、莫扎特和贝多芬的传统出发,形成了自己独特的流派。后来,浪漫主义音乐经过门德尔松、舒曼、肖邦和威尔第等人的进一步完善,在柴科夫斯基、李斯特和瓦格纳的时代达到了巅峰,这些作曲家、钢琴家构成了中期浪漫主义的中心。至于马勒、理查德·施特劳斯和拉赫玛尼诺夫等近代名家的作品,则归于晚期浪漫主义音乐。</div><div></div><div> 早期浪漫主义音乐派的代表人物舒伯特的创作中心是艺术歌曲,艺术歌剧是诗歌和音乐的结合,这是浪漫主义音乐派作曲家抒发诗情画意的理想领域。舒柏特选用的诗歌范围很广,有歌德、席勒等大诗人的诗,也有他的朋友朔贝尔的作品。他歌剧中的钢琴伴奏,不仅起了陪衬旋律的作用,也是创造特定意境的主要手段。舒柏特的歌曲被称为“艺术歌曲”,但许多歌剧中淳朴的音乐语言,常常接近于民歌,他的《野玫瑰》、《鳟鱼》、《菩提树》等歌曲,后来都成为广泛流传的民歌。民歌常用的分节歌的形式也是舒柏特歌曲创作的主要形式。</div><div> 李斯特是中期浪漫主义音乐派的代表人物之一,他出生在匈牙利,他的一生对音乐突出的贡献主要是丰富了钢琴技巧的表现力。</div><div> 他的钢琴音乐不仅有诗情画意的小品,也有宏伟、辉煌的艺术效果和具有交响性的乐曲,他使钢琴音乐获得了管弦乐队般的效果,气势宏伟,热情磅礴。二是他首创了单乐章标题交响诗体裁。一生中他写了十三首交响诗,以《前奏曲》和《塔索》最为著名,这些交响诗具有叙事性、抒情性、描写性和戏剧性的特点。此外,在李斯特的作品中鲜明的匈牙利民族特色体现得尤为突出,如反映匈牙利民间生活的19首匈牙利狂想曲,其中第2、6、12、15首是经典之作。</div><div> 理查德·施特劳斯是晚期浪漫主义音乐派作曲家。作为一位作曲家,施特劳斯的贡献主要表现在交响诗方面,他完善了交响诗的结构形式,精心创作主导动机以及专门描写人物、地点、情景的音乐片断。他的管弦乐配器方面同样显露了卓越的才能,他的作品线条思绪极尽各种乐器之性能,使他的作品中一个极平常的动机或主题也能发出最迷人的光彩。施特劳斯的歌剧创作主要受瓦格那的“乐剧”的影响,作曲技巧虽然高超,但内容比较苍白,与瓦格那的作品相比较要单薄得多。他的作品有时象一篇充满绚丽辞藻的散文,但却在复述一个空洞无聊的内容。施特劳斯是由古典创作和浪漫主义音乐的杰出综合者,莫扎特的明澈,贝多芬的动荡,勃拉姆斯的结构感,瓦格那的英雄性,李斯特的标题音乐,激发了他的创作欲望。他对管弦乐队的熟练把握使他的作品发出迷人的光彩,但世纪末的文化特征,也充分体现在他的作品中,即唯美主义和颓废主义的倾向。他的创作和瓦格那一道预示了二十世纪音乐的来临。</div> <h3>  浪漫主义音乐派在音乐史上的地位不言而喻,这一时期不但盛产伟大的音乐家,而且音乐体裁空前广泛,出现了诸如无词歌、夜曲、艺术歌曲、叙事曲、交响诗等新颖、别致的形式,是人类艺术史上的一大“宝库”。浪漫主义音乐也是一座桥梁:韦伯接受了格鲁克和莫扎特的传统,传至近代的瓦格纳;舒伯特在器乐方面是贝多芬的继承人,他的浪漫主义艺术歌曲,则是经由舒曼和奥尔夫流传至今;柏辽兹的标题音乐源于贝多芬的《田园》交响曲,其后又与近代法国的印象主义相关联。</h3><div> 特征一一民族性、民主性。反对外族侵略和民族压迫,反对封建统治和民族分裂,是浪漫主义音乐的主要思想内容。为了表现这些内容,为了塑造民族英雄形象,反映爱国主义和民族统一思想,在音乐风格上特别注意吸收民族民间音乐的精华。</div><div> 人民性。浪漫主义音乐家受到在资产阶级民族民主革命斗争中,人民所表现出来的巨大力量的启示,在他们的作品中力求真实地表现普通人的精神面貌、社会道德、审美观和理想,同时为使作品被人所理解,发展了乐器作品的标题性,创作了大量的标量音乐。</div><div> 抒情性。它与崇尚理性的古典主义不同,浪漫主义崇尚感性,注重揭示人类精神和内心世界,而这些又是通过作曲家个人的感受表现的。因而抒情性的个人心理刻划,自传性,则成为浪漫主义音乐的重要特征,并促进了抒情体裁的发展。</div><div> 幻想性。这是作曲家为了在他们的作品中解决残酷的现实与美好理想矛盾,所采取的一种手法。浪漫主义作曲家之所以喜欢从民间传说、神话故事中选取题材和形象,正是由于从这里可以为他们的想象,提供任意驰骋的天地。</div><div> 新精神。浪漫主义作曲家不但在政治上、思想上和道德观念上反对因袭守旧,而且在艺术上,在音乐体裁、形式以及创作手法诸方面,都进行了大胆的革新,从而发展和丰富了人类的音乐文化。</div> <h3>  舒伯特生活在古典主义和浪漫主义的交接时期。他的交响性风格继承的是古典主义的传统,但他的艺术歌曲和钢琴作品却完全是浪漫主义的。他绝妙的抒情性使李斯特称他为“前所未有的最富诗意的音乐家”。</h3><div> 舒伯特(1797年-1828年),奥地利作曲家。舒伯特的创作生涯虽然很短暂,却给后人留下了大量的音乐财富,600多首委婉动听的艺术歌曲,为世界音乐宝库增添了耀眼的光辉。其最有代表性的歌曲有《魔王》、《野玫瑰》、《圣母颂》、《菩提树》、《鳟鱼》、《小夜曲》、声乐套曲《美丽的磨坊女》、《冬日的旅行》等;另有18部歌剧、歌唱剧和配剧音乐,10部交响曲,19首弦乐四重奏,22首钢琴奏鸣曲,4首小提琴奏鸣曲以及许多其它作品。他是十八、十九世纪以来第一个以优秀的歌曲创作闻名于世的作曲家,人们称誉他为“歌曲之王”。</div><div>  1797年1月31日,舒伯特出生于维也纳近郊的里希田塔尔。他父亲弗朗茨·西奥多·弗洛瑞安(Franz Theodor Florian)是一个莫拉维亚农夫的儿子,是一个教区学校的校长。他的母亲伊利莎白·维兹(Elizabeth Vietz)在结婚前是一个女仆。舒伯特连他在内共有15名兄弟姊妹,不过这15人当中,有10名在出生后不久就病死。他们的父亲是一位知名的教师,同时也是一位业余音乐家,将自己的音乐知识都传授给了儿子。</div><div>  从五岁开始,舒伯特就随父亲开始学习,六岁时开始进入学校上课,他的音乐的启蒙也从那时开始。父亲教导他小提琴的基础,当他七岁时,师从霍尔泽教堂的乐队长-- 迈克尔·霍尔泽,学习音乐。可是霍尔泽根本教不了他,要教的内容他早就会了。所以上课的内容变成了聊天,或者经常就是霍尔泽目瞪口呆地看着舒伯特,吃惊的 说不出话来。小舒伯特从一名学徒工那里学到更多的东西。那个学徒工曾带他去临近的一个钢琴仓库,给他以比他贫穷的家庭所能给予的更好的乐器练习机会。他的早年教育更显不足的另外一个原因是在那个年代,一个作曲家如果自己不是一个在公众面前的出色的演奏家,那他成名的机会几乎微乎其微。这样看来,他童年的音乐启蒙教育是不够他踏上音乐家之路的。</div><div>  1808年8月,他考进了皇家神学寄宿学校,并在皇家教堂童声合唱团里唱歌。在那里舒伯特开始接触了莫扎特的序曲和交响曲。正是大量不断地接触各种各样的曲谱,以及经常去歌剧院听歌剧,舒伯特开始为他的后来的音乐造诣打下坚实的基础。</div><div>  同时,他的天赋引起了当时顶级作曲家安东尼奥·萨列里的注意,萨列里决定教授他作曲和音乐理论。舒伯特早期的室内乐很有特点,后来人们知道他家在周日和节假日经常演练弦乐四重奏,他的两个兄弟拉小提琴,他父亲大提琴,舒伯特自己拉中提琴。这正是他后来为之谱曲的业余合唱的雏形。</div><div>  他在寄宿学校后来的时光里,又陆续写了很多室内乐,几首歌曲,一些钢琴曲片断,一首Kyrie (D.31)和Salve Regina (D.27),一首风琴octet(D.72/72a) - 据说是悼念他1812年去世的母亲。一首cantata (D.110),words and music,for his father's name-day in 1813,和他的毕业作品 - 生命(life),他的第一首交响曲(D.82)。</div><h3><a href="https://mp.mbd.baidu.com/5vz3lze?f=cp"target="_blank" class="link"><i class="iconfont icon-iconfontlink"></i>舒伯特音乐试听(600)首</a></h3> <h3>  舒伯特的歌曲集《天鹅之歌》作于1828年,他死后的第2年,出版商哈斯林格冠以《天鹅之歌》的名称出版,以喻作曲家的不朽绝笔。《天鹅之歌》共14首歌曲,歌词都采用当时的青年诗人的作品:前7首为雷尔斯塔布(1799-1860)所作,后6首是当时还没有名气的海涅(1797-1856)的诗,最后一首是塞德尔(1804-1875)的作品。这些歌曲正是舒伯特最后一年未曾发表的歌曲其中一部份,舒伯特死后由出版商哈斯林格加以整理编辑而成。相传天鹅在临死前的哀啼格外凄美,后人於是将艺术家、音乐家、或是文学家生前最后的作品称为“天鹅之歌”。</h3><div>  严格说来,《天鹅之歌》并不能称之为声乐套曲,毕竟不同的诗人有不同的作品风格,再加上本曲是由出版商集结而成,没有前两部作品(《美丽的磨坊少女》以及《冬之旅》)单纯的情节主轴或是一气呵成的心情抒发。另一方面,关于舒伯特生前是否有意将瑞尔斯塔与海涅的诗集合发表,至今仍旧不得而知。</div><div>  作曲者舒伯特对不同的诗人一向有不同的作曲风格,前七首瑞尔斯塔较为宽广而抒情,可从中听到作曲者过去音乐手法的再现。诸如第一首《爱的讯息》,彷佛又听见了《美丽的磨坊少女》中的流水声;而在《春之渴望》中也可见到以快速三连音伴奏的早期手法。反之,海涅的诗本身就取材於真实生活的体验,舒伯特在晚期对海涅诗作的处理则是精简而具有戏剧性。后一首由赛德所作的《信鸽》,是舒伯特真正生前最后的作品,他以单一节奏贯穿全曲,气氛轻松而旋律优美,彷佛听见舒伯特离世前依旧沈醉于欢快的乐声中。</div><div>  在1813年底他离开了寄宿学校,同时为了避免服役便去了他父亲的学校作为底班的教师。此时他的父亲也与一位来自近郊 Gumpendorf 丝绸商人的女儿Anna Kleyenboeck再婚。其后的两年里年轻的舒伯特忍受着繁杂的工作,他倒也游刃有余。尤其是萨列里一直对他单独教授作曲。可以说萨列里是教他时间最 长也是对他最有影响的老师。因为萨列里是头一个将Biedermeier(指1815-1848)风格溶入维也纳教堂音乐的作曲家,所以舒伯特早期作品有 他老师的教堂音乐的特点就不足为奇了。另外萨列里用多种语言写了大量歌曲,这也对舒伯特早期大量出产歌曲给出了解释。他的第一部歌剧-- Des Teufels Lustschloss (D.84) -- 和F大调第一部弥撒曲(D.105) -- 都作于1814年,同年他还写了三部弦乐四重奏,第一首交响曲no.2 in B-flat major (D.125)和17首歌曲,其中包括经典的Der Taucher(D.77/111) 和 Gretchen am Spinnrade (D.118,published as Op.2)。但这些和1815年的作品数量比,就逊色了。</div><div>  在1815年,尽管有教课的工作,还要找萨列里上课,以及生活的很多杂事,他的产量高得让人难以 置信。降B大调第二交响曲(D.125) 完成了,紧接着第三号D大调(D.200)。他又写了两首弥萨曲,第一首仅用了六天。三首歌剧Der vierjährige Posten (D.190),Fernando (D.220) 和Claudine von Villabella (D.239)-- 另外两首,Adrast (D.137) 和 Die Freunde von Salamanka (D.326),没有完成。另外还有一部弦乐四重奏,四部奏鸣曲,及零散的钢琴曲,以及146 首歌曲。有些歌曲还很长。他光10月15日写了8首歌,10月19日7首。</div><div>  1814年12月舒伯特结识了诗人Johann Mayrhofer: 由于舒伯特的性格,他们的友谊很快发展至亲密无间。他俩的脾气不一样,舒伯特率直,开放,阳光,Mayrhofer忧郁,沉默寡言,将人生看作对人的忍耐力的考验。他们的友谊,对舒伯特后来的帮助是多方面。</div><div>  如果说1815年是舒伯特创作丰富的一年,那么1816年却是他命运转折的一年。他为歌德的诗歌魔王谱曲,为好友Spaun惊叹不已。几周后,一个家境殷实的学生Franz von Schober,因为曾经在Spaun的家里听过舒伯特的歌曲,前来拜访。他提出让舒伯特辞去学校的差事,并资助他安心进行音乐创作。这个建议可谓雪中送炭。因为舒伯特刚刚申请卢布尔雅那宫廷乐师未果,正为压抑的教职闷闷不乐。他父亲很快同意了他的决定,很快在四月末他搬到了Schober家寄宿。舒伯特曾经为了补贴家用试图教授音乐,但很快放弃,全身心的投入到音乐创作中。他后来说,"我整天都在写,每当我完成一部,马上开始下一部。"</div><div>  同一时期舒伯特的朋友圈子也不断扩大。Mayrhofer介绍他认识Johann Michael Vogl,著名的男中音,他为给舒伯特扩大影响经常在维也纳的沙龙演唱他谱的歌曲:Anselm Huttenbrenner和他的兄弟Joseph是舒伯特的忠实歌迷。出色的钢琴家Joseph von Gahy经常演奏他的奏鸣曲和幻想曲。音乐世家Sonnleithner一家,因为大儿子与舒伯特在皇家学院是同学,让舒伯特自由出入,而且为他举办音乐聚会,这种聚会很快被称为“舒伯特圈子(Schubertiaden)”。生计对于舒伯特来说也不是问题。毫无疑问,舒伯特当时一无所有,他辞掉了教职,却也没有演出收入。而且那时没有出版商对他的作品感兴趣。但是他的仗义朋友们经常无所求地接济他。有的给他提供住处,有的提供乐器。他们一起出去吃饭,碰上谁带钱谁就付钱。舒伯特是聚会的明星,但一贫如洗。据说他有十几个外号。最有特点的一个是“什么能耐?”,更通俗一些就是“他买单?”当一个新人被介绍给舒伯特认识时,他经常这样问。舒伯特的另一个外号是“小蘑菇”。因为他只有1米57,又是个小胖子。</div><div>  1820年标志着舒伯特风格走向成熟。未完成的清唱剧"Lazarus" (D.689) 于2月动工,随后主要的还有“the 23rd Psalm” (D.706),“灵魂之歌”(Gesang der Geister) (D.705/714),“Quartettsatz” in C minor (D.703)和“流浪者幻想曲”。而且对于他作曲生涯更有意义的是在那一年他的两部歌剧在K?rntnerthor theatre上演:“孪生兄弟”(Die Zwillingsbruder”)(D.647)和“神奇的竖琴”(Die Zauberharfe) (D.644)。尽管如此,他的大部分作品仍然局限于由Gundelhof的业余歌唱团演唱,这个歌唱团是早期他家的家庭四重奏基础上发展起来的。这时的舒伯特向往着一份更体面的职位从而赢得更多的听众。无奈的是出版商都对他丝毫不感兴趣。直到他的朋友Vogl于1821年二月演唱了魔王,Anton Diabelli 才犹豫不决地同意印刷他的一些作品并付款,但合同很快被解除。舒伯特从那些出版社里得到的报酬是那样的可怜和微乎其微。这不是他朋友的错,只能说维也纳的听众不识才,而造成这个悲剧的罪魁祸首就是那些中间人,是他们把舒伯特隐藏在观众视线之外。</div><div>  事业上的挫折驱使舒伯特走近青楼女子,他希望这些思想简单的女子们可以使他压抑的心情得以解脱。不幸的是舒伯特1823年1月被感染梅毒,这在当时是不治之症。当年秋天舒伯特入院治疗,有所好转,但次年年初他精神也受到重创,在一封信中他写到:“我感到自己是世界上最不幸,最可怜的人”。</div> <h3>郎朗弹奏舒伯特《小夜曲》声情并茂</h3> <h3>舒伯特小夜曲</h3><div> 《小夜曲》, 这是舒伯特短促的一生中最后完成的独唱艺术歌曲之一,也是舒伯特最为著名的作品之一。此曲采用德国诗人莱尔斯塔勃的诗篇谱写成。</div><div>  作为西洋乐曲体裁之一的”小夜曲”, 都以爱情为题材,这首《小夜曲》也不例外。”我的歌声穿过黑夜轻轻飘向你……”,在钢琴上奏出的六弦琴音响的导引和烘托下,响起了一个青年向他心爱的姑娘所做的深情倾诉。随着感情逐渐升华,曲调第一次推向高潮,第一段便在恳求、期待的情绪中结束。抒情而安谧的间奏之后,音乐转入同名大调,”亲爱的请听我诉说,快快投入我的怀抱”,情绪比较激动,形成全曲的高潮。最后是由第二段引伸而来的后奏,仿佛爱情的歌声在夜曲的旋律中回荡。 乐句之间出现的钢琴间奏是对歌声的呼应,意味着歌手所期望听到的回响。</div><div>  小夜曲产生于欧洲十七、十八世纪,原为男人夜晚向心上人求爱所唱的歌曲,常用吉他或曼陀林伴奏。这里钢琴曲低声部一连串和弦式的音乐进行,就是模拟吉他伴奏的音型,用以衬托幽静深情的歌声。古今中外有不少作曲家都写过小夜曲,据说以舒伯特的这一首流传最广,至今仍可在音乐会、磁带、唱片中经常听到她。</div> <h3>舒伯特《小夜曲》卡蒂雅演奏</h3> <h3>梦之旅演唱舒伯特《摇蓝曲》</h3><h3>歌伺:</h3><h3>睡吧 睡吧 我亲爱的宝贝,</h3><div>妈妈的双手轻轻摇着你。</div><div>摇蓝摇你快快安睡,</div><div>睡吧 睡吧,我亲爱的宝贝,</div><div>睡吧 睡吧 被里多温暖。</div><div>爸爸的手臂永远保护你。</div><div>世上一切幸福的祝愿,</div><div>一切温暖全都属于你。</div><div>Lrc:sunpzh</div><div>睡吧 睡吧 我亲爱的宝贝,</div><div>妈妈的双手轻轻摇着你。</div><div>睡吧 睡吧 我亲爱的宝贝,</div><div>爸爸的手臂永远保护你。</div><div>睡吧 睡吧,我亲爱的宝贝,</div><div>妈妈爱你妈妈喜欢你。</div><div>一束百合一束玫瑰,</div><div>等你睡醒妈妈都给你。</div><div>睡吧</div> <h3>舒伯特摇篮曲</h3><div>  舒伯特摇篮曲这首歌曲是奥地利作曲家、“歌曲之王”舒伯特的著名代表作之一。是他19岁时以克劳迪乌斯的诗谱写的。那时的舒伯特生活很贫苦。有一天晚上,他没有吃饭,饿着肚子在街上徘徊,希望能碰见一个熟人,借点钱好充饥。但好久也没有碰到熟人。这时他走到一家豪华的酒店门前,他走了进去,在一张桌子前坐下,他忽然发现饭桌上有一张旧报纸,舒伯特就拿起翻看着。他见上面有一首小诗:“睡吧,睡吧,我亲爱的宝贝,妈妈双手轻轻摇着你,……”这首朴素、动人的诗,打动了作曲家的心灵,他眼前出现了慈爱的母亲的形象。是呀,在那宁静的夜晚,母亲轻轻地拍着孩子,哼唱着摇篮曲,银色的月光透过窗子照在母子的身上,这是多么美好的生活呀……,舒伯特再也抑制不住自己,于是,他从口袋里掏出一张纸,拿出一支铅笔,一面哼唱着,一面急速地谱写着。</div><div>  舒伯特写好后,把歌曲交给了饭店的老板,老板虽然不懂音乐,但觉得这首曲子那么好听,那么优美,便给了舒伯特一盆土豆烧牛肉。</div><div>  舒伯特在贫困中,以美好的心灵为母亲和孩子们写下了这首甜美的歌曲,这首《摇篮曲》很快在世界各地传唱开了,而它的作者舒伯特却在贫困中死去了…</div> <h3>舒伯特《摇篮曲》原唱</h3> <h3>野玫瑰舒伯特   《野玫瑰》是奥地利作曲家舒伯特的代表作之一。舒伯特一生作品甚丰,仅艺术歌曲就有643首,被誉为“歌曲之王”。「野玫瑰」这首诗歌因其意境优美,将其谱曲的作曲家很多,其中以舒伯特 music 及威纳(H. Werner) music 所作二曲最为有名,亦流传最广。<br></h3> <h3>野玫瑰舒伯特<br></h3> <h3>舒伯特《魔王》李斯特改编</h3><h3> 奥地利作曲家舒伯特根据歌德同名诗创作,作于1815年。当时作者只有18岁,这首叙事曲被编为作品第1号。全诗的故事情节:父亲怀抱发高烧的孩子在黑夜的森林里骑着马飞驰,森林中的魔王不断引诱孩子,孩子发出阵阵惊呼,最后终于在父亲怀抱中死去。歌曲采用通谱手法,一气呵成,气势宏大。诗歌中叙述者、父亲、孩子及魔王四个不同角色由不同的音调体现出来。作者充分展示了戏剧性的情节,如钢琴伴奏模拟马蹄疾奔的节奏贯穿全曲,低音奏出的风声描绘出夜幕中的森林冷风飒讽、咄咄逼人的情景,烘托出沉闷恐惧的气氛。作者还以小二度上行模仿孩子的惊呼,形象地刻画出孩子愈加惊恐的神情。</h3><div>  《魔王》是一首戏剧性、艺术性很强的叙事歌曲。演唱者要善于用不同的音色变化和感情处理来表现四个不同人物。这首歌曲创作于1815年,全曲以德国诗人歌德的同名叙事诗为词,通过不同的旋律音调,配上不同的唱腔,以及钢琴模仿持续不断的急驰马蹄声和呼啸的风声的三连音,表现了叙事诗里儿子、父亲、魔王以及叙事者四个性格各异的人物和特定的环境。叙述了一个在昏暗的大风之夜,父亲怀抱生病的儿子在烟雾笼罩的森林里策马疾驰,黑暗中传来昏迷的孩子紧张、惊恐的呼叫,凶恶、狡猾的魔王幻影正引诱、威逼孩子随他而去的故事。这首歌曲虽然是自由发展,但保持结构的统一和形式的完美。</div> <h3>舒伯特《鳟鱼五重奏》柏林爱乐乐团</h3><h3> 奥地利作曲家舒伯特在他短短的一生中,曾经创作完成了许多室内乐作品。舒伯特的室内乐中,被认为艺术成就最高的是钢琴五重奏,而这首《鳟鱼》五重奏(OP.114号),则是他所有的室内乐作品中最著名、最受人喜爱的一首。这部作品旋律优美,充满明朗靓丽的光泽,洋溢着生命的无限活力,令聆听者难以忘怀。由于作品的第四乐章是根据舒伯特创作的歌曲《鳟鱼》的主题而写成的变奏曲,所以这部作品被世人称为《鳟鱼》五重奏。</h3> <h3>舒伯特a小调钢琴协奏曲 米开兰杰利</h3> <h3>舒伯特《第八(未完成)交响曲》指挥:阿巴多</h3><h3> b小调第八交响曲《未完成》,奥地利作曲家舒伯特作于1822年,作者时年25岁,但直到43年后乐谱才被发现,并于1865年首次公演。本交响曲唯有第一、第二两乐章拥有完整的曲谱,第三乐章只有九小节改编为管弦乐曲,其它部分仍停留在钢琴曲谱的形态,第四乐章则连草稿都没有。但由于此曲的已完成部分乐章出彩,故在形式上虽然未完成,但实际上完整无缺,并因此引出许多穿凿附会的传说,影响颇大。</h3><div>乐曲概述</div><div> 但第一、第二两个乐章无论在形式上或感情处理上,都能搭配得天衣无缝,整个内容至此已表达得十分完整,再加任何诙谐曲乐章或终乐章,均有画蛇添足的感觉。所以,此曲在形式上虽然未完成,但实际上是完整无缺的,并因此而显得结构新颖,这恐怕是作者始料不及的。此曲不仅是舒伯特交响曲中最杰出的作品,也是浪漫音乐的一部绝世佳作。它抒发了作者内心世界的矛盾冲突,忧伤情绪充满了整个乐曲。透明清纯、优美丰富的旋律,不加装饰和声和音色,这种作曲手法非常新鲜,这是此曲成为世界上最受欢迎的交响曲之一的重要原因。本曲未完成而终,这为它增添了许多穿凿附会的谣言传说,甚至有人将它杜撰成故事,拍成电影。如此一来,此曲更是家喻户晓。</div><div>乐曲赏析<br></div><div> 第一乐章:中庸的快板——b小调——3/4拍,</div><div>这是比较简单的奏鸣曲形式,最开始没有引子,第一主题初由低音弦奏出富有暗示性的旋律,名指挥家温加纳形容为“好像是来自地底世界的声音”。这段旋律,在第一乐章和第二乐章中都担任重要的角色。这是大提琴和低音提琴的亮相,奏出一段极为低沉的下行旋律,包含了忧郁、压抑的情绪,又好像是作者在沉思,思考着一些不愉快的、难以解决或面对的事实……</div><div> 接下来弦乐器共同奏出较为急促的的十六分音符,营造出了一种紧张的气氛,并以此作为第一主题的背景。在这种气氛的烘托下,木管乐器奏出了b小调的第一主题。这个主题听起来带有淡淡的悲剧色彩,给人一种沉重的、抑郁的感觉,像是作者的脑海里此刻充满着对现实悲观的思绪……<br></div><div> 圆号在第一主题的尾部吹奏出一个长音,有一种挥之不去的回响感。经过长音的回响与简短的发展,铜管乐器插入了一个过渡部分之后,接着在切分节奏的伴奏音型衬托下,G大调的第二主题的旋律由大提琴拉出。切分节奏让人之前那忧郁的情绪有所减轻,增加了一些轻快、明亮的色彩。第二主题的旋律有一种明显的舒伯特式歌唱性,如此的悦耳,表现出优美欢快的情感,像是作者此刻的心中又泛起一丝乐观的情感、美好的画面……<br></div><div> 接着,由小提琴重复了一遍第二主题之后,整个乐队进入一小节的休止,随后乐队突然来了一次小爆发,奏出了两个阴晦的 小三和弦,之后不稳定的增六和弦出现,紧张的气氛把第一小提琴逼上极高音区,第二主题进而得到发展。在木管奏出的切分音引导下,弦乐高低声部一唱一和,总体上又让人感觉到一种不稳定的紧张感,欢快的情绪不断被忧郁所压制。随后,第二主题继续接替上升的展开,好像快乐情绪在努力挣扎,并且最终渐渐地归于低沉……这就犹如作者的思绪开始在乐观与悲观之间不断盘旋,但寻求欢乐的欲望却始终无法抑制黑暗的现实对身心带来的重压……<br></div><div> 这时,突然迸发出一个b小调主和弦,属七和弦连接过后,就以上面所述的结构,发展地反复了一次,象征着作者的内心还在不断地起伏、斗争中……<br></div><div> 接下来,第一主题的初始低音第三次出现,以及乐队全体强力地奏出很长的一段从引子延伸出来的发展部分,频繁的转调将第一乐章的悲剧、压抑的气氛推向高潮。弦乐再次奏出了急促的十六分音符,铜管不断奏出强有力的长音,金属的音色如此震撼,弦乐与铜管乐的旋律形成强烈的对比与冲突,再加上急促连续的鼓声营造的一种沉重的背景,更渲染出高潮的气氛,让人的内心充满紧张感,无法稳定……<br></div><div> 随后,弦乐的振弓渐弱和滑音使强烈的悲剧气氛有所缓和,并引导出了悠扬的长笛声,高潮就此弱化下来,第一、第二主题再次出现(第一主题仍用b小调;第二主题最初用D大调,之后用B大调),并且第二主题配器上又得到了改变与发展,表现出了一种内心挣扎般的情感色彩……<br></div><div> 乐章的尾声依然是第一主题的重现,依然是那么的厚重、低沉,让人感觉悲剧终究无法逃避……<br></div><div> 第二乐章:稍快的行板——E大调——3/8拍<br></div><div>为了满足E调铜管乐器的要求,该乐章特意采用E大调。整个乐章行如流水,布局和发展都舒缓自然。这一乐章的主题十分出名,是一个旋律优美的典雅主题,圆号、单簧管奏出和弦后,第一主题最初由第一小提琴呈现,把听众带入了一个宁静而充满幻想的意境。第一主题的中间部分是由木管乐器奏出的,加上了庄严的圆号和颇有分量的小号和定音鼓做伴奏,体现了作者对美好生活的向往。第二主题用升c小调,听上去没有第一乐章的忧伤气氛,但弦乐的断奏依然是贯穿第二主题的不稳定因素。根据乐器逻辑顺序,作者省略了发展部,直接返回第一主题。再现部的调性布局与第一乐章类似(第一主题用原调;第二主题先用a小调,之后用e小调)。乐章的尾声出现了新的和弦,弦乐用很弱的力度奏出长音,似乎要进行到降A大调的时候,却返回了E大调,使人感到新奇。</div><div> 第三乐章快板,b小调,3/4拍,谐谑曲。舒伯特并未亲自完成这个乐章,只留下含有九小节的管弦乐谱和含有总共128小节的钢琴谱草稿;也就是说,全曲只有前9小节是经过舒伯特配器的;而Trio部分并不完整,舒伯特的钢琴谱草稿只有Trio的前半部分。英国舒伯特协会副主席、时任英国赫尔大学音乐系主任、音乐学家兼作曲家布莱恩·纽博尔德(Brian Newbould)曾根据已有的管弦乐谱和钢琴谱草稿为这个乐章余下的119小节配器并补写的Trio的后半部分。</div> <h3>  罗伯特·舒曼(robert schumann,1810~1856a.d)诞生于德国东部莱比锡附近的小城—茨维考(zwickau)。父亲奥古斯特.舒曼(august schumann)是一位精明能干的书商,具有极深的文学素养,对舒曼后来的文学造诣,影响至钜。母亲约汉娜·舒曼(johanna schumann)是一位富于浪漫气质的妇人。舒曼从母亲身上所承袭的热诚而敏感的个性,可说是他成年以后精神发展的基因。1817年,舒曼初随昆施(gottfried kuntzsch)学习钢琴,此时便已崭露出即席创作的天才。1819年,他欣赏了莫薛勒斯(moschles)的演奏之后,得到父亲的支持,立志成为钢琴家,从此努力不懈。1826年,父亲骤然辞世。 1828年3月,舒曼在母亲的要求下,前往莱比锡改学法律。这个决定使舒曼至感痛苦。</h3><div> 莱比锡是全德音乐文化中心,这里聚集着许多优秀的艺术家,各种艺术活动都非常频繁活跃。具有强烈艺术家气质的舒曼,一到莱比锡就被这里活跃的艺术空气所吸引。在学校里,教授枯燥的法律课程命他感到索然无味,而音乐却使他感到格外的亲切。他几乎每天都在从事音乐活动。为了达到高超的钢琴演奏水平,他拜当时著名的钢琴教师里希·维克为师。两年后,舒曼在音乐艺术上的造诣与成就使他声誉大振。他公开举行的演奏会得到了音乐界的普遍承认与好评。于是他终于说服母亲,选择了音乐艺术的道路。1830年,他搬进了维克老师的家中潜心学琴。他时时抱怨老师的授课速度太慢,为了迅速提高技能,他别出心裁地用一根细绳把手指吊挂在天花板上偷偷练琴,试图以此加强手指触键的灵活性与力度。但是,错误的方法使他的手指受到了严重损伤,他想成为伟大的钢琴家的理想从此破灭了。这个意外的不幸对他的心灵是一个沉重的打击,但是挫折并没有把他的精神与毅力摧毁。不久,他把目标转向音乐创作与音乐评论方面,在新的音乐领域中开拓自己的艺术道路。三十年代是他钢琴创作最活跃的全盛时期,许多钢琴小品与曲集都是这时期的作品。</div><div> 1834年,他创办了音乐评论刊物《新音乐杂志》并任主编。四十年代他不断扩大音乐创作的范围,写了不少声乐曲、交响曲、室内乐重奏曲、清唱剧、歌剧等,如著名的《a小调钢琴协奏曲》、《曼弗列德序曲》、声乐套曲《诗人之恋》、《女人的爱情与生活》及第一、二、三、四交响曲。同时应门德尔松的邀请,任教于莱比锡音乐学院。舒曼同维克老师的女儿克拉拉相恋多年,但他们的爱情却遭到维克的坚决反对。维克在这一方面对舒曼十分残酷,以至使他患了精神忧郁症。直到1840年8月1日,莱比锡法庭才终于裁决了他们的婚姻悬案,使这对有情人终成眷属。舒曼的音乐创作十分注重于人物内在感情的描写。他喜欢标题音乐,并经常描写一些梦幻的世界。他的钢琴作品形式短小。但在旋律、和声上、节奏上都有自己鲜明的个性和独到之处,充满了浪漫主义色彩,因此他被人们称为“音乐诗人”。</div><div> 1843年F.门德尔松建立莱比锡音乐学院,舒曼应邀在该校任教。次年随克拉拉去俄国旅行演出,回国后迁居德累斯顿。40年代舒曼的创作重点从钢琴音乐和艺术歌曲转到交响音乐、协奏曲、室内乐、戏剧音乐等大型体裁方面。</div><div>1848—1849年德国爆发革命,舒曼受到革命浪潮的激励,精神振奋,这在他的创作中留下了鲜明的印记。1850年舒曼居住在杜塞尔多夫,担任了该市的管弦乐团和合唱团的指挥。但是由于早已潜在的神经系统疾病的急剧恶化,1853年辞去指挥职务。</div><div> 1854年,他因精神病恶化而丧失了理智,甚至连妻子也认不出了。一个严寒的冬日,他竟跳进冰冷的莱茵河里企图自杀,幸而被救并送进了精神病院,但他始终未得到完全的恢复。</div><div> 1856年7月29日,舒曼在爱妻克拉拉的怀中安然逝去,终年46岁。</div> <h3>舒曼声乐套曲《妇女的爱情与生活》</h3><h3><br></h3><div> 1840年,舒曼在即将于克拉拉结婚的两个月前完成了这部作品。沙米索的诗触动了热恋中的舒曼,他敏感地把从诗中捕捉到那些微妙的感觉用或陈述或戏剧性或浪漫的音乐再现出来。整部套曲共八首,这是舒曼连篇歌集中叙事轮廓最清晰的一部。</div><div> NO.1《自从和他相见》:内在、婉转、含蓄的音调表现出少女初恋既含情脉脉又兴奋不安的心情。弱起的伴奏和弦,短呼吸的音乐动机配合沙米索的诗,羞涩的少女仿佛站在我们面前:初识愁滋味带着说不明理还乱的复杂心情。 </div><div> NO.2《他比任何人都高贵》亲切活泼,稍快的速度,表现出少女对爱人的热情洋溢的赞扬、敬佩和爱慕。舒展向上的音调流露出少女热恋时开朗的性格,刻画出少女一心一意的爱情和想到爱人时无比的自豪感。旋律小三度紧接着四分附点进行,形象描绘出少女一想到他的温柔多情,心中柔情无限。回音的运用泄漏了少女甜蜜、害羞的心情。</div><div> NO.3《我不明白也不相信》爱情突然来到,少女又惊讶又纷乱,她不敢相信,有些受宠若惊,心神不宁。</div><div> NO.4《戒指在我手上》宁静温柔、亲切低回的旋律和着浮点节奏凭添许多婉转。少女抚摸着订婚戒指,心中充满幸福。旋律如说话般自然,但每个音符都透出抑制不住的喜悦和甜蜜。这首歌是整部套曲中最柔美、精致的一首,赢得许多演唱家的喜爱。</div><div> NO.5《姐妹们,快帮我装扮》天才的舒曼仅用两个小节的琶音上行,又迅速下行,以及那一点点附点节奏与同音进行,生动的刻画出忙碌穿梭的人群、激动幸福的新娘„„处处充满幸福的喧嚣,每张脸上都洋溢着热情的笑容,一片喜庆的场面。充分展现出舒曼善于观察,长于抓住生活中的场景,并用简洁的音乐语言深刻的描绘能力。</div><div> NO.6《亲爱的为什么这样惊慌》:此时已没有初恋的羞涩和婚前的狂热,婚后的女人变得更加温柔缠绵。前奏音节级进上行的旋律缓慢的奏出如轻柔的问话,疑问式的,略带忧郁情调的旋律,蕴藏着对丈夫的关切。</div><div> NO.7《你在我心里,在我怀里》爱情结晶的降生将给家庭带来莫大的欢乐,初为人母的女人半说半唱的诉说着对小婴儿的爱怜。 </div><div> NO.8《你如今终于给我带来无尽悲伤》悲剧如暴风雨般的突然降临,丧夫之痛使妇女茫然不知所措。前奏中极具爆发力的D小调主和弦,似当头一棒把妇女打击得悲痛欲绝。从11小节开始,音乐转为欲哭无泪的低语,舒曼采用大量减七和弦,小三和弦表现妇女对生活的绝望,演唱结束在开放性的结构上,仿佛伤痛一言难尽,绵绵无绝期。</div><div> 在曲式上,舒曼挣脱了古典样式,依从感情的自由宣泄,这也是他的创作上的一大特点。本套曲中舒曼在第二、四、五首用到回旋曲式和第七首用变奏曲式。<br></div><div> 整部套曲的调性布局具有内在的形式美,其顺序是:降B?降E?C小?降E?降B转降G?G?D?F转降B。音乐首先建立在降B大调上,接着是其下属调,第三首是前后两首的平行小调,第五首的降G大调使调性色彩更鲜明,第六首是第五首的平行小调的同主音大调,第七首往属方向进行,最后一首的调性又回到了第一首的调性。整个调性仿佛时钟一样走了一圈,有机地把整部套取糅合在一起,使相关的主题有相互融合的整体感。在每一首歌曲的内部构架中,临时转离调很多,但都是为了表现情绪的变化。<br></div><div> 舒曼的音调灵活多变,伴奏音型自由,旋律往往在内声部出现,与和声织体交织融合在一起。他对浪漫主义诗歌敏捷而直觉的洞察力表现在他的歌曲形式丰富多变、表情亲切。形式大胆创新,有时还打乱舒伯特的歌唱与钢琴之间的均衡的完美而偏重钢琴,钢琴与声乐平分秋色却在描绘场景和宣泄感情方面又相得益彰。尤其最后一首尾奏长达21小节,与歌唱部分在小节数量上一样,这个尾奏并无喧宾夺主之感。“扩展了尾奏的作用”是舒曼与其他艺术歌曲作曲家不同的地方,也为艺术歌曲的创作提供了新的思维。</div><div> 这是一部抒情性很强的悲剧作品。整部作品人物形象鲜活生动,感情细腻,色彩丰富,讲述了一个少女从甜蜜的初恋到新婚的喜悦,从初为人母到中年丧夫,抒情中又带有很强的戏剧性。整部套曲一气呵成,有高潮有层次,每一个表情记号,每一次的离调,每一种节奏型的转换都细致入微的刻画人物。演唱时注意每一首的情绪特点,严格每一个表情记号,严谨速度。舒曼的音乐亲切流畅,此套曲随着情节的变化音乐也戏剧性的发生改变,希望通过这点初浅的分析,能帮助演唱舒曼的这部作品的演唱者提供一些有用的信息,帮助大家体会浪漫主义风格音乐的独特魅力,更准确地表达舒曼独音乐。</div><div><br></div><div><br></div> <h3>舒曼声乐套曲《诗人之恋》</h3><h3> 声乐套曲《诗人之恋》创作于被称为舒曼的'歌曲年'的1840年,这一年作者与其深爱的克拉拉结婚,它可以说是舒曼的爱情日记。作品共包括十六首声乐作品,歌词来自海涅的《抒情的间奏》的六十五首诗。这组作品不仅是舒曼声乐作品的典型代表,而且也是艺术结构最完整的杰作。</h3><div> 《诗人之恋》的音乐具有不同的曲调,有婉转的城市流行歌曲性质的《灿烂鲜艳的五月里》, 有民歌性质的《小玫瑰,小百合》,《那小的花儿们如果知道》等,也有辽阔严肃史诗性的《莱茵河》等等,这些都是世界著名的声乐作品。</div> <h3>舒曼钢琴套曲《童年情景》</h3><h3> 1838年,舒曼创作了一部天真烂漫、充满童趣的钢琴套曲《童年情景》作品15号。这部作品以丰富的艺术想象力展示了美好童年的一幅幅画面,唤起人们心灵深处的回忆。作品创作手法简练,形象刻画准确鲜明,神态逼真,饶有情趣,是舒曼最著名的作品之一。</h3><div>《童年情景》共包括13个小曲:</div><div>1、异国的土地和人们:平稳四分音符夹杂着不安分的附点节奏,生动地表现了孩子听到异国故事时诧异好奇的神情。</div><div>2、奇怪的传说:突变节奏使乐曲显得夸张活泼,仿佛古怪离奇的故事给孩子留下深刻印象。</div><div>3、捉迷藏:上上下下飞快跳跃的顿音逼真地展现出孩子们你躲我藏、追逐游戏的情景。</div><div>4、孩子的请求:亲切温柔的旋律充满稚气,并带有祈求、幻想的情绪,最后结束在“问号”音上,形象地描绘了孩子提出请求期待答复时的神情。</div><div>5、心满意足:欢快的旋律音型在高低声部轮番出现,固定的切分节奏、丰满的和声都微妙地刻画了孩子得到所期望的东西后满足幸福的心理。<br></div><div>6、重要事件:夸张而单纯的顿音、呆板的节奏,呈现出孩子一本正经的严肃面孔,煞有介事的模样令人发笑。</div><div>7、梦幻曲:这是作品中最精彩迷人的一首,常单独演奏,广为流传。乐曲节奏缓慢平稳,旋律起伏均匀,细腻动人。在丰满温和的和弦衬托下,渗透着梦境般静谧甜美的诗意,把人们带入梦幻境界。</div><div>8、在壁炉旁:柔和舒展的旋律形象地描绘了一幅充满融融之乐、和谐温暖的家庭图景。</div><div>9、木马游戏:在持续音上奏出带切分节奏的旋律,简洁生动,使人联想到前后晃动的木马和木马上兴高采烈的小骑士。<br></div><div>10、过分认真:细微舒缓的节奏构成严肃单调的主题,恰当地描绘出孩子努力思索的神情。</div><div>11、惊吓:平静的主题交织着紧张的半音经过的和弦,给音乐罩上一层阴暗色彩,刻画了儿童听到鬼怪故事后害怕惊恐而又好奇的心理。</div><div>12、入眠:夜晚降临,孩子即将入睡。晃 动的节奏型形成了摇篮曲般温和宁静的气氛,中间的转调更增添了乐曲的梦幻色彩,最后平静舒缓的音乐表明孩子已酣然入睡。</div><div>13、诗人的话:这是作者的总结段落,是以成人的口吻写成。旋律悠缓,蕴含着迷惘惆怅的心情,表达了对已逝童年的忧伤和感慨。</div> <h3>舒曼钢琴套曲《蝴蝶》</h3><h3> 作品2号构思于1829年,完成于1831年,1832年由吉斯特纳(Kistner)公司出版,是舒曼最早创作的钢琴套曲,也是其最具代表性标题的钢琴小品集。《蝴蝶》以类似散文形式而创作成十二首各自以独特音乐形象及主题,生动的描绘了一场别开生面的化装舞会为背景的浪漫爱情故事。对于钢琴演奏者来说,要想弹奏好这部钢琴套曲绝非易事,事先了解每一首小品所要表现的人物主题形象和对每次和声调性的转换都要有事先的分析,这对我们演奏这部作品是十分重要的。</h3><div> 舒曼涉猎许多同时期浪漫主义作家的作品,如霍夫曼,让保罗,海涅,克莱斯特等,而这些作家的作品都对舒曼本人和他的音乐创作产生了或多或少的影响。钢琴套曲《蝴蝶》的创作原型正来源于舒曼读过的让保罗的一部名叫《妄自尊大时期》的小说,小说最后一章叫作《幼虫之舞》。1832年4月17日舒曼在给家人的心中写到:“告诉大家尽快阅读让保罗的小说《妄自尊大时期》(Flegeljahre),因为《蝴蝶》想要成为《假面舞会》的音乐象征。<br></div> <h3>舒曼《a小调钢琴协奏曲》</h3><h3> 舒曼钢琴协奏曲是指舒曼A小调《钢琴协奏曲》,是他唯一的钢琴协奏曲,倾注了他火热的心和高度的热情,是“世界五大钢琴协奏曲”之一。</h3><div> 作品完成于1845年。1841年舒曼试图改变传统钢琴协奏曲的写法,作了《钢琴主奏a小调幻想曲》的单乐章钢琴协奏曲,但被出版社退稿。后来舒曼不得不另外新作了两个乐章。该作品是在舒曼一生中最幸福的年代完成的,当时,他和克拉拉的爱情冲破重重阻力而取得成功,创作也随之出现高潮。乐曲主题鲜明,表现了作者的生活理想以及为之而斗争的信念。虽然在外表上与古典的协奏曲相比并不显得新颖,但实质上这是一首极具浪漫主义特色的钢琴协奏曲。</div><div> 作品共分三个乐章。</div><div> 第一乐章 热情而有感情的快板,a小调,4/4拍子,奏鸣曲形式。 乐章的第一主题在a小调上,显得压抑、痛苦。 第二主题则在明亮的C大调上展开,光明,富有幻想色彩。这两个主题的发展时而痛苦哀叹,时而浮想联翩;时而冥想苦想,时而慷慨激昂。表现了坚韧的斗争精神。</div><div> 第二乐章 间奏曲,优雅的行板,F大调,2/4拍子,三段体。这个乐章充满着极为甜美的感情,简直像一首浪漫温和的协奏型牧歌。乐曲在开始时,弦乐与钢琴优美的对答,柔和地展开主题。这种醉人的气氛,在以往的协奏曲中是找不到的。有人认为这里是在描写克拉拉动人的形象。乐章结束后不停留地直接进入第三乐章。</div><div> 第三乐章 活泼的快板,A大调,3/4拍子,奏鸣曲形式。钢琴辉煌地奏出了第一乐章第一主题的乐思,弦乐器以闪耀般的音阶性上升加了进来。主题舞蹈性旋律棱角分明,有一种向一切鄙俗势力宣战的气势。这一乐章的结尾由钢琴奏出了绚烂的旋律,充满热情和信心地形成高潮而华丽地结束乐曲。</div> <h3>  门德尔松1809年2月3 日出生于汉堡一个犹太家庭。祖父是哲学家摩西·门德尔松(Moses),父亲亚伯拉罕(Abraham)是成功的银行家,费利克斯在养尊处优又有文化修养的环境中成长。母亲利亚(lea)是钢琴家,他的钢琴启蒙课就是母亲教的。姐姐范尼·卡西里(Fanny)(1805—1847)是一位在钢琴和作曲方面的可造之材,而且是费利克斯珍贵的挚友。</h3><div> 门德尔松是钢琴神童,9岁就开始公开演奏,10岁时就为《诗篇19》谱曲,12岁已写出一首钢琴四重奏(op.1),14岁组织自己的私人乐队,16岁发表第一首杰作《弦乐八重奏》,17岁时完成了《仲夏夜之梦》序曲。20岁时他通过指挥《马太受难曲》在巴赫去世后的首次公开演出来宣传巴赫的作品。1829年,演出地点为柏林歌唱学院。引起轰动而成为闻名遐迩的指挥家。为巴赫的作品得以复生作出了重要的贡献。同年赴英国指挥伦敦爱乐乐队,这是他英国之行的第一次。在苏格兰度假后,以《赫布里底群岛》序曲和《苏格兰交响曲》(No.3,a小调)表现他的观感,虽然这两部作品是直到他1830—1831年访问意大利时才动笔写作的。在罗马与柏辽兹邂逅,并开始酝酿《意大利交响曲》(No.4,A大调)。下一个主要停留点是巴黎(1831—1832),在那里与李斯特和肖邦相遇。1833年返回德国,完成《意大利交响曲》并在杜塞尔多夫就任音乐总监。1835年成为莱比锡著名的布业大厅音乐会的指挥。1837年与出身于法国胡格诺教派家庭的塞西尔·让莱诺结婚。1842年与舒曼等人一起创办莱比锡音乐学院。又设法再度访问英国,在1846年的伯明翰音乐节上指挥他的清唱剧《以利亚》,取得辉煌成功。此时他的健康已是每况愈下,次年他心爱的姐姐病故,给他以沉重的打击,加速了他的死亡。他于六个半个月后去世。终年38岁9个月1天。</div><div> 在创作上,首创了高雅纯净、形式短小的钢琴曲"无词歌"(Songs Without Words),创作了著名的《仲夏夜之梦》序曲、《苏格兰交响曲》和《意大利交响曲》,把浪漫主义与古典主义的特点交织在一起,音乐既含有古典主义的逻辑性,又带有浪漫主义的幻想性;他创作的《e小调小提琴协奏曲》具有华丽的技巧与甜美的旋律,是举世公认的精品。</div><div> 在音乐的启蒙运动上,门德尔松使被人们遗忘了几乎一百多年的作品——巴赫的《马太受难曲》重放光芒,这是音乐史上最重大的事件之一,从此人们开始重新认识巴赫。</div><div> 在音乐教育上,创办了德国第一所音乐学院——莱比锡音乐学院,为后来德国音乐教育的发展打下了坚实的基础。</div><div> 他发明了指挥棒。</div><h3><a href="https://mm.mbd.baidu.com/qi1ae8o?f=cp"target="_blank" class="link"><i class="iconfont icon-iconfontlink"></i>门德尔松音乐试听(68)首</a></h3> <h3>门德尔松《仲夏夜之梦序曲》</h3><div> 17岁,花季的年龄,对爱情对世界充满着无限的好奇与憧憬,他与姐姐范妮一同痴迷上了莎翁的戏剧,带着难以抑制的热情与幻想,1826年8月他以莎翁《仲夏夜之梦》为题裁,创作出了钢琴四手联弹《仲夏夜之梦》序曲。“凡音之起,由人心生也”,在门德尔松的作品中,e小调仿若是姐姐范妮的化身,而这部序曲便以e小调开篇,足见之深意。11月,姐弟俩首演了此部序曲,明快、欢乐的曲调,简直就是门德尔松幸福生活、开朗情绪的写照,真是完美!</div><div>详解请点开链接</div><h3><a href="https://mp.weixin.qq.com/s/WVCsNlJ3eAy73b599j6WXw"target="_blank" class="link"><i class="iconfont icon-iconfontlink"></i>诞梦戏中戏,痴情少年时——门德尔松《仲夏夜之梦》 </a></h3> <h3>门德尔松e小调小提琴协奏曲第一乐章</h3> <h3>门德尔松e小调小提琴协奏曲</h3><h3>门德尔松e小调 小提琴协奏曲创作开始于1838年。这位时年28岁的天才正在担任莱比锡格万特豪斯管弦乐团(Gewandhausorchester, Leipzig, 也称布商大厦管弦乐团)的指挥,当时的乐团首席小提琴手叫斐迪南·大卫(Ferdinand David),这首协奏曲就是为他创作的。门德尔松原计划第二年首演这首协奏曲,谁知却在创作过程中遇到了难以想象的困难,那就是信心不足,门德尔松感到自己无法创作好这部作品。实际上,门德尔松1822年,13岁的时候曾经创作过一首小提琴协奏曲,但是并不算成功,可以算是一个天才的初试啼声吧</h3><div> 整整6年时间,这首小提琴协奏曲一直没有问世,直到1844年,门德尔松最后一次访 问英格兰归来,灵感突然眷顾,才最终写完了乐曲。很多人都说,这首小提琴协奏曲是一首女性气质的协奏曲,高雅柔美,温婉多情,有 时还流露着一点点的感伤。<br></div><div> 全曲分三个乐章,按照作曲家的要求,要不间断的演奏,这样的先例是不多见的,常见的只有贝多芬的第5 钢琴协奏曲第2,3乐章是连续演奏的。<br></div><div> 第一乐章,很热情的快板。管弦乐的 琶音营造了略微伤感的开始,小提琴第一主题迅 速把 乐曲带入了梦一般的世界,抒情的主题犹如清新的海风,伴着浪涛的轰鸣,变化出华丽的花朵。第一乐章接近结尾处有小提琴独奏的 华彩乐段,这是独奏家们展示技巧的时候,利用主题的素材,他们演奏着高难度的音符。最后的尾声逐渐沉寂,只剩下大管低沉的 呜咽把 乐曲引入第二乐章。<br></div><div> 第二乐章,行板。小提琴的主题纯洁,柔美,似乎在温柔的讲述一个古老的故事。中段从乐队中浮现出悲伤的声音,小提琴的 颤音似乎在低声哭泣,悲哀很快又让位给纯净的主题。<br></div><div> 第三乐章,不太快的小快板到活泼的快板。引子部分继承了第二乐章有如回忆般的平静气氛,然而在一阵定音鼓之后,小提琴开始活跃起来,光辉灿烂的,有时又略带顽皮的,就像一个快乐的天使。在小提琴的带动下,整个乐团也最终激动起来,乐曲结束在一片欢快的声音里。<br></div> <h3>门德尔松《苏格兰交响曲》萨瓦利什指挥斯卡拉爱乐乐团</h3><h3>创作背景</h3><div> 此年7月,门德尔松到苏格兰,在爱丁堡霍里路德古堡遗迹诞生了创作此曲的灵感。他在信札上曾写道:“日近黄昏时,我们来到霍里路德堡,玛丽女王居住、恋爱的地方。那里值得一看的是爬上迂回的楼梯后,可看到一间小屋。当年追踪者爬上楼梯,在这里发现李吉奥,硬将他从屋里拖出,在隔了3个房间的拐角处将他杀死。四周的东西已经朽坏了,从中还可以望见蓝色的天空。我今天就在这间古老的房子里,找到了《苏格兰交响曲》的灵感。”门德尔松所说的古堡典故为,1566年3月9日夜,深得女王幸宠、被称为“外交顾问”的意大利乐手维多?李吉奥被一群贵族所杀。这首作品呈献给维多利亚女王,即霍里路德古堡主人——苏格兰女王玛丽的第九代孙女,1842年3月3日,由门德尔松自己指挥爱乐乐团首演。</div><div> 交响曲欣赏</div><div> 之所以将这首交响曲称为“阴郁的”,是由于它的音乐本身给人的总体印象,还有内容所涉及的那些古老的往昔。当我听这首作品时,在某些段落会联想到《呼啸山庄》的色调,和书中主人公希弗克利夫所面对的铺天盖地的冰冷雨水。</div><div> 交响曲的第一乐章变化很多,表情标记也用了较多文字:“流动的行板-稍激动的快板-非常活泼的-返回最初的行板”。</div><div> 具有冥思特点的引子,就是门德尔松参观玛丽女王加冕的小圣堂废墟时,脑海中闪现的那句乐句。它第一次出现显示出苍凉的感受,中提琴和双簧管以凄然的音色奏出,然后再由大提琴唱出,略微增添了一抹暖色。音乐带出一种面对荒芜景象所生出的神秘情调,在此刻,即使阳光的照射,也会更加增添荒凉的感受。</div><div> 最初的那个灵感,在进入第一乐章中激动和活泼的“快板”的主要段落时,变得比较灵巧和伸展,主要由第一小提琴来演奏,尽管随后新的乐思出现,但这最初的灵感仍然以另一种变化的形式闪现。事实上,整个乐章就是受这一中心主题及其衍生乐思支配的。</div><div> 乐章的结尾是疾风暴雨式的,这是在浪漫主义时期十分盛行的音乐类型,我们在同时期瓦格纳创作的《漂泊的荷兰人》中,也可以听到同样的暴风雨般的音乐,或许这正是当时的作曲家们所追求的一种浪漫气质吧。</div><div> 在这个结尾的高潮处,滂沱大雨仿佛是急速倾泻而下的,虽然管弦乐队在盘旋轰鸣,但却给人以冷彻心扉的感受。最后,是乐章开始那个“流动的行板”的简单重复,以此为衔接,直接进入第二乐章“不过分活泼”的谐谑曲。</div><div>这是整首交响曲中篇幅最短小的乐章,采用传统的奏鸣曲快板曲式,但同时又显得十分自由,音乐带着一股清新的味道。有人将它称之为一幅苏格兰风俗画,虽然并无不可,但似乎乐曲本身没有这么具象。</div><div> 谐谑曲的主题是活泼的,与第一乐章基本乐思相关联,据说取自一首古老的五声音阶的风笛曲调,在这里以一支单簧管单独吹奏出,背景是小提琴和中提琴的碎弓方式的演奏,很像是在窃窃私语。</div><div> 这一乐章就像是偶尔刺破重重乌云的一道阳光,然而转瞬即逝,很快就进入到一个漫长的“柔板”乐章之中,尽管这个第三乐章不像第一乐章那样阴冷,但却充满了若有若无的忧伤情调;二者之间,前者是怀古情绪的引发,后者则是这种情绪的延续。</div> <h3>门德尔松《A大调第四交响曲意大利》</h3><h3> 《A大调第四交响曲"意大利"》,作于1831-1833年间,1833年5月13日由伦敦爱乐协会首演,门德尔松亲自指挥。这部作品是在他在意大利游历期间开始创作的,其中采用了一些意大利民间音乐素材,所以门德尔松自己称它为"意大利交响曲"。</h3><div>作品包括四个乐章:<br></div><div> 第一乐章,活泼的快板。评论家认为开头木管的表达就象意大利明媚的阳光,而小提琴象在召唤人们去探险。随着乐章的展开,人们仿佛置身于意大利那片美丽的国土。这个乐章,门德尔松充满信心,他说他自己"觉得象个青年王子"。</div><div> 第二乐章,行板。这个乐章又称"朝圣进行曲",据说是门德尔松在拿波里街上看到宗教行列后产生的乐思。<br></div><div> 第三乐章,优雅的中板。这个优雅的乐章更接近于18世纪的小步舞曲。<br></div><div> 第四乐章,萨塔列罗,急板。萨塔列罗是一种古老的意大利舞曲形式,这个乐章表达的是罗马狂欢节的喧闹场面。乐章的结尾,寻欢作乐的人们似乎四散逝去,但眼看要远去时却又高潮迭起,效果非常强烈。<br></div> <h3>  瓦格纳1813年5月22日生于莱比锡小官吏家庭,出世6个月,在警察局当职员的父亲就去世了。幼年喜爱文学、戏剧、绘画。1831年在莱比锡大学攻读哲学并学习作曲理论。他母亲不久改嫁给一个演员兼剧作家。不久全家就搬到继父工作的德累斯顿。瓦格纳在继父关照下,受到了最初的艺术熏陶,他对戏剧和音乐十分感兴趣。1827年,全家又迁回莱比锡。在莱比锡布商大厦剧院,他第一次听到贝多芬第九交响曲,深受感动。1831年,他进入莱比锡大学学习作曲,一年后,他创作了贝多芬风格的《C大调交响曲》。</h3><div> 青年时期的瓦格纳 1832年,经他哥哥介绍,到维尔茨堡任合唱指挥。同年他创作了他的第一部完整的歌剧作品《仙女》。之后,他又先后在马格德堡和柯尼斯堡的担任音乐指挥。</div><div> 1833年起,先后在一些中小城市的歌剧院任指挥和音乐指导。丰富的演出实践对其歌剧创作和歌剧改革思想的形成,起了积极作用。</div><div>1836年第一次结婚,次年前往当时俄国的里加任一家歌剧院的音乐指挥。1839年因为债务,乘船逃往伦敦。1840年至1841年在巴黎度过。1842年返回德国德累斯顿,任萨克森王国宫廷乐队指挥。</div><div> 1842年,德累斯顿歌剧院上演其歌剧《黎恩济》获成功,被任命为该院指挥。后受巴枯宁影响,参加资产阶级革命。事败后流亡瑞士,转向妥协,信奉叔本华的悲观哲学。</div><div> 1849年在德累斯顿参加五月起义,失败后被通缉,此后12年在巴黎等地流亡。在巴黎期间,认识了李斯特,后来娶了李斯特的女儿柯西玛为妻。1861年通缉令解除后,回到德国,住在威斯巴登的布里希镇。</div><div> 1864年应巴伐利亚国王路德维希二世之召,返慕尼黑。1870年代为实践其歌剧改革的主张,在拜罗伊特自建歌剧院,上演其歌剧《尼伯龙根的指环》等。他所作歌剧还有《漂泊的荷兰人》、《汤豪舍》、《罗恩格林》、《歌唱大师》、《帕西法尔》等。主张歌剧改革应以福州为题材,戏剧与音乐须组成有机的整体,交响乐式的发展是戏剧表现的主要手段。他运用不间断的音乐结构的主导动机手法、半音和声体系和配器效果,丰富了歌剧的艺术表现力,对欧洲专业音乐的发展有深远影响。</div><div> 1865年开始,得到了巴伐利亚国王路德维希二世的赞助。</div><div> 1883年2月13日,在前往威尼斯避寒旅行期间,因心肌梗塞病死于威尼斯的温德拉敏宫中。</div><div> 瓦格纳的儿子齐格弗里德·瓦格纳也是作曲家。</div><div> 1879年以后,因为健康关系瓦格纳连续四个冬天都是在意大利度过的。1881年春,瓦格纳赴柏林参加《诸神黄昏》的公演, 在一片喝彩声中他突然脸色苍白,急忙退入休息室。一阵阵的心脏剧痛威胁着他的生命。瓦格纳顽强地活下来了,但从此健康状况日益下降。1882年,瓦格纳重返拜罗伊特,在那里参加了《帕西法尔》的首演,在最后一场演出中他还亲临指挥。随后,瓦格纳又回到威尼斯休养,终因心脏病复发,医治无效,于1883年2月13日死于威尼斯。<br></div><div> 瓦格纳的遗体经慕尼黑运往拜罗伊特。2月16日下午二时,运有瓦格纳及其家属的专车从慕尼黑开出,沿途每一个车站都有无数的人汇集在那里默默祈祷。晚上,在慕尼黑车站上,有数千名瓦格纳的崇拜者,手持火炬在等待,当车子开出站时,数百面吊旗垂下。奏出瓦格纳的巨作《诸神的黄昏》中的葬礼进行曲。当列车抵达拜罗伊特时,巨大的哀哭声淹没了整个车站。每一户人家门前都拴了黑色吊旗,街灯也包上了布。一支巨大的送葬行列从街道上缓缓而过。瓦格纳死去的消息很快传向全世界,吊辞从四面八方飞来。威尔第得知噩耗后悲痛万分,他在给朋友的信中写道:“悲!悲!悲!瓦格纳死了!!!大人物已消失,在文化史上留下伟大痕迹的那个名字!!!”雕刻家奥克斯达用石膏为死者拓取了遗容。瓦格纳的妻子柯西玛肝肠寸断,剪下一柬金发放到灵柩中永陪丈夫。</div> <h3>瓦格纳的艺术成就</h3><div> ① 对传统歌剧进行了彻底的改革。他在改革中实施了“整体艺术观”、“无终旋律”以及“主导动机”的手法,并强调戏剧第一,音乐第二,坚持音乐必须服从戏剧内容需要进行创作的原则,改革后的歌剧被称为乐剧(Das Musikdrama)。</div><div> ② 创作了《尼伯龙根的指环》和《特里斯坦与伊索尔德》等划时代的经典乐剧,使浪漫主义歌剧发展到顶峰。</div><div> ③ 扩大了歌剧中管弦乐队的编制(三管制或四管制),加强了乐队的表现力,改变了传统歌剧将乐队当作“巨型吉它”,使其处于人声伴奏状态的做法。他抓住了乐队的表现特点,通过“主导动机”的运用来阐述戏剧内容,使乐队成为表达剧情内容的有效工具。</div><div> ④ 建立半音化和声,淡化调式调性,创建了“特里斯坦”和弦,对20世纪音乐观念产生了重要影响。</div> <h3>瓦格纳歌剧《特里斯坦与伊索尔德》</h3><h3> 《特里斯坦与伊索尔德》是由Kevin Reynolds执导,詹姆斯·弗兰科、索非亚·迈尔斯参演的爱情动作片。主要讲述了特里斯坦和敌国的伊索尔德公主的爱情故事。</h3><div> 该片在西方是一部家喻户晓的爱情悲剧,其传说虽源自爱尔兰,却是由法国中世纪游吟诗。人在传唱过程中形成了文字。在过去的一个多世纪里,《特里斯坦与伊索尔德》最著名的流行形式,毫无疑问是瓦格纳的同名歌剧。</div><h3> 剧情介绍公元七世纪初,罗马帝国崩溃,各部落割据英格兰,爱尔兰国王乘机进犯,英格兰部落领袖马克王意欲实现统一大业。从小失去双亲的特里斯坦被叔叔马克王悉心抚养长大,两人情同父子。成人后的特里斯坦潇洒帅气、英勇善战。在一次抵御爱尔兰的战斗中,特里斯坦杀死了爱尔兰人军队的首领莫洛德,而他自己也身负重伤,宫廷御医竟也想不出救治办法。傲气过人的特里斯坦决定听天由命,他躺在一艘木船上随波而下,由命运来决定他的最终归属。小船一路漂到了邻国爱尔兰,被正从河边经过的爱尔兰公主伊索尔德发现。</h3><div> 特里斯坦与伊索尔德</div><div> 奄奄一息的特里斯坦得到了伊索尔德公主的照顾,很快便康复了。但特里斯坦并不知道,在与爱尔兰人的那场激战中,他杀死的莫洛德正是伊索尔德的未婚夫。事实上,伊索尔德早已发现眼前的骑士便是自己的杀夫仇人,可是特里斯坦可怜的神情和迷人的眼神屡屡令伊索尔德不忍心下手,特里斯坦就此逃过一劫。更令人无法预料的是,两人之间竟燃起了炙热的爱情火焰。不久后,伤愈的特里斯坦不得不回到马克王身边,为国家继续战斗。</div><div> 为分裂英格兰各部落,爱尔兰国王决定以自己美丽的女儿为奖品,举办全英骑士大赛。马克王命令特里斯坦代替自己参加比武招亲。经过连场决斗,英勇无敌的特里斯坦不负期望,为马克王赢得了公主,挫败了敌人的阴谋。然而,当看到公主的真面目时,特里斯坦如遭雷击,原来公主就是他深爱的伊索尔德!不管是为了国家和平还是为了养育之情,特里斯坦和伊索尔德都无法再继续恋情,爱情的魔力在压抑之下越发澎湃。</div><div> 之后的日子里,康沃尔城堡外的花园便成了特里斯坦和伊索尔德时常约会的圣地。一天夜里,随着号角声的响起,马克王和众人出外打猎的声音渐行渐远,伊索尔德满怀欣喜地等待着特里斯坦前来约会。两人终于见面,恍如隔世,互诉衷肠,深情相拥。此时充盈在二人全身的爱情力量已覆盖了所有死亡的意识。就在这时,马克王突然出现了,眼见为实的马可王在既震惊又失望的情形下,令随从拿下乱伦的特里斯坦。在搏斗中,几名对特里斯坦忠心耿耿的手下将受重伤的特里斯坦掩护回了住处。伤势严重的特里斯坦整日挣扎于长时间的昏迷与短暂的清醒之间,但无论是在梦里还是在现实之中,伊索尔德的笑脸总萦绕在这位往日威风的骑士眼前。而正当他垂危之际,竟传来了至高无上的马克王已经原谅了这对勇破世俗的情侣的消息,但此时到来这样的消息显然为时已晚。悲痛欲绝的伊索尔德更是在万般悔恨之中,轰轰烈烈地直奔黄泉路追随挚爱特里斯坦去了。</div><div> 影片《王者之心》是一部中世纪黑暗的冷兵器时代的战争爱情史诗大片。《特里斯坦和伊索尔德》是在西方流传了近1000年的古老传说,和“罗密欧与茱丽叶”幷称西方两大爱情经典。</div><div> 影片的背景是18世纪之前的欧洲中世纪,被定位于一个“黑暗时代”的框架中,如何再现那个时代?影片的泼墨重点先是放在了冷兵器铿锵碰撞的战斗场面上,为此,制片方特别请来了著名的特技指导尼克·鲍威尔,他曾指导《勇敢的心》、《角斗士》、《最后的武士》等多部史诗大片。</div> <h3>瓦格纳歌剧《漂泊的荷兰人》序曲</h3><div> 在风暴掀动的大海狂澜中,“梯的斯”号帆船,象一片树叶起落千浪峰涛谷之间。</div><div> 船上有一只叫作罗勃的纽芬兰种大狗,还有被牢牢捆在一起的、至死不分离的一对爱人。这就是作曲家瓦格纳和他的妻子明娜。</div><div> 他们向往巴黎这个艺术的大舞台,于是躲开债主的催逼,离开里加偷越边界,飘洋过海,取道伦敦去巴黎。但是,海上风暴的袭击,使八天的航程竟延宕了三、四个星期。</div><div> 这次不平凡的遭遇,使瓦格纳想起了荷兰漂泊者的传说。他感到,“从这些印象里,可以得到诗歌与音乐的鲜明色彩。”</div><div> 在巴黎,瓦格纳陷于贫困之中。“有一天,我们的苦难达到了绝望的边缘。口袋里一个苏也没有了。我一早就步行出发——没钱乘车——去巴黎弄钱,即便是五法郎也好。”</div><div> 在如此困窘的境地里,作曲家依然捕捉着自己对“荷兰漂泊者”的强烈印象。1841年7月,瓦格纳在讨价还价中售出歌剧《漂泊的荷兰人》剧本大纲,这才有钱租来钢琴,开始作曲。仅用七周时间,他就完成了歌剧的全部音乐和配器。总谱的手稿边角,记载了作曲家辛酸痛苦的经历。</div><div>第二幕结尾处写着:“8月13日,明天我的经济危机又将开始。”第三幕结束处写着:“完蛋了。默东。1841年8月22日,处于痛苦与忧虑之中。”但是,瓦格纳似乎受到贝多芬的感召,在手稿上,他还写下了“在黑夜里,在贫困中,通过荆棘,走向光明”的字样。</div><div> 歌剧《漂泊的荷兰人》的剧情源于北欧传说:一个荷兰航海者,立誓要冒险绕过好望角。如果失败,他甘愿终身漂泊海上。魔鬼听后,便惩罚他永久在海上航行,只有找到一个真诚爱他的姑娘,才能结束无终止的漂泊。</div><div> 歌剧从荷兰人到达挪威港开始。挪威船长的女儿桑塔久慕荷兰航海者,她与漂泊者一见钟情,海誓山盟。但荷兰人发现另一位叫埃里克的青年也追求桑塔,使误解姑娘薄情,毅然离去。桑塔痛苦地奔上临海峭岩,望着远去的帆影,跳海殉情。此刻,只见海波湍急,帆影顿失。在残阳余晖中,隐现出荷兰人与桑塔幽灵般的身影。他们拥抱着,出现在大海上空……</div><div> 歌剧《漂泊的荷兰人》序曲,包括了歌剧音乐的主要主题,描述了戏剧的概貌和意境,是瓦格纳早期歌剧中的一篇著名的序曲。</div><div> 弦乐组在高音区,以旷远的震青,烘衬着小号和木管单调的长音,勾画出一幅海景画图——白茫茫的海面上,旋流翻滚,风浪咆哮。在永不平息的大海中,荷兰人漂泊的帆船,从股股的圆号声部隐隐浮现。这支音调,孤寂凄凉。象是飘忽不定的幽灵,立于喧嚣的狂涛之中,没有归宿,没有依托:这时,从弦乐低声部涌出一股急流,很决就冲出海面,掀起皇天而立的浪壁水墙。铜管乐和大管以强劲的呼唤。发出荷兰人与风浪搏斗的呐喊。当海涛与乱云汇成难以分解的疯狂暄刚时,定音效的声声霹雳,将浓聚的水天炸开一道裂隙。小提琴飞驰而下的震音,平息了动荡的云水。</div><div> 大海呈现出风平浪静的和谐面貌。大提琴与中提琴声部断续地飘出荷兰人残存的帆影。定音鼓三声微弱的敲击,海面上一片寂静……</div><div>荷兰人的船只靠近了挪威港。”</div><div> 一位久慕漂泊者的美丽少女跑来。她是挪威船长的女儿桑塔。她从柔美的英国管上唱出一支深情的歌。在节奏上它酷似荷兰漂泊者的主题。但起落婉转的音调,又融进了热恋少女的柔情。</div><div> 这个旋律取自歌剧第二幕桑塔的叙事歌。”作为纯朴痴情的桑塔主题音调,它为序曲带来浓郁的抒情色彩。</div><div> 定音鼓又唤来海上风暴。此时,喧嚣的海潮,与其说是大自然威力的显现,不如说是爱情的狂澜涌进了荷兰人与桑塔的心扉。管弦的绚丽色彩,在穹宇覆盖的大海胸膛上,在两位情人激荡的心田上,尽情地绘出浪涛与风雨的交响!一漂泊者虚幻的帆影,桑塔秀颀的身姿,几乎全部淹没在挪威港湾的水手号子声中…</div><div> 风浪逐渐平静下来。</div><div> 挪威水手们跳起水手舞蹈。粗扩豪放的音调为序曲嵌上一幅充满浓厚生活气息的民间风俗画。在歌剧的第三幕中,这支旋律欢庆水手们战胜风浪、胜利返航:</div><div> 接着,风浪再起。挪威水手的英武身影,不顾弦乐飞旋而起的巨大风浪,,向漂泊者高喊呼唤,引导他的船只靠岸。荷兰人看到了热情救助的手。漂泊的船只在浑厚的长号声部,浮现而出,破浪前行,与水手豪迈的欢声交融,使风浪黯然失色。</div><div> 这时,荷兰人看到桑塔的身影。她站在悬崖上,面对壁立的浪峰,激动地高声呼唤自己的恋人。尽管风浪使喊声若隐若现,但她那诚挚的心声仿佛煮沸了激荡的海水。</div><div> 管弦一声响亮的和弦,带来浩海一片寂静。瞬息之间,小提琴急驰向上引来潮涌声浪。这已不是海的喧腾,而是水手的狂热舞蹈响彻云天。在弦乐闪烁的波光中,大海渐渐平静下来。铜管乐有力地奏出荷兰人的音调,孤独的帆影,又向远方飘去。</div><div> 空旷的涛声引来了坚琴的绚丽音响。在轻盈的波浪中,痴情的少女桑塔高高站立在木管乐的高音区,凄切而漫郁地吟唱心中的恋曲。飘忽的旋律,象失落归宿的飞溅的浪花,荡漾着,消逝在渺茫的音响空间。</div><div> 乐队一声全奏和弦,结束了整个序曲,也决定了桑塔姑娘殉情的悲剧命运。</div><div> 歌剧《漂泊的荷兰人》是瓦格纳的早期歌剧作品。作曲家放弃了那种时髦的、庞大而华丽的歌剧创作特征,在现实世界与幻想世界的交融中,创造出一个充满德国情调的浪漫主义的传奇故事。这部歌剧是他转向乐剧创作的起步,用他的话讲,“奠定了一种新的体裁的基础”。</div><div> 歌剧的序曲,以无涯无际的大海与桑塔的抒情形象为基础,构成一幅美妙的音画。一个年仅二十八岁的年轻艺术家,从这里跨出因袭模仿的范围,开始踏上自己在歌剧创作,特别是在歌剧交响化方面的重要一步。</div> <h3>解读(1)瓦格纳《罗恩格林》</h3> <h3>解读(2)瓦格纳《罗恩格林》</h3> <h3>解读(3)瓦格纳《罗恩格林》</h3> <h3><font color="#010101">解读(4)瓦格纳《罗恩格林》</font></h3> <h3>瓦格纳《女武神》中(飞行的女武神)</h3> <h3>  约翰·施特劳斯,奥地利作曲家,1825年10月25日出生于维也纳。施特劳斯自幼爱好音乐,梦想成为职业音乐家。他19岁时就举办了一系列音乐会,并在各地巡回演出,获得的成就使他很快就与父亲齐名。1848年,他访问罗马尼亚并举办音乐会,这期间他在当地居民的鼓动下推翻了奥地利领事。在维也纳发生革命的时日里,他是国民军乐队的队长,指挥了《马赛曲》和他自己创作的革命进行曲和革命圆舞曲。他的名声在革命以后愈益提高。1851年开始了富有成就的去国外的第一次巡回演出。自1853年起,施特劳斯担任宫廷舞会音乐指挥;1863—1870年,担任奥匈帝国皇室和王室的宫廷舞会乐队队长之职。1870年,作为圆舞曲和舞曲作曲家处于荣誉高峰的施特劳斯(他当时已经写作了大约340首圆舞曲和其他舞曲)转向舞台乐的创作。他写了17部轻歌剧、一部歌剧和一部芭蕾舞曲,在这些作品中,绝大部分都由于其低劣的歌剧脚本而宣告失败,或很快以半失败而烟消云散。1872年,施特劳斯的美国之行轰动一时。在1894年举行庆祝斯特劳斯从事艺术活动50周年庆祝会时,他收到了来自全世界的祝贺和授予他名誉会员称号的证书,这一切显示出这是一次真正胜利的盛会。1899年6月3日,他在短时期卧病以后于维也纳去世。</h3><div> 小施特劳斯</div><div> 斯特劳斯的创作活动大致可以分为三个时期。</div><div> 1844年10月,年仅十九岁的约翰·施特劳斯率领自己的乐队在维也纳一流的饭店进行首演,引起了极大的轰动。一场圆舞曲的“父子之战”就此展开。老约翰动用自己的关系阻止各娱乐场所聘请儿子的乐队演出,但聪明的约翰开始逐步培养有别于父亲的观众,他把目光转向年轻人和民族主义者,创作了《维也纳的年轻人》、《塞尔维亚进行曲》、《拨弦波尔卡》等早期音乐作品。1873年奥地利维也纳世博会上,小约翰·施特劳斯演奏了风靡全球的蓝色多瑙河圆舞曲(作品第314号)。</div><div> 其作品包括圆舞曲168首,波尔卡舞曲117首,卡得累尔舞曲73首,进行曲43首及轻歌剧16部。施特劳斯的创作活动大致可以分为三个时期。第一时期为1863年以前。在这一时期里,他基本遵循维也纳圆舞曲模式,但已在作品中增加了音乐的表现力。第二时期为1864—1870年。这时,他的创作已趋于成熟,创作了大批至今仍广为流传的著名圆舞曲,如《蓝色多瑙河》、《维也纳森林的故事》等。第三时期为1871—1899年。施特劳斯虽然又写出了著名的《南国玫瑰圆舞曲》、《春之声圆舞曲》、《皇帝圆舞曲》等,但主要从事轻歌剧创作。自1871年后的近30年中,他陆续写了16部轻歌剧。在J.奥芬巴赫和F.von苏佩影响下,他充分运用维也纳圆舞曲及其他舞曲体裁,使维也纳轻歌剧别开生面。其中《蝙蝠》(1874)和《吉卜赛男爵》(1885)尤为突出。</div><div> 1899年6月3日 ,小约翰·施特劳斯在奥匈帝国维也纳与世长辞,享年73岁。维也纳人民举行了十万人的盛大葬礼。</div><div><br></div><div> 他的父亲老约翰·施特劳斯希望他将来成为一个银行家而不是一个音乐家。尽管如此,他还是从小暗地里学习小提琴。讽刺的是,他的小提琴老师正是他父亲的管弦乐队的首席小提琴,弗朗茨·阿蒙(Franz Amon)。然而,他的父亲还是在一天发现小约翰把时间“浪费”在了音乐上。据小约翰·施特劳斯本人回忆,接下来场面相当的可怕,而且他的父亲对他的音乐理想没有任何兴趣。然而老约翰并没有让家庭不和的意思,他只是认为作为音乐家的生活太严酷了,不希望儿子以后也与他一样过这样的生活。最后,在小约翰17岁那年,老约翰与他的情妇埃米莉·特兰布施(Emilie Trambusch)离家出走。这样,小约翰能够专心从事他所热爱的音乐事业了。之后,小约翰向开办私人音乐学校的约阿希姆·霍夫曼(Joachim Hoffmann)教授学习了对位法和和声技法。在与指挥家约瑟夫·德雷施勒(Josef Drechsler)学习和声时,他的天赋得到了极大的认可。同样,他在他的另外一位小提琴老师,维也纳宫廷剧院(Vienna Court Opera)的芭蕾舞辅导教师安东·科尔曼(Anton Kollmann)那里,也得到了极高的评价。由于这些人士的高度评价,他成功地从权威人士处得到了公开演出的不成文许可。随后,他很快在'Zur Stadt Belgrad'酒馆(维也纳的音乐家们寻找职位的固定去处)招募了充足的人手以扩充他的乐团。然而由于他父亲的巨大影响和势力,几乎没有任何剧院提供给小约翰演出的合约。最终,小约翰终于说服了维也纳Hietzing establishment的Dommayer's Casino,提供给他一个初次亮相的机会。当地媒体疯狂地报道这场父子间的“施特劳斯家族内战”。老约翰本人对儿子不服从他的对儿子的愿望极为恼怒,一怒之下他决定在有生之年永远不在Dommayer's Casino登台演出,尽管Hietzing establishment是他早年多次演出的辉煌成功的见证。</div><div></div> <h3>  约翰·施特劳斯《蓝色的多瑙河》 1866年,任维也纳宫廷舞会指挥的小约翰·施特劳斯应维也纳男声合唱协会的指挥赫尔贝克之约,根据卡尔·贝克的诗作《蓝色多瑙河》的意境写成了充满维也纳乡土之情的圆舞曲《蓝色多瑙河》。 这时的小约翰·施特劳斯虽已创作出数百首圆舞曲作品,但还没有创作过声乐作品。1867年,这部作品在维也纳首演。因为当时的维也纳在普鲁士的围攻之下,人们正处于悲观、失望之中,因此作品也遭到不幸,首演失败。直到1868年二月,小约翰·施特劳斯住在维也纳郊区离多瑙河不远的布勒泰街五十四号时,把这部合唱曲改为管弦乐曲,其中增添了许多新的内容,并命名为《蓝色的多瑙河》圆舞曲。这部乐曲同年在巴黎公演时获得了极大的成功。仅仅几个月之后,这部作品就得以在美国公演。顷刻间,这首圆舞曲传遍了世界各大城市,后来竟成为作者最重要的代表作品。直至今日,这首乐曲仍然深受世界人民喜爱。在每年元旦维也纳举行的“新年音乐会”上,本曲甚至成了保留曲目。 乐曲由序奏、五个圆舞曲和尾声组成。 引子分为两个部分。乐曲开始,小提琴在A大调上奏出徐缓的震音,如黎明时平静的多瑙河水微波荡漾,圆号吹出一个充满希望的音调,好似晨曦拨开了多瑙河上的薄雾,黎明到来。音乐生机盎然,安谧宁静。第二部分是序引的小高潮,这个由木管乐器演奏的活泼清新的动机,配以典型的圆舞曲律动,如河水拍岸,生机勃勃,使人振奋。 随后,是第一圆舞曲。舞曲描写了在多瑙河畔,陶醉在大自然中的人们翩翩起舞时的情景。轻快的节奏、明朗的旋律如多瑙河水畅流不息,它歌唱着美丽的多瑙河,歌唱着洒遍春晖的奥地利人的故乡。第一段的主题素材来自引子的动机。第二段由小提琴和木管在高音区断奏,充满喜悦,活泼而轻快。 第二圆舞曲是三部曲式。第一段旋律起伏、跳跃,给人以朝气蓬勃的美好感受。中段的音乐婉转而柔美,小提琴奏着主题,竖琴用琶音伴随着,好像阿尔卑斯山麓的青年们在热烈、欢快的舞蹈间隙,窃窃私语,互诉衷曲。 第三圆舞曲是二部曲式。第一段饶有新意,典雅而高贵。反复以后,对比性的第二段曲调生动活泼,富于流动性和旋转性。 第四圆舞曲在开始时节奏比较自由,琶音上行的旋律美妙得连作曲家本人也很得意,仿佛春意盎然,沁人心脾。 第五圆舞曲是第四圆舞曲音乐情绪的继续和发展,只是转到A大调上。起伏、波浪式的旋律使人联想到在多瑙河上无忧无虑地荡舟时的情景。第一段由木管乐器和小提琴弱奏出优美动人、舒展柔情的旋律。然后,在热闹的打击乐器的伴奏下,欢腾、热烈的对比乐段使全曲达到高潮。 乐曲的结尾有两种,一种是合唱型结尾,接在第五圆舞曲之后,很短。另一种是管弦乐曲结尾,规模较大,第三圆舞曲、第四圆舞曲及第一圆舞曲的素材—一再现,最后全曲在疾风骤雨式的节日狂欢气氛中结束。<br></h3> <p class="ql-block">约翰·施特劳斯《蓝色的多瑙河》2021年维也纳新年音乐会</p><p class="ql-block"> 轶事:《蓝色的多瑙河》圆舞曲是约翰·施特劳斯创作的四百多首圆舞曲中最著名的一首,写于1867年。人们常听到的是管弦乐曲。其实,这支曲子当初是作为一首男声合唱曲写成的。</p><p class="ql-block"> 1867年,奥地利维也纳男声合唱协会,急需一首供表演用的合唱圆舞曲。当时,约翰·施特劳斯已经创作了大量圆舞曲,于是大家提出最好请约翰·施特劳斯来写。“合唱协会”的指挥赫尔柏克找到这位著名的作曲家,请求他为“合唱协会”创作一首合唱圆舞曲。当这一要求提出以后,约翰·施特劳斯并没有马上答应,虽然,他早就想写一首以多瑙河为主题的作品,但是人家要求他写的是一首声乐曲,而他过去从没有写过合唱。经指挥一再请求,他才答应试一试。  多瑙河是流经中欧的一条主要河流。这条河流对作曲家来讲,如同母亲一样的亲切、熟悉。约翰·施特劳斯不知多少次泛舟多瑙河上,漫步在她的两岸。那湛蓝的河水,如画的风光,村民朴实的舞蹈,美丽动人的传说,使作曲家感到犹如投身在母亲温暖的怀抱之中,经常留连忘返,不愿离去。他更喜欢阅读诗人们赞美多瑙河的诗篇。所以,当赫尔柏克一提出要他创作一首以多瑙河为主题的圆舞曲时,一幅幅多瑙河秀丽景色的生动画面和柏希的诗句“在那多瑙河边,在那多瑙河边 …… ”立即浮现在作曲家的脑海里。约翰·施特劳斯把自己的感受讲给友人格涅尔听。这位诗人也有同感,他很快写下一首歌颂多瑙河的诗歌。当约翰·施特劳斯拿到《美丽的蓝色多瑙河》诗篇时,乐思如同奔腾的河水,激荡在他的心头。关于约翰·施特劳斯是怎样创作《蓝色的多瑙河》圆舞曲的,是人们感兴趣的事情,于是传说纷纭。有人讲:那天,他忘了带谱纸,于是在自己的衬衫袖子上匆匆记下了这些乐思。这天夜里,他没有回家去,直到清晨,他才回到家里脱掉衬衫入睡。</p><p class="ql-block"> 他的夫人杰蒂·德雷弗丝是一位歌唱家。她发现丈夫衬衣袖上的乐谱,知道这是他的什么新作,就没有动它。可是,当她有事出门归来时,发现这件写有乐谱的衬衣被仆人当作脏衣服拿去洗了。她不由得一惊,急忙跑出去找。幸好洗衣妇刚刚将衣服丢进洗衣盆里。杰蒂从水中将衬衣捞出。还好,乐谱墨迹还未泡掉。所以,今天,人们能听到这支动人的圆舞曲,真应该感谢杰蒂救谱之功。当然,传说并不一定和事实完全相符,但它说明人们对这支曲子的热爱和想追根求源的迫切心情。</p><p class="ql-block"> 《蓝色的多瑙河》圆舞曲不仅受到群众的喜爱,也受到许多专业音乐家的赞赏。向来写作严肃音乐的德国著名作曲家博拉姆斯,有一次在舞会上见到约翰·施特劳斯的夫人杰蒂,杰蒂请博拉姆斯在她的扇子上题字,布拉姆斯先写上《蓝色的多瑙河》圆舞曲的主题,然后在下面写道:“可惜不是我所作。”这个小轶事可以说明,约翰·施特劳斯的曲子的确做到了雅俗共赏。</p><p class="ql-block"> 《蓝色的多瑙河》圆舞曲受到世界各国人民的喜爱,它不仅经常出现在音乐会上,而且在演出规模也创造了一项世界纪录:</p><p class="ql-block"> 1872年,约翰·施特劳斯应邀到美国波士顿主持《蓝色的多瑙河》圆舞曲在世界和平大会上演出。参加这次演出的合唱人数竟多达两万人,伴奏乐器多达一千零八十七件。约翰·施特劳斯担任合唱总指挥,下设一百多名助理指挥。这样大型的演出怎么开始呢?有人想出一个好办法:用炮声作为开始信号。这次演出场面壮观、气势磅礴,受到听众热烈欢迎。演出结束后,大批观众拥向后台,希望见到这位著名作曲家,并纷纷要求签名留念。这时,连作曲家掉下的一根头发,也成为珍贵的纪念品了。</p> 约翰·施特劳斯《维也纳森林的故事》<div>  《维也纳森林的故事》是小约翰·施特劳斯继圆舞曲《蓝色的多瑙河》之后的又一部杰作。完成于1868年,同年六月十九日初演于维也纳,并由作者亲自指挥。奥地利首都维也纳的郊区有一片美丽的森林,它离城市不远,历来吸引着千千万万的游人。这片森林也是许多居住在维也纳的大作曲家们经常光顾的地方,森林的美景常常激起他们的灵感。约翰·施特劳斯是地道的维也纳人,《维也纳森林的故事》就是他献给故乡的赞歌。为了使乐曲具有浓厚的乡土气息,作者在管弦乐队里破例地加上了奥地利的民间乐器——齐特尔琴(原文为Zither,是一种拨奏弦乐器)。</div><div> 这首乐曲由序奏、五个圆舞曲和尾声构成,其结构属于典型的维也纳圆舞曲式。乐曲的开始是一段很长的序奏。两支圆号的旋律描绘了优美动人的风景,双簧管和单簧管吹出抒情流畅的曲调,象是牧人的牧歌和角笛。钟声的响起,使音乐增加了很多光彩。然后,大提琴缓缓奏出第一圆舞曲的主题动机,作为全曲的引子。大提琴浑厚的音调、圆号美丽的牧歌和长笛玲珑的装饰音节,构成了一幅极美妙的且色彩斑斓的音画,十分优雅动人。齐特尔琴的加入更增添了浓厚的奥地利民族色彩,这种特色型乐器拨奏出这首圆舞曲中最主要的一段旋律,轻柔而华美,仿佛晨曦透过浓雾照进维也纳森林,还伴随着鸟儿们婉转的鸣叫。</div> <h3>约翰·施特劳斯歌剧《蝙蝠》序曲</h3><h3>蝙蝠序曲(外文名:Die Fledermaus Overture)是奥地利作曲家小约翰·施特劳斯用其所作轻歌剧《蝙蝠》中动听的旋律缀合而成的,也是整部歌剧最著名的一首乐曲。该曲经常作为音乐会的演出曲目之一,可以调动听众热情。</h3><div>蝙蝠序曲赏析</div><div> 序奏:A大调—活泼的快板—2/2拍</div><div> 蝙蝠序曲的序奏部分采用三部曲式,乐曲以一个速度为甚快板的全奏开始,热烈而欢腾。之后在整个乐队轻柔的伴奏下,双簧管奏出充满生机的主题,流露出明显的喜剧色彩。这一旋律选自第三幕中埃森斯坦的咏叹调主题。</div><div> 第一部分:小快板—A大调转D大调—2/4拍</div><div>该部分的两个主题是华丽而流畅的,成功地揭示出全剧的喜剧内容。第一主题为A大调,在中提琴、大提琴、低音提琴的轻微的拨奏下,小提琴悠扬的奏出了旋律,随着颤音的出现,圆号奏出属七和弦,为进入D大调作出准备。而第二主题恰恰承接上部分,依然由小提琴奏出,其它弦乐器以弹拨方式伴奏。随后,短笛奏出了颤音,准备迎接下一主题。</div><div> 第二部分:圆舞曲节奏—G大调—3/4拍</div><div>序曲的第二部分是整个序曲的中心,具有小约翰·施特劳斯所拿手的“维也纳圆舞曲”风格,集中体现了小约翰·施特劳斯音乐的特色,欢快而有力的圆舞曲主题选自歌剧第二幕终场前舞蹈场面的配乐。也正因为旋律如此欢快,该主题在ipod曲库中被称为“蝙蝠圆舞曲”或“你和我圆舞曲”,并将主题用于动画片《猫和老鼠》的《万能指挥家》中。主题开始由弦乐奏出,待重复过后,小提琴、长笛在高音区奏出旋律,情绪愈加激昂。</div><div> 第三部分:行板—e小调—3/4拍</div><div>这一部分选自歌剧第一幕中的三重唱《只剩下我留在家里》,曲调在弦乐伴奏下由双簧管奏出,略带哀婉动人的色彩,轻盈而舒缓。但伤感的音乐是暂时的,乐队在不知不觉中转调,准备奏出下一部分。</div><div> 第四部分:很快的快板—E大调—2/4拍</div><div>该部分是波尔卡舞曲的形式,开始由小提琴、长笛奏出,随后发展至整个乐队,将乐曲推向第二个高潮。在卡通剧《猫和老鼠》第三十四集《万能指挥家》中,也出现了序曲的该部分。</div><div> 重复部分</div><div> 乐曲的主题再现时,第二、第三部分的旋律同为A大调,将主题升高大二度更有益于增添趣味,调动听众激情,使欢乐的气氛更为浓郁。主题再现后,序奏部分接踵而至,将音乐推向白热化的高潮,在热烈的气氛中结束于A大调。</div> <h3>  约翰内斯·勃拉姆斯(德语:Johannes Brahms,德语:[joˈhanəs ˈbʁaːms],1833年5月7日—1897年4月3日),出生于汉堡,逝于维也纳,德国古典主义最后的作曲家,浪漫主义中期作曲家。</h3><div> 勃拉姆斯出身于音乐家庭,又译白蓝士、柏纳谟斯。他的大部分创作时期是在维也纳度过的,是维也纳的音乐领袖人物。一些评论家将他与巴赫(Bach)、贝多芬(Beethoven)排列在一起称为三B。勃拉姆斯一生虽然只写了四首交响曲,但仍被称为是贝多芬以后最伟大的交响曲作曲家之一。</div><div> 勃拉姆斯对标题音乐与华格纳乐剧形式不认同,走纯粹音乐路线。其重要作品有:《第一交响曲》(“贝多芬第十交响曲”),两部钢琴协奏曲:《d小调第一钢琴协奏曲》和《降B大调第二钢琴协奏曲》,小提琴协奏曲:《D大调小提琴协奏曲》,《f小调钢琴五重奏》,管弦乐《学院节庆序曲》,合唱《德意志安魂曲》,《海顿主题变奏曲》,《帕格尼尼主题变奏曲》和《匈牙利舞曲》。</div><h3> 1853年,约翰内斯·勃拉姆斯作为匈牙利小提琴家Eduard Reményi的随从进行了一次演出旅行,在旅行到汉诺威的时候,他遇到了匈牙利著名小提琴家作曲家约瑟夫·姚阿幸(Joseph Joachim),然后又前往魏玛宫廷,在那里遇到了匈牙利作曲家李斯特。在那次旅行之后,勃拉姆斯的作曲创作逐渐受到人们的欢迎。</h3><div> 姚阿幸给了勃拉姆斯一封信,介绍他认识舒曼,勃拉姆斯前往杜塞尔多夫去见舒曼,并受到舒曼的欢迎。他跟随舒曼学习的时候,内心暗自爱上了舒曼的妻子克拉拉。在舒曼生病住院之后,勃拉姆斯协助克拉拉照顾舒曼和他的孩子,舒曼死后,勃拉姆斯克制住自己的感情,离开了克拉拉。他终生未婚,把自己的爱情留给了大他14岁的克拉拉。</div><div> 1856年舒曼死后,勃拉姆斯往来于汉堡与代特莫尔德大公国之间,他在汉堡担任女声合唱团的指挥,在代特莫尔德担任宫廷音乐教师兼指挥。1862年,他第一次访问维也纳,在那里过了一个冬天。次年他被任命为维也纳合唱团指挥,尽管他很快就辞职了,但是还是在维也纳久居下来。</div><div> 约翰内斯·勃拉姆斯作品</div><div> 勃拉姆斯刚刚三十岁时,他的艺术给人的印象已是有条不紊的古典式的完美。这位浪漫主义最后阶段的大作曲家,是在舒伯特之后最接近古典时期音乐家的精神的。他听到了当代的进步人士的激昂口号“向前看,忘掉过去”,而他却变成一个歌唱过去的歌手;也许他相信通过歌唱过去,他可以为未来服务。他经过不懈的学习,发现这种控制可以从过去世代的大音乐家那里学到;因此,他对古代音乐极感兴趣,他搜集的书籍和手抄本,他进行的研究成果,简直就等于是音乐学论文。但是他同时还学到:要使想象力驯服,就需要妥协和牺牲。勃拉姆斯的每个作品都有着过去年代的精神和光荣的回声。所以勃拉姆斯的音乐并不给人以即时的直接的印象,它是由谨慎地掩盖着的记忆滋养起来的,所以他的艺术抒情性和戏剧性少,更多的是史诗性。他的敏感性使他能够觉察过去最优美的东西。由于他对现代抱对立的态度,他要求表达过去的美好印象的心情就更显迫切。</div><div> 勃拉姆斯是舒曼的热心崇拜者,这位青年浪漫主义者以创作钢琴奏鸣曲开始他的音乐事业;对一个浪漫主义者,特别是在他的青年时期来说,这是很不平常的。因为当时盛行的是“个性小品”,是小型的抒情曲形式;即使是大型曲式,浪漫主义者也是用几个小曲组成,或者是用自由的、幻想曲式的处理把一个歌曲式的结构扩大。看到青年勃拉姆斯怎样对抗、几乎是排斥浪漫主义因素,确实令人吃惊。这些钢琴作品对那得到奇妙发展的浪漫主义钢琴音乐风格不予理睬。它们具有着自己的独特钢琴艺术风格。一直跟踪他一生的巨大的冲突—贝多芬的阴影—在这里,在他事业的开始时已经显而易见。他的钢琴音乐的努力写作继承了某些贝多芬乐章中的非钢琴性质。清楚感觉到其中有一种要求交响曲式表现的深刻欲望,致使这些作品像舒曼所巧妙地形容的那样,仿佛是“带了面纱的交响曲”。勃拉姆斯写钢琴曲和混合室内乐虽然轻而易举,但他写作古典主义时期两个最大的形式—弦乐四重奏和交响曲却极其小心谨慎而且耗费时间。在评价勃拉姆斯时这一事实很重要,因为实际上他是一个浪漫主义者,他和舒曼一样,本能地为小型的、亲密的形式所吸引。他所写的四重奏的数量很多,但除了集留下。这位抱负不凡的交响曲作曲家在其所处的音乐环境中得不到鼓舞;因为除了大胆的交响诗和其他新的交响曲外,他的同代作曲家还在写的很多交响曲,不是破裂为无数片断,就是像牛津大学的博士论文一样精确地把交响曲的一切“规则”付诸实用而已。</div><div> 勃拉姆斯完全知晓交响曲的时代同舒伯特一道成为过去了,但由于他对那个英雄时代怀着深厚的景仰和怀念之情,促使他对命运本身挑战。勃拉姆斯的思想的严格性、他对伟大的古典交响乐作家的深刻信仰,以及他的交响音乐中蓄意追求而得的古香古色的风格惊动了另外的阵营—新德意志乐派。他们不能理解他们的一位同代人怎么能够躲过瓦格纳和李斯特一代在音乐上所取得的一切成就。当时在维也纳流行的刊物《沙龙报》担任音乐评论的胡戈·沃尔夫Hugo Wolf曾写出下列的话,表示他的惊讶:贝多芬之后音乐中的革命运动(在这运动中舒曼确实希望有一个救世主式的人物,而他以为他找到了这人—勃拉姆斯)的领袖们从我们这位交响曲家的身旁走过,竟未在他身上留下任何痕迹……勃拉姆斯对当时所发生的事态全然不顾,继续写他的交响乐。</div><div> 勃拉姆斯始终坚持古典主义形式创作音乐,与他同辈的音乐家中没有一个人像他那样接近贝多芬的理想,没有一个人像他那样能够重建真正的交响乐思维;勃拉姆斯的伟大艺术造诣使他的作品具有古典主义式的均衡,但人们会感觉到在这平静的均衡的背后隐藏着某种东西,隐藏着一种悲剧性的哲学,一种悲观主义和舍身忍让的成熟世界观。勃拉姆斯、反对当时的音乐潮流,倒不是极端反对当时流行的音乐风格,而是反对当时音乐中文学和哲学的倾向;他们要使音乐重返到纯音乐国里去。浪漫主义的连续几代人中,争取贝多芬的遗产成了占有世界的斗争,原来曾经是交响乐的美妙统一的结合体,而今,戏剧的、色彩丰富的因素又被分割成不同的构成部分,尽管浪漫主义的口号喊的是要求更加紧密的结合。</div><div> 约翰内斯·勃拉姆斯作品</div><div> 勃拉姆斯1897年4月3日因肝癌病逝于维也纳,葬于维也纳中央公墓。</div><div> 勃拉姆斯是一位热爱民族文化,追求古典精神的作曲家。他在创作中力图维护德奥的传统,和同时代的作曲家相比,他在这方面表现得更积极更自觉。在创作中他追求内在的感情的深刻表现,反对浮华的表面效果,风格质朴、严峻,作品富有哲理性。</div><div> 在勃拉姆斯的创作中,交响音乐占有重要地位,在这类作品中,结构的原则、调性的布局、主题发展的逻辑性、复调思维的深刻性以及宏伟的气势等,都明显地看到J·S·巴赫、L.van贝多芬对他的影响。在他的4首交响曲中,以第1和第4最为著名。他的c小调《第一交响曲》(1862~1876)不像多数作曲家那样带有尝试和模仿前人的性质,而是一部成熟之作。他从 1862年写出第1乐章到1876年最后完成,持续了14年之久。乐曲反映了德国统一前后的十多年中,勃拉姆斯对现实生活的感受从第1乐章的矛盾、挣扎,第2、3乐章的悲痛、幻想到终曲的欢呼、赞颂,显示了他探求理想、摆脱痛苦、走向光明的哲理信念。1885年完成的《第四交响曲》虽然气势宏大却缺乏乐 观战斗精神,特别是采用古老的帕萨卡里亚变奏的终曲乐章,流露出命运主宰一切的悲观情绪。除4首交响曲外,他写的两首钢琴协奏曲(1858、1881),特别是《D大调小提琴协奏曲》(1878),不论在思想和技巧方面,都是同类作品中的优秀者。</div><div> 勃拉姆斯的钢琴作品从早期沿古典奏鸣曲、变奏曲原则到更多地写作特性钢琴小品如随想曲、间奏曲、狂想曲以及民间歌曲、舞曲等,可以看出浪漫主义思潮对勃拉姆斯的影响。这类作品集中体现了作者的艺术风格:深沉、典雅、富于技巧、手法细腻、形象丰富,有些是作者内心体验的独白,有些是生活情景的描绘。如作者自称是其“痛苦的摇篮曲”的《降E大调间奏曲》(1892)具有古老加沃特舞曲性质的《b小调随想曲》(1878)以及富有戏剧性的《b小调狂想曲》(1879)等,都是这类作品的优秀之作。这些特性钢琴小品是在F.舒伯特的瞬想曲、即兴曲,F.门德尔松的《无词歌》和R.舒曼钢琴套曲的传统上的继承和发展。勃拉姆斯还写了不少主题变奏钢琴曲,其中《匈牙利民歌主题变奏曲》(1853)《帕格尼尼主题变奏曲》(1862)、《海顿主题变奏曲》(1873)和《舒曼主题变奏曲》(1854)等最有名。他写的21首匈牙利舞曲(1852~1869),形象生动鲜明,真实地体现了匈牙利民族民间音乐的特点,在人民中广为流传。</div><div> 勃拉姆斯的一生从未间断艺术歌曲的创作。除大型合唱外,数量最多并有影响的是抒情歌曲和民歌改编曲。它们直接继承了舒伯特和舒曼的艺术歌曲的传统,感情真挚朴实,声乐和钢琴部分结合完美。有的纤细复杂,反映了19世纪下半叶德奥知识分子复杂而敏感的思绪,如《我的呻吟更形低微》(1886)、《我的爱情多青春》(1874)等,有的充满生活情趣和富有幽默感,如《徒然的小夜曲》(1878)、《铁匠》(1858)等。不少作品和德奥民间音乐有着内在联系,有浓厚的民族风格,如著名的《摇篮曲》(1868)就几乎被当作民歌传唱。在大型作品中,他为合唱、独唱和管弦乐队写的《德意志安魂曲》(1857~1868)是这类作品中最宏伟深沉的一部。此外《命运之歌》(1871)、《女低音狂想曲》(1869)等也占有一定地位。</div><div> 勃拉姆斯从青年时代起就热爱民歌并记录整理,直到晚年。在L·van贝多芬之后像勃拉姆斯那样专心收集并研究改编民歌的作曲家是不多见的。他曾在一封信中说:“民歌──是我的理想。”他晚年最后完成的7册《德意志民歌集》(1894),是他对德奥民间音乐文化研究的重大贡献。</div><div> 勃拉姆斯的创作和生活是与19世纪下半叶极其复杂矛盾的德奥现实相联系的,尽管时代和阶级给他的创作带来局限,但他仍能在这种情况下继承古典传统,汲取浪漫主义精华,写出有创造性的、有个性的、表达了强烈民族情感和爱国思想的优秀作品,并成为19世纪下半叶德国音乐文化中的一位杰出代表。</div><div><br></div> <h3><font color="#010101">勃拉姆斯(摇篮曲)马友友演奏</font></h3> <h3>轶事</h3><div> 终生未娶</div><div> 勃拉姆斯终生没有结过婚。因此,不喜欢他的人就指责他的音乐缺乏感情,说在他的音乐中,感受不到人间的温暖气息。其实,勃拉姆斯看似冷漠、狂暴、粗鲁,却不乏幽默。有一次,一位友人问勃拉姆斯在演奏时是否戴眼镜,因为他是近视眼。他回答:“当然戴了,当谱上出现姑娘们将走过的句子时,我非得戴上眼镜瞧一瞧不可。”在街上散步的时候,他往往取下眼镜,说这样做的结果就是到处都是美人。他对他的朋友讲他不结婚的理由是觉得搞艺术养活不起妻子。特别是在自己的作品不被承认时,怕妻子遭受不住失败的打击,尤其怕看见妻子忧心忡忡的眼睛。</div><div> “克莱采尔”的奇遇</div><div> 1853年,勃拉姆斯和雷门尼来到汉诺威演出,曲目是贝多芬的《克莱采尔奏鸣曲》。音乐会马上就要开始了。雷门尼潇洒地握起琴弓,缓缓步入厅中,钢琴伴奏者勃拉姆斯悄然试琴以待。令人惊慌不安的事发生了,钢琴的音比小提琴的音低了半音。一切都来不及了。台后的有关人员急得像热锅上的蚂蚁。他们无望地盯着勃拉姆斯:“怎么办才好呢?把演奏的时间往后延迟一点,赶快重新调弦?”勃拉姆斯安然地抬起双手,在原调的基础上,升高半音背谱演奏。音乐柔和地进行着,没有误差,毫无瑕疵。</div><div> 欧洲首屈一指的小提琴家约瑟夫·约阿希姆亲自聆听了音乐会的演奏,深为当时默默无闻的勃拉姆斯的技艺所折服。事后,他把勃拉姆斯介绍给舒曼等成名的大音乐家。勃拉姆斯与舒曼的相识,成为他一生重大的转折点。“克莱采尔”幸遇勃拉姆斯,勃拉姆斯又何尝不因此而庆幸地结识了伟大的舒曼呢?!勃拉姆斯通常被列为三“B”之一,与巴赫、贝多芬齐名。在19世纪欧洲乐坛,他是一位与“瓦格纳旋风”相抗衡的作曲家。他所致力于古典风格的“无标题”音乐的创作,为19世纪以汉斯立克为代表的音乐美学的“百律论”主张,提供了有力的支持。此外,他还吸收德国以及其他地域的民间音乐的营养,来丰富和发展古典音乐传统。这一特征在他的艺术歌曲和部分室内乐作品中得到充分体现。他的近200首歌曲是19世纪下半叶最优秀的音乐诗篇。他避免标题音乐,遵循古典主义美学原则,重视乐曲本身结构的清晰和均衡,重现作曲技法运用的洗炼和严谨。但这些作品并不缺乏现实生活与人的情感变化的深刻联系。因此,他作品的本性实质上是浪漫主义的。他的近200首歌曲都和德国民歌紧密联系,不但精心提炼,而且深奥复杂。</div><div> 单身汉与《摇篮曲》</div><div> 音乐史上有一件趣事,那就是两首脍炙人口的摇篮曲,都出自两位单身汉的手笔——舒伯特和勃拉姆斯。成名后的勃拉姆斯,定居维也纳,过着愉快而幸福的生活。事业上的一帆风顺,使勃拉姆斯更有信心活跃在乐坛上。这期间他去过汉堡指导少女四重合唱团。倾慕他才气的少女们纷至沓来,合唱团由原来的28人增加到40人,女孩子们热切关注这位令人尊敬的大师。合唱团中一位美丽、活泼、嗓音清澈甜美的小姑娘阿加特,显得尤为激动。她常常给勃拉姆斯演唱维也纳风格的华尔兹。小姑娘不久就成了法柏夫人。1868年夏季,贝尔塔夫妇她生下第一个男孩的时候,仍然是单身汉的勃拉姆斯以满腔的柔情写了一首《摇篮曲》,作为贺礼献给了法柏夫人。那美丽、动听的三拍子的《摇篮曲》,是勃拉姆斯对摇篮曲体裁的一次创新。</div><div> 勃拉姆斯虽20岁时就开始交响曲创作,但迟至40岁才完成。原因受到贝多芬九大交响曲影响,认为交响曲水平始终无法达到贝多芬画下的高度。但第一号交响曲发表后,接连很快就继续到第四号交响曲的写作。</div><div> 勃拉姆斯还有很多传世经典,诸如小提琴协奏曲,被称为四大小提琴协奏曲。其他三大:贝多芬、门德尔松、柴可夫斯基。</div><div> 克拉拉。</div><div> 勃拉姆斯与柴可夫斯基曾经见过一面,德意志遇到纤细的斯拉夫人,两人相见两厌。勃拉姆斯甚至讨厌他盛于外传对手瓦格纳。</div><div>勃拉姆斯与小提琴家约阿希姆友好,约阿希姆曾修改过小提琴协奏曲部分片段。</div><div> 勃拉姆斯音乐圈友人还有圆舞曲之王小约翰·斯特劳斯,以及他相当提携捷克音乐家德弗札克,也曾半开玩笑说:“我真忌妒德弗札克,可以有这么多灵感。”</div><div> 勃拉姆斯表面严肃,实际上幽默。身高不高,虽然穿梭在上流社会,却因为自己出身低微,对上流社会女性有种自卑感。早年相片十分俊美,金发碧眼,晚年则留起大胡子,似自暴自弃。财务状况良好,不似音乐家莫扎特、贝多芬或舒伯特拮据。</div><div> 小提琴奏鸣曲第二号第一乐章片段,乃取自作的歌曲“就像音乐飘过”。将歌曲纳入正式作品。</div><div> 匈牙利舞曲,曾经被告侵权,但是最后胜诉;德弗札克后也创作类似的斯拉夫舞曲。</div><div>大学庆典序曲,是因为被授予哲学荣誉博士时所作。</div><div> 据说音乐也透过毕罗,间接影响了走华格纳风格的理察·斯特劳斯。</div><h3><a href="https://mp.weixin.qq.com/s/NU0sZJiKza7AnGqEMAmltQ"target="_blank" class="link"><i class="iconfont icon-iconfontlink"></i>勃拉姆斯值得收藏的十部佳作</a></h3> <h3>勃拉姆斯《德意志安魂曲》</h3><h3>卡拉扬指挥维也纳爱乐乐团</h3><h3> 与前人的安魂曲作品相比,无论在内容或在音乐上,勃拉姆斯的《德意志安魂曲》都开创一个全新的意境,更富于人性。这一作品是勃拉姆斯最伟大的声乐作品,标志着他的音乐创作达到了一个顶峰,也使他在整个欧洲赢得了极高的声誉。《德意志安魂曲》把合唱、独唱与管弦乐完美的结合在了一起,其创作灵感来源于亨德尔的复调音乐传统。</h3><h3> 勃拉姆斯的《德意志安魂曲》在安魂曲音乐中的特殊的地位,在于它不但是以德语演唱的(“德意志”在此有“德语的”及“德国的”双重意义)、唱词摆脱了传统的拉丁语经文的规范,而且精神上更富于人性,从天主教的神性转向自马丁·路德以来在德国兴起的新教的精神(在这个意义上是“德国的”)。勃拉姆斯是从1857年开始创作《德意志安魂曲》的、那年他才24岁。到1861年,安魂曲已经写了四个乐章。1865至1866年间,为纪念母亲的去世,勃拉姆斯增加了两个乐章。到1868年写出最后的一段音乐(有女高音独唱的第五乐章)后,此曲才告完成,创作前后历时11年。</h3><div> 最终版本的《德意志安魂曲》共有七个乐章。勃拉姆斯是个虔诚的新教徒,《德意志安魂曲》的唱词是他自己从路德翻译的旧约和新约圣经中关于死亡、信仰和永生的段落中精心挑选编缀而成的。由于勃拉姆斯极其熟悉《圣经》,唱词编来浑然一气,不落痕迹,只就文字来论,已是大手笔。他写的音乐和他挑选的唱词配合得天衣无缝,在这里虽然也有哀悼,也有悲伤,但是没有传统的关于末日审判的恐怖,没有奉献、赎罪、超拔的内容,而是代以一种不同的关于生与死的信念:凡有血气的,尽都如草如花,草必凋残,花必谢落;但是有信仰的,死亡并不是一件可怕的事,他们会从上帝那里得到安慰。如果把这里的“上帝”换成“信仰”二字,就有着更广泛的涵义。</div><div> 勃拉姆斯是继贝多芬之后最伟大的作曲家之一,很多人都以贝多芬作为榜样,贝多芬几乎就是古典乐坛的至高存在了,而勃拉姆斯的《德意志安魂曲》比起老贝的感人程度是有过之而无不及。从美学的崇高美角度而论,这部作品是属于与巴赫的《b 小调弥撒》、《马太受难曲》、亨德尔的《弥赛亚》、贝多芬的《第九交响曲》、《庄严弥撒》同一等级的,这是勃拉姆斯年轻时的成名之作。由此可见勃拉姆斯是站在怎样的起点上的。</div><div><br></div> <h3>勃拉姆斯《D大调小提琴协奏曲》</h3><h3>朱莉娅.费舍尔演奏</h3><h3> 德国作曲家约翰奈斯·勃拉姆斯作于1877~1878年,是作者一生中创作的唯一的小提琴协奏曲。</h3><div> 乐曲具有浓厚的田园牧歌风味和匈牙利民歌情调,那种安详与厚重相得益彰的感觉,正是勃拉姆斯所独具的特色。在这部作品中,勃拉姆斯成功地将浪漫主义的激情与古典主义的严谨结合起来,并在曲式上有很多大胆创新。</div><div> 乐曲赏析</div><div> 全曲共分三个乐章:</div><div> 第一乐章,不太快的快板,3/4拍子,奏鸣曲式。乐曲开始直接由中提琴、大提琴与单簧管悠然地奏出第一主题,之后主奏小提奏以d小调热情而华丽地登场;由主奏小提琴演奏的主题速度减慢,充满牧歌风格;接下来的是美妙的发展及变奏,使整个乐章从头至尾都具有浓重的匈牙利民间音乐特征。</div><div> 第二乐章,慢板,F大调,2/4拍子,三段体。 首先由管乐器缓慢地开始,之后由双簧管奏出徐缓优美的田园风格旋律,稍稍带有一丝荒凉的感觉,这无疑是整个乐章中最动人之所在。</div><div> 第三乐章,活泼而不太快的,游戏似的快板,D大调,2/4拍子,不规则的回旋奏鸣曲式。这是整部作品中最富创造性的乐章。旋律轻快活泼,抒情优美,又不乏震撼人心的气势。</div> <h3>勃拉姆斯《海顿主题变奏曲》</h3><h3>穆蒂指挥费城管弦乐团</h3> <h3>  马勒(Gustav Mahler 1860-1911)作曲家、指挥家。1860年7月7日生于波希米亚卡里什特。父亲是一个小酒厂老板,很早马勒就表现出音乐才能。6岁开始学习钢琴,15岁到维也纳进音乐专科学校,三年以后进维也纳音乐学院。20岁起受聘于三流的夏季剧院指挥小歌剧。1885年在莱比锡指挥门德尔松的《圣保罗》大获成功。</h3><div> 直到28岁(1888年)被聘为布达佩斯皇家歌剧院指挥。后来又到了汉堡,在37岁时他接受维也纳歌剧院握有绝对权力的指挥席位,遂成当代伟大指挥家之一。1899年发表他《第一交响曲》。此后在指挥之外,他创作不断。在维也纳十年(1897-1907)他满腔热情投人音乐事业,使浮浅的听众懂得尊敬莫扎特、贝多芬和格鲁克,并使听众能欣赏瓦格纳的完整歌剧原作。马勒在维也纳的最后几年,反对者所搞的阴谋诡计,使他十分痛苦。</div><div> 马勒说:“我对什么事情都可以让步,但在艺术上——绝不!”这种不妥协的态度 必然树立许多的敌人,尽管他把帝国歌剧院改造为欧洲首屈一指的歌剧院,反对他的阴谋有增无减。他的小女儿早夭,使他备受痛苦煎熬。祸不单</div><div>行,发现他自己患了心脏病,最后被迫辞职。此时马勒已48岁,接受了美国纽约大都会歌剧院聘请,马勒希望挣够了钱以便50岁退休时,能享有心灵上安静从事创作。</div><div> 但是,在美国纽约的三年,他始终在动荡之中,这由于他强烈的个性必然引起的。1909年马勒担任了纽约爱乐乐团的指挥。在繁忙的演出季节里,马勒受链球菌的感染病倒了。当送他到巴黎治疗时,他病更重了。于是最后旅程还是回到他取得巨大成功的地方,也是使他爱恨交集的既迷人而又使人恼怒的维也纳。临终前,他躺着用一个手指在被子上指挥,口里念着一个名字:“莫扎特……”1911年5月18日逝于维也纳。 马勒是卓越的维也纳交响乐大师行列中的最后一个,这些大师从海顿、莫扎特、贝多芬、舒伯特直到布鲁格纳和勃拉姆斯。</div><div> 他的代表作有九部交响曲,其中《第十交响曲》未能完成,后来经过编订已上演了。为纪念他的早夭女儿的《亡儿之歌》十分感人,还有《大地之歌》、《旅人之歌》以及清唱剧《悲叹之歌》等名作。</div> <h3>马勒交响声乐套曲《大地之歌》</h3><h3>柏林爱乐大厅</h3><h3> 《大地之歌》是交响性声乐套曲,由奥地利作曲家古斯塔夫.马勒创作于1908年。作品虽是交响曲,却未排入其交响曲的编号,缘于按照马勒作品的顺序,这部作品应排为“第九交响曲”,而这被马勒认为不吉祥,因为贝多芬、舒伯特、德沃夏克都是在写完自己的第九交响曲后去世的,所以最后定名“大地之歌”。</h3><h3> 这部交响曲是作者最为重要的作品之一。作品采用了七首中国唐诗的德文版为歌词写作完成, 这在西洋音乐史上是绝无仅有的。作品的副标题为“一个男高音与一个女低音(或男中音)声部与管弦乐的交响曲”。1911年11月20日由马勒弟子布鲁诺·瓦尔特初演于慕尼黑,可惜当时作者已经去世。</h3><h3> 《大地之歌》包括六个乐章:</h3><div>第一乐章《愁世的饮酒歌》,歌词选自李白的《悲歌行》;</div><div>第二乐章《寒秋孤影》,歌词选自钱起的《效古秋夜长》;</div><div>第三乐章《青春》,歌词选自李白的不明诗篇;</div><div>第四乐章《美女》,歌词选自李白的《采莲曲》;</div><div>第五乐章《春天里的醉汉》,歌词选自李白的《春日醉起言志》;</div><div>第六乐章《永别》,歌词选自孟浩然的《宿业师山房待丁大不止》和王维的《送别》。</div><div> 《大地之歌》是古斯塔夫·马勒整个交响音乐文献中一部非常独特的作品。马勒在这部作品中终于将自己毕生主要运用的两种音乐体裁——交响曲和艺术歌曲——完美地融合在了一起。1907年夏天,他根据汉斯·贝格的《中国之笛》中李白、钱起(长期以来误作张籍,最近我们确证为钱起)、孟浩然和王维所作七首德译唐诗创作的。</div><h3><a href="http://wemedia.ifeng.com/39280634/wemedia.shtml"target="_blank" class="link"><i class="iconfont icon-iconfontlink"></i>大地之歌:根植于中国唐诗的西方音乐经典,充满了哲学性的思维</a></h3> <h3>马勒《第八交响曲》</h3><h3> 《第八交响曲》是马勒所创作的交响曲中最著名的一首,用马勒自己的话来说,此曲是对前七部的总结。其除了庞大的交响乐队,还有两个混声合唱队,一个童声合唱团,七个独唱演员。也因此被称为“千人交响曲”。《第八交响曲》不但规模大,内容也有所突破,个人的悲剧因素减少很多。取而代之的是贝多芬式的博爱、欢乐和幸福。</h3><div> 马勒创作此曲时,曾写信给门盖尔贝格,称,“这是在我过去作品中最大的作品,内容与形式都非常独特,无法用语言来表示。你不妨想象大宇宙发出音响的情形,那简直已不是人类的声音,而是太阳运行的声音。”他又说,“我过去的交响曲,只不过属于这首交响曲的序曲。过去的作品表现的都是主观性的悲剧,这首作品却是歌颂伟大的欢乐与光荣。”这首交响曲原分为4个乐章,后取消中间的谐谑曲与慢板,变成两部分。</div><div><br></div><div> 第一部分,“请造物主的圣灵降临”。降E大调,激动的快板,歌词选自梅因兹大主教符拉巴努斯·毛鲁斯所作的拉丁语圣诗《请造物主的圣灵降临》。先由合唱唱“请造物主的灵降临,你的创造在我们心中”作为经过句后,由第一女高音用降B小调优美地唱“赐我恩泽”为第二主题。各独唱者承接而加上合唱。在第二主题后,有两个女高音表现的新旋律,然后唱“您给予我安慰,给予我崇高的仁慈,生活的源泉,爱的光辉,如甘露般的恩惠。”之后的短小结尾沉重地结束呈示部。发展部开头出现进行曲风格节奏,巧妙地运用第一主题的两个动机,合唱按第一主题变形唱“我们的身躯因您所赐而充满力量。”平静后加入第二主题材料,减慢后第一主题动机做各种处理,独唱者唱“您的火焰为我们燃烧,您的爱在我们当中奔流。”加上合唱后,以第二主题衍生的新旋律,向前做圣咏风格的进行,独唱者加入,以“驱逐我们狡猾的敌人,赐予我们和平,直到永恒。通过您,我们至高无上的引路者,让我们躲避一切邪恶,赐我们予胜利”形成高潮。接下来的歌词是“请赐予我们多重的仁慈,您就是圣父右手七宝齐全的手指。通过您,让我们认识圣父,认识圣子,对圣父、圣子以及圣灵,让我们信仰您和圣灵,直到永远。”发展部最后高唱“请造物主的圣灵降临”。从第一主题进入再现部,再现部再现第一主题后,独唱者唱第二主题,歌词是:“请赐予我们您神圣的恩典,赐予我们和平,让我们挣脱斗争的锁链,使我们预见欢乐。”结尾在对位技巧之后,童声合唱“光荣归于上帝我们的圣父,归于圣子,他曾死而复活。也归于圣灵,天长地久,直到永恒。”</div><div>歌词译文:</div><div>求造物主圣神降临,</div><div>眷顾你的信众之心,</div><div>使你所造的众灵魂,</div><div>充满上天圣宠甘霖。</div><div>你被尊为安慰之神,</div><div>至高天主特殊宠恩,</div><div>你是活泉、神火、圣爱,</div><div>众善灵的圣德馥芬。</div><div>求主照我三思五官,</div><div>以你圣爱充我心灵,</div><div>更以你的超然力量,</div><div>坚我软弱补我诸短。</div><div>驱逐敌仇悉使远遁,</div><div>惠赐我们诸事平顺。</div><div>俾能避免诸般危害,</div><div>赖你领导安稳前进。</div><div>你是七神恩的施主,</div><div>全能圣父坚强右臂。</div><div>使能借你获识圣父,</div><div>与其唯一所生圣子,</div><div>你是父子共发之神,</div><div>我虔信你毕生不渝。</div><div>求造物主圣神降临,</div><div>眷顾你的信众之心,</div><div>使你所造的众灵魂,</div><div>充满上天圣宠甘霖。</div><div>敬赐吾等以喜乐,</div><div>与吾等汝之安谐,</div><div>息吾争纷,扫吾讼怨,</div><div>系吾于平和之纽结。</div><div>但愿至尊天主圣父,</div><div>死而复活天主圣子,</div><div>偕同施慰天主圣神,</div><div>获享光荣万世无穷。</div><div><br></div><div>第二部分,歌德的《浮士德》第二部分最后一场的配乐,马勒认为,这是对“请造物主的圣灵降临”的祈祷的较好应验。这是对浮士德与玛格丽特在天界超越了自身的描述。这一部分分为3段:第一段稍慢一点,由降E小调序奏和快板构成,加以合唱与独唱。第二段以女声独唱为中心。第三段具有圣诗风格,有8名独唱者:第一女高音(罪孽深重的悔罪女)、第二女高音(一名悔罪女(原名格蕾琴))、第三女高音(荣光圣母)、第一女低音(撒玛利亚妇人)、第二女低音(埃及的玛利亚)、男高音(崇拜圣母玛利亚的博士)、男中音(恍惚入神的神父)、男低音(从深渊呼号的神父)。先以稍慢的慢板,在小提琴八度震音下,低音弦乐与木管呈示主要的动机群,表现宁静的大自然。铜管承接后,加上合唱,反复各种变化,合唱歌词大意为:“森林莽莽苍苍,巉岩重叠如嶂,树根纠缠盘绕,树干密密参天.百道山泉飞溅,千座岩扉荫罩,狮子与人为伍,默默在周围徘徊,如此洞天福地,实为圣爱所在。”极乐神甫:“欢乐之焰永恒,恩爱情缘如楚,胸中苦痛煎熬,法悦三昧如醇,圣箭穿我心.圣枪刺我身,雷石捣我为齑粉,电火烧我成灰烬。一切虚无之物。消失如灰飞烟灭,唯有耿耿长明星,永恒之爱的核心。”沉思的神甫:“脚下悬岩重万钧,下临绝壑深千仞,千道溪泉齐奔泻,飞泡溅沫浮光晶,古木森森立擎天,如有大力参浮云,宏哉爱力正如此,造形万物育万类,周围风狂怒号,林涛声声如涌,山泉直下千里,水波粼粼喧哗,灌注谷底如施刮,电光闪闪下天郊,扫除毒雾与妖氛,万里长空更清寥,爱之使者告世人,永恒造化育众生,纵使心热如焚,心态冷如冰霜,官能迟钝失灵,如被锁链禁锢,诸神解我焦思,光明照我饥渴心。”飘浮在高空中,荷着浮士德灵魂的天使们合唱:“灵界高贵的成员,已从魔鬼手中救出,凡是自强不息者,都能获得我们拯救,更有爱从天降,圣光庇护其身,极乐之群与之相遇,衷心表示欢迎。”升天的孩子们旋绕在最高山顶合唱:“手挽手儿我和你,连成一圈真欢喜,一起跳跃歌唱,唱出圣洁情感,神明所教养,我们所依赖,我们将瞻仰,我们所敬爱。”较年轻的天使们的合唱:“玫瑰花,圣洁手,赎罪女子情意厚,助我获胜,大功告成。获此至宝,获此灵魂。天花乱坠,恶者自退。</div><div>天花所中,魔鬼崩溃。地狱之刑,习之已惯。魔受爱恼,倍觉悲惨,即使老狯,恶魔之王,锐利之痛,刺彼胸膛,请君欢呼,齐声歌唱。”较成熟的天使们合唱:“尘世遗蜕,荷之辛苦,纵是石棉,也非纯净,精神之力,吸引颇强,吸引元素,附着于身,形与神合,亦肉亦灵,纵有天使,亦难分泾渭,只有永恒之爱,才使灵肉离分。”较年轻的天使们合唱:“雾罩岩顶,方觉察有生命的精灵,在周围活跃.浮云澄清,看出是活泼的升天的孩子,他们摆脱了尘厄,手拉手连成圆圈,神会心领,上界的绮丽新春,他初来应与孩子们为伍,渐底于成,宏德于已。”升天的孩子们合唱:“竭诚相迎,作为良友.此身如蛹,尚在茧中,亦如抵押,天使之质,我们加以保护,为之层层剥去茧壳,生命得到福佑,已长大变成美好。”在极高极洁净的石龛中赞美玛利亚的学者:“在这儿自由眺望,精神无比高扬,有美人结队成行,飘摇而直上上界,其中有庄严的圣体,星冠璀璨辉煌。我向光辉瞻仰,世界上最崇高的女帝呵,请让我在苍穹下面,瞻仰你的神圣。请你容许,侠气与温情,激荡着男人的心胸。以圣洁的爱向你奉献,您一旦庄严地命令,我们的勇气便不可战胜。您只要稍加安抚,心中的焦躁就会突然清净。最纯洁的处女,最崇高的圣母,万民选出的女王,位与诸神为伍。”合唱:“你是不可扪触者,但你也不禁止,易受诱惑的人们,虔诚地向你走近。世人不容易拯救,谁能用自己的力量,挣断欲望的锁链,踏着光滑而倾斜的坡,谁能不容易失足!”赎罪女子们的合唱:“在天乡处处翱翔,请接受我们的心声,您崇高无比的圣母,您大慈大悲。”罪之女(玛丽·玛格达连,歌词选自《路加福音》第七章第三十六节):“我以爱情向圣母祈祷,泪洒圣子脚上,滚滚如涂香膏,不顾法利赛人讥讽,我持小瓶向圣母请求,瓶中芳香流溢不尽,我以我的发丝告诉圣母,它曾擦干神圣的肢体。”撒玛利亚之女(歌词选自《约翰福音》第四章):“我以此泉水祈祷我圣母,亚伯拉罕曾到此放牧。我以此水桶祈祷我圣母,耶稣曾以它解渴。我以此清泉祈祷我圣母,清泉滚滚,源远流长,永世常清不竭,流向四面八方。”埃及的玛利亚:“我在此圣地,卸下救世主,作为我之证,祈祷我圣母,我以您的手臂,阻我入门去,作为我之证,祈祷我圣母,潜居沙漠,40年忏悔,祈祷我圣母,我在沙漠中,所记告别辞,辞意含况福,祈祷我圣母。”3人合唱:“您不拒绝罪深的女人,向您靠拢。人如能忏悔,忏悔必有功,其功不会没,升之于无穷。这儿有一位善女,一次偶然失身,过失出于无意,请您广开鸿恩。”赎罪之女(玛格丽特):“回过头,回过头来,无比的圣母呵,无比的光辉,请慈悲地一瞥我的幸福,我早年的爱人,他已经回来,不再是那么痴呆。”升天的孩子们环绕着向前:“他那健壮的躯体,已比我们有力。我们的诚心呵护,会得到丰富的馈赠,我们过早离开人间,对人也全然无知,他却见多识广,会给我们教益。”赎罪女子(玛格丽特):“被珍贵的精灵环绕,神智尚未十分清醒,他还未感知到新鲜的生命,便已进入神圣之群。看哪,他已摆脱了尘世的所有羁绊,抛弃了旧日的腐臭皮囊,从厚重的云霞中,挣出青春的力量,请让我用心指导他,他还在新生的白昼中,睁不开眼睛。”光明圣母:“来吧,升向更高的境界!他会觉察到你.他会跟着你飞升。”赞美玛利亚的学者:“忏悔感悟的人,沐浴着神圣的光辉,从此改头换面,共同超凡人圣,任何向上的意志,无不向您皈依。处女,圣母,女神,天后,但愿永远得到您的恩佑。”神秘的合唱告终:“一切无常事,只是一虚影,不可企及者,在此事已成,不可名状者,在此已实有,永恒的女性,引领我们向上。”</div> <h3> 理查德·施特劳斯(Richard Strauss 1864-1949) 是近代德国杰出的作曲家及指挥家。</h3><h3> 他于1864年生于慕尼黑,其父是宫廷乐队的圆号手,五岁开始作曲,十岁前就写了《节日进行曲》和《木管小夜曲》。后入慕尼黑大学学习,中途辍学,去曼宁根乐队担任著名指挥家比罗的副指挥,后任正指挥。</h3><div> 在乐队里,他受第二小提琴手、音乐哲学家里特的影响,要求“以李斯特、柏辽兹及瓦格纳的作品为榜样来表达音乐”。从此,专注于交响诗的写作,作有《唐·璜》、《堂·吉诃德》、《死与变形》、《英雄生涯》以及《家庭交响曲》等九部交响诗及其他管弦乐曲。</div><div>1900年后专心于歌剧创作,写了《莎乐美》、《埃列克特拉》、《玫瑰骑士》等十四部歌剧。他的创作以色彩艳丽、形象生动、手法新颖而著称。</div><div> 他还是世界上最卓越的歌剧和交响乐指挥之一,先后担任过慕尼黑歌剧院、柏林爱乐乐团、柏林皇家歌剧院、维也纳歌剧院等著名音乐团体的指挥,并且是瓦格纳作品的权威注释者。理查德·施特劳斯具有极其卓越的对位写作才能,几乎所有作品的织体都非常复杂。</div><div> 他还是美国电影《飘》配乐作曲家马克斯·史坦纳的教父和老师。</div><div> 理查德·施特劳斯是他那个时代最伟大的音乐家之一。虽然他的一生长达85年,但他最重要的作品都是在50岁以前写的。</div><div> 像早期的许多伟大的音乐家一样,年少的理查德是一个神童。理查德·施特劳斯在4岁时就开始学习弹钢琴,6岁时曾写过一支波尔卡舞曲,8岁时开始学小提琴。当他进中学时,上的是作曲和乐器学的特别课,即交响乐中乐器的运用。十六岁时,理查德为一出古老的希腊戏剧写了一个合唱曲,又写了一个节日序曲,使他的老师和同班同学很惊奇。当一个著名的指挥演出理查德的第一交响曲,使他在音乐界扬名时,他才18岁。</div><div> 起初,理查德只关心较老的古典音乐形式,只把海顿、莫扎特、贝多芬和勃拉姆斯作为自己的模范。后来他同一个仿效浪漫派音乐的音乐家交上了朋友,通过他,理查德开始懂得和热爱李斯特,他运用音乐家们从来也没敢使用的方法,利用一些音乐主题和一个巨大的管弦乐团的所有乐器写了一些浪漫派音乐和音诗。</div><div> 除了作为一个作曲家之外,理查德·施特劳斯还是一个大指挥家。从22岁起,到26岁止,他领导了慕尼黑宫廷剧院的管弦乐队,然后,他又被委任为魏玛的指挥。在这个被巴赫、歌德、李斯特的灵魂所萦绕着的古老市镇里,理查德创作了他那些伟大的交响诗。他象李斯特曾做过的那样,在音乐中表达了各种思想和诗。然后理查德更进一步,甚至于用交响诗把故事变成音乐。</div> <h3>理查德·施特劳斯交响诗</h3><h3>《查拉图斯特拉如是说》指挥卡拉扬</h3><h3> 德国作曲家理查·施特劳斯的同名交响诗“查拉图斯特拉如是说”的创意来源于哲学家尼采的同名著作,是描写无神论者从唯心走向唯物的一个富于哲理的过程。</h3><h3> 全曲共分9段;第一段“日出”的标题是作者理查·施特劳斯自己加上的——虽然只有短短的1分30秒的音乐,却把一轮红日喷薄而出的情景刻画的极为深刻,由于这段音乐强大的气势和艺术表现力,常常被喜爱音响的朋友作为试机用的片段。</h3><div> 其余8段的名称均来自尼采的原著,它们分别是“来世之人”、“渴望”、“欢乐与激情”、“挽歌”、“学术”、“康复”、“舞曲”和“梦游者之歌”。</div><div>“查拉图斯特拉如是说”是受哲学家尼采的同名散文启发而作;著名的“引子”部分表现“日出时人类感觉到上帝的能量”,一个起初由小号悠远地奏出的庄严题旨,一波波地被推向包括管风琴在内的乐队全奏的高潮,壮丽而神圣。</div><div> 此后经过了追求爱情的悲哀和追求科学的徒劳,这位“超人”终于摆脱了这类常人惯有的烦恼而进入到“舞蹈之歌”的欢乐佳境,而最后的“夜晚漫游者之歌”,以高音部的木管和小提琴奏出b大调和弦,而以低音提琴在c大调上拨奏,既象征着“超人”的灵魂上升而世界则在他下面沉沦,又是多调音乐的一个先例。</div><div>创作背景</div><div> 1892年,施特劳斯在埃及时开始读到尼采的作品。这位哲学家“对基督教的抨击,特别震撼我的心弦,读了他的书,证实了我十五岁时不知不觉对这宗教产生的反感是对的,并加深了这种厌恶感。信徒只要忏悔,就可不为自己的行为负责任”。</div><div> 正是这种对宗教的反感,导致他与里特对《贡特拉姆》最后一幕产生分歧。里特是个虔诚的罗马天主教徒,他决不宽恕施特劳斯对最后一幕的修改。修改前,主角贡特拉姆准备向教友忏悔罪过,并准备接受惩罚。但是,施特劳斯受尼采的影响,修改了这一幕,他让贡特拉姆反抗社会和教派的权威,只对他自己负责。我们今天读起来觉得那不过是小题大作,可是在一个世纪前,它令世界震撼。其实这一修改实际上不外是说,施特劳斯作为音乐家,决心走自己的路,并仅对他自己的艺术良知负责。</div><div> 尼采的散文诗《查拉图斯特拉如是说》是1885年完成的。尼采启用生活在公元前约六百年的神秘的波斯人查拉图斯特拉,作为他自己的哲学以及他对战争、贞操、女人、宗教与科学的看法的代言人。这位预言家远离人类,过着穴居生活,他不时回来,把他隐居独处苦思冥想的心得传授给信徒。他对人类提出的一个座右铭是“由最优秀的人(或超人)来统治”;“人是可以征服的,一人之所以伟大,是因为人不是目标,而是到达目标的桥……超人应是大地的化身。”</div><div> 然而,随着重大事件的接踵而至,这个理论黯然失色了,在短短的四十年里,德国军国主义使欧洲两度蒙受战争的苦难。查拉图斯特拉为阐述这一切已累得近乎精神崩溃,但是在尼采的书中,他在养病康复期间,成了理想化的人物,他用诗歌形式,滔滔不绝地陈述哲学思想,诗中描绘了山峦和日出、翩翩起舞的少女和午夜的钟声,还论及意志与永恒。</div><div> 在这个段落中,他插入以“人啊,当心”为首句的十一行诗,马勒在他的《第三交响曲》的一个乐章中用过这个首句。正是尼采这个用华丽语言表述的富于浪漫色彩的形象吸引了作曲家。瓦格纳之后音乐浪漫主义的三位大师(施特劳斯在1894-1896年,马勒由1895-1896年,戴流斯则于1898年)几乎同时分别用音乐表现尼采的《查拉图斯特拉如是说》,这肯定绝非巧合。</div><div> 1966年,塔奇曼(BarBara W.Tuchmall)才华横溢、引人入胜的《辉煌之塔》(The Proud Tower)一书问世,书中将施特劳斯描绘成音乐界的凯撒,并借用罗曼·罗兰对本世纪初欧洲“尼禄主义在传播”的描写,作为她的理论的佐证。她称施特劳斯是“超人理论的忠实信徒”。历史学家惯于把艺术家看成是时代精神的象征,但是他们往往只看到表面现象,而不触及更深的内涵。将施特劳斯与威廉的军国主义精神等同,无异于错误地引导人们将艾尔加与英国的强权外交画上等号。塔奇曼小姐举不出任何有实据的文字资料来证实她的断言。施特劳斯崇拜的是尼采的文学表现力,并非崇拜他的哲学。</div><div> 1946年他写道,他从尼采的《查拉图斯特拉如是说》中获得了“美学的享受”。五十年前,在柏林首演他的作品时,他明确地说,他不打算“写富于哲理性的音乐……我只想用音乐来表现人类经由宗教以及科学的各个发展阶段,由原始人逐渐进化,直到产生尼采的超人思想。我意欲用整首交响诗表达我对尼采的思想的敬意。”</div><div> 关于抽象思想的音诗</div><div> 施特劳斯的《查拉图斯特拉如是说》中没有情节,也不像《悌尔的恶作剧》那样,生动地描绘具体事件。这是一首关于抽象思想的音诗,但是施特劳斯在使两个差异大的调性(代表人的B调和代表自然的C调)的转换和相互对立的基础上,赋予这首音诗戏剧性的和音乐的冲突。他选择了尼采作品中八个章节的标题作音乐插段的提示,但是他还是将整首作品说成是“根据尼采的作品自由改编的”,使自己脱离一眼就能识别的音乐表达文学作品的路子。</div><div>作品的梗概是尼采的,然而内容和细节属施特劳斯风格。</div><div> 在音乐表现上最接近尼采作品的是戴流斯的《生之弥撒》(A Mass of Life)。戴流斯以为施特劳斯的《查拉图斯特拉如是说》是败笔。从他所处的位置来看,这首作品无疑是不成功的;但是,施特劳斯敏锐的创作力,熟练的谱曲技巧,组织结构的节俭性以及和声色彩的独特性,赋予这首作品力量和美,自问世以来,一直取尼采而代之。施特劳斯本人也意识到了这一点。在法国克福最后一次排练后,他写信给妻子说:“在我全部最重要的作品中,它是最光彩夺目的,形式最完美、内容最丰富、音色最独特…… 高潮迭起,妙不可言!!总谱无懈可击……”这听起来似有自鸣得意之虞,但在当时确实这么写了。这或许是职业指挥家激动的反应,而不是作曲家的沾沾自喜。</div><div> 1894年2月,施特劳斯在魏玛首次萌发用音乐草谱《查拉图斯特拉如是说》的构想。1895年7月9日的一则日记,表明他在构思《查拉图斯特拉如是说》。他写道:“构思一首新的音诗:默想,灵性的感受,认识,礼拜仪式,怀疑,失望。”</div><div> 1895年12月7日,他开始认真创作,并于1896年7月17日完成了缩编谱。大总谱是在1896年2月4日至1896年8月24日完成的。在极其动人壮丽的日出序曲(施特劳斯这样描绘序曲:“太阳升起来了,人进入世界,或世界融入人心中。”之后,是下列各乐章的标题:“隐居人”、“极度的渴望”、“欢乐与热情”、“死亡之歌”、“科学”、“康复”、“舞之歌”和“夜游者之歌”。</div><div> 音乐欣赏</div><div> 管弦乐团包括四管制,木管乐器,六支法国号,四支小号,三支长号,两支土巴号,两架竖琴和一架管风琴。总谱惊人地明晰易懂。施特劳斯兼奏乐器,取得了某种比华而不实地使织体复杂化(如马勒所做的那样)更好的效果。</div><div> 音诗以管风琴把低沉的C音延长了四个小节而开始,由此引出了大自然的动机,四支小号奏出C-G-C,接着是大调和小调戏剧性地交替,由定音鼓敲出雷鸣般的三连音。库布里克(Stanles Ktlbrick)独具慧眼,他在1968年拍摄的电影《2001年太空漫游》中采用了这个扣人心弦的经过句,在管风琴奏出最后一个音符时达到了高潮,人在B小调中出场;</div><div> 弦乐用震音表现出某种预兆不祥的探索,“隐居人”显然在探究宗教,因为在谱例16后,弱音法国号奏出素歌信经的主题,显然带有讽刺意味。接着融入施特劳斯华丽的管弦乐旋律中,由柔和的管风琴伴奏,弦乐分奏十六个声部。在这里,我们见到了施特劳斯独有的风格:通过和声“横向移动”的方式进行大转调。英国管和独奏中提琴引出“极度的渴望”,B音作为主要的调性而返回,很快就由多调性经过句中的大自然动机的C大调与之相对比。在这首作品问世之时,这曾引起轩然大波。这次用管风琴奏出的素歌圣母颂歌表现宗教,但被低音弦乐奏出的上冲的主题所拣过,由此开始了“欢乐与热情”的段落。</div><div> 长号引进了一个新的主题,使这个插段的热情骤减:1898年,谢德尔经施特劳斯同意写了一篇分析这首音诗的文章,将这个主题命名为“憎恶”——查拉图斯特拉对纵欲的抗议。纽曼嘲笑音乐可以表达憎恶的看法。然而,从这个主题与B调和C调对抗这种严谨的音乐结构的关系来看,可以看出这个主题是能表达憎恶的。</div><div>B小调调性使“死亡之歌”的织体带上柔和的色调,使其隐藏在神秘中。在这里,谱例16试图再次恢复至高无上的地位。自然动机在小号独奏出辉煌的高潮中返回,然后阴暗遮掩了光线,施特劳斯以“自然与人”的动机为基础的博学的赋格主题表现出他对“科学”的理解,并利用半音音阶的全部十二个音符,编成三种节奏五种不同的调性。</div><div> 但是,他没有让这种忧郁的调子持续很久。谱例16振奋起来,进入了“康复”诙谐曲。尽管谱例17几番努力,以重申科学的严肃性,然而,在人的精神充溢中,它没有这种机会,最后它变成降e调的竖笛奏出的《悌尔的恶作剧》。一系列颤音和小号声重复着自然动机,表现了喧闹的场面,将音乐转到C大调的,表现超人跳舞的“舞之歌”的边缘。</div><div> 施特劳斯在“舞之歌”这个关键的乐章里,第一次用悠扬的独奏小提琴和幽默的双簧管奏出维也纳圆舞曲。这是无可辩驳的证据,证明施特劳斯没有让塔奇曼抓到把柄来攻击他赞同超人哲学。你能想像超人在舞场跳圆舞曲吗?把毫不相关的事结合在一起很有说服力,表现了巴伐利亚人毫不夸张的幽默。附带一句,圆舞曲的主题是自然与人的主题另一次天衣无缝的结合。双簧管主题的前三个音符是自然动机,另外四个音符属于谱例16;</div><div> 为十七个声部的弦乐和两架竖琴谱成的迷人的总谱,最终让位给“康复”插段的酒神赞歌舞曲的返回,接着出现了构想非凡的发展部,其中自然动机与人的主题(谱例16)两种相对的调性反复相互取代,随着舞曲的节奏逐渐热烈起来,尽管“憎恶”的动机(谱例17)不断粗暴地插入。谱例16的一个意气洋洋的陈述,将舞曲带到C大调自然动机的高潮,在那里与谱例18汇合。但是,在“夜游者之歌”夜半钟声敲响的时候,主导着全曲的是谱例17。</div><div> 查拉图斯特拉在诗中,以一种敬畏和狂喜的奇异复杂的心理,表达着战胜灾祸的胜利喜悦。在音诗中,钟声的轰鸣慢慢压倒了谱例17的表现力。调性也从强烈的C调滑到柔和的小夜曲般的B大调了。</div><div> 人的主题(谱例16)作为一个对位旋律用巴松管奏出,“憎恶”的动机最后一次插入,但是很弱的尾声的和声,把一切冲突的痕迹都抹去了,冲突成了一种遥远的记忆,所能听到的,只剩下代表人和自然尚未解决的基本冲突,B调和C调。长号和低音提琴奏出C 调的自然主题,与B大调遥远的木管乐器的高和弦相交替,但我们听到的最后乐音,是大提琴拨奏和低音声部的自然主题。</div><div> 在《悌尔的恶作剧》和《唐吉诃德》中,人们对剧情的了解增加了音乐的欣赏性,而人们在聆听《查拉图斯特拉如是说》时,甚至连“标题”是什么也没必要记住。《查拉图斯特拉如是说》备受人们的青睐绝非偶然,在《2001年太空漫游》之前,《查拉图斯特拉如是说》就开始享有盛名了。</div><div> 这首作品的难度吓不倒当今专业管弦乐团和指挥家,他们喜欢挑战,喜欢总谱。我想听众不了解,也不关心尼采和查拉图斯特拉是何许人也。他们听到的是音色丰富、激动人心、有创新精神的音乐,曲调诙谐、有力,感人至深,旋律很有生命力。对他们来说,这首作品是《理查·施特劳斯如是说》。</div> <h3>卡拉扬指挥理查德·施特劳斯交响诗</h3><h3>《死与净化》</h3><h3> 《死与净化》(Tod und Verklarung,Op.24))作于1888年,完成于1889年。是理查·施特劳斯交响诗中的杰出之作,与曲作者其它交响诗的不同之处是,它不完全是故事性的,也不完全是图解式的,尽管它有详细的说明文字,但是完全可以当作一首无标题音乐来听。</h3><div> 它明显受瓦格纳的《特利斯坦与伊索尔德》的启示而创作,表现一个经历病痛折磨的人在弥留之际回顾往昔的奋斗历程,“当命定的时刻到来时,他的灵魂离开躯体,奔赴永恒的太空,去实现在世间未尽的壮丽理想”。</div><div> </div><div> 第一段“一间陋室里烛光闪烁,一个病人躺在卧榻上。由于同死神搏斗而精疲力竭,他陷入了沉睡。屋内死一般静寂,只听见时钟嘀嗒,仿佛死亡的预兆。一丝微笑浮现在他苍白的脸上:是否当他在生命的边缘上徘徊时梦见了童年的美好时光?”</div><div> 第二段“但死神打断了他的睡梦,粗暴地摇撼它的俘虏;他重新展开搏斗。生的欲望,死的威胁!这是多么可怕的较量!”——在这一段的高潮处出现了“净化”的主题。</div><div> 第三段“他因拚搏而力竭,难以入眠,陷于谵妄,人生的经历一幕一幕浮现眼前。……在死亡的痛楚中,他还在不停地找寻目标,但一切都是枉然,丧钟粉碎了他尘世的躯壳,永恒的黑暗合上了他的双眼。”</div><div> 第四段“在无际的苍穹中,传来了一声威力无比的回响,给他带来了他所渴望并探求而不得的理想:拯救与净化。”——“净化”的主题经过变形,以炫目的光辉越升越高,直抵全曲的最高潮。</div><div> 赏析</div><div> 《死与净化》所表现的内容相当奇特:一位弥留之际的理想主义者陷入对往事的回忆,从童年时光的欢乐,到青春时代的爱情。死后,他的灵魂进入壮丽澄澈的升华之境。</div><div> 人们感到不解的是,施特劳斯在创作此曲之前并无身患重病的经历,他一生中第一次严重的疾病发生于1891年5月,是在《死与净化》首演11个月之后,在1889年之前也从未目睹过垂危的病人。那么他为什么会生出《死与净化》的构思呢?据他自己说,一切都是出自想象。</div><div> 在听过《死与净化》的首演后,施特劳斯的好友亚历山大·冯·里特尔写了一首诗描绘音乐所表现的内容,这首诗得到施特劳斯的认可,曾作为乐曲解说文字印在音乐会节目单上。当《死与净化》的总谱出版时,里特尔写了一首更长的诗印在总谱扉页上。里特尔的描述虽然得到施特劳斯认可,但作曲家本人1895年写给朋友的信中对《死与净化》的简单说明更适合作为聆听此曲的提示。</div><div> 《死与净化》在音乐形式上基本遵循奏鸣曲式,包括一个缓慢的引子和一个表现净化的尾声。在引子中,施特劳斯将听者带到一位处于弥留之际的病人床边。照施特劳斯信中的说法,这位病人很有可能是一位艺术家,曾为崇高的艺术目标而奋斗。引子的气氛压抑、焦虑,一个节奏不对称的动机在弦乐与定音鼓之间游移,表现了微弱不定的心跳和艰难的呼吸,弦乐和长笛发出疲惫的叹息。</div><div> 施特劳斯描述道:“这位病人躺在床上睡着了,他呼吸沉重,梦中的愉快情景在他痛苦的脸上显出一丝笑意。”病人的梦境由竖琴美妙飘渺的音响开始,继而是长笛奏出的令人陶醉的下行乐句和双簧管温暖的上行乐句。开头的音乐再现后,竖琴的动机再次响起,表现病人重新进入梦境,长笛、双簧管和独奏小提琴相继演奏的优美旋律意味着病人在恍惚间回到了美好的童年。这些主题被精心地编入复调织体,仿佛主人公的脑海中充满各种纷繁的回忆。</div><div>定音鼓的猛烈敲击结束了平静的引子,开始了狂暴动荡的快板部分。音乐的汹涌和粗暴表现了病痛的肆虐以及生命的对抗与挣扎。全体乐队以极强(fff)的力度奏出一个上行主题,它表现了主人公内心强烈的求生欲。当它消失后,在全曲中起着核心作用的“理想”主题呈现出来,它以明朗的大调色彩和向上的八度跳进而给人留下深刻印象。</div><div> 发展部在温暖的G大调上开始,表现童年时光的旋律再次由长笛奏出,青年时代的奋斗和业绩由圆号和弦乐在施特劳斯的“英雄调性”降E大调上演奏,继之以B大调上的热烈倾诉,这既是爱情的喜悦,也是生命的激情。这些激动的回忆导致了病痛再次发作(由长号和定音鼓的强奏表现)。但宽广昂扬的“理想”主题冲破阴霾,相继三次出现,每一次都在新的调性上,每一次都更加辉煌饱满。施特劳斯将这段音乐描述为:“尽管病痛在继续,但生命之旅的目标在脑海里呈现,那是他在艺术中努力认识并加以体现,而未能使之尽善尽美的观念和理想,因为世间没有人能使之尽善尽美。”</div><div> 在“理想”主题的第三次陈述结束后,引子返回,不祥的锣声宣告了病人的死亡,“理想”主题从黑暗中缓缓地浮现出来,在圆号和木管乐器高音区闪耀出神圣的光芒,随后弦乐高高地翱翔到绚丽夺目的C大调上,在丰满华丽、光辉四射的和声所展现的浩瀚之境中平静地结束。“死亡的时刻来临,灵魂离开了躯体,飞升到永恒的太空,在最壮丽的形式中获得了人间所没有的完美”。</div><div> 1887年的《死与净化》是施特劳斯交响诗中的杰出之作,与曲作者其它交响诗的不同之处是,它不完全是故事性的,也不完全是图解式的,尽管它有详细的说明文字,但是完全可以当作一首无标题音乐来听。它明显受瓦格纳的《特利斯坦与伊索尔德》的启示而创作,表现一个经历病痛折磨的人在弥留之际回顾往昔的奋斗历程,“当命定的时刻到来时,他的灵魂离开躯体,奔赴永恒的太空,去实现在世间未尽的壮丽理想”。</div> <h3>  1810年,弗里德里克·肖邦生于波兰首都华沙近郊热亚佐瓦沃拉,同年举家搬迁至华沙。1816年,肖邦跟随著名的钢琴教师Wojciech先生学习钢琴。1817年,肖邦创作出第一首作品B大调和g小调波兰舞曲。</h3><div> 1818年,Radziwi家庭宫殿中举行的慈善音乐会上,肖邦第一次登台,演奏了阿达尔伯特·吉罗维(Adalbert Gyrowetz)的作品,从此跻身波兰贵族的沙龙。</div><div> 1822年,肖邦师从音乐教育家、作曲家约瑟夫·艾尔斯内尔(Józef Elsner),一年后公开演奏了德国作曲家费迪南德·里斯(Ferdinand Ries)的作品。</div><div> 1826年,中学毕业后,肖邦在华沙音乐学院继续跟随约瑟夫·艾尔斯内尔学习钢琴演奏和作曲。</div><div> 1829年后,肖邦以作曲家和钢琴家的身份在欧洲巡演,举行多场音乐会。</div><div> 1830年,因波兰起义,肖邦离开故乡波兰移居到法国巴黎,开始以演奏、教学、作曲为生。</div><div> 1837年,肖邦拒绝“俄皇陛下首席钢琴家”的职位和称号。</div><div> 1848年,肖邦在巴黎举办他的最后一次音乐会,并受邀访问英格兰和苏格兰。</div><div> 1849年10月17日,肖邦因肺结核于巴黎的家中去世。</div><div> 肖邦多以钢琴曲为主,体裁多样、内容丰富、感情朴实、手法简练、题材紧扣波兰人民的生活、历史和爱国诗歌,曲调热情奔放、和声丰富多彩、结构灵活自如。</div><div> 作为著名钢琴演奏家,肖邦的演奏技巧精湛、手法细腻、音响华丽、富裕激情、出神入化,他的钢琴踏板用法独特。</div><div> 肖邦创作的练习曲完全突破克莱门蒂、车尔尼、莫谢莱兹以来纯技术性练习曲的创作手法,不刻意突出华丽的炫技性,让音乐传递出更深刻的感情。</div><div> 如《C小调练习曲》(作品10号之12“革命”)是肖邦1831年赴巴黎途中,在得知俄军入侵华沙后悲愤之余写下的。从技巧上看,这是一首左手跑动练习曲,但从右手壮烈的八度音旋律和左手狂风暴雨般的倾泻中却都不难看出作曲家当时内心情绪的极度激动。</div><div> 肖邦圆舞曲一向以优美、高雅、华丽而著称,但由于节奏变化复杂,因而并不适于实际的舞蹈。</div><div> 从表达形式上来说可分为两大类别:一类是把实际的舞蹈加以理想化的作品,如《降E大调华丽大圆舞曲》,《降D大调“小狗”圆舞曲》; 另一类则为圆舞曲形式的抒情诗,如《升c小调圆舞曲》。</div><div> 肖邦的前奏曲,可将风格迥异的个曲,自由结合为组曲。创作于1836至1839年间的《前奏曲》Op.28,这二十四首前奏曲包含了各种不同长度、织度、风格、与多种作曲技巧于其中,调性是以不同的二十四个关系大小调作五度循环的排列,其音乐风格则可以归纳为练习曲、夜曲、玛祖卡、葬礼进行曲、谐谑曲、无穷动、歌谣体、幻想曲与即兴曲等类型。</div><div> 谐谑曲本意味着戏谑,但肖邦诙谐曲作品中却并无突出的戏谑,反而多忧郁和对个人的反抗,其实是包含着对自身的嘲笑与挖苦。</div><div>如创作于1831年的《b小调第一谐谑曲》,第一主题是暴风雨般的狂烈,第二乐章注明慢板处,有怪异的和弦。开头部分的不协和和弦带着突变的情绪出现,但中间段的“美梦”并未被这突如其来的一拳所击破。然后第二主题前半段的怪异和弦又相继出现,重新引入了不断挣扎、搏斗、渴求的情绪,直到结束仍未看到光明的前景。</div><div> 肖邦的玛祖卡舞曲变化性地应用了民间节奏,并按照高度专业化的艺术标准进行再创作,在和声、调式等方面更有独出心裁的创造,他的乐曲中有着更精练的旋律,增加了跳跃感,在变化中赋予诗意。</div><div> 《升c小调舞曲》是肖邦玛祖卡曲目里规模最大的,乐曲的开头受到巴赫的音乐风格影响,有着古典的感情,犹如管风琴的鸣响。封.隆兹评说:“开头好像为管风琴而作,却断然以沙龙风格结束,没有一首作品像这样被推敲过。”</div><div> 夜曲是肖邦自己创新的一种钢琴独奏体裁,它具有冲淡平和,寂静幽澜的特点,轻缓中偶尔透着那么一点点沉思。</div><div> 《升C小调夜曲》,为三段体,第一段以柔声奏出暗淡的旋律,经种种转调后,情绪越来越不安;中段速度转快,出现悲痛的第二主题,它化解为明朗后再复归第一主题。</div><div> 音乐作品 肖邦一生创作了大约二百部作品,主要作品有:钢琴协奏曲2首、钢琴三重奏、钢琴奏鸣曲3首、叙事曲4首、谐谑曲4首、练习曲27首、波罗乃兹舞曲16首、圆舞曲17首、夜曲21首、即兴曲4首、埃科塞兹舞曲3首、歌曲17首;此外还有波莱罗舞曲、船歌、摇篮曲、幻想曲、回旋曲、变奏曲等,共21卷。因大部分作品是钢琴曲,肖邦被誉为“钢琴诗人”。</div><h3><a href="https://na.mbd.baidu.com/vdpaxuo?f=cp"target="_blank" class="link"><i class="iconfont icon-iconfontlink"></i>肖邦试听(四首)</a></h3> <h3>肖邦《降b小调钢琴奏鸣曲》</h3><h3>霍洛维茨演奏</h3> <h3>鲁宾斯坦一肖邦《降A大调波兰舞曲》</h3> <h3>valentina Lisitsa演奏肖邦降E大调夜曲作品</h3><h3> 本曲作于1830年,是肖邦夜曲中最脍炙人口的一首,也是最明朗的一首,作品的风格明显地流露出传统夜曲的痕迹。这首夜曲具有典型的肖邦早期作品的风格,平易优美、 饱含诗意, 可见此时的肖邦已无愧于"钢琴诗人"这个雅号。乐曲的构成为回旋曲式,行板,12/8拍。右手在装饰音中始终保持着华彩的咏唱,左手是节奏相同的伴奏型,自始至终保持同样的形态(片段1)。恬静优美的旋律和精雕细琢的钢琴织体是其主要的特点,描绘着大自然的夜色,也倾诉着作者心灵的话语。</h3> <h3>李云迪演奏肖邦夜曲0P9 N01</h3> <h3>李云迪一肖邦圆舞曲</h3> <h3>Valentina Lgoshina演奏肖邦幻想即兴曲OP66</h3> <h3>傅聪大师课(肖邦24首前奏曲)</h3> <h3>郎朗趣解肖邦谐谑曲(英文)</h3> <h3>天才萝莉Umi Garrett11岁演奏(肖邦第一谐谑曲)</h3> <h3>O63肖邦谐谑曲NO3 OP39</h3> 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